LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 have been collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Julio - Junio - Mayo 2017 / July - June - May 2017


JULIO 2017 / JULY 2017

Little Hurricane “Same Sun Same Moon”. Mascot / Top Artist Promotions 2017.
Como se relata en la hoja promocional de los Little Hurricane, no toda la gente comparte las mismas creencias pero las personas son más parecidas que diferentes. Se puede estar de acuerdo o no con esta filosofía pero es cierto que una parte de razón avala esta tesis. No importa si se está en San Diego, California o Sudáfrica, si se vivía hace 10.000 años o en el día de hoy, todos miramos hacia arriba para ver el mismo sol y la misma luna. Siguiendo con la misma filosofía que Little Hurricane nos cuenta todos estamos conectados entre si de una forma u otra y esta si que es la filosofía de aquellos que siguen las enseñanzas del ho’ponopono hawaiano. Este mensaje de unidad universal late en el corazón de este nuevo trabajo de Little Hurricane. Durante el proceso de creación del álbum, Tone fue atrapado por una fuerza primitiva y poderosa que lo llevó a un viaje de 28 millas descalzo y que casi le quitó la vida. El dúo había estado escribiendo y grabando en su estudio situado sobre antiguas tierras nativas en las montañas de San Diego, unas montañas sagradas para los indios apache chiricahua que inspiraron asimismo a Tone en el proceso de composición. Por todo ello el álbum conserva la honestidad de sus trabajos anteriores añadiendo nuevos timbres y un alcance emocional más amplio y elocuente. MUY BUENO. As said in Little Hurricane’s promo material, everybody does not share the same faith or follows the same behaviour, but people are more similar than different. You may or may not agree with this philosophy, but it is is quite reasonable. It doesn't matter if you are in San Diego, California or South Africa, if a human being was living 10,000 years ago or today, we all raise eyes to see the same sun and the same moon. Following the same philosophy Little Hurricane tells us we are all connected in one way or another and this drives us to think about the philosophy of those who follow Hawaiian ho'ponopono technique. This message of universal unit beats in the heart of Little Hurricane’s new work. During the album creative process, Tone was caught by a primitive and powerful force that led him barefoot to an incredible journey of more than 28 miles that nearly led him to death. The duo had been writing and recording in their studio placed on the ancient native lands in the mountains of San Diego, the sacred mountains of Chiricahua Apache Indians, a place that inspired Tone along the whole creative process. All these reasons make an album that keeps the honesty of his previous work adding a new vision and a wider and really noticeable emotional passion. VERY GOOD.

Johnny Mastro & Mama’s Boys “Never Trust The Living”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Johnny Mastro & Mama’s Boys ha desarrollado su carrera en New Orleans. Originalmente la banda se creó en el famoso club de blues Babe’s & Ricky’s Inn y fue su propietaria Laura ‘Mama’ Gross de quien tomaron el nombre del grupo, ya que fue ella quien les animó a formar la banda y desarrollar ese estilo rudo y sucio que a ella tanto le gustaba. Hoy en día han alcanzado un reconocido prestigio que les ha llevado a tocar en más de cien festivales, realizar diversas giras por Europa y tener publicados diez álbumes hasta la fecha. Para este último trabajo Johnny y su grupo grabaron veintisiete canciones en setenta y ocho tomas, que materializaron en el estudio de grabación en el corto espacio de dos días.  De ellas escogieron once que indudablemente capturan toda la esencia y el espíritu de la música del grupo, una mezcla impoluta de blues tradicional y progresivo, donde no falta un homenaje al los sonidos voodoo de New Orleans. Johnny Mastro armónica y voz, Smoke guitarra, Dean Zucchero bajo y Rob Lee baterÍa y percusión han dado forma a un trabajo honesto, eficaz y muy robusto. MUY BUENO. Johnny Mastro & Mama's Boys has developed his career in New Orleans. Originally the band was founded in the famous blues club Babe's & Ricky's Inn and it was from club owner Laura 'Mama' Gross they took the group name, as she was the one who encouraged them to create the band and develop their dirty rough style she loved so much. Today they have got recognition and prestige which has led them to play in more than one hundred festivals, perform in a good number of tours all over Europe and publish ten albums up to date. For this last piece of work Johnny and the band recorded twenty-seven songs in seventy-eight takes, which were materialized in the recording studio during the short time of two days. Then they chose eleven tracks to complete the album, which undoubtedly capture the essence and spirit of their music, a mixture of spotless convincing traditional and progressive blues, without forgetting a tribute to New Orleans voodoo sounds. Johnny Mastro harmonica and voice, Smoke guitar, Dean Zucchero bass and Rob Lee drums and percussion have given shape to an honest, effective and solid album. VERY GOOD.

Sean Chambers “Trouble & Whiskey”. American Showplace Music 2017.
Sean Chambers empezó su carrera en el blues en 1998 como guitarrista de la banda de Hubert Sumlin. Junto a él estuvo en la carretera hasta el año 2003 recorriéndose todo los Estados Unidos y Europa, adquiriendo gran notoriedad y un peso específico dentro del mundo del blues. Ahora este guitarrista y cantante de Florida presenta su sexto álbum en el que incluye siete temas propios y tres versiones como son “Bullfrog Blues” de Rory Gallagher, “Cut Off My Right Arm” de Johnny Copeland y “Be Careful With A Fool” de B.B. King. En todos ellos Sean muestra su talento como ardiente guitarrista y convencente cantante, bien secundado por Michael Hensley al Hammond B-3 y piano, Todd Cook bajo y Kris Schnebelen batería, junto a la colaboración como invitados de John Ginty al Hammond B-3 y Jimmy Bennett a la guitarra. La excelente producción de Ben Elliott hace subir mucho el listón cualitativo de un álbum ya de por si excelente. Elliott, quien también ha trabajado con Eric Clapton, Keith Richards, Billy Gibbons o Leslie West, consigue realzar sobremanera este poderoso, intenso y electrizante disco que sin duda golpeará con fuerza las entrañas de todos cuantos lo escuchen. MUY BUENO. Sean Chambers began his career in blues music in 1998 as guitar player and Hubert Sumlin’s band leader. They were together in the road up to year 2003 travelling all over United States and around Europe, which made Sean gain notoriety and a specific weight in blues circles. Now this Florida coming guitar player and singer publishes his sixth album that includes seven songs and three versions "Bullfrog Blues" coming from Rory Gallagher, "Cut Off My Right Arm" by Johnny Copeland and "Be Careful With A Fool" by B.B. King. In all songs Sean shows his talent as a flaming guitar player and convincing singer, well supported by Michael Hensley on Hammond B-3 and piano, Todd Cook on bass and Kris Schnebelen on drums and the special collaboration of guest musicians John Ginty on Hammond B-3 and Jimmy Bennet on guitar. The excellent production done by Ben Elliott enhances the quality of an already amazing album. Elliott has worked with such great names like Eric Clapton, Keith Richards, Billy Gibbons or Leslie West so, as you can easily imagine, he has managed to round up a powerful, intense and electrifying album that undoubtedly will knock out most listeners. GREAT.

Elliot And The Untouchables “Bloodhound”. BluePoint 2017.
Por si no fuera de de sobras evidente para los todos los amantes del más visceral y dinámico rock blues, Elliott And The Untouchables confirman toda la calidad que atesoran en todas y cada una de las canciones de este su sexto disco. Una brillante selección de once temas compuestos en su totalidad por el propio Elliott y que abarcan desde el bien conducido, profundo y envolvente blues, hasta el mas brillante rockin’ blues, interpretado con crudeza y una gran dosis de testosterona o el Mississippi swamp blues marca de la casa. Elliott New despliega todo su poder de seducción y conocimiento, imprimiendo a todas las canciones incluidas en el álbum una tremenda originalidad que abarca desde una extrema dulzura hasta el más intenso y sucio groove que uno pueda  imaginar. A ello se une una empastada sección de metales que engrandece la orquestación formada por Sonny Dickey al saxo y Russ Marchese a la trompeta. Los teclados corren a cargo de Ken Largent quien da el contrapunto ideal para que la base rítmica suene sólida y compacta, gracias a la labor de J.T. Anderson al bajo y Jim Heidenreich a la batería. Prepárate para dinamitar tus propias entrañas y las de los que compartan contigo la escucha de este disco, porque Elliott And The Untouchables son pura dinamita sonora. MUY BUENO. If it was not evident for all lovers of the most visceral and dynamic rock blues, Elliott And The Untouchables confirm their undeniable quality in each and every one of the songs included in their sixth album. A bright selection of eleven Elliott’s own songs, ranging from the most deep wrapping blues to an amazing brilliant raw rockin' blues, played with a large dose of testosterone and even a personal and genuine Mississippi swamp blues. Elliott New displays all his knowledge and power of seduction, giving a terrific originality to all songs, that go from an extreme sweetness to the most intense dirty groove one can imagine. A really teamed horn section with Sonny Dickey on sax and Russ Marchese on trumpet magnifies the whole orchestration. Ken Largent is on keyboards and gives the perfect counterpoint to make the rhythm section sound powerful and compact, thanks to the good work of J.T. Anderson on bass and Jim Heidenreich on drums. Get ready to blow up your heart and the ones of all people who listen to this album, because Elliott And The Untouchables are pure dynamite. GREAT.

The Cell “Memories”. Prison 2016.
Esta banda de Checoslovaquia sabe como tiene que pulsar las teclas del rock, el blues y la música Americana para que el resultado suene con propiedad y exigencia. El grupo se formó en el año 2002 cuando el batería Milán Milata y el cantante americano David Gore decidieron unir sus fuerzas y comenzar un proyecto conjunto. Desde entonces han pasado diferentes miembros y en la actualidad el grupo está formado por su líder el batería Milán Milata, el teclista Tomás Komuta, el bajista Leos Koudelka, los guitarristas Michal Benes y Martin Endl y el vocalista David Kangas además de las cantantes Radka Vojáčková y Martina Dolečková
.. Un grupo interesante porque aportan muchos elementos variados y elegantes que dan consistencia e interés a un estilo diferente a lo que estamos acostumbrados, con una buena dosis de de calidad y que emplean unas armonías cromáticas rebosantes de colorido a través de unos arreglos entroncados en la música tradicional y folklórica llenos de sutiles matices. MUY BUENO. This Czechoslovakian band knows how to press the keys of rock, blues and Americana music and reach a proper thorough sound. The group was formed in year 2002 when drummer Milan Milata and American singer David Gore decided to join forces and start a new project together. Since then on the band has included different members and now you will find drummer and leader Milan Milata, keyboardist Tom Komuta, bass player Leos Koudelka, guitarists Michal Benes and Martin Endl and singer David Kangas, plus Radka Vojačkova and Martina Dolečkova as backing vocals. This is an interesting group because they provide a good range of varied elements that give consistency and interest to a style quite different of what we are used to listen to, filled with a good dose of quality with the use of chromatic colourful harmonies through arrangements firmly based in traditional music and folk always full of subtle nuances. VERY GOOD.

Zoe Schwarz Blue Commotion “This Is The Life I Choose”. 33 Records 2017.
La cantante Zoe Schwarz es como una bocanada de aire fresco para el oyente, una mujer que irrumpe con fuerza en el nuevo panorama del rock-blues como un verdadero vendaval caprichoso, apareciendo como un torbellino lleno de magnetismo y encanto para imponer su ley a las audiencias mas ardientes, sobre todo en un momento en que parece que estamos ante un panorama musical a menudo dominado por el nihilismo y el postureo donde Zoe es una clara excepción. Como digo este no es el caso de esta cantante y su grupo Blue Commotion, quienes demuestran fehacientemente que tienen las ideas claras y un proyecto musical muy bien concebido, además de saber como llegar al público y transmitir lodo cuanto llevan dentro, gracias al convencimiento que tienen de la música que fabrican y que hilvanan con acierto en una arriesgada propuesta que a mi me ha convencido. Con una mayoría de temas propios, el álbum confirma la excelente química de todos los componentes de la banda y en especial de la propia Zoe Schwarz con su guitarrista Rob Koral. El resto de la banda la forman Pete Whittaker al Hammond y Paul Robinson a la batería y percusión. En el disco han contado también con la colaboración de Ian Ellis al saxo, Andy Urquhart a la trompeta y Julie Staines a las voces. MUY BUENO. Zoe Schwarz is like a breath of fresh air for all listeners, a woman who appears with strength in new rock-blues scene like a fanciful whirlwind full of magnetism and charm to impose her law to the most passionate audiences, especially on a time that seems we are facing a musical scene where often nihilism and posing prevail, where Zoe is a clear exception. This is not the case for this singer and her group Blue Commotion, who always show they have clear ideas and a well conceived musical project, besides a good knowledge of how reach audiences and communicate their feelings, because they are totally convinced of the music they perform, with a risky proposal that has totally convinced me. With mostly own songs, the album confirms the excellent chemistry among all band members and specially Zoe Schwarz herself and guitar player Rob Koral. The rest band musicians are Pete Whittaker on Hammond and Paul Robinson on drums and percussion. The album has also counted with the valuable collaboration of Ian Ellis on sax, Andy Urquhart on trumpet and Julie Staines on backing vocals. VERY GOOD.

David M’ore “Passion, Soul & Fire”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Este trabajo del cantante, guitarrista y compositor llamado David M’ore, el tercero de su trayectoria, ofrece al oyente, por cierto simplemente con un solo golpe de efecto muy persuasivo, todas las influencias y guiños a la música que a David le apasiona y que le ha ido atrapando a lo largo de su vida. El disco contiene doce tremendas y efectivas canciones todas ellas interpretadas con un alto contenido de alma, pasión y fuego, un fuego que te abrasa, te quema y no deja de intrigarte en todos y cada uno de los temas. A pesar de haber nacido en Argentina David M’ore reside actualmente en San Francisco y es en esa ciudad donde ha montado su base de operaciones. Su mayor influencia puede encontrarse en el agresivo sonido del gran músico que fue Johnny Winter a quien admira y reverencia desde que, siendo todavía muy joven, David descubrió y quedó atrapado por su intensidad y tremenda personalidad. Pero no hay que pensar que a M’ore sólo le gusta Johnny Winter sino que también admira a Deep Purple, Jimi Hendrix, Muddy Waters y ACDC de quienes ha tomado muchas cosas prestadas. Dicho todo esto, supongo que ya habréis adivinado por donde van los tiros de este capaz y solvente artista. Si te gusta la música de Richie Blackmore, Gary Moore, Johnny Winter o Joe Satriani, entonces ten por seguro que David M’ore es tu hombre y te aseguro que con su Stratocaster en las manos sabe como hacer verdadera ‘pupa’. MUY BUENO. Here comes the last work of singer, guitar player and composer David M'ore. It is his third recording up to date and, with just one single persuasive impact, he will give to every listener all the influences and nuances David passionately loves that have deeply caught him. Twelve amazing effective songs all performed with an extreme passion and fire, a fire that will burn your soul since the moment you start listening to it. Despite he was born in Argentina, David M'ore now lives in San Francisco and he has mostly developed his musical career therer. His major influence can be found in the aggressive sound of the great late Johnny Winter, he admires and reverences. David was a child and one day he discovered Winter’s music and he became mad with Winter’s intensity and terrific personality. But do not think he only loves Johnny Winter, he also admires Deep Purple, Jimi Hendrix, Muddy Waters and ACDC he has musically learned from them. This said, I assume you have already discovered what this able and reliable musician will give you. If you like the music of artists like Richie Blackmore, Gary Moore, Johnny Winter or Joe Satriani, then be sure David M'ore is your man and, with his Stratocaster on his hands, he will harm you. VERY GOOD.

Patty Reese “Let In The Sun”. Azalea City Recordings / Blind Raccoon 2017.
¿Quién es, a dónde va y qué pretende la cantante, compositora y a la vez también guitarrista Patty Reese?. Las respuestas a estas preguntas se encuentran en este disco. Son canciones que salen desde lo más profundo de su corazón, canciones que Patty ha construido para uso y disfrute de todos aquellos que quieran acercarse a su música para encontrar la paz y el descanso que se reflejan en sus composiciones. En su música también hay influencias de artistas como Steve Earle, Bonnie Raitt y Bob Dylan a los que adora intensamente. Acompañada por unos buenos músicos Patty se balancea con dinamismo y sutileza por variados aspectos de diversos géneros, y lo hace con una habilidad y una chispa nada corriente en la mayoría de los artistas de hoy día. En el disco podrás encontrar desde baladas del tipo ‘smooth’, hasta rockin’ blues e incluso power soul. Puedo asegurar que esta mujer tiene talento y su música brilla como una mañana soleada de primavera. Patty Reese a la voz y guitarra acústica, Sonny Petrosky al bajo, Andy Hamburger a la batería, Jonathan Sloane a las guitarras junto a los invitados Tommy Lepson a los teclados, David Campbell a la guitarra en un tema y Brian Simms a los teclados en una canción han redondeado un álbum fresco y notable, capaz de levantar tu moral si te sientes decaído. MUY BUENO. Who is, where is she going and what are the goals of singer, songwriter and acoustic guitar player Patty Reese?. The answers to these questions can be found in this album. Songs that come out from the deepest part of her heart, Patty has built up for the use and enjoyment of all those people who want to get closer to her music and find the peace and relaxed atmosphere that comes out from all her compositions. You will also find different influences in her music, that come from artists like Steve Earle, Bonnie Raitt and Bob Dylan she deeply loves and respects. Backed by a bunch of good musicians, Patty subtlety moves with dynamism along different aspects of various musical genres, and she does it with an amazing skill and a tasteful twist difficult to find in most of actual artists. The album brings smooth ballads but also rockin' blues and even metal soul. I can tell you this woman gathers an special talent so her music shines like a sunny spring morning. Patty Reese on vocals and acoustic guitar, Sonny Petrosky on bass, Andy Hamburger on drums, Jonathan Sloane on guitars together with guest musicians Tommy Lepson on keyboards, David Campbell on guitar in one song and Brian Simms on keyboards in another one round up a cool remarkable album, able to raise listeners spirits, specially if they are feeling down. VERY GOOD.

Kathy & The Kilowatts “Let’s Do This Thing!” Lectro Fine / Blind Raccoon 2017.
Cuando su familia se estableció en Texas, Kathy Murray no podía imaginar que el blues de aquella zona la iba a atrapar y enganchar tal como hizo. Allí descubrió el blues cuando solamente contaba dieciséis años junto a su hermano David que tenía catorce años de edad. Ambos se colaron una noche en el legendario club Armadillo y precisamente aquella noche tuvieron la suerte de ver y escuchar a Jimmie Vaughan. Desde aquel momento Kathy ya no fue la misma y desde entonces decidió dedicarse en cuerpo y alma a aprender a tocar el Texas blues y llevarlo a todas partes donde quisieran contratarla. Actualmente lleva ya varias décadas dedicada por entero al blues junto a su banda The Kilowatts con los que ha hecho realidad su sueño de tocar en todos los garitos que apuestan por ella y por su música. Ahora nos presenta este álbum con quince temas originales donde combina ‘grooves’ como en el tema “Lets Do This Think!”, con auténtico Texas blues en el estilo de Freddie King o Lightnin’ Hopkins en “Read ‘Em & Weep” y “One Lie Leads To Another”, e incluso se pueden descubrir influencias de Louisiana y México en “Beautiful Moments” o “These Lonely Hours” y también guiños a los Fabulous Thunderbirds en “Talking Out My Head” o “Love Came Knockin’’. Kathy Murray se revela como una más que notable vocalista y compositora y, bien arropada por su banda, conquistará los corazones de los aficionados al Texas blues más actual. MUY BUENO. When her family settled in Texas, Kathy Murray could not imagine Texas blues will so deeply catch her. In Austin she discovered the blues when she was only sixteen years old. One night she and her brother David only aged fourteen, managed to get into legendary Armadillo club where that particular night Jimmie Vaughan and other great musicians were playing. Since that lucky night Kathy totally changed her mind, so she decided to completely devote herself to learn to play Texas blues and bring it to any place people wanted to book her. Now and after decades entirely devoted to play blues with her band The Kilowatts, Kathy has made true her dream of playing in every club and venue which bet for her music. Her new album brings us fifteen original songs that combine grooves like the song "Lets Do This Think!", with the most genuine Texas blues in the path of Freddie King or Lightnin' Hopkins like in “Read 'em & Weep" and "One Lie Leads To Another”, and even you can find some Louisiana and Mexico influences in "Beautiful Moments" or "These Lonely Hours" or touches of The Fabulous Thunderbirds in "Talking Out My Head" or "Love Came Knockin''. Kathy Murray appears as a more than notable singer and songwriter who, `perfectly backed by her able band, will conquer the hearts of most Texas blues fans. VERY GOOD.

Vin Mott “Quit The Women For The Blues”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Vin Mott es un joven cantante y guitarrista proveniente de la zona de New Jersey que, con solo veintisiete años, se esfuerza en darse a conocer en el competitivo mundo del blues. Para ello Vin nos presenta su nuevo trabajo con diez composiciones propias donde intenta emular y reflejar el sonido de muchos de los bluesmen que le han influenciado como son James Cotton, Little Walter, Junior Parker, Muddy Waters, Howlin’ Wolf o Elmore James. Vin Mott, a la armónica diatónica, cromática y voz, está respaldado por Sean Ronan a la guitarra, Dean Shot al bajo y contrabajo y Andrei Koribanics a la batería. Este cuarteto da forma a un álbum donde prevalecen los verdaderos sonidos vintage de los años cincuenta con una serie de blues que suenan ásperos, profundos y sucios. Su estilo tradicional entroncado con el blues del estilo Chicago ‘south side’, hará las delicias de los aficionados a este sonido, un sonido que, a pesar del tiempo transcurrido desde su nacimiento, nunca ha pasado ni pasará de moda y seguirá satisfaciendo al oyente, sobre todo si está bien interpretado como es el caso de nuestro hombre y los músicos que le acompañan pues, no sólo conocen el Chicago blues al dedillo, sino que también saben conquistar el corazón de los aficionados al género. MUY BUENO. Vin Mott is a young singer and guitar player coming from New Jersey. Only aged twenty-seven, he is working hard to become well known in the competitive blues world. Now Vin `presents a new album with ten own compositions where he attempts to follow the traces and reflect the original sound of those bluesmen who have deeply influenced him like James Cotton, Little Walter, Junior Parker, Muddy Waters, Howlin' Wolf or Elmore James. Vin Mott sings and plays chromatic and diatonic harmonica and is backed by Sean Ronan on guitar, Dean Shot on bass and double bass and Andrei Koribanics on drums. This four musician band gives shape to an album where real 50’s vintage sounds prevail, along a bunch of blues songs that sound raw, dirty and low down. Their traditional style deeply rooted in Chicago south side blues will delight most fans, recreating a sound that, despite many years have gone passing by since the moment it was born, will never disappear and still continues giving pleasure and satisfaction to most blues listeners, especially if it is well performed as is the case of Vin Mott and the rest of musicians who back him as, not only they deeply know Chicago blues, but they also will certainly catch and go deep into all hearts of ‘windy city’ blues fans. VERY GOOD.

Hurricane Ruth “Ain’t Ready For The Grave” Self Production / Blind Raccoon 2017.
En este su cuarto álbum la cantante Hurricane Ruth  se entrega con sus cinco sentidos y muy buen criterio al servicio de la música, además de mostrar toda su determinación sin complejos de ningún tipo. Según sus propias palabras ya no es una joven que lucha por hacerse un lugar en el negocio del blues o del rock, pero siente que todavía tiene que mucho que decir antes de irse al otro barrio. Desde luego también puedo asegurar que Ruth no tiene que irse todavía de este mundo, y que tiene mucho y bueno que ofrecer y aún es medianamente joven. Indudablemente Hurricane Ruth es una de las voces con más proyección, fuerza, emotividad y arrojo que corren hoy día puede uno encontrar. Pequeña en estatura, pero grande en alma, entrega y sentimiento, su voz se convierte en un mágico y brutal torbellino de la naturaleza que dejará al oyente boquiabierto, su desgarrada y poderosa voz es una autentica apisonadora capaz de dejarnos sin sentido. Doce jugosas y potentes canciones en las que la voz de Ruth sobresale comunicando vitalidad y emotividad a raudales. En el disco Ruth está acompañada por Pat Buchanan y Rob McNelley a las guitarras, Reese Wynans a los teclados y B-3, Michael Rhodes al bajo, Tom Hambridge a la batería y The McCrary Sisters y Wendy Moten a las voces. Un gran álbum de una enorme diva que no puedes dejar escapar, que te atrapará con sus blues para que no salgas vivo de esa red que sabe tejer con hilos de oro. BUENISIMO. In this fourth album singer Hurricane Ruth delivers with her five senses and very good criteria to the music she loves, showing all her biggest determination. According to her own words, she is no longer is young woman who fights to get a place in blues or rock market, but she still feels she has many things to say before going to the graveyard. I totally agree, Ruth has to remain many years in our world, because she has lots of good things to give us and, besides, she is still fairly young. Hurricane Ruth is one of the voices with more impact, strength, sensitivity and courage one can find nowadays. Small in stature but big in soul, delivery and feeling, her voice becomes a magic thrilling whirlwind, a force of nature that will leave the listener astonished, her powerful heartbreaking voice is like a steamroller able to knock you out. Twelve juicy powerful songs, where Ruth’s voice stands out with an amazing vitality and passion. The musicians who back Ruth are  Pat Buchanan and Rob McNelley on guitars, Reese Wynans on keyboards and B-3, Michael Rhodes on bass, Tom Hambridge on drums and The McCrary Sisters and Wendy Moten on backing vocals. This is an incredible album by an incredible diva that will immediately catch and bewilder you with all her blues that will not let you to get out alive of the net she spins with gold threads. GREAT.

Professor Louie And The Crowmatix “Crowin’ The Blues”. Woodstock / Blind Raccoon 2017.
Professor Louie And The Crowmatix han vuelto a encerrarse en un estudio para grabar en directo y en sólo tres días, su álbum número trece. Esta vez han decidido sumergirse en el origen de muchas de las grandes canciones del American Song Book del rhythm and blues de Texas y Chicago, dándoles un tratamiento y un estilo propio y original, con esa magia y encanto tan personal que el Professor Louie siempre sabe imprimir a todos los temas que interpreta. Canciones como “I’m Gonna Play The Honky Tonks” de Marie Adams, “High Heel Sneakers”, un clásico del blues compuesto por Robert Higginbotham, “Bright Lights Big City’” de Jimmy Reed, “Why Did You Do That To Me” de Big Bill Broonzy, “Fine Little Mama” de Elmore James o “That’s Alright” de Jimmy Rogers, junto al resto de las que interpretan en el álbum cobran nueva vida en las manos de esta espléndida banda que atesora una especial habilidad y un gusto exquisito al interpretar esta música tan apasionante. El grupo está compuesto por Professor Louie a la voz, acordeón, piano y órgano, Miss Marie voz, piano y percusión, Gary Burke batería y percusión, Frank Campbell bajo y voces, John Platania guitarra eléctrica y acústica, Josh Colow guitarra solista y Michael Falzarano guitarra en un tema. Una banda que suena de lujo y que con toda seguridad alimentará de forma deliciosa nuestro cuerpo y nuestra alma, dejándonos a todos completamente satisfechos durante un largo tiempo. BUENISIMO. Professor Louie And The Crowmatix have gone back to the studio to produce a live album, the thirteenth one in their musical career, they only recorded in three days. This time they decided to look in the American Song Book for the originals of many Texas and Chicago rhythm & blues songs, to rebuild them with great originality and the special magic charm Professor Louie always gives to all songs he performs. Songs like "I'm Gonna Play The Honky Tonks" coming from Marie Adams, "High Heel Sneakers", a classic blues composed by Robert Higginbotham, "Bright Lights, Big City'" by Jimmy Reed, "Why Did You Do That To Me" by Big Bill Broonzy, "Fine Little Mama" by Elmore James or "That's Alright" by Jimmy Rogers, together with the other tunes included in the album, get a new life in the hands of this splendid band which gathers an special skill and exquisite taste to perform this really exciting music. The band musicians are Professor Louie on vocals, accordion, piano and organ, Miss Marie on vocals, piano and percussion, Gary Burke on drums and percussion, Frank Campbell on bass and vocals, John Platania on electric and acoustic guitar, Josh Colow on lead guitar and Michael Falzarano on guitar in one song. This is a deluxe band which will surely feed your body and soul with delicious dishes that will completely satisfy you for a very long time. GREAT.

Geoff Achison “Another Mile, Another Minute” Jupiter 2 Records / Rick Lusher 2017.
Australia es sin duda uno de los países que aporta más músicos de calidad al panorama del blues internacional. Uno de ellos es Geoff Achison que ahora vuelve al mercado discográfico después de un silencio de más de diez años sin haber editado nada, y lo hace con un nuevo trabajo bajo el brazo que se convierte en su disco número catorce. Con material fresco y jugoso de nueva factura y respaldado por su banda habitual The Souldiggers además de un puñado de invitados, Geoff reaparece con fuerza inspirándose en algunos de los nombres legendarios del blues y el soul para crear una atmósfera y un estilo propio en donde mezcla con acierto el blues, el rock, la música Indie, el funk y el folk. Con todos estos ingredientes en la cabeza, este cantante, compositor y guitarrista desmenuza con acierto un discurso claro, sabroso y efectivo en un total de catorce canciones. El álbum nos da también la oportunidad de comprobar que, durante todo este tiempo de sequía, Achison ha madurado como compositor y productor, dejando tras de si la estela del trabajo bien hecho. MUY BUENO. Certainly Australia is one of the countries which usually contributes to the blues scene with a large amount of quality musicians. One of them is Geoff Achison who, after a silence of more than ten years without a single album, now comes back to the record market with his new work on hands, the fourteenth one in his career. With fresh juicy new material and backed by his usual band The Souldiggers and a handful of guest musicians, Geoff appears again with force, getting inspiration in some of those blues and soul legendary names but, at the same time, creating a special atmosphere and a personal style blended with blues, rock, indie, funk and folk. With all these ingredients on mind, this singer, guitar player and songwriter develops a clear, tasty an effective speech along the fourteen album songs. The album will also give us the opportunity to realize that, during this long period of silence, Achison has matured as composer and producer, leaving behind him the trail of a well done work. VERY GOOD.

Little Hook “Little Hook”. Naked 2017.
Muchas bandas europeas están descubriendo en estos últimos años los sonidos primigenios del blues que saben combinar con el rock contemporáneo en un atractivo y bien desarrollado discurso. Este es el caso de la banda belga Little Hook que, en este su primer disco, se presentan dispuestos a revolucionar el panorama del blues mas atrevido y experimental, gracias a una música y un estilo original, curioso, diferente y explosivo, donde combinan sus diversas influencias musicales que van desde el Mississippi Hill Country Blues hasta la ‘chanson’ francesa, las baladas rock e incluso se acercan al más actual ‘swamp indie pop’, todo ello realizado de una manera formal no exenta de un cierto y ambiguo exhibicionismo, además de una interpretación y una intencionalidad que nos retrotrae a la música y el sonido del rock de los años setenta y ochenta. Little Hook es una banda con una excepcional energía capaz de enganchar al oyente facilidad, así que prepárate y déjate llevar por las guitarras asesinas de Renaud Lesire y Bart Mulders, la hiriente armónica de Big Dave Renierds, la original voz del propio Renaud y el beat que no ceja de dar cancha a los números musicales que se suceden en un explosivo devenir de mágicos fuegos de artificio a cargo del batería y percusionista Steve Wouters. MUY BUENO. In recent years many European bands have discovered those old blues sounds, they manage to combine with contemporary rock in an attractive well developed speech. This is the case of Belgian band Little Hook which, in this first album, introduce themselves as a new band ready to turn upside down the most daring experimental blues scene, thanks to an original different and explosive musical style, where they combine their diverse musical influences, from Mississippi Hill Country Blues to the French chanson, rock ballads and even they get closer to the most actual swamp indie pop, performed in a formal way that includes a certain ambiguous exhibitionism, besides an style and a purpose that take us back to the 70’s and 80’s rock. Little Hook shows an exceptional energy able to immediately catch listeners, so get ready and let yourself be driven by the killing guitars of Renaud Lesire and Bart Mulders, the heartbreaking Big Dave Renierds’ harmonica playing, the original voice of Renaud Lesire and the beat that comes in every song like an explosive magic fireworks by drummer and percussionist Steve Wouters. VERY GOOD.

Tinez Roots Club “Have You Heard?!”. Rootz Rumble 2017.
La escena musical europea goza cada vez de mejor salud. Últimamente estamos encontrando un sinnúmero de bandas y artistas de un alto nivel de calidad capaces de sorprender a las audiencias más exclusivas y exigentes. Este es el caso de los Tinez Roots Club quienes, después de dos años de silencio, vuelven para presentarnos ahora su tercer álbum, un trabajo en el que todo el peso de la banda recae en el buen hacer de la sección de vientos y en el Hammond, puesto que el grupo no incluye ni guitarra, ni tampoco bajo. Grasiento rhythm and blues, bailable swing, pesados grooves y auténtico rock ‘n’ roll conforman un repertorio de trece temas originales, divertidos y bailables capaces de hacer estremecer de satisfacción a cualquiera de los oyente, con el que nos transportan a aquellos salones de baile de la América de los años cuarenta y cincuenta, donde el ritmo mas endiablado estaba a la orden del día, y que conseguían hacer disfrutar a la generación mas joven de aquella época. Igual que sucedía en aquellos años dorados, Martijn ‘Tinbez’ Van Toor a la voz y el saxo tenor, Evert Hoedt al saxo barítono, Rob Geboers al Hammond y Andreas Robbie Carree a la batería conseguirán levantaros de vuestros cómodos asientos para bailar… bailar y bailar… MUY BUENO. European music scene is gradually increasing its good health. Lately we are facing a good number of high quality bands and artists able to surprise the most exclusive and demanding audience with their amazing musical level. This is the case of Tinez Roots Club, a band which, after two years of silence, now come back to present their third recording, where all the music burden is focussed in the amazing work of the horn section and Hammond, as the band does not include neither guitar nor bass. Greasy rhythm and blues, dancing swing, hard grooves and genuine rock 'n' roll round up a repertoire with thirteen original funny dancing songs able to give all listeners a thrilling satisfaction and drive us to those 40’s and 50’s America dance halls, where the fast dancing rhythm prevailed and gave happiness and joy to the younger generation of that time. As happened in those golden years, Martijn 'Tinbez' Ohri on vocals and tenor sax, Evert Hoedt on baritone sax, Rob Geboers on Hammond and Andreas Robbie Carrée on drums will get you up from your comfortable seats to dance… dance and dance… GREAT

Big Time Bossmen “Working On A Plan”. Rootz Rumble 2017.
Big Time Bossmen es otra de esas bandas del panorama europeo que emergen con fuerza en el panorama musical de Bélgica con un poderío inusitado que sorprenderá gratamente al buen aficionado. Formados en el año 2012 como un grupo de rockabilly, han ido evolucionando y abriendo horizontes musicales, incorporando a su música elementos del blues, el swampy rock, el soul, el funk e incluso algunos guiños y devaneos del rock. Todo ello les ha llevado a desarrollar un sonido propio y exquisito que les diferencia de otras bandas de similares características, además de conseguir una buena comunicación con el público que asiste a sus conciertos. Su música es fresca y desenfadada con excelentes intervenciones de su cantante. A lo largo de su carrera han desarrollado un extenso y variado repertorio que ahora condensan en las trece canciones que componen este álbum donde David Bauwen a la voz, armónica y guitarra rítmica, Piet Vercauteren a la guitarra solista, Bruno Dierick al bajo y contrabajo y Rien Gees a la batería muestran todo el gran potencial de esta banda que, a pesar de su juventud, tiene mucho que aportar. Estoy seguro de que el aficionado que los escuche no quedará defraudado. MUY BUENO. Big Time Bossmen is another of those bands which burst with force in Belgian and European music scene and they do it with an unusual power and feeling that will pleasantly surprise at good music fans. Formed in the year 2012 as a rockabilly band, they have evolved and open new musical horizons, incorporating different elements of blues, swamp rock, soul, funk and even some rock drops, which has led them to develop an own exquisite sound that makes them different from other similar bands, besides getting a good communication with the audience who go to their live shows. Not only their music is cool and casual but also singer contribution deserves to be mentioned. Along their career, the band has developed an extensive varied repertoire that now summarize into the thirteen songs that make up this album, where David Bauwen on vocals, harmonica and rhythm guitar, Piet Vercauteren on lead guitar, Bruno Dierick on bass and double bass and Laugh Gees on drums show the huge potential of a band which, in spite of their youth, have many things to say. I am sure good music lovers will not get disappointed if they listen to them. VERY GOOD.

Mick McConnell “Under My Skin”. Stuff Music / GFI Promotions 2017.
Atrás queda aquel tiempo en el que con solo once años Mick McConnell fue con su padre a una tienda de instrumentos para recibir como regalo una guitarra eléctrica. Aquel regalo cambió completamente su vida ya que, a partir de entonces empezó a aprenderse de forma autodidacta los riffs y los solos de los discos de blues de la colección de su hermano mayor. Sus comienzos fueron humildes, Mick actuaba en pequeños clubs de la zona de Leeds y participaba en festivales locales, incluso dormía en la misma furgoneta que les transportaba a las actuaciones durante una gira que por Alemania hace ya muchos años. Desde entonces todo ha cambiado radicalmente para Mick. Después de cuarenta años de carretera se ha convertido en un artista muy solicitado para actuar en festivales de renombre, grandes estadios y clubs de primera línea. El nivel que ha alcanzado le permite volver con solvencia y autoridad a sus primeras influencias, el blues, una música por la que siempre se ha sentido atraído. Ello no significa que este álbum sea un fiel reflejo del blues de doce compases sino que simplemente que se asienta sobre unas bases con aires bluesísticos. MUY BUENO. Many years have gone from that time when, only aged eleven, Mick McConnell went one day with his father to an instruments store to receive an electric guitar as a present. This guitar completely changed his life as, since that particular moment, he began to learn by himself all riffs and solos of the blues albums his older brother had in his record collection. His first steps in music were quite humble, he played in small clubs in Leeds area or participated in local festivals and he even slept in the same van he drove during a tour in Germany. But now everything has completely changed for Mick. After forty years on the road, he has become a requested artist to play in renowned festivals, great stadiums and well known clubs. The level he has got allows him to come back with reliability and authority to his early influence, the blues, a music genre that has always attracted him. This does not mean this album includes strictly twelve-bar blues but it simply means that is firmly based in bluesy structures. VERY GOOD.

Marty Manous “Know My Name”. Lucky Street Music / GFI Promotions 2017.
Marty Manous pertenece a esa pléyade de guitarristas, cantantes y compositores que en esta época tanto abundan en la escena del blues británico y por extensión también en la escena europea. Su estilo se basa en el indie rock además del blues. Asimismo en su música hay destellos e influencias de Jimi Hendrix, Joe Bonamassa, Steve Vai o Joe Satriani. Este es su segundo álbum en el que, además de Marty Manous a la guitarra y voz, también se encuentran Joe Morgan a los teclados, Mark Wilson al bajo, Sean O’Rourke a la batería y Sketch Ellis a la percusión. En todos sus conciertos se percibe esa rara habilidad que Marty posee para transmitir emociones, además de cautivar a su público con su original puesta en escena, quemando todos sus cartuchos y emulando con destreza a todos aquellos legendarios maestros de la guitarra que durante años fueron sus héroes. Lo que escribo queda perfectamente corroborado en las diez canciones de este disco, todas ellas sabiamente desarrolladas y que se convierten en un fiel reflejo de lo que nuestro hombre es capaz de mostrar con habilidad, técnica y solvencia ante su cada día más numerosa audiencia. MUY BUENO. Marty Manous belongs to that distinguished group of guitarists, singers and composers who nowadays extensively invade British blues scene and also jump to European stages. His style is based in rock with power blues influences. In his music you will also find a touch of Jimi Hendrix, Joe Bonamassa, Steve Vai or Joe Satriani. This is his second album where, besides Marty Manous on guitar and vocals, you will also find Joe Morgan on keyboards, Mark Wilson on bass, Sean O'Rourke on drums and Sketch Ellis on percussion. In every live show people will immediately realize the uncommon ability Marty has to communicate a deep emotional feeling, as well as captivate audiences with his original stage presence, giving the best of himself and skilfully emulating those legendary guitar masters who for years have been his heroes. All his undeniable qualities can be discovered along the ten songs included in the album, which are wisely developed and truly reflect what Marty is able to cleverly bring with an amazing technique and solvency to his daily increasing audience. VERY GOOD.

Sleepy Roosters “Chicago Roosters”. Habitación 101 2017.
Sleepy Roosters son una banda de blues madrileña formada en el año 2013. Desde entonces han tocado en diversas salas y bares de la capital, además de participar en algunos festivales a nivel nacional. El grupo se formó gracias a la unión de tres músicos apasionados por el blues de Chicago de posguerra. En junio de 2013 grabaron un EP y ahora nos presentan su primer disco completo en el que intentan recrear y emular el genuino blues de aquellos años cincuenta y sesenta con pasión y fidelidad no solamente en la música sino también en el sonido vintage. El álbum se grabó en una sola sesión tal y como mandan los viejos cánones del blues tradicional, interpretando todos los temas en directo, en una sola toma  y tocando todos al unísono, contando con la colaboración de los Strats, una sección rítmica formada por Ricky Avila y Adrián Carrera dos músicos curtidos en los circuitos y la escena del blues madrileño. Junto a ellos se encuentran Sergio ‘Brown Sugar’ Fernández a la voz, Iñaki Moreno a la guitarra y Nono Mellado a la armónica. Un total de diez clásicos de Sonny Boy Williamson, Muddy Waters, Jimmy Rogers, Willie Dixon o Howlin’ Wolf entre otros componen un disco bravo y voluntarioso que aportará momentos muy agradables a todos aquellos aficionados españoles que apuesten por escucharlos. Aunque no se les puede calificar como espectaculares, sí muestran un interesante nivel de calidad. MUY BUENO. Sleepy Roosters are a Madrid blues band formed in year 2013. Since then on they have played in lots of clubs and bars of the Spanish capital, besides participating in some festivals at a national level. The group was formed by three Chicago post-war passionate musicians. In June 2013 they recorded an EP and now they present their first full album where they faithfully recreate and pay homage with passion and commitment to 50’s and 60’s genuine blues, not only with the music, but also with the vintage sound they give us. The album was recorded in one session, as was usual in traditional old time blues recordings, performing all together with not cuts or alternative takes, with the collaboration of The Strats, a rhythm section including Ricky Avila and Adrian Career, two experienced musicians of Madrid blues scene. The band leaders are Sergio 'Brown Sugar' Fernandez on vocals, Iñaki Moreno on guitar and Nono Mellado on harmonica. Ten classic blues songs coming from Sonny Boy Williamson, Muddy Waters, Jimmy Rogers, Willie Dixon or Howlin' Wolf among others, round up a brave wishful album that will provide very pleasant moments to all those fans who bet for them. Although they do not intend to be spectacular, they really have an interesting quality level. VERY GOOD.

Alex Thomas “Sure” Rock+CD 2017.
Con sólo doce años nuestro hombre empezó a tocar la guitarra y como esto de la música parecía que iba en serio y cada vez le atraía más, decidió estudiar guitarra en el Aula de Música Moderna y Jazz de Barcelona y mas tarde en el Taller de Musics, escuela donde acabó de perfeccionar sus conocimientos y su técnica. Dicen las malas lenguas que Alex estuvo trabajando en una de las tiendas legendarias de música de Barcelona durante los años ochenta, me refiero al Rock Avenue que por aquellos años estaba ubicada en la Avenida De La Luz, una galería comercial subterránea bajo la calle Pelayo y Plaza de Cataluña hoy ya desaparecida. Después de fundar el grupo Mess, en el año 90 montó otra banda llamada Hat Trick Rock con los que, entre 1994 y 1997, grabó un par de discos. Después de esto decidió abandonar la música por motivos personales volviendo de nuevo a la escena hace unos cuatro o cinco años. Ahora este cantante, compositor y guitarrista nos regala un trabajo con quince temas fruto de sus introspecciones mas intimas y reflexivas adornado todo con unos sonidos limpios, acústicos y cristalinos todos ellos dentro de un muestrario que abarca influencias del pop, el funk, el rock, el folk y el soul, sin dejar de lado algunos toques con un regusto jazzy. Un álbum interesante lleno de buenas y fragantes apuestas musicales. MUY BUENO. When he was only twelve years old, our man began to play guitar and as he felt music seemed to be a serious thing for him and gradually attracted him more, he decided to start guitar classes at the Aula de Musica Moderna & Jazz in Barcelona and later on he also went to Taller de Músics, where he polished and refined his knowledge and technique. Some people say that, during the 80’s, you could find Alex working in one of the legendary Barcelona music shops, Rock Avenue, that in those years was located at the Avenida de la Luz, a disappeared shopping underground gallery between Pelayo street and Plaza de Catalunya. After creating the group Mess, in 1990 he founded another band called Hat Trick Rock and between 1994 and 1997, he recorded a couple of albums with them. Finally for personal reasons he decided to leave the music aside but four or five years ago he has decided to come back. Now this singer, songwriter and guitarist presents his new work with fifteen songs which are the fruit of his most mature and intimate thoughts, embroidered with some clean crystal acoustic sounds, in a rich variety that includes influences of pop, funk, rock, folk and soul, without leaving aside some jazzy touches. This is an interesting album full of good aromatic musical proposals. VERY GOOD.

Adrianna Marie And Her Roomful Of All-Stars “Kingdom Of Swing”. Vizztone 2017.
Adrianna Marie And Her Roomful Of All-Stars nos transportan con su música a aquellos clubs de los años cuarenta
en los que se interpretaba un glamouroso swing entre copas de champagne y el humo de los cigarrillos. Su música es sofisticada y colorista y en todo momento Adrianna sabe bien como introducir el jazz en el blues y el blues en el jazz. Este álbum ha sido producido por Duke Robillard e incluye una extensa lista de grandes músicos como son Al Copley, L.A. Jones, Doug James, Rich Lataille, Mark Earley, Doug Woolberton, Junior Watson, Brian Fahey, Kedar Roy, Bob Corritore y el propio Duke Robillard. Todos ellos dan cuerpo y presencia a la magnifica voz de esta cantante que se impone con elegancia y tablas en un repertorio sabiamente escogido. La música escrita sobre figuras de saxo, piano, trompeta, guitarra y otros instrumentos solistas surge perfectamente apoyada sobre unos metales que ayudan a mantener el ritmo y el swing, construyendo ricos y ampulosos fondos musicales para que los instrumentos solistas se luzcan, es decir, los arreglos de metales templan con gusto unas armonías de enorme belleza sonora. Como es fácil de imaginar, todos los músicos consiguen crear una atmósfera efectiva y sumamente intensa para redondear un álbum soberbio y realmente genial. BUENISIMO. With her music Adrianna Marie And Her Roomful Of All-Stars drives us to those 40’s clubs where the most glamourous swing was performed among champagne glasses and cigarettes smoke. Her music is sophisticated and colourful as Adrianna knows well to introduce jazz in blues and blues in jazz. This album has been produced by Duke Robillard and includes an extensive list of great musicians like Al Copley, L.A. Jones, Doug James, Rich Lataille, Mark Earley, Doug Woolberton, Junior Watson, Brian Fahey, Kedar Roy, Bob Corritore and, of course, Duke Robillard himself. All of them give shape and presence to the magnificent voice of Adrianna Marie which outstands with elegance and stage presence along a cleverly chosen repertoire. The music is build up over sax, piano, trumpet, guitar and other solo instruments figures and is perfectly supported by powerful horn arrangements which help to keep the amazing swing and rhythm, as well as developing rich sophisticated musical backgrounds to make solo instruments shine, that is to say, horn arrangements tastefully temper the most beautiful harmonies. With all these elements you may easily imagine all musicians get to create an effective and extremely intense atmosphere that rounds up a superb album. GREAT.

Billy Price Band “Alive And Strange”. Nola Blue / Vizztone 2017.
Desde principios de los años setenta el cantante Billy Price ha cautivado a las audiencias de los cinco continentes gracias a sus cualidades vocales llenas de fuerza, intensidad, colorido y pasión. Memorables han sido sus trabajos junto a Roy Buchanan y Otis Clay. Este es el álbum número quince de su carrera profesional, un disco en el que junto a su banda nos deleita y conmociona a través de once temas en una sucesión del más ecléctico y actual blues, rhythm and blues, funk y trepidante soul. Aparte de un par de temas que Billy ha coescrito, el álbum contiene algunos covers de algunos de los mas grandes iconos del género como William Bell, Percy Mayfield, James Brown o Magic Sam, versión que borda cuando ataca aquel blues suyo titulado “What Have I Done Wrong”. El disco se grabó con Billy arropado por más de diez músicos durante una actuación en directo frente a un público completamente entregado que sin duda disfrutaron tanto como lo estamos haciendo nosotros desde nuestra mesa del escritorio escuchando esta excelente grabación. Las llamaradas musicales que afloran a lo largo de todos los temas ayudan a mantener vivo el pulso y el beat, poniendo siempre el acento en el lugar que le corresponde. Otro disco inmenso que no puedes dejar pasar por alto bajo pena de expulsión. BUENISIMO. Since the beginning of the 70’s, singer Billy Price has captivated audiences all over the world, thanks to his vocal qualities that always appear full of strength, intensity, colour and passion. Unforgettable was his work with Roy Buchanan and Otis Clay. This is the fifteenth album of his career, a recording where, together with his band, he delights us with eleven songs on a series of the most eclectic actual blues, rhythm and blues, funk and soul. Besides a couple of songs Billy has co-written, the album includes covers of different songs coming from greatest legends such as William Bell, Percy Mayfield, James Brown or Magic Sam, this last one with an incredible version of the tune "What Have I Done Wrong". The album was recorded with Billy surrounded by more than ten musicians during a live show in front of a totally enthusiastic devoted audience who certainly enjoyed it as much as I am enjoying it now sitting in front of my desk table listening to this excellent recording. The musical flames that come from every song help to keep alive the beat putting always the stress in the right place. This is an amazing album you cannot overlook without penalty of sanction. GREAT.

The Duchess Jureesa McBride “Personal Love Vendetta” JSS Records 2017.
Con este álbum que incluye únicamente seis temas “The Duchess” Jureesa McBride intenta abrirse nuevos mercados en los círculos del soul y el rhythm & blues fuera del area de Vicksburg, Mississippi, donde ella es bien conocida. Para ello ha realizado este disco en el que prácticamente toda la música está pregrabada y en el que Jureesa pone su voz, mostrando una gran amplitud de matices y registros. Para quienes no la conozcan decir que su música y su voz siguen la estela de grandes artistas como Benny Latimore, Denise LaSalle, Koko Taylor, Etta James o Tina Turner. Su repertorio es amplio y variado, abarcando desde el blues al soul, sin olvidar el rhythm & blues, el funk o la dance music. Esta pequeña joya nos permite descubrir a una excelente cantante, dotada de una gran clase y poderío vocal, que en directo se convierte en una intérprete de gran dinamismo que domina el escenario y comunica toda su enorme técnica vocal e intenso feeling. Para los aficionados a los que gustan de esas voces jugosas, sensuales y llenas de carisma, Jureesa McBride es una cantante a tener muy en cuenta. MUY BUENO.
. With this album with only includes six songs, "The Duchess" Jureesa McBride tries to open new horizons in soul and rhythm & blues circles outside Vicksburg area in Mississippi, where she is well known. To do so she has published this recording where almost all the music has been pre-recorded and Jureesa only puts her voice, showing a wide range of vocal registers and nuances. For those who are not familiar with her, only say her music and voice follow the path of those great artists like Benny Latimore, Denise LaSalle, Koko Taylor, Etta James or Tina Turner. Her repertoire is wide and varied, ranging from blues to soul, without forgetting rhythm & blues, funk or dance music. This small treasure let us discover an excellent singer, gifted with a first class vocal power who, in her live shows, appears as and artist of great dynamism and stage presence who always communicates all her enormous vocal technique and intense feeling. For fans who like juicy, sensual and charismatic voices, Jureesa McBride is a singer to be taken into account. VERY GOOD.
 

JUNIO 2017 / JUNE 2017

Various Artists “International Blues Challenge # 32”. The Blues Foundation / Frank Roszak 2017
Cada año y a finales de enero se celebra en Memphis el International Blues Challenge organizado por la Blues Foundation, evento que reúne a un sinfín de músicos provenientes de todos los rincones de los Estados Unidos, así como del resto del planeta. Concretamente el pasado año 2016 se presentaron doscientas cincuenta y siete formaciones con más de novecientos músicos, algo totalmente inusual para cualquier otro concurso que no sea el que organiza la Blues Foundation. El álbum es fruto de la colaboración surgida entre el publicista Frank Roszak y la Blues Foundation. En el disco se encuentran nueve de los artistas que consiguieron llegar a la final del pasado International Blues Challenge en las dos categorías establecidas ‘solo/dúo’ y ‘bandas’. La grabación se convierte en una excelente muestra de algunos de los participantes mas sobresalientes del pasado concurso, por ello el álbum se nos revela como un disco representativo de la enorme calidad y el nivel de sus finalistas. En este álbum te encontrarás con músicos y grupos que quizás ahora no conozcas demasiado, pero que, a buen seguro, muchos de ellos empezarán a ser más populares entre los aficionados al blues y que sin duda tienen un prometedor futuro por delante. Los nombres de los seleccionados para éste álbum son Paul Deslauriers Band, Innervision, Sonny Moorman, The Norman Jackson Band, Trey Johnson And Jason Willmon, Héctor Anchondo Band, Bing Futch, Dave Muskett y Ben Hunter And Joe Seamons. Una muestra de lo nuevo y mejorcito que se puede encontrar en la actualidad dentro del género que nos cautiva.
MUY BUENO. Every year in January, The International Blues Challenge takes place in Memphis organized by the Blues Foundation, an event that brings together an endless list of musicians coming from all places in United States as well as from all over the world. In 2016 edition there were two hundred fifty seven participants with more than nine hundred musicians, something inconceivable for any other challenge except for an organisation like The Blues Foundation. The album is the result of the fruitful collaboration between publicist Frank Roszak and The Blues Foundation and presents nine of the artists who managed to reach the final of the International Blues Challenge in the two established categories 'solo/duo' and 'bands'. The recording becomes an excellent way to introduce some of the most outstanding participants of the past challenge and let us discover the impressive quality and high level of the finalists. In this album you will find musicians and groups that probably you are not familiar with, but most of them will surely become popular among blues fans that, after reaching the IBC final, they certainly have now a promising future ahead. The names of the selected ones to be included in the album are Paul Deslauriers Band, Innervision, Sonny Moorman, The Norman Jackson Band, Trey Johnson and Jason Willmon, Hector Anchondo Band, Bing Futch, Dave Muskett nd finally Ben Hunter And Joe Seamons. The recording becomes a good example of the new and good pool of players you will be able to find now in the style we deeply love. GREAT.

Big Daddy Wilson “Neckbone Stew”. Ruf Records 2017.
Escuchando a Big Daddy Wilson nadie diría que Wilson no descubrió el blues hasta principios de los ochenta y que fue precisamente en Alemania donde quedó fascinado por esta música. Wilson había nacido en Edenton, Carolina del Norte, en el seno de una familia muy pobre. Su madre y su abuela le llevaban todos los domingos a cantar en la iglesia para de este modo intentar alejarle de las drogas y de las malas compañías. En 1979 Big Daddy Wilson decidió huir de la pobreza y la penuria alistándose en el ejército, siendo destinado a Alemania. Como ya he dicho allí descubrió el blues y, a pesar de su timidez, decidió dedicarse a la música y al blues en particular. A partir de ese momento Wilson se ha ido forjando un nombre y una reputación que gradualmente ha ido en aumento, tanto es así que la compañía Ruf Records ha apostado fuerte por este excelente vocalista. Este álbum es un buen ejemplo del crecimiento personal de este artista y en él se dan la mano todos los sabores de la música sureña en una competente combinación de blues, gospel, roots, soul y reggae. Nuestro hombre está respaldado por Pablo Legramandi al bajo y Cesare Nolli a la guitarra, teclado, batería y percusión, además de un puñado de invitados entre los que sobresalen Eric Bibb y Ruthie Foster. En todos estos estilos Wilson se siente cómodo y capaz, permitiéndonos apreciar los excelentes registros y variaciones vocales que posee, que son amplios y diversos.
MUY BUENO. Listening to Big Daddy Wilson no one would say Wilson did not discover the blues until the early 80’s in Germany where he became totally fascinated with blues. Wilson was born in Edenton, North Carolina on a very poor family. Every Sunday his mother and grandmother took him to sing at church trying to keep him out of drugs and bad companies. In 1979, Big Daddy Wilson decided to escape from poverty. He enrolled in the army and he went to Germany. As said, in that country he discovered the blues and, in spite he was rather shy, he decided to devote his life to music and especially to the blues. Since then on, Wilson has got a name and a reputation that has gradually increased, so now Ruf Records has bet for this amazing singer with this recording. This album is a good example of Wilson’s personal growth, where you will discover all southern music flavours in a clever combination of blues, gospel, roots, soul and reggae. Our man is backed by Paul Legramandi on bass and Cesare Nolli on guitar, keyboard, drums and percussion, plus a handful of good guest musicians like Eric Bibb or Ruthie Foster. Wilson feels comfortable in all mentioned styles, showing his skills to let us appreciate the excellent vocal tones and the colourful voice variations, which are broad and diverse. GREAT.

Ina Forsman - Layla Zoe - Tasha Taylor “Blues Caravan 2016”. Ruf Records 2017.
La compañía alemana Ruf propiedad de Thomas Ruf suele reunir anualmente a algunas de las figuras destacadas del panorama del blues más actual. En esta ocasión y bajo el epígrafe de Blues Caravan, Blue Sisters ha reunido a tres de las mejores vocalistas femeninas de nueva hornada como son desde Finlandia Ina Forsman, Layla Zoe desde Canadá y Tasha Taylor desde Estados Unidos. Las tres combinan sus magníficas y potentes voces de amplio espectro en dieciséis bien seleccionadas canciones. Ina Forsman es una artista emergente que se ha formado bajo los auspicios del virtuoso armonicista Helge Tallqvist. Por su parte Tasha Taylor aprendió todos los secretos, matices y recursos vocales de la música negra de la mano de su progenitor Johnnie Taylor, uno de los artistas punteros del catálogo Stax de los años setenta. Finalmente la canadiense Layla Zoe se ha curtido en infinidad de actuaciones por bares y clubs locales del área de Toronto, y a nivel internacional, ha participado con un mas que respetable éxito en el Festival de Montreux, además de tocar con asiduidad en el Rockpalast. Tanto en solitario como conjuntamente, las tres cantantes muestran su amplitud de combinaciones vocales y la compenetración entre ellas en los temas en los que intervienen juntas. Un mas que apreciable cd acompañado por un soberbio dvd también grabado en directo que contiene la nada desdeñable cantidad de veintiséis canciones. Mencionar también que la banda que las acompaña suena de primera realzando más si cabe las excelentes voces de estas tres divas del siglo XXI.
MUY BUENO. Every year German label Ruf Records owned by Thomas Ruf uses to gather some of the outstanding names of actual blues scene. This time and under the name of Blues Caravan, Blue Sisters, Tom has brought together three of the best new generation female singers. From Finland comes Ina Forsman, Layla Zoe comes from Canada and Tasha Taylor from United States. These three women perfectly combine their magnificent and powerful voices and wide registers in sixteen well-selected songs. Ina Forsman is an emerging artist who has grown up under the clever guidance of virtuoso harmonica player Helge Tallqvist. On the other hand Tasha Taylor learned all black music secrets, nuances and vocal resources from her father Johnnie Taylor, one of the outstanding names of Stax catalogue in the 70’s. Finally Canadian Layla Zoe has got experience in a huge variety of shows in local bars and clubs of Toronto area and, at an international level, she has got a more than remarkable success at Montreux Festival and she has also played some shows at Rockpalast. Both solo and all together, these three singers show the wide range of vocal combinations they can provide, as well as the excellent communication among them in the songs they play together. A more than a noticeable cd that also includes a superb live dvd with the good amount of twenty-six songs. A special mention to the backing band which really enhance the excellent voices of these three twenty-first century divas. GREAT.

Thorbjorn Risager & The Black Tornado “Change My Game”. Ruf Records 2017.
A pesar de ser una banda danesa y de haber grabado siempre en pequeños sellos discográficos indie, Thorbjorn Risager & The Black Tornado han conseguido traspasar las fronteras de su país para obtener el reconocimiento del público y la critica especializada tanto de los Estados Unidos como del resto de Europa, además de realizar diversas giras a lo largo de los cinco continentes que les han llevado desde Canadá hasta la India. Con este álbum la banda desborda las fronteras del blues y explora otras direcciones y caminos musicales en un puñado de canciones llenas de una abundante y sobria riqueza musical que consigue alcanzar y atrapar de inmediato la sensibilidad del oyente más contumaz y desconfiado. En este su onceavo disco The Black Tornado y su líder Thorbjorn Risager se han involucrado en cuerpo y alma tanto en la producción como en las mezclas, por lo que este disco se convierte en una grabación emotiva y visceral donde todos los músicos expresan libremente pero, al mismo tiempo con mucho rigor, las ideas que tenían en mente al inicio del proyecto, dejando a un lado la moderna tecnología para presentar un producto en el que prima la química y la compenetración entre todos los músicos sobre el resto de particularidades.
MUY BUENO. Despite this is a Danish band which has always recorded in small indie labels, Thorbjørn Risager & The Black Tornado have managed to cross Denmark borders and get recognition among audiences and specialized media both in United States and the rest of Europe. They have also done various tours along the five continents that have led them from Canada to India. With this new album the band goes beyond the blues boundaries to explore other musical roads and fields, in a handful of interesting songs full of a wide but at the same time restrained musical richness that will immediately reach and catch the sensitivity of the most reluctant listeners. This is their eleventh album where The Black Tornado and their leader Thorbjørn Risager have been totally involved both in final production and mixing, so it becomes an emotional and visceral recording where all the musicians express with a total freedom but, at the same time with a rigorous attitude, all the ideas they had in mind before getting involved with this new project, leaving aside actual technology to bring us an album where chemistry and understanding among all musicians prevail over other particularities. VERY GOOD.

Elvin Bishop’s Big Fun Trio “Elvin Bishop’s Big Fun Trio”. Alligator 2017.
De nuevo Elvin Bishop ha dejado el trabajo en su granja para sorprendernos gratamente con este su último disco y el séptimo para la compañía Alligator. Elvin Bishop ha formado un excelente trío con el que se dedica a explorar nuevos y sorprendentes senderos por los que discurren sus blues, para así transmitir alegría y diversión a raudales a todos aquellos que quieran acercarse a su música, es por esto que tanto la formación como el disco se denominan Elvin Bishop’s Big Fun Trio. Además del propio Elvin a la guitarra y voz, los otros dos músicos que completan el trío son Bob Welsh al piano y guitarra y Willy Jordan al cajón, percusión y voces, mas la participación en el álbum de tres grandes armonicistas como son Kim Wilson, Rick Estrin y Charlie Musselwhite, todos ellos viejos amigos suyos. Los tres sopladores intervienen en un tema cada uno, lo que imprime un plus de calidad a la ya de por si irrepetible, fresca, fantástica y muy dinámica grabación. Bishop es heredero directo de la tradición del blues de Paul Butterfield y asi nos lo ha mostrado a través de los años en cada uno de sus álbumes en los que, a medida que pasa el tiempo, se reinventa una y otra vez de manera camaleónica, interpretando unos blues directos, enérgicos, musculosos, macizos y llenos de vitalidad. Doce canciones interpretadas con espontaneidad, buen gusto y alegría, en las que inmediatamente se palpa y se hace evidente el buen rollo y la camaradería que siempre surge entre ellos cada vez que tocan juntos.
BUENISIMO. Once again Elvin Bishop has left his daily work on his farm to pleasantly surprise us with his last album, the seventh one for Alligator records. Elvin Bishop has formed an excellent trio which works to explore new and surprising paths to let his blues run free, in order to communicate joy and fun to all those who love his music, so this is the reason why both the trio and the album have the name of Elvin Bishop's Big Fun Trio. Besides Elvin on guitar and vocals, the other two musicians who complete the trio are Bob Welsh on piano and guitar and Willy Jordan on cajón, percussion and vocals- Three amazing harmonica players and good Elvin’s friends like Kim Wilson, Rick Estrin and Charlie Musselwhite have collaborated in the album, each one in one song, which gives a plus of quality to the unique, cool, fantastic and totally dynamic recording. Elvin Bishop has always been a direct heir of Paul Butterfield’s blues tradition and, over the years, he has shown it in most of his albums where, as time goes by, he reinvents himself like a chameleon, playing a strong, muscular, solid blues always with an enormous vitality. Twelve songs performed with spontaneity, good taste and joy, where you will immediately realize the joyful atmosphere, friendship and good feeling that always appear among them when they play together. GREAT.

Husky Tones “Who Will I Turn To Now?”. Self Production 2017.
¿Pueden el punk, el blues, el rock, el garaje y el folk fusionarse y darse la mano elegantemente?. Aunque a primera vista pueda parecer todo lo contrario, el dúo The Husky Tones saben mezclar todos estos géneros con abundancia de ideas, consiguiendo con ello un efecto curioso del que extraen un sonido propio más que sugerente para beneficio del oyente. Victoria Bourne a la batería y voz y Chris Harper a la guitarra despliegan un florido abanico de posibilidades con unas canciones que podríamos calificar como de protesta, en donde incluyen temáticas como la desesperación, el amor, el desconsuelo, la política de recortes, la desintegración del capitalismo o las políticas actuales. Sin embargo Victoria vuelve también al pasado para hablar sobre su familia en la pieza titulada “Island Of Barbet Wire” relatando la historia de un tío abuelo suyo que fue encarcelado en la isla de Man como prisionero de guerra alemán simplemente por ser de esta nacionalidad, aunque hacía años que vivía en Reino Unido y estaba felizmente casado con una inglesa, en un relato que muestra toda la crudeza de los hechos globales y de los que un simple y sencillo individuo no puede escapar.
BUENO. Can punk, blues, rock, garage and even folk music combine and be mixed on a tasteful way? Although at first sight it might seem the other way round, The Husky Tones duo have the skills to mix all these genres with a good amount of new ideas, getting a surprising effect that leads them to reach a more than a suggestive personal sound for the sake of most listeners. Victoria Bourne on drums and vocals and Chris Harper on guitar display a colourful range of musical possibilities along a bunch of tunes that could be qualified as protest songs, including topics like despair, love, desolation, climate of cuts, disintegration of capitalism or modern day politics. But Victoria even dares to come back to the past and talk about her family in the song "Island Of Barbet Wire" where she tells us the story of her great uncle who was imprisoned in the Isle of Man as a German prisoner of war simply because of his nationality, although he had been living for years in the United Kingdom and was happily married with an English woman, on a story that shows the cruelty of global events a single person cannot avoid or escape from. GOOD.

Tomaccos “Easyhill T.N.”. Entrebotones 2016.
¿Te va el burlesque? ¿Y el cabaret? ¿El vaudevil quizás? Si te gustan todos estos géneros musicales entonces este es un álbum pensado especialmente para ti, a pesar de que el grupo considere que su música es una combinación de swing, country, hillbily y bluegrass, que también lo es, faltaría más. Tomaccos es un grupo con músicos proveniente de diferentes países pero afincados todos ellos en  Madrid, formado por Captain Edward Mill a la voz, dobro, guitarras Parlor, washboard y percusión, Suzanne Baquet al clarinete y voz, Rodderick Owens al contrabajo y voz y Al Monseau a la guitarra acústica y voz. Al grupo se les añaden como invitados Marcos Ortega a la trompeta, Miguel Rodríguez al violín, Lady Pepper, Agnes Bazini y Brigitte Goigoux a las voces y Nacho Mur al banjo. Dice el Capitán que su música bebe directamente del whisky que se destilaba en el sur durante el siglo XIX y es posible que sea cierto, puesto que yo jamás lo probé, más que nada por la lejanía en el tiempo. Lo que si puedo asegurar es que si quieres acercarte al tiempo y la música de aquellas pequeñas compañías teatrales que viajaban por el sur y se recorrían el circuito de la T.O.B.A durante las dos primeras décadas del siglo XX, ten por seguro que Tomaccos te retrotraerán a aquellos sugestivos años.
MUY BUENO. Do you like burlesque? Cabaret? May be vaudeville? If you like all these musical genres, then this is an album especially devoted to you, in spite the band consider their music as a combination of swing, country, bluegrass and hillbilly which, of course, is true. Tomaccos is a group with musicians coming from different countries but all settled all in Madrid, formed by Captain Edward Mill on vocals, dobro, Parlor guitars, washboard and percussion, Suzanne Baquet on clarinet and voice, Rodderick Owens on bass and vocals and Al Monseau on acoustic guitar. For the recording the band has added some guest musicians like Marcos Ortega on trumpet, Miguel Rodriguez on violin, Lady Pepper, Agnes Bazini and Brigitte Goigoux on vocals and Nacho Mur on banjo. The Captain says their music directly drinks from the whisky that was distilled in the south of USA during XIX century and, may be, it is true, because I have never drunk it, mainly for the remote time and long distance we are talking about. What I can surely tell you is that if you want to move closer to the time and music of those small theatre companies which, during the first two decades of the XXth century travelled all over the south along the T.O.B.A circuit, be sure Tomaccos will drive you back to those suggestive musical years. VERY GOOD.

Kat & Co. “Blues Is The New Cool”. Tone Trade 2016.
Ciertamente los  aficionados británicos al blues ya esperaban con ganas poder escuchar una nueva entrega del trabajo de la Kathleen Pearson y sus huestes. Una vez mas las letras de las canciones escritas por el guitarrista de la banda Francesco Accurso nos hablan de historias cotidianas de la vida en la ciudad, donde se introducen los blues en el contexto de hoy en día con la temática que se cuestionan la juventud actual. Más allá de esta reflexión, el contenido de la prosa y la lírica de los textos junto a la música que la banda interpreta, arropan sin fisuras el blues urbano de este nuevo siglo con una mezcla de ritmos polifónicos realizados a base de instrumentos tradicionales y electrificando de forma natural estas canciones, a pesar de que también han usado el dobro y la cigar box guitar. Estoy seguro que con este álbum la banda cautivará profundamente a toda una nueva generación de amantes del blues, por el aporte curioso que de esta música hacen. Kat & Co. están formados por Kathleen Pearson a la voz, Francesco Accurso a las guitarras, bajo, dobro, lap steel, cigar box, piano y coros, Federico Parodi al Hammond C-3, piano, Rhodes Mk-1, Wurlitzer A-200, armónica y voces y Nicholas Owsianka batería, percusión y voces. Mención especial a la inestimable colaboración de Paul Lamb a la armónica como invitado de lujo, junto a algunos otros músicos que contribuyen en los arreglos de cuerda y coros.
MUY BUENO. British blues fans were eagerly waiting for a new piece of work coming from Kathleen Pearson and his mates. Once again the song lyrics have been written by the band guitar player Francesco Accurso and tell us about daily life in a big city, where the blues is introduced in today context and actual young people most questioned subjects. Also the contents of prose and poetry texts as well as the music the band plays, give a close envelop to new century urban blues, with a colourful mixture of polyphonic rhythms performed with traditional instruments that electrify the songs on a very natural way, although they have also included dobro and cigar box guitar. With this album I am sure the band will deeply captivate the new generation of blues lovers, thanks to the curious and different way of playing music. Kat & Co. are Kathleen Pearson on vocals, Francesco Accurso on guitars, bass, dobro, lap steel, cigar box, piano and backing vocals, Federico Parodi on Hammond C-3, piano, Rhodes Mk-1, Wurlitzer A-200, harmonica and vocals and Nicholas Owsianka on drums, percussion and vocals. Also a special mention to Paul Lamb’s valuable collaboration as guest musician on harmonica plus some musicians who contribute with string arrangements and backing vocals. VERY GOOD.

Cary Morin “Cradle To The Grave”. Self Production / Mark Pucci 2017.
El cantante de roots music y blues, además de fino exponente de la técnica ‘fingerstyle’ Cary Morin, completa con este disco su proyecto de tres discos acústicos que le han llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas acústicos de la escena del blues de Estados Unidos. En esta última entrega de su trilogía Morin nos presenta un amplio muestrario de la tradición de la roots music que abarca desde el blues al folk con algunos destellos de la música nativa de los indios Crow de quienes es heredero por raza. A lo largo del álbum Cary muestra un gusto exquisito en todas y cada una de las once canciones, sumergiendo al oyente en un placentero y grato viaje que muestra la evolución y la labor de este artista con una enorme sensibilidad en sus facetas de compositor, cantante y guitarrista. De los once temas que aquí encontramos, ocho son composiciones propias y tres son versiones tan diversas como “Nothing Compares 2 U” de Prince, “Mississippi Blues” de Willie Brown y “Back On The Train” del supergrupo Phish. Cary Morin también es miembro de los grupos The Atoll y The Pura Fé Trio con los que ha viajado por medio mundo.
MUY BUENO. Roots music and blues singer besides a fine ‘fingerstyle’ technique guitar player, Cary Morin completes with this recording his project of three acoustic albums that have led him to be considered as one of the best guitarists of USA acoustic blues scene. In this last work of the trilogy Morin displays a wide range of roots music tradition, from blues to folk music with some drops of native Crow Indians music he is heir by race. Along the whole album Cary shows an exquisite taste in each and every one of the songs included, immersing all listeners to a pleasant delightful journey that shows the evolution and good work of an artist with an enormous sensitivity as composer, singer and guitar player. Eight own compositions plus three versions of so different songs like "Nothing Compares 2 U" coming from Prince, "Mississippi Blues" by Willie Brown and "Back On The Train" by the super band Phish. Cary Morin is also member of The Atoll and The Pura Fé Trio and, with the, he has travelled all over the world. VERY GOOD.

James O’Hara “James O’Hara”. Self Production 2016.
En 1986 James O’Hara se dio a conocer en el circuito del blues británico junto a su banda The Fingerpoppin’ Daddies. El grupo cambió su nombre por The Detonators. Con ellos tuvo la oportunidad de compartir escenario y cartel junto a Georgie Fame en el concierto de homenaje a Alexis Korner, lo que les dio la posibilidad de tocar junto a artistas como Lonnie Donegan, Chris Barber y Peter Green, además de aparecer y participar en numerosos conciertos y festivales de rock y blues. La banda se disolvió en 1998 y James formó The Giantkillers junto a la legendaria sección rítmica de King Pleasure And The Biscuit Boys. Después de unos años recorriendo el Reino Unido, James decidió arriesgarse a iniciar su carrera en solitario viajando a Chicago para aprender lo poco que le quedaba tocando junto a Phil Guy, Lurrie Bell, Billy Branch, Jimmy Burns y otros maestros del estilo. El pasado año 2016 fue reconocido por la revista inglesa Blues Matters! participando en el Colne International Rhythm And Blues Festival. Ahora con la experiencia acumulada James nos presenta este álbum donde básicamente interpreta el blues de siempre pero con un encanto, unos arreglos y un aire de lo más actual y contemporáneo. Además de James a la voz, también se encuentran Paul Corry a la guitarra, Jon Burr a la armónica, Clinton McFarlane al bajo y Marc Layton-Bennett a la batería. Un estupendo disco a tener en cuenta por los aficionados al nuevo blues del siglo XXI.
MUY BUENO. In 1986 James O'Hara appeared in British blues circuit with his band The Fingerpoppin' Daddies. The group changed its name for The Detonators. With them he had the chance to share stage and line-up with Georgie Fame at Alexis Korner’s tribute concert, which gave them popularity and opened doors to play with artist like Lonnie Donegan, Chris Barber and Peter Green, besides performing in many rock and blues shows and festivals. The band fell apart in 1998 and then James formed The Giantkillers that included the legendary rhythm section of King Pleasure And The Biscuit Boys. After few years touring United Kingdom, James decided to risk and start a solo career travelling to Chicago to learn the little he needed to knows of blues masters like Phil Guy, Lurrie Bell, Billy Branch, Jimmy Burns among others. Las year 2016 he was awarded by the English magazine Blues Matters! and he participated at Colne International Rhythm And Blues Festival. Now, with all the experience he has gathered over the years, James brings us his last album where he basically performs old school blues with charming very actual and contemporary arrangements. Besides James on vocals, you will also find Paul Corry on guitar, Jon Burr on harmonica, Clinton McFarlane on bass and Marc Layton-Bennett on drums. This is an interesting album to be taken into account by all 21st. century new blues lovers. VERY GOOD.

Dave Fields “Unleashed”. FMI Records / Rick Lusher 2017.
Dave Fields posee unas enormes cualidades innatas para la música. Básicamente ha desarrollado su carrera como cantante, guitarrista y compositor, pero también domina el bajo y el contrabajo, la mandolina, el banjo, el pedal steel, el ukelele, los teclados y la batería, por lo que puede decirse que Dave es un verdadero multi-instrumentista. En este último álbum confirma su evolución musical en los terrenos del rock y del blues, caminos por los que transita experimentando nuevas formas y maneras con las que poder atraer y calar en el interior de todos aquellos que se acerquen a beber y alimentarse de su música. Catorce canciones, siete de ellas grabadas en ‘vivo’ y la otras siete en estudio, en las que se encuentran reflejados los estilos musicales con los que Dave se siente más a gusto, como son los ya anteriormente citados rock y el blues más actual y dinámico. Dave Fields sabe asimismo rendir un apasionado tributo a Jimi Hendrix o deleitarnos con un par de instrumentales con un grato sabor al rock de los setenta. Aquí lo tienes ahora en este “Unleashed” junto a su poderosa banda ofreciendo un excelente puñado de buenas canciones con las que disfrutarás enormemente.
MUY BUENO. Dave Fields has been gifted with innate qualities for music. Basically he has developed his career as singer, guitar player and composer, but he also knows to play bass and double bass, mandolin, banjo, pedal steel, ukulele, keyboards and drums, so it can be said Dave is a true multi-instrumentalist. In this last album he confirms his musical evolution in both rock and blues fields, experimenting with new forms and fields to attract and catch all those people who come to feed and drink with his music. Fourteen songs, seven recorded live and the other seven in studio, that faithfully reflect the musical styles Dave feels more comfortable with, like the just mentioned rock and the most actual dynamic blues. Dave Fields also pays a passionate tribute to Jimi Hendrix or delights us with a couple of instrumentals performed with the delicious flavour of 70’s rock. So here he comes together with his powerful band, to present this "Unleashed” album and giver us a bunch of excellent songs you will totally enjoy. VERY GOOD.

Big Golden Wheeler “Turn My Life Around”. Wolf 2017.
Big Golden Wheeler nació en 1929 en Georgia. Desde muy niño sintió una enorme pasión por el blues pero no fue hasta principio de los años cincuenta en que Wheeler empezó a tocar. En aquella época conducía un taxi y uno de sus clientes habituales era el cantante y armonicista Buster Brown. Buster solía cantar y tocar la armónica durante los trayectos en taxi. Wheeler se animaba también a cantar, por lo que Buster le convenció a que probara fortuna. Finalmente se trasladó a la meca del blues, Chicago, donde en un abrir y cerrar de ojos formó su primera banda. Allí conoció a Junior Wells quien le enseñó algunos trucos con la armónica, aunque Wheeler siempre se consideró un autodidacta del instrumento ya que nunca quiso imitar a nadie. En los años noventa inició una amistad con Jimmy Johnson quien le produjo este álbum que Wheeler solía vender en todas sus actuaciones. Esta grabación llegó a manos de Hannes Folterbauer propietario de Wolf Records quien lo ha reeditado recientemente. Este disco contiene once canciones, una de ellas es un instrumental interpretado por el propio Jimmy Johnson, quien también colabora como guitarrista, bajista y teclista. Asimismo intervienen en un par de temas Luther Adams y John Primer a las guitarras y Willie Kent al bajo, mientras Timothy Taylor se encarga de la batería. Si eres uno de esos fanáticos del genuino blues de Chicago de los años sesenta, éste es un disco que no debe faltar en tu colección.
MUY BUENO. Big Golden Wheeler was born In Georgia in 1929. Since he was a little boy, he passionately loved the blues but it was not until the beginning of the 50’s when Wheeler started to play. At that time he drove a cab and one of his regular customers was singer and harmonica player Buster Brown. Buster used to sing and play harmonica while riding in the cab and often they sang together, so Buster encouraged him to try in. Finally he moved to Chicago, where he immediately he formed his first band. There he met Junior Wells who taught him some harmonica tricks, although Wheeler always says he is a self-taught harmonica player, because he never tries to imitate any other harmonica players. During the 90’s he became Jimmy Johnson’s close friend. Johnson produced this album that Wheeler used to sell in all his shows. This recording came to Hannes Folterbauer’s hands and he has recently published a reissue for Wolf Records. The album includes eleven songs, one of them is an instrumental played by Jimmy Johnson himself, who has also done guitar, bass and keyboards work. You will also find in a couple of songs Luther Adams and John Primer on guitars and Willie Kent on bass, while Timothy Taylor is on drums. If you are one of those genuine 60’s Chicago blues fans, this is certainly an album that cannot be missing in your record collection. GREAT.

John Ginty featuring Aster Pheonyx “Rockers”. American Showplace Music 2017.
El talento de John Ginty resalta en el oído de cualquier aficionado con un mínimo sentido del gusto al escuchar este disco que comentamos. No en vano Ginty posee una dilatada carrera que le ha llevado a tocar un sinnúmero de estilos musicales que abarcan desde el rock al hip-hop, el blues o incluso el jazz. Con tres discos a sus espaldas publicados bajo su propio nombre, para esta cuarta entrega John decidió contar con la inestimable colaboración de la cantante Aster Pheonyx a la que conoció al acabar uno de sus conciertos en el legendario Wonder Bar de Asbury Park. Empezaron a tocar de forma improvisada en los camerinos y la química que surgió entre ambos fue realmente espectacular, y este disco es buena prueba de ello. Son doce canciones las que conforman este preciso y espléndido álbum. Además de John Ginty al Hammond B-3, piano y teclados y la poderosa y bien timbrada voz de Aster Pheonyx, el resto de la banda está formada por Mike Buckman a la guitarra, Justine Gardner al bajo y Maurice “Moe” Watson a la batería y voces. El disco ha sido producido por Ben Elliott junto al propio John Ginty que han sacado el máximo partido de un álbum que ya de por sí está muy bien trabajado.
MUY BUENO. John Ginty’s talent highlights in the ears of any music lover gifted with a minimum good taste every time he comes to listen to this album. Not in vain Ginty has a long career on his back that has led him to play a variety of musical styles ranging from rock to hip-hop, blues or even jazz. With three albums published under his own name, for this fourth one John decided to rely on the valuable collaboration of singer Aster Pheonyx he met at the end of one of his shows in legendary Wonder Bar in Asbury Park. They started jamming in the backstage and the chemistry that arose between them was really amazing and this album really proves it. Twelve songs form this precise and splendid recording. Besides John Ginty on Hammond B-3, piano and keyboards and Aster Pheonyx’s powerful well pitched voice, the rest of band members are Mike Buckman on guitar, Justine Gardner on bass and Maurice "Moe" Watson on drums and backing vocals. The album has been produced by Ben Elliott and John Ginty himself. Both have managed to round up a cd that already was very well conceived and performed. VERY GOOD.

Eliza Neals “10.000 Feet Below” E-H Records / Frank Roszak 2017.
La cantante, teclista y productora Eliza Neals se adentra sin tapujos por los tortuosos y profundos caminos del blues con este su último álbum en el que deja algo de lado el rock-blues para descender a las profundas y mas primigenias raíces de la música negra americana. Además de viajar a este averno brutal y misterioso, Eliza se recrea con avaricia y fruición en deleitar al oyente con su trabajo a los teclados, ya sea con el piano, el Hammond B-3 o el Fender Rhodes. Su tesitura vocal es una verdadera delicia y por si ello fuera poco se ha sabido rodear de unos músicos competentes con un enorme potencial profesional. Entre todos ellos sobresale el guitarrista Howard Glazer respaldado por sus Narcotics, un músico que participa prácticamente en todos los temas del álbum y que además ha compuesto junto a Eliza Neals nueve de las canciones recogidas en este trabajo, a las que se añaden “Hard Killing Floor” de Skip James y “Cleotus” compuesta por la propia Eliza. La desatada fuerza y el salvaje poderío de esta musa te hechizará desde la primera canción del álbum por lo que puedo augurar que difícilmente podrás salir indemne de esta vital y gozosa experiencia. MUY BUENO. With this new album singer, keyboard player and producer Eliza Neals goes straightforward along the deep windy blues roads, where she leaves aside power rock-blues to go down to the traditional roots of America black music. Besides travelling to this rough mysterious hell, Eliza devotes herself with an extreme eagerness and joy to delight all listeners with her keyboards work, either on piano, Hammond B-3 or Fender Rhodes. Her vocal range becomes a true delight and, if it was not enough, she is surrounded by a bunch of able musicians with huge potential skills. Among them stands out guitar player Howard Glazer and his Narcotics, who plays in almost every album song and has also composed with Eliza Neals nine of the songs included in the cd, which is completed with "Killing Floor" coming from Skip James and "Cleotus" an own Eliza’s song. The wildness force and unleashed power this ‘muse’ always communicates will bewilder you from the first song to the last one, so I dare say you won’t come out unharmed of this vital and joyful experience. GREAT.

Vanessa Collier “Meeting My Shadow”. Ruf Records 2017.
Para los no iniciados el nombre de la cantante y saxofonista Vanessa Collier será un descubrimiento sorprendente. Sin embargo para todos aquellos que han seguido de cerca la trayectoria de esta atractiva mujer de Maryland, sin duda este álbum satisfacerá y colmará todas las expectativas puestas en ella, ya que en él se reencuentran el pasado, el presente y el futuro musical en un tributo al espíritu de la tradición del blues y una reflexión profunda de la cultura contemporánea, junto a un intenso deseo de crecimiento personal y musical por parte de esta mujer. Si su primer disco sirvió para ser reconocida entre el público y la crítica, con este nuevo y último álbum Vanessa confirma de lleno su innegable calidad, desarrollando una variada y ecléctica tanda de estilos de música negra que impresionará al oyente y le hará agradecer haber escogido la opción de hacerse con una copia del mismo. Su estilo vital y enérgico tocando saxo alto, tenor y soprano, flauta, Fender Rhodes, wurlitzer, clavecin, percusión y órgano, combinan perfectamente con el resto de los instrumentos interpretados por TK Jackson, Daniel McKee, Laura Chavez, Charles Hodges y Marc Franklin además de algunos músicos invitados. Estamos ante un disco muy completo y a la vez variado tanto en sus formas como en estilos.
MUY BUENO. For the uninitiated the name of singer and sax player Vanessa Collier will be a surprising discovery. But for all those who have followed the career of this attractive Maryland coming woman, this album will surely satisfy and fulfil all the expectations entrusted on her, as it combines the past, the present and the future of music, in a very special tribute to the spirit of blues tradition, a deep overview of contemporary culture and an intense desire of a future full of a personal and musical growth. If her first album gave her the possibility to be recognized among wide audiences and specialized media, with this new studio album Vanessa fully confirms her undeniable quality, developing a varied and eclectic range of black music styles that will impress listeners who have done the good choice to get a cd copy. His vital energetic style on alto, tenor and soprano sax, flute, Fender Rhodes, Wurlitzer, clavinet, percussion and organ, perfectly match with the rest of the instruments played by TK Jackson, Daniel McKee, Laura Chavez, Charles Hodges and Marc Franklin plus some guest musicians. We are facing a very complete and at the same time varied recording, both in the layout and content styles. GREAT.

Thornetta Davis “Honest Woman”. Sweet Mama Music / Frank Roszak 2017.
Durante más de veinte años Thornetta Davis, la reina del blues de Detroit, ha paseado su funky rockin’ blues por infinidad de escenarios de todo el mundo, cautivando con su total entrega y su increíble fuerza vocal a las mas variopintas audiencias. Muchos han intentado describir su técnica que ha sido comparada con la pasión de Etta James, el timbre de Sarah Vaughn, el poderío de Big Mama Thornton, la emoción de Aretha Franklin, el desgarrado sentimiento de Bessie Smith o la capacidad de transmitir sensaciones de Denise LaSalle. Y por si alguien dudara de estas comparaciones, para demostrarlo aquí tenemos su nuevo trabajo con trece canciones donde se refleja fielmente la enorme capacidad de seducción vocal que tiene en todas y cada una de las canciones que interpreta en las que se puede comprobar toda la versatilidad y el buen hacer de esta cantante llamada Thornetta Davis. Desde el back-porch delta blues, pasando por la espiritualidad del gospel, el rock-blues, las baladas, el funky, el cajun, la música Americana, el rhythm and blues o los low down blues, todo ello tiene cabida en este disco variado, entretenido y muy bien ensamblado a cargo de unos músicos capaces y competentes. Un álbum que no defraudará a ninguno de los oyentes que apuesten por escucharlo y degustarlo.
MUY BUENO. For more than twenty years, Thornetta Davis, the queen of Detroit blues, has given her funky rockin' blues to countless stages all over the world, captivating the most varied audiences with her commitment and her incredible vocal power. Many people have tried to describe her technique, which has often been compared with the passion given by Etta James, the timbre coming from Sarah Vaughn, the power of Big Mama Thornton, the emotional attitude displayed by Aretha Franklin, the heartbreaking feeling of Bessie Smith or the communication ability of Denise LaSalle. And if anyone doubts about all these comparisons, here comes her new work to prove them. Thirteen songs that faithfully reflect the enormous vocal seduction capacity she always gives to each and every one of the songs, where you will immediately discover the versatility and good work of this singer called Thornetta Davis. From back porch Delta blues to gospel, rock-blues, ballads, funk, Cajun, Americana, rhythm and blues or low down blues, all have place in this varied, enjoyable album, perfectly built up by a bunch of able very professional musicians. This is an album that will not disappoint any listener who comes to taste it. GREAT.

Lee Palmer “Bridge”. An On The Fly Music / Sarah French 2017.
El cantante, guitarrista y compositor canadiense Lee Palmer nos presenta su cuarto álbum, en el que mezcla con gusto y armonía el blues y la música americana de raíz. El disco estaba previsto que se grabara en el año 2016 pero diversas operaciones a corazón abierto y la implantación de un marcapasos retrasaron el proyecto. Pero gracias a su determinación, Lee superó con rapidez estos contratiempos e inmediatamente después de ser dado de alta, Lee se trasladó al estudio para dar forma a este proyecto que ahora ve la luz, en el que ha contado con la colaboración de un puñado de excelentes músicos de estudio de la zona de Toronto. Como su titulo indica este disco es un puente y un camino hacia todos esos sonidos por los que Lee Palmer siente una tremenda atracción y que le han acompañado a lo largo de su vida. Nuestro hombre quiere también rendir un sentido homenaje a JJ Cale con la canción “Tulsa Sound”, así como reconocer la tremenda lucha que Glenn Campbell lleva desde hace tiempo contra la enfermedad del Alzheimer con la canción “That’s No Way To Go”. Si con sus anteriores álbumes Lee Palmer ya recibió criticas muy positivas por parte de los medios especializados y en los programas de radio donde se escucharon sus temas, ahora este nuevo disco viene a confirmar plenamente su calidad como compositor, guitarrista y cantante.
MUY BUENO. Singer, guitar player and songwriter Lee Palmer comes back with his fourth album, where he tastefully and cleverly mixes blues and Americana roots music. In fact he had planned to record this album in 2016 but some bypass surgery delayed the project. But Lee’s determination made him quickly recover. When he left hospital he immediately went to work and came to studio to start his long awaited project which now sees the light, where he has counted with the valuable collaboration of a handful of excellent Toronto area studio musicians. As the recording title says, the album is a bridge and a way towards all the sounds Lee Palmer feels totally attracted which have always gone with him. Our man also pays tribute to JJ Cale with the song "Tulsa Sound", and he also recognizes the tremendous fight Glenn Campbell is daily carrying out against Alzheimer's disease with the song "That's Not the Way To Go”. If with his previous recordings Lee Palmer already received very positive reviews from specialized media and radio shows that broadcasted his music, now this new album comes to fully confirm his quality as composer, guitar player and singer. VERY GOOD.

Beth Garner “Snake Farm” Self Production / Mark Pucci 2016.
La cantante y guitarrista Beth Garner es bien conocida por todos los aficionados de la zona de Nashville, Tennessee, tanto en los ambientes del folk y la roots music como en los del blues, dos géneros con los que ella juega y se desliza como pez en el agua. Con este nuevo trabajo Beth da un paso adelante y se adentra por los caminos del gospel, el soul y el rock and roll, sin olvidar los cimientos de su música que, como hemos mencionado anteriormente, están profundamente arraigados en el blues y el folk. Además de la propia Beth Garner a la guitarra solista, slide y voz, el resto de los músicos que han participado en la grabación son Rory Hoffman al saxo barítono, teclados y guitarra rítmica, Steve Forrest al bajo, West Little a la batería y Angela Primm y Gale Mayes coros. Aunque el álbum solamente incluye siete canciones, a través de ellas se puede llegar a descubrir y apreciar todo el potencial musical que envuelve a esta artista que está llamada a ser reconocida y admirada a lo largo y ancho de los Estados Unidos y, ¿por qué no? también por una gran parte de los aficionados del resto del globo a los que estoy totalmente convencido de que, tanto su música como su talento, les seducirá como lo ha hecho conmigo. MUY BUENO. Singer and guitar player Beth Garner is well known by all Nashville and Tennessee area music lovers, both in folk and roots music circles and blues ones, two styles she feels comfortable with, sliding on them like fish in water. With this new work Beth takes a step forward going along gospel, soul and rock and roll ways, but she never forgets the real basis of her music that, as just mentioned, are deeply rooted in blues and folk. Besides Beth Garner in lead guitar, slide and vocals, the rest of the musicians involved in the recording are Rory Hoffman on baritone sax, keyboards and rhythm guitar, Steve Forrest on bass, West Little on drums and Angela Primm and Gale Mayes on backing vocals. Although the album only includes seven songs, they will be enough to make you discover and realize all the musical potential that surrounds an artist who is called to be recognized and admired all over America and, why not?, by a good number of music lovers around the world I am absolutely convinced that both her music and her talent, will seduce them as she has already done with me. GREAT.

Coco Montoya “Hard Truth” Alligator 2017.
Cualquier álbum publicado por Alligator Records es ya de por si sinónimo de calidad por lo que, prácticamente antes de escucharlo, ya daba por supuesto el interés que éste nuevo álbum iba a suscitarme, no solamente por ser de la compañía Alligator, sino por ser el nuevo trabajo de Coco Montoya cuyos álbumes nunca suelen defraudar a sus seguidores. Montoya puede estar más o menos inspirado, pero es un músico que siempre es capaz de aportar algo nuevo y seguir llamando la atención de sus fans y sus muchos admiradores. Coco Montoya creció como guitarrista y cantante junto a dos de los grandes maestros del blues, Albert Collins, uno de los grandes referentes del blues tejano contemporáneo y el gigante del blues británico ‘Papa’ John Mayall. Albert fue su mentor y gran amigo, entrando a formar parte de su banda como batería, aunque pronto Collins vio su gran potencial y le convirtió en el segundo guitarra. Coco permaneció a su lado durante cinco años, pasando después a formar parte de los Bluesbreakers de John Mayall con los que estuvo una década y se dio a conocer mundialmente como un brillante guitarrista. Con este nuevo álbum Coco sigue creciendo y ofreciendo al oyente toda esa emoción tan particular que es capaz de transmitir pulsando una sola nota de su guitarra y cantando un solo verso con esa personal voz que pone al servicio de la intensidad de sus letras.
MUY BUENO. Every Alligator Records new release becomes a synonymous of quality so, before I listen to this recording I know beforehand the interest this new album will have to me, not only for Alligator reliability but also for Coco Montoya’s name, whose recordings never disappoint all his followers. Montoya can sound more or less inspired, but he is a musician who is always able to bring something new to call the attention of his many fans and admirers. Coco Montoya grew as a guitar player and singer with two of the most legendary blues masters, Albert Collins, one of the greatest contemporary Texas blues names, and British blues giant 'Father' John Mayall. Collins was his mentor and great friend and he first played in his band as a drummer, but soon Albert realized his great potential as guitar player, so he soon became the second guitar player. Coco was in the band for five years and afterwards he was member for a decade of John Mayall’s Bluesbreakers where he became worldwide well known as a brilliant guitarist. With this new album Coco is even growing on, providing listeners that particular emotion he is able to communicate with only a single note of his guitar and a single verse sung with this personal voice he always puts in service of the lyrics intensity. GREAT.

Big Bill Morganfield “Bloodstains On The Wall”. Black Shuck / Rick Lusher 2017.
Sin dejar de lado la enorme similitud vocal y también a la guitarra con su padre Muddy Waters, Big Bill Morganfield nos presenta un nuevo álbum con el que ha sabido unir la tradición del blues de Chicago que su padre interpretaba con la modernidad del sonido actual y todo ello sin perder el auténtico espíritu de ese sonido tan característico con el que Muddy se convirtió en un auténtico creador de un estilo propio. Este álbum contiene once temas que nos transportan a los orígenes de los años cincuenta en los que en el sello discográfico Chess se daban cita tipos como Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter o, por supuesto. Muddy Waters. El disco contiene también una rareza en forma de bonus track extraída de la serie de televisión “Shots Fired”. Se trata de la canción “Hold Me Baby” en la que Big Bill Morganfield nos muestra una faceta suya completamente desconocida en la que se acerca a la música electrónica y el hip-hop. A destacar que también participan como músicos invitados Bob Margolin a la guitarra y Steve Guyger a la armónica. Si te va el blues de Chicago expuesto con corrección y buenas maneras, entonces no dudes que este álbum contiene todos los elementos necesarios para hacerte completamente feliz.
BUENÏSIMO. Without leaving aside the amazing vocal and guitar similarity to his father the one and only Muddy Waters, Big Bill Morganfield comes with a new album where he cleverly combines Chicago blues tradition his father used to play with a real actual sound, without losing the true spirit of that characteristic sound which made Muddy become the founder of an own musical style. The album gathers eleven songs that drive us to the beginning of the fifties, when Chess label brought together guys like Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter or, of course. Muddy Waters himself. The recording ends with a rarity, a bonus track coming from a television series film "Shots Fired", the song "Hold Me Baby" where Big Bill Morganfield shows a completely unknown facet playing electronic music and hip-hop. Also mention you will find Bob Margolin on guitar and Steve Guyger on harmonica as guest musicians. If you like Chicago blues properly developed always with real good taste, then I am sure this album includes all necessary elements to giver you joy and happiness. GREAT.

Tiny Legs Tim “Melodium Rag” Sing My Title 2017.
Tiny Legs Tim es uno de los nombres que en los últimos tiempos han irrumpido con fuerza en la escena del blues belga. Recientemente ha conseguido también el reconocimiento europeo tras participar en el European Blues Challenge. Guitarrista y cantante muy versátil, ahora vuelve de nuevo a las raíces con este nuevo disco recientemente aparecido en el mercado. Este es un álbum completamente acústico en el que Tim da rienda suelta a su pasión por el blues de preguerra incluido el estilo Piedmont y en el que ha contado con la colaboración de Steven Troch a la armónica. Grabado de una sola tirada sin overdubs ni otros recursos técnicos de estudio, ambos músicos consiguen crear una atmósfera envolvente y aportar la energía suficiente para disfrutar de una grabación llena de soltura, fresca e irresistiblemente espontánea. El sonido vintage al tiempo que muy actual constituye otro plus mas para que el álbum, ya de por si dotado de gran calidad, obtenga el beneplácito del oyente. Inspirado en aquellos músicos como fueron Mississippi Fred McDowell, Son House, Johnny Woods, Sonny Terry y Brownie McGhee, Tiny Legs Tim va desgranando un refrescante repertorio donde no faltan el fingerpicking, el Delta blues, los shuffles, el country, el folk-blues o el ragtime.
MUY BUENO. Tiny Legs Tim is one of the names who, in recent times, has appeared with force in Belgian blues scene. Recently he has also gained European recognition after participating at the European Blues Challenge that runs every year in a European city. He is a really versatile guitar player and singer, and now he goes back to the roots with this recently published new album. This is a totally acoustic recording where Tim gives free rein to his passion for pre-war blues and Piedmont style. He has also counted with the valuable collaboration of Steven Troch on harmonica. Recorded in one take with no overdubs or other technical studio devices, both musicians manage to create a wrapping atmosphere and provide energy enough to produce a cool, spontaneous and irresistible album. The vintage analogue but at the same time, modern sound becomes a plus for an album which gathers an undeniable quality, that will satisfy the most demanding listeners. Inspired by those musicians like Mississippi Fred McDowell, Son House, Johnny Woods, Sonny Terry and Brownie McGhee, Tiny Legs Tim presents a refreshing repertoire where you will find fingerpicking, Delta blues, shuffles, country, folk-blues or ragtime. GREAT.

LazyEye “Pocket The Black”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Desde Australia nos llega una de las bandas que con sólo tres años de existencia, ya gozan de más prestigio y popularidad en el panorama del blues de nuestras antípodas, léase países como Australia o Nueva Zelanda. Ganadores de infinidad de premios como los Australian Blues Music Awards o los South Australian Awards, los LazyEye con este álbum conforman que su fama es realmente merecida. Diez exuberantes canciones componen este trabajo firmemente enraizado en el pasado, pero sin olvidar por ello el presente y el futuro del blues, en un brillante ejercicio musical interpretado con gusto y alegría. “Pocket The Black” es un disco singular y atrevido, grabado en vivo, donde el trío acomete su faena con un entusiasmo embriagador y sumamente sugestivo. Así Evan Whetter muestra su capacidad creativa tanto en los vocales como en su trabajo al órgano y lo hace con elegancia y buen gusto. Lo mismo puede decirse de Erica Graf, cuyas líneas melódicas a la guitarra atraen al oyente atrapándolo con sus sutilezas y su buen hacer. Finalmente el batería Mario Marino insufla el apoyo sólido y bien formulado a través de sus tambores con los que determina que todo se asiente sobre unas bases frescas, dinámicas y muy bien trazadas.
MUY BUENO. From Australia comes one of the bands that, although it was only formed three years ago, has got an outstanding prestige and popularity in blues circles of our antipodes, in countries like Australia or New Zealand. Winners of different awards liker Australian Blues Music Awards or South Australian Awards, with this new album The LazyEye prove his fame is well deserved. Ten lush songs round up a recording firmly rooted in the past, without forgetting the present and the future of blues, in a brilliant musical exercise performed with pleasure and joy. "Pocket The Black" is a singular daring live recorded album, where the trio approaches their work with a heady and highly suggestive enthusiasm. Evan Whetter shows his creative skills both in vocals an in organ with elegance and good taste. The same can be said about Erica Graf, whose melodic guitar lines will immediately catch the listener with a subtle displaying and a delightful performing. Finally drummer Mario Marino brings a solid support with all his drums, which become essential to determine everything is build up over some cool, dynamic well drawn basis. VERY GOOD.

Billy T Band “Reckoning”. Big H / Frank Roszak 2017.
Billy T es un músico que nació en New York y que se ha ido haciendo a si mismo a base de esfuerzo y tesón. Durante doce años fue miembro de la banda de Eddie Kirkland y posteriormente lo fue por diez años más de la banda de Tom Russell. En el año 1997 Billy se estableció en Oslo, Noruega. Fue en esa ciudad donde fundó su propia banda con la que estuvo siete años como banda residente en el Muddy Waters Blues Club de la ciudad de Oslo. Ello le dio la oportunidad de tocar junto a grandes músicos y curtirse como sideman al lado de Willie ‘Big Eyes’ Smith, Homesick James, Gary Primich, Mitch Kashmar, Junior Watson, Tad Robinson, Alex Schultz, Nappy Brown, Louisiana Red o Kid Andersen entre otros. Desde que fundara su banda en el año 2003, ésta mantiene su misma formación con Billy T al bajo y la voz, Ian Fredrick Johannessen y Haakon Hoeye a las guitarras y Robert Alexander Pettersen a la batería. En el álbum han colaborado un buen puñado de músicos que incluyen desde una sección de cuerda para violines, viola y cello hasta saxo y trompeta y arreglos vocales. El álbum nos presenta un repertorio que se mueve entre el soul, la música Americana, el blues y el swamp rock. Un disco atractivo y balsámico con composiciones propias y unas armonías llenas de lirismo y elegancia.
MUY BUENO. Billy T is a self made musician born in New York who has worked hard to get a name. For twelve years he was member of Eddie Kirkland’s band and afterwards he spent ten years with Tom Russell’s band. In 1997 Billy settled in Oslo, Norway. It was there he decided to form his own band playing as house band at Muddy Waters Blues Club in Oslo for about seven years. This gave him the opportunity to perform with great musicians and get a wide experience backing such greal bluesmen like Willie 'Big Eyes' Smith, Homesick James, Gary Primich, Mitch Kashmar, Junior Watson, Tad Robinson, Alex Schultz, Nappy Brown, Louisiana Red or Kid Andersen among others. Since 2003 the band musicians have been the same ones, with Billy T on bass and vocals, Ian Fredrick Johannessen and Haakon Hoeye on guitars and Robert Alexander Pettersen on drums. The cd also gathers a variety of good players, from a string section with violins, viola and cello to sax, trumpet and vocal arrangements. The album surprises us with a repertoire that moves from soul to Americana music, blues or swamp rock. This is an attractive balsamic recording with own compositions and elegant harmonies full of a beautiful lyricism. VERY GOOD.

Lauren Mitchell “Desire”. Self Production / Frank Roszak 2017.
La vida discurría tranquila y apacible para Laura Bay, cantante de blues y soul afincada en Tampa Bay cuando el pasado año 2016 todo cambió para ella. La disolución de su matrimonio y de su banda la sumieron en una enorme tristeza anímica. Sin embargo y después del golpe inicial, Lauren decidió que aquellas bofetadas que había recibido de la vida tenían que hacerla más fuerte que nunca para salir adelante y la verdad es que lo ha conseguido. Para ello decidió sumergirse de lleno en el proyecto y la grabación de este estupendo “Desire”, un álbum que ha sido producido por Tony Braunagel (Bonnie Raitt, Taj Mahal, Robert Cray), quien ha sabido sacar lo mejor de las excelentes cualidades vocales de esta artista. Trece canciones, algunas compuestas por algunos amigos suyos, escritas especialmente para este disco, además de algunas versiones de temas que se hicieron populares interpretados por artistas de la talla de Etta James, Bettye Lavette, Diana Ross, Aretha Franklin o Betty Davis conforman un extraordinario disco. El poderío y la energía de su voz junto al dinamismo con el que ataca y aborda todas las canciones llamarán poderosamente la atención de los aficionados dispuestos a descubrir a esta tremenda y efectiva vocalista que, con toda probabilidad, robará sus corazones.
MUY BUENO. Life ran peaceful and happy for Lauren Mitchell, a blues and soul singer based in Tampa Bay area, when, suddenly, in 2016 everything became a mess. The dissolution of her marriage and parting ways with her band led her to a deep sadness. After the initial shock, Lauren decided the slaps and blows life had given her should make her stronger than ever to move forward and, the true thing, is she has got it. To do so, she decided to fully devote herself to a new engaging project that ended with the recording of this great album called "Desire", that has been produced by Tony Braunagel (Bonnie Raitt, Taj Mahal, Robert Cray), who brought out the best of Lauren’s impressive vocal qualities. Thirteen songs, some ones specially written for this album by some of her friends, together with some versions of different songs that became popular by such great artists like Etta James, Bettye Lavette, Diana Ross, Aretha Franklin or Betty Davis round up a very special recording. The energetic power of Mitchell’s voice as well as her dynamic stage presence and attack will call the attention of music lovers willing to discover this terrific and effective singer who will steal their hearts. GREAT.

Mátyás Pribojszki Band “My Stories”. Self Production 2016.
El cantante y armonicista húngaro Mátyás Pribojszki ha sobrepasado las fronteras de su país natal para ser reconocido a nivel internacional. Su técnica a la armónica es realmente envidiable y eso le ha llevado a compartir escenario con las primeras figuras del blues actual. Ahora nos presenta este nuevo disco en el que, además de su banda habitual formada por Ferenc Szasz a las guitarras, Laszlo Csizmadia al bajo y Daniel Molnar a la batería, ha contado con la inestimable colaboración de invitados de lujo como Charlie Musselwhite, Bob Margolin, Kid Andersen, Andy J. Forest, Raphael Wressnig, Little G. Weevil, Bill Barrett, Ryan Donohue, Rpoff Raskolnikov y Zoltán Nemes. Con todo este plantel de músicos es fácil comprender que se está ante de un álbum con mucho peso y de gran mérito sonoro para quien le guste el blues de Chicago, el de Texas y el jump de la costa oeste. Son un total de doce perlas, once de ellas compuestas por el propio Mátyás, las que componen este trabajo que estoy seguro te atrapará de principio a fin, sobre todo si disfrutas con el blues fresco y actual pero con sabor vintage. La armónica de Mátyás sobresale a base de excelentes solos, cuidadas líneas melódicas y un sonido amplificado anclado en los años cincuenta al que imprime un excelente ‘big fat tone’.
MUY BUENO. Hungarian singer and harmonica player Matyas Pribojszki has exceeded the borders of his country to be now recognized at an international level. He has an outstanding harmonica technique which has led him to share stage with the greatest blues musicians. Now he brings us this new album where, besides his usual band with Ferenc Szasz on guitars, Laszlo Csizmadia on bass and Daniel Molnar on drums, he has counted with the valuable collaboration of such great guest musicians like Charlie Musselwhite, Bob Margolin, Kid Andersen, Andy J. Forest, Raphael Wressnig, Little G. Weevil, Bill Barrett, Ryan Donohue, Rpoff Raskolnikov and Zoltán Nemes. With this line-up you can easily imagine this is an high class, strength album with a remarkable sound that will satisfy Chicago, Texas and West Coast jump blues lovers. Twelve pearls, eleven Matyas own compositions and one cover, round up an album that will catch listeners from beginning to the end, especially if you like cool actual blues with a vintage flavour. Matyas’ harmonica playing stands out with excellent solos, built up over the basis of excellent melodic lines and an amplified sound anchored in the 50’s and an amazing big fat tone. GREAT.

Samantha Fish “Chills & Fever”. Ruf 2017.
Con este último álbum la cantante y guitarrista Samantha Fish da un nuevo paso adelan
te en su carrera musical. En esta ocasión nuestra musa deja de lado su faceta más rockera y desgarrada para adentrarse por unos caminos nunca antes explorados por ella como son el soul y el sonido Motown y lo hace con un repertorio en el que ha rescatado algunas canciones de aquellos años legendarios para la música como fueron los sesenta y los setenta. Para ello se ha sumergido en cuerpo y alma en la música de Otis Redding, Ray Charles, pero también en los sonidos del ‘North Mississippi County Hills’ de los que  R.L. Burnside o Junior Kimbrough han sido siempre unos maestros consumados. También se ha imbuido de las fuentes que provienen de Jackie DeShannon o Allen Tousaint. Samantha ha seleccionado a una serie de músicos que han entendido a la perfección el discurso y las ideas que ella tenía en mente. Además de Samantha a la voz y la guitarra solista la acompañan Joe Mazzola guitarra rítmica, Steve Nawara al bajo, Kenny Tudrick a la batería, Bob Mervak piano eléctrico, Marc Levron trompeta y Travis Blotsky saxos. Todos ellos dan vida y colorido a un álbum con una calidad fuera de toda duda. MUY BUENO. With this new album, singer and guitar player Samantha Fish has done a step forward in her musical career. This time our diva leaves aside her most raw rocky facet to walk along some never before explored ways like soul and Motown sound, and she does it with a repertoire where she has rescued some songs of those legendary and incredible music years that were the 60’s and 70’s. She has totally immersed herself in the music of Otis Redding, Ray Charles, but also in the sounds of North Mississippi County Hills listening to such great masters like RL Burnside and Junior Kimbrough. And she has also investigated in sources coming from Jackie DeShannon or Allen Toussaint. Samantha has selected a bunch of musicians who have perfectly understood the ideas she had on mind and how to capture and express them. Besides Samantha on vocals and lead guitar, you will also finf Joe Mazzola on rhythm guitar, Steve Nawara on bass, Kenny Tudrick on drums, Bob Mervak on electric piano, Marc Levron on trumpet and Travis Blotsky on saxos. All of them give a lively bright colour to an album with an undeniable and totally amazing quality. GREAT.

The Almost Three “Three”. Pott People 2017.
El grupo alemán The Almost Three nos presenta un álbum difícil de clasificar musicalmente, en el que tienen cabida un variopinto abanico de cromatismos musicales donde se mezclan el funk, el rock de los setenta y el rock Indie actual. En el repertorio se pueden vislumbrar detalles y flashes que a veces pueden recordar a Jimi Hendrix, Neil Young o George Clinton. Grabado todo de una tirada sin overdubs ni otras florituras de estudio, el disco incluye trece canciones, diez de ellas composiciones propias y tres versiones. Además de Martin Ettrich a la guitarra y voz, Max Schmitz al bajo y Benny Korn a la bateria, el trío ha contado con la participación en un tema cada uno de dos músicos tan distintos como son el guitarrista de flamenco Rafael Cortés a la guitarra y percusión y Joseph Bowie conocido como ’Mr. Defunkt’ al trombón y voces, un músico que fue fundador de la popular banda de funk y jazz de New York, Defunkt. Con este tercer trabajo los Almost Three muestran toda su madurez y versatilidad con ese eclecticismo musical al que nos tienen acostumbrados. Un álbum para mentes abiertas.
MUY BUENO. German band The Almost Three comes back with an album really difficult to classify, with room enough to collect a wide range of chromatic music that mix funk, 70’s rock and the most actual indie rock. In the songs you can even discover some details and flashes that sometimes could remind Jimi Hendrix, Neil Young or George Clinton. Recorded live with no overdubs or other studio devices, the album gathers thirteen songs, ten own compositions and three covers. Besides Martin Ettrich on guitar and vocals, Max Schmitz on bass and Benny Korn on drums, the trio has counted with the valuable collaboration of two so different musicians like flamenco guitarist Rafael Cortés on guitar and percussion and Joseph Bowie well known as 'Mr. Defunkt' on trombone and vocals, founder of the popular New York jazz and funk band Defunkt who perform each in one song. With this third recording The Almost Three confirm his maturity and versatility, as well as the musical eclecticism they usually give to the music. This is an album perfect for the most open mind people. VERY GOOD.


MAYO 2017 / MAY 2017

Randy McAllister “Fist Ful Of Gumption”. Reaction / Frank Roszak 2016.
El blues y la roots music se dan la mano en este último trabajo del cantante, armonicista y batería Randy McAllister. Nacido en Texas, Randy pertenece a la quinta generación de músicos de la zona que se han desvivido por el blues siguiendo la estela de sus predecesores, maestros y grandes pioneros del género. Su padre era batería del grupo The Flames y, desde bien pequeño, Randy siguió sus pasos aprendiendo a tocar el instrumento. A los veinte años descubrió los jugosos timbres y sonidos de la armónica durante un viaje por Massachusetts. De vuelta a Texas sorprendió a todos sus amigos, familiares y seguidores, mostrando que había adquirido una técnica depurada soplando la armónica y conseguido un timbre vocal expresivo, rico y maduro. En la actualidad con treinta años de experiencia y trece discos a sus espaldas, Randy McAllister es un sólido valor que sigue al alza en lo que a su música se refiere. En este disco combina con acierto y un gusto deliciosas melodías impregnadas de roots music, folk y blues, además de unas sugestivas letras que despertarán el interés del oyente, junto a una gran fuerza expresiva. Además de Randy a la voz, armónica, batería y washboard, también intervienen en el álbum Rob Dewan a la guitarra, Maya Van Nuys al violín, Matt Higgins al bajo, Carson Wagner a los teclados y las armonías vocales de Benita Arterberry-Burns y Andrea Wallace. MUY BUENO. Blues and roots music come hand in hand in the last work of singer, harmonica player and drummer Randy McAllister. Born in Texas, Randy belongs to the fifth generation of those area musicians who have spent all their energies in the blues, following the path of the ancestors, great masters and pioneers of this music style. His father was drummer in The Flames band and, since his childhood. Randy followed his father’s footsteps and learned to play the instrument. When he was 20 years old he discovered the harmonica juicy tones and sounds while he was travelling around Massachusetts. Back to Texas he surprised all his friends, family and followers, showing he had got a fine harmonica playing technique and an expressive, rich and mature vocal tone. Now with thirty years of experience and thirteen albums on his back, Randy McAllister is a solid rising value. The album cleverly combines with very good taste delicious melodies full of roots music, folk and blues, plus suggestive lyrics that will call the attention of most listeners, as well as a great expressive strength. Besides Randy on vocals, harmonica, drums and washboard, the rest of musicians involved in the album are Rob Dewan on guitar, Maya Van Nuys, on violin, Matt Higgins on bass, Carson Wagner on keyboards and the vocal harmonies of Benita Arterberry-Burns and Andrea Wallace. VERY GOOD.

Derrick Procell “Why I Choose To Sing The Blues”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Derrick Procell trabajaba componiendo canciones para otros artistas junto a Terry Abrahamson, formando un tándem de prestigio. Derrick nunca pensó en dedicarse a la música, sin embargo cuando muchos de los músicos para los que componía canciones se dieron cuenta de su potencial creativo, le animaron a dar un paso adelante pues sus canciones merecían ser interpretadas por él mismo en lugar de convertirse en éxitos de otros artistas. Lo cierto es que Derrick se ha volcado de lleno en esta tarea y lo ha hecho con toda su energía y dedicación. Es ahora cuando se nos muestra como un apasionado y entregado vocalista, además de un aguerrido pianista y armonicista. Este disco contiene doce impecables interpretaciones de sus propios temas arreglados especialmente para la ocasión junto a su gran amigo y colega Terry Abrahamson, en los que está acompañado por su banda, The Parchman Farm, además de contar con la inestimable colaboración de Billy Branch, Bob Margolin o Eddie Shaw como invitados de excepción. El álbum certifica la aparición en la escena de este nuevo artista que irrumpe con fuerza y reclama un lugar destacado en el panorama del blues actual. MUY BUENO. Derrick Procell worked as a composer for other artists together with Terry Abrahamson and both formed a good tandem. Derrick never had thought to devote himself to music but, when most of the musicians that performed the songs he wrote for them realized his creative skills, they encouraged him to take a step forward, as his songs deserved to be played by Derrick himself instead becoming hits performed by other musicians. The true thing is Derrick threw himself into this new facet with energy and commitment. So now he appears as a passionate and delivered singer, as well as a seasoned pianist and harmonica player. This album includes twelve faultless versions of his own songs especially arranged in collaboration with his great friend and colleague Terry Abrahamson. Procell is backed by his band, The Parchman Farm, plus the valuable collaboration of Billy Branch, Bob Margolin or Eddie Shaw as deluxe guests. This recording certifies the arrival of a new artist to the blues scene, who appears with force and claims for a prominent place in the blues world. GREAT.

London Spradlin “No More Blue Mondays”. Self Production / Frank Roszak 2016.
London Spradlin es un versátil guitarrista que pued
e tocar todos los palos del blues con mucha naturalidad y buenas maneras. London se siente a gusto interpretando tanto los blues del Delta como los de la Louisiana, los de Memphis siguiendo la estela de BB  King, los de Texas o incluso colaborando con músicos del denominado blues británico, como es el caso de este disco. El álbum es una reedición del aparecido en 1995 y que London Spradlin grabó con miembros de la banda de Eric Clapton como por entonces eran Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy y Owen Wells. Con semejante banda es fácil comprender que el disco es, no sólo suculento y atractivo sino realmente impresionante. En este trabajo Spradlin fusionó con excelente criterio y vehemencia el feeling del blues negro con la técnica y el desparpajo de los músicos blancos. “No More Blue Mondays” se convierte en una buena muestra para redescubrir a un artista completo y extremadamente sugestivo, donde Spradlin nos regala los oídos con unas variadas y coloristas pinceladas de esta música que tanto nos gusta y con la que London continua haciendo disfrutar y vibrar a las audiencias con renovado entusiasmo. MUY BUENO. London Spradlin is a versatile guitar player who can perform a wide range of blues styles, always with a natural disposition and good technique. London feels comfortable playing not only Delta blues but also Louisiana and Texas blues, but he can also follow the path of BB King’s music and Memphis blues or even collaborate with musicians belonging to those named British blues, as is the case of this recording. The album is a reissue of the one published in 1995 London Spradlin recorded with members of Eric Clapton’s band like were Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy and Owen Wells. With such a band it is easy to imagine the album is not only tasty and attractive but also really impressive. In this work, Spradlin cleverly combined the feeling of black bluesmen with the technique and self-confidence of white musicians. "No More Blue Mondays" becomes a good way to rediscover a complete and extremely suggestive artist, as Spradlin delights us with varied colourful touches of the music we deeply love, that he still contributes to give it to varied audiences with a joyful renewed enthusiasm. GREAT.

Jr. Johnny “My Radio”. Bohemian 2016.
Jr. Johnny nació en Nueva York. De joven frecuentaba la zona más bohemia de la ciudad y tocaba en algunas bandas de garaje. Un día escuchó a Muddy Waters y desde aquel momento decidió que el blues sería la música que llenaría su vida. A la vuelta de la guerra del Vietnam se trasladó a San Francisco donde conoció a músicos como Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon y tuvo el honor de tocar con John Lee Hooker que fue quien le puso el sobrenombre de Jr. Johnny. Para alimentar a su familia tuvo que dejar la música a un lado y dedicarse a los más variopintos trabajos. Ahora Jr. Johnny ha sentido la necesidad de  volver a tocar y por ello ha grabado un disco relajado e intimista que incluye diez composiciones propias que reflejan una atmósfera sencilla e informal. Las canciones quizás pecan de ser algo similares en cuanto a los tempos y además Jr. Johnny tampoco es un vocalista con amplios registros sino mas bien un cantante en una línea melódica a lo Leonard Cohen o Lou Reed que, en lugar de cantar, lo que suelen hacer es recitar. Junto a Jr. Johnny a la voz y la armónica se encuentran también Peter Corrigan a la guitarra rítmica y slide, Denny Dwyer a la guitarra solista, Tony Perrino a los teclados, Stephen Minnich al bajo y Joe Rocco a la batería. BUENO / GOOD. Jr. Johnny was born in New York. In his youth days he usually was seen around the bohemian area of the city and he also played in some garage bands. One day he listened to Muddy Waters and since that particular moment, he decided blues would be the music that would fulfil his life. When he came back from Vietnam, he moved to San Francisco where he met musicians like Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon and was honoured to play together with John Lee Hooker who was the one who gave him the nickname of Jr. Johnny. To take care of his family he had to leave the music aside and devote his time to the most varied jobs. Now Jr. Johnny has felt the necessity to come back to the music, so he has recorded a relaxed and intimate album that includes ten original compositions that give us a simple and informal atmosphere. The songs may seem quite similar in tempos and, besides, Jr. Johnny is not a singer with a wide vocal register, so he sings following a melodic line similar to Leonard Cohen and Lou Reed who, instead singing they usually recite. Together with Jr. Johnny on vocals and harmonica you will also find Peter Corrigan on rhythm guitar and slide, Denny Dwyer on lead guitar, Tony Perrino on keyboards, Stephen Minnich on bass and Joe Rocco on drums.

Awek “Long Distance” Self Production 2017.
Awek son una de las bandas francesas con mayor proyección a nivel europeo e internacional gracias a su innegable calidad y por entender perfectamente el verdadero lenguaje del blues. Éste último trabajo se ha grabado a caballo entre Austin en Texas y Toulouse y Angers en Francia. En él los Awek nos presentan catorce temas donde alternan composiciones propias con versiones de algunos de los bluesmen históricos que mas han influido en su carrera como son Muddy Waters con una impresionante la versión de “Long Distance Call’” donde ponen toda la carne en el asador con un enorme feeling, o Jimmy McCracklin, de quien tocan el tema “Think” o T-Bone Walker del que interpretan “The Hustle Is On”, sin contar con la preciosa versión de la composición de Leiber y Stoller “Hound Dog”, donde el armonicista del grupo Stéphane Bertolino clava su solo en el más puro estilo de Kim Wilson. Los Awek tienen el auténtico sonido tanto del blues de Texas como del de Chicago, que interpretan con una enorme solvencia. Por si la calidad de la banda no fuera ya de por si suficiente, cuentan además con la colaboración de unos invitados excelentes como son Julien Brunetaud, Damien Daigneau, Fred Kaplan al piano, Drew Davies y Jean Marc Labbe a los saxos y Dereck O’Brien a la guitarra. MUY BUENO. Awek is one of the most recognized French bands at European and international level, thanks to their undeniable quality and the way they perfectly understand the true language of blues. This last work has been recorded between Austin in Texas and Toulouse and Angers in France. The recording includes fourteen songs that combine own compositions with versions of some of the historical bluesmen who have most influenced them like Muddy Waters they play homage with an impressive version of "Long Distance Call” they play with a terrific feeling and giving the best of themselves, or Jimmy McCracklin with the song "Think", T-Bone Walker with the song "The Hustle Is On", not to mention the delightful version of Leiber and Stoller’s song "Hound Dog", where the band harmonica player Stéphane Bertolino gives us a superb playing in the path of Kim Wilson. Awek have gpt the real Texas and Chicago blues sound, they display with a complete reliability. And if the band quality was not enough, they have also included some excellent guest musicians like Julien Brunetaud, Damien Daigneau, Fred Kaplan on piano, Drew Davies and Jean Marc Labbé on saxos and Dereck O'Brien on guitar. GREAT.

Lucas Haneman Express “Tearing Up The Rails” Self Production / Sarah French 2016.
Canadá posee una amplia cantera de músicos de blues que da vida a una floreciente escena y actividad musical. Una de estas nuevas y originales bandas de blues con una capacidad creativa de amplias miras y unos muy sólidos cimientos estructurales son Lucas Haneman Express. Originarios de Ontario, la banda tiene la habilidad de saber rejuvenecer la tradición del blues con un material fresco y actual lleno de magia y energía y al que estos jóvenes músicos aportan un aire desenfadado y de muy grata escucha. El disco contiene catorce canciones de las que “Give Me Life”, “lind Man’s Blues”y “hat’s The Truth” se grabaron en los legendarios estudios Sun de Memphis en Tennessee con unos resultados mas que positivos, por lo que valió la pena gastarse unos buenos dólares para hacerlo y si no escucha atentamente estos tres temas y seguramente me darás la razón. Lucas Haneman como líder de la formación, cantante, guitarrista y compositor, Martin Newman al bajo y voces, Jeff Asselin a la betería y percusión y Megan Laurence a las voces y tambourine han contado en éste álbum con la colaboración de Steve Marriner a la armónica y Jesse Whiteley al órgano y teclados en algunos cortes. Buen disco realizado con gran amplitud de miras en cuanto a interpretar los blues se refiere. MUY BUENO. Canada has a large pool of blues musicians who bring life to a flourishing scene and musical acts. One of these new and original blues bands which gather a wide creativity and solid structural foundations is The Lucas Haneman Express. Coming from Ontario, the band has the ability to rejuvenate blues tradition with a refreshing very actual material full of magic and energy, these young musicians bring us with a casual air which makes as a result a really pleasant listening. The album includes fourteen songs and these three ones “Give Me Life", "Lind Man's Blues" and "hat's The Truth" were recorded at the legendary Sun Studios in Memphis, Tennessee with a very positive result, so it was worth to spend some dollars to do it, so you have only to listen carefully to them and you will surely realize I am right. Lucas Haneman as band leader, singer, guitar player and songwriter, Martin Newman on bass and vocals, Jeff Asselin on drums and percussion and Megan Laurence on vocals and tambourine have counted for the recording the album with the valuable collaboration in some tracks of Steve Marriner on harmonica and Jesse Whiteley on organ and keyboards. Good album conceived and recorded with a wide vision concerning to blues displaying and performing. VERY GOOD.

Leadbelly “Good Morning Blues”. Wolf Blues Classics 2016.
Leadbelly fue un gran cantante, compositor y multi-instrumentista, aunque a lo que se dedicó principalmente fue a tocar la guitarra. Leadbelly tenia un amplísimo repertorio basado en la música popular tradicional influido por el rico folklore del pueblo afroamericano, aunque por supuesto cantó mucho blues y también fue un excelente y contumaz interprete de work songs y espirituales Huddie Leadbetter, más conocido como Leadbelly, llevó una vida muy azarosa pasando siete años en la cárcel por haber asesinado a un familiar, volviendo dos veces mas a la prisión por peleas con blancos. Afortunadamente John Lomax le contrató como su chófer y le dio la oportunidad de grabar una considerable cantidad de material. Gracias a Lomax fue reconocido por los estudiosos del folklore negro y por los aficionados al folk blancos, siendo uno de los primeros músicos en viajar a Europa. La influencia ejercida por este hombre es más que notable en músicos como Bob Dylan, Jack White, Tom Waits e incluso Kurt Covain. Este álbum recoge con fidelidad y un buen sonido remasterizado algunas de sus canciones mas populares y emblemáticas como pueden ser “Good Night Irene”, “Midnight Special”, “Where Did You Sleep Last Night”, “Good Morning Blues”, “Rock Island Land” o “Cotton Fields” entre un total de veinticuatro maravillosos cortes en un disco básico e imprescindible para todos los amantes del género. Felicitamos una vez más a Wolf Records que, como es habitual en ellos, siempre trabaja infatigablemente en la búsqueda de material histórico y que ahora nos regala otra de sus maravillosas entregas. BUENISIMO. Leadbelly was a great singer, composer and multi-instrumentalist, although he mainly devoted himself to play guitar. Leadbelly had a wide repertoire based on traditional popular music deeply influenced by rich Afroamerican music, although he also sang blues and also was an able and excellent work songs and spirituals performer. Huddie Leadbetter, better known as Leadbelly, had an hazardous life, he was inprisoned for seven years for murdering a relative and he went back to jail two more times accused of fighting and hit some white people. Fortunately John Lomax hired him as his driver and gave him the opportunity to record a considerable amount of his material. Thanks to Lomax he was recognized by black and folk music researchers and white fans and he was also one of the first musicians who travelled and played in Europe with great success. His influence can be found in such great musicians like Bob Dylan, Jack White, Tom Waits and even Kurt Covain. This album faithfully gathers with a good remastered sound of his most popular songs like "Good Night Irene", "Midnight Special", "Where Did You Sleep Last Night", "Good Morning Blues", "Rock Island Land" or "Cotton Fields" in a total of twenty four wonderful songs which have been selected in an album that becomes basic and essential for all lovers of these musical styles. Once again our congratulations to Wolf Records which, as usual, does a tireless work in the research of historical material which now gives us one more example of their excellent recordings. ESSENTIAL. 

Del Rey “Solo”. Hobemian Records 2017.
Del Rey es una verdadera y auténtica trovadora del folk blues cuya misión es llevar este viejo estilo musical a las jóvenes audiencias del nuevo siglo en el que nos encontramos. Ella es una extraordinaria intérprete que, con su voz, su ukelele y su guitarra nos retrotrae a los blues de aquellos pioneros como Bo Carter, Memphis Minnie o Sam Chatmon entre otros muchísimos músicos de blues de los años treinta. Del Rey tiene gusto y aplica su veneración por esta música con criterio, sensibilidad y mucho amor, Del Rey siempre está dispuesta a perpetuar con elegancia y pasión este tipo de música y así o hace en este disco en solitario donde interpreta un total de nueve canciones a cada cual mejor. Si quieres viajar en el tiempo y darte una vuelta por las juke joints que se encontraban  a lo largo y ancho del estado del Mississippi hace ya mas de ochenta años, no tienes mas que escuchar a esta mujer que, aunque no es de piel negra, su corazón y su alma están impregnadas por la intensidad racial de esta música que nuestra heroína hace suya con honor y honestidad. MUY BUENO. Del Rey is a genuine real folk blues troubadour whose mission is to bring this old musical style to the young audiences of the new century. She is an amazing performer who, with her voice, her ukulele and her guitar takes us back to the blues that was played by those pioneers like Bo Carter, Memphis Minnie or Sam Chatmon among many other blues musicians of the 30’s. Del Rey has a tasteful playing and displays it with a clever sensitivity and much love, showing her veneration for the music she plays. Del Rey is always willing to passionately and cleverly perpetuate it and this album confirms it. This is a solo album where she plays nine excellent songs. If you want to travel back in time and do an imagination tour around the juke joints that could be found around Mississippi eighty years ago, you have only to listen to Del Rey’s music who, although she has not a black skin, her heart and soul are full of black people intensity our heroine feels with honesty and pride. GREAT.

Steve James “Live Vol.1”. Hobemian 2017.
Dicen que para el cantante, guitarrista y mandolinista de blues Steve James no hay secreto que se le resista en todo lo que interpreta. James es un profundo estudioso y conocedor del country blues de preguerra capaz de cantar y tocar cualquier canción de aquellos años que se le solicite. James también ha escrito varios libros instructivos acerca de cómo tocar los blues de Texas, Mississippi y Piedmont y ha realizado algunos videos didácticos relacionados con el tema. En este nuevo disco grabado por Steve James en solitario nos encontramos con doce cortes maravillosos donde se explaya y expone con claridad y amplitud de miras su conocimiento del género, a través de doce canciones interpretadas con mucha seriedad y un estilo impoluto. James se mueve entre los blues de Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter o Sam McGee, entr algunos otros de su propia cosecha y lo hace con mucho amor, cariño y honestidad. Dotado de una técnica depurada y nítida, Steve James se va adentrando en el terreno del blues cada vez con más ímpetu y credibilidad, creciéndose con gran suficiencia a medida que van transcurriendo las canciones de este álbum grabado en riguroso directo. MUY BUENO. People say the music that blues singer, guitar and mandolin player Steve James plays has not secrets for him. James is a deep expert and connoisseur of country pre-war blues and he is able to sing and play any song of that particular time he is requested. James has also written several instructional books and videos teaching how to play Texas, Mississippi and Piedmont blues. In this new Steve James’ solo album he brings us twelve wonderful songs where he clearly and widely throws himself into display his knowledge along twelve songs performed in a faultless way and an extreme commitment. James easily moves between those blues coming from Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter or Sam McGee and his own compositions and he does it with an extreme respect and honesty. Gifted with a polished acute technique, Steve James gradually goes deep into blues field with an increasing force and credibility, which gives him a growing self-confidence and strength along every song she has selected, all them recorded live. GREAT.

Ron Beer “The Blues Don’t Say It All”. Self Production 2016.
Qué magia, qué gusto, qué interesante es la música de Ron Bear, un cantante que tanto puede vocalizar un blues con gran vehemencia como componer temas de música disco o dance y todo ello con una calidad fuera de serie y una creatividad que nadie puede poner en duda. Ron Bear nació en Ontario, Canadá y es un hombre con una actividad frenética en el terreno musical. Ron ha sido siempre un espíritu inquieto y eso le ha llevado a investigar en numerosos campos y géneros musicales de toda índole. Después de varios viajes a Austin, Texas ahora nos presenta un buen puñado de canciones compuestas por él y de las que Lou Sabatini se ha hecho cargo de las letras. Ambos nos proponen un viaje sin par por el melódico mundo musical del Mississippi, un viaje en el que se convierten en auténticos guías, gurús y maestros. Beer también ha publicado una novela gráfica titulada “Boogie Boy And The Birth Of The Blues”. La historia cuenta de manera suficientemente biográfica un viaje a lo largo del cauce del Mississippi en una pequeña embarcación que le permite ir descubriendo y explicando los diferentes estilos y modos del blues. Ahora puedes apuntarte a este viaje sin salir de casa, gracias a este interesante álbum. Los músicos que intervienen en la grabación son Ron Beer a la voz y guitarra rítmica, Neil Chapman a la guitarra, Bill Evans a los teclados, piano y acordeón, Paul Schofield a los metales, Alex Paris al bajo, John Maydem a la batería y Donna Lajeunesse coros. MUY BUENO. What tasteful magic and how interesting is Ron Bear’s music! He is a singer able to sing blues with a terrific feeling or write disco music and dance songs with an outstanding quality and an incredible creativity. Ron Bear was born in Ontario, Canada. He is a man with a frantic activity in the musical field as he has always been a restless spirit that has led him to investigate in a variety of musical fields and genres. After several trips to Austin, Texas, now he comes back with a good handful of songs he has composed the music and his good friend Lou Sabatini has written all lyrics. Both friends suggest us a beautiful journey around the Mississippi melodic musical world, a journey where they become the best guides, gurus and teachers. Beer has also published a graphic novel entitled "Boogie Boy And The Birth Of The Blues". The story is a rather autobiographical trip along Mississippi river sailing on a small boat which allows him to discover and explain the different blues styles and ways to approach the music. Fortunately you can also go to this suggestive journey without leaving home thanks to this interesting album. The musicians involved in the recording are Ron Beer on vocals and rhythm guitar, Neil Chapman on guitar, Bill Evans on keyboards, piano and accordion, Paul Schofield on metals, Alex Paris on bass, John Maydem on drums and Donna Lajeunesse on backing vocals. VERY GOOD.

Andhrea & The Black Cats “New Roads”. Rock CD Records 2016.
Cuarteto gallego proveniente de Santiago de Compostela compuesto por Benjamin Vázquez a la guitarra, Ramón Figueira a la armónica y Alvaro Trillo a la percusión, un trío acústico al servicio de la cantante Andhrea Verdú que se encarga de llevar y dirigir a los chicos por los vericuetos caminos del blues más tradicional y arcaico. En este su primer trabajo nos ofrecen un repertorio de diez temas de autores tan emblemáticos como son Leadbelly, Lil’ Green, Son House, Roosvelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold o incluso una versión de Tom Waits. Con este tipo de repertorio que, básicamente, es el mismo que ofrecen en sus actuaciones en directo, Andhrea & The Black Cats se adentran por los caminos del blues de preguerra intentando con ello instruir y dar a conocer el evangelio del blues a las audiencias que acuden a sus conciertos. Este es un buen trabajo de recuperación y a la vez muy didáctico para las nuevas generaciones, un repertorio ideal para ese público nuevo que se acerca al género y que no está demasiado familiarizado con las raíces del blues. Es encomiable que un grupo de músicos tan jóvenes como son los componentes de esta banda se dediquen con a recuperar el espíritu de aquellos antiguos bluesmen y lo hagan con buen gusto, dignidad y convencimiento. MUY BUENO. From Santiago de Compostela in Galicia comes this four musicians band with Benjamin Vazquez on guitar, Ramon Figueira on harmonica and Alvaro Trillo on percussion, an acoustic trio who put all their skills to the service of singer Andhrea Verdú, who leads them through the winding roads of the most old traditional blues. In this debut album they present a selection of ten songs coming from such legendary musicians like Leadbelly, Lil' Green, Son House, Roosevelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold or even they include a Tom Waits’ song version. With this repertoire that, basically, is the same they do in their live performances, Andhrea & The Black Cats go into pre-war blues ways, aiming to give knowledge and teach the ‘blues gospel’ to the audiences who follow them. This is a good revival work and, at the same time, a very educational one for the new generations, a perfect repertoire for new blues lovers who are not very familiar with blues roots. It is praiseworthy that a young group of musicians like Andhrea & The Black Cats devote themselves to restore the spirit of those old bluesmen, always with good taste, graceful dignity and great conviction. VERY GOOD. 

Elliott And The Audio Kings “Elliott And The Audio Kings”. Busted Flat / Sarah French 2016.
Elliott And The Audio Kings es una banda canadiense de la zona de Ontario que practica una música basada en los maestros del viejo post-war blues sobre el que edifican un nuevo concepto y sonido de los shuffles, los boogies y el swing. Acompañado por Scott Fitzpatrick al contrabajo y Jonny Sauder a la batería, el trío condensa y elaboran un blues que captura todo el espíritu de las bandas de carretera pero que, a la vez, también podrían encontrarse actuando en un elegante club privado, una escuela o un teatro de variedades y espectáculos, dirigiendo siempre todos sus esfuerzos a incluir en su música los elementos más esenciales del blues como son poderosas guitarras, ritmos machacones y contagiosos, letras convincentes y solos incisivos e hirientes. Todo ello se da cita a lo largo de un repertorio que contiene once canciones donde el jump blues, el houserockin de carretera y el rock and roll mas ácido y al mismo tiempo muy digestivo se dan la mano para que el oyente disfrute de unos buenos minutos de felicidad, diversión y alegría. Puedo asegurar sin temor a equivocarme que este disco hará vibrar y gozar a más de un entusiasta. MUY BUENO. Elliott And The Audio Kings is a Canadian band coming from Ontario which perform a music based on those old post-war blues masters but building up a new sound and concept to shuffles, boogies and swing music. Together with Scott Fitzpatrick on bass and Jonny Sauder on drums, the trio elaborate a kind of blues that captures the spirit of a roadhouse band but, at the same time, you could also found them playing in an elegant private club, a school or a vaudeville or music theatre, always giving the best of themselves to get in their music the most essential blues elements like powerful guitars, insistent infectious rhythms, convincing lyrics and hurtful heartbreaking solos. All these elements can be found along the eleven album songs where jump blues, houserockin’ roadhouse and acid but at same time digestive rock & roll come together to bring a good dose of fun, joy, and happiness to every listener. Let me say the album will surely please and satisfy most music lovers. VERY GOOD.

Jack Mack And The Heart Attack Horns “Back To The Shack”. SSR Freeroll / Frank Roszak 2017.
El grupo Jack Mack And The Heart Attack Horns lleva ya más de treinta años de carrera, atesorando una gran experiencia, diez álbumes publicados, además de componer diversas bandas sonoras y cientos de actuaciones en televisión y en directo. Con este bagaje y, como no puede ser de otro modo, el resultado de este álbum es realmente increíble y formidable. Su estilo podría definirse como un grasiento pero a la vez pulcro y elegante soul salpicado de groove-poppin’, blues y rhythm & blues de altas miras y muchos kilates de pura y maravillosa energía. La banda se inspira en aquellos legendarios artistas que grabaron para Stax o Volt de quienes no tienen nada que envidiar. La calidad, el esmero y el poderío que desprende este ambicioso álbum integrado por diez excelentes canciones es de gran envergadura. Todos los temas tienen reminiscencias del soul que interpretaban artistas como Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown o Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns es una banda impecable con una poderosísima sección de vientos que sabe empastar, arreglar y cuidar las canciones con brillantez y esmero. Once son los músicos que han intervenido en estas grabaciones bajo la batuta de su impresionante cantante Mark Campbell, un vocalista de mucha solera. MUY BUENO. Jack Mack And The Heart Attack Horns have more than thirty years of career, so they have gathered a huge experience and ten albums published, besides composing different film soundtracks and hundreds of performances on television and live shows. With this baggage and, as it could not be otherwise, this album becomes a fabulous and totally amazing recording. The band style could be defined as greasy but, at the same time, clear and elegant soul with drops of high-minded groove-poppin', blues and rhythm & blues, with tons of pure and wonderful energy. The band finds inspiration in those legendary artists who recorded for Stax or Volt they really have nothing to envy. The album quality, carefulness and strength along the ten excellent songs included is really amazing. All cuts remind that soul music performed by such great artists like Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown or Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns is a faultless band with a really powerful horn section. They sound really teamed and really know how to arrange and display all songs on a brilliant careful way. Eleven musicians round up the whole recording, cleverly led by the impressive Mark Campbell’s voice, who appears as a first class amazing singer. GREAT.

John Latini “The Blues Just Makes Me Feel Good”. Smokin’ Sleddog / Frank Roszak 2016.
John Latini ha cimentado su nombre como el de un excelente y voluntarioso compositor. Sus canciones han sido galardonadas en diversas ocasiones y ha recibido grandes alabanzas de la crítica así como diversos premios y reconocimientos. Ahora nos presenta su primer álbum de larga duración con el que ha tirado la casa por la ventana reuniendo a una creativa banda de mucha calidad, así como a un buen plantel de músicos invitados y una efectiva y variopinta sección de vientos, que dotan a la música aquí incluida de una impronta fuera de serie. A lo largo de trece composiciones propias John Latini se nos va descubriendo como un mas que interesante y reflexivo guitarrista, además de un convincente cantante pero, sobre todo, como un compositor con enormes y brillantes cualidades. Un trabajo encomiable en el que nuestro hombre da lo mejor de si mismo entregándose a la faena con excepcional habilidad y pasión para mostrar toda su buena disposición y sus enormes posibilidades en este competitivo mercado del blues. MUY BUENO. John Latini has consolidated his name in music as an excellent devoted composer. His songs have been often awarded and he has also received good words by specialized media as well as various awards and recognitions. Now he presents his first full-length album where he has rolled out the red carpet gathering a high quality creative band, as well as a good bunch of guest musicians together with an effective varied horn section, who give to the album an outstanding mark. Along the thirteen own compositions John Latini shows himself as a more than interesting and thoughtful guitar player, but also as a convincing singer and specially as a good composer gifted with huge brilliant qualities. This is a praiseworthy work where John gives the best of himself devoting to music with an exceptional skill and passion to present all his huge potential and good disposition in the actual competitive blues market. VERY GOOD.

Reverend Freakchild “Preachin’ Blues”. Treated And Released / Frank Roszak 2017.
El Reverendo Freakchild es un músico totalmente diferente a lo que uno podría imaginar de un artista de estas características. Tal como dice de él la revista Living Blues, su actitud es irreverente pero su entusiasmo por el blues es indiscutible y no tiene parangón. Trabajador incansable, el Reverendo nunca se deja vencer por mucho que las circunstancias le sean adversas y por él nunca cunde el desánimo frente a los reveses impuestos por la vida, tal como le ocurrió en San Francisco cuando le robaron todas sus guitarras, su equipo y sus pertenencias. El Reverend Freakchild no paró hasta conseguir otra guitarra resonator para poder seguir tocando y predicando la palabra del blues. A partir de ese momento las cosas empezaron a enderezarse en su vida, consiguiendo ser contratado para tocar en diversos festivales, además de poder grabar este disco en los estudios KBOO de Portland, Oregón. El álbum es una buena prueba del talento musical de un artista que muchas veces fue un perdedor pero que, a partir de un determinado momento de su vida, con voluntad y determinación supo convertir la adversidad en nuevas oportunidades, que son las que actualmente le está deparando la vida. MUY BUENO. Reverend Freakchild is a totally different musician of what one could expect of an artist with these features. As was said in Living Blues Magazine, his attitude is irreverent but his enthusiasm for the blues is clear and undeniable. A tireless worker, the Reverend never gets defeated by adverse circumstances, so he never gets discouraged in front of life setbacks, as happened to him in San Francisco when all his guitars, his gear and belongings were stolen. The Reverend Freakchild managed to get another resonator guitar and he continued playing and preaching his blues message. Since that particular moment, things started to improve in his life, as he was booked to play at various festivals and he was able to record this album at KBOO studios in Portland, Oregon. This recording is a good test to see the musical talent of an artist who many times has been a loser but, since a singular moment in his life, with determination and good will he has been able to turn adversity into new opportunities, the ones life is now giving him. VERY GOOD.

Starlite Campbell Band “Blueberry Pie”. Supertone 2016.
Después de tres álbumes en el mercado y cinco años transcurridos desde que decidieron unir sus fuerzas, el dúo y matrimonio formado por Simon Campbell y Suzy Starlite han publicado hace sólo unos meses éste su último trabajo hasta el momento. Además de Simon Campbell a la voz, guitarras y percusión y Suzy Starlite al bajo y voces, en este “Blueberry Pie” colaboran también Steve Gibson a la batería y percusión, Jonny Henderson al Hammond y piano eléctrico Wurlitzer y como invitado especial Danny Boy Sánchez a la armónica en algunos temas. Simon y Suzy han compuesto para la ocasión once canciones en las que se combinan con frescura y acierto los estilos y géneros que mas les gustan y que son una combinación de ‘British blues’ en el que se puede apreciar como planean los espíritus de Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower e incluso Gary Moore, junto a una buena dosis de country, algo de folk y blues contemporáneo y bastante Americana. Estamos ante un disco convincente, interpretado por unos veteranos que saben de donde vienen y hacia donde van, con una visión y una ejecución de las canciones que interpretan muy ajustadas a las normas que el público actual demanda hoy en día. MUY BUENO. After three albums in the market and five years since they decided to join forces, the duo and couple formed by Simon Campbell and Suzy Starlite published a few months ago their last work so far. Besides Simon Campbell on vocals, guitars and percussion and Suzy Starlite on bass and vocals, “Blueberry Pie" also features Steve Gibson on drums and percussion, Jonny Henderson on Hammond and Wurlitzer electric piano and Danny Boy Sánchez as a special guest on harmonica in some tracks. For this album Simon and Suzy have composed eleven songs where they cleverly combine with an extreme good taste the styles and genres they most love, which can be defined as a combination of 'British blues' where you can discover the spirit of Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower and even Gary Moore, with a good dose of country, contemporary folk and blues and a fair amount of Americana. This is a convincing recording, performed by veteran musicians who really know where they come from and where they want to go, who give to their songs a selected vision and a good performance, that perfectly suits with the standards actual audiences demand nowadays. VERY GOOD.

Tim Gartland “If You Want A Good Woman”. Taste Good Music / Vizzable 2017.
Una de las principales características de Tim Gartland es su naturalidad, honestidad y frescura como vocalista, armonicista y compositor de canciones. Tim se curtió en los clubs de Chicago viajando posteriormente a Boston donde consolidó su carrera. Ahora desde Nashville y junto a algunos de los mejores músicos de la escena local, nos presenta su último trabajo que ha sido coproducido por Kevin McKendree uno de los referentes actuales entre los músicos de la zona. El álbum recoge doce composiciones del propio Tim Gartland escritas en colaboración con su teclista Tom West.. Todos estos temas destilan una melódica belleza con acentos de soul y blues además de una estudiada y fina ironía que cualquier aficionado avezado que las escuche sabrá apreciar e incluso le hará sonreir. Tim sabe medir y administrar con mesura los tempos y los recursos que posee para ofrecer al oyente un producto elegante y de fácil asimilación. Además de Tim Gartland a las armónicas y a la voz, también intervienen Tom West piano y órgano, Tom Britt guitarras, Steve Mackey bajo y contrabajo y Lynn Williams batería, más la colaboración de Kevin McKendree al órgano y piano en tres temas. MUY BUENO. One of Tim Gartland’s main qualities is his cool honest and natural way of singing, playing harmonica and song writing. Tim hardened himself as a musician in Chicago clubs, He later travelled to Boston, where he consolidated his career. Now from Nashville, and surrounded by some of the best musicians of the local scene, he brings us his latest work which has been co-produced by Kevin McKendree, one of the actual most respected guys and specially by other musicians in the area. The album includes twelve own Tim Gartland’s compositions he has written in collaboration with his keyboard player Tom West.. All songs are gifted with a melodic beauty and accents of soul and blues music plus a considerable fine irony any good fan will immediately appreciate and even will make him smile. Tim wisely knows how to measure and manage tempos and the various means to offer listeners an elegant easy to assimilate music. Besides Tim Gartland on harmonicas and vocals, the rest of involved musicians are Tom West on piano and organ, Tom Britt on guitars, Steve Mackey on bass and double bass and Lynn Williams on drums, plus the collaboration of Kevin McKendree on organ and piano in three songs. VERY GOOD.

Jon Gindick “When We Die, We All Come Back As Music”. Old Chimney / Blind Raccoon 2016.
Armonicistas de todo el mundo acuden en peregrinación provistos de su pequeño instrumento en el bolsillo al John’s Blues Harmonica Jam Camp, un seminario instruido por Jon Gindick. Sus increíbles lecciones, sus participativas jams y su manera de enseñar hacen de este seminario un acontecimiento único donde todo el mundo puede aprender y expresar sus dotes creativas a través de este pequeño instrumento tan importante en el blues. Entre los armonicistas que intervienen pueden citarse a Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay o Brian Purdy. Este seminario se celebra en The Shack Up Inn en las afueras de Clarksdale, Mississippi y también en Ventura, California. Ahora y con la inestimable ayuda del productor y multi-instrumentista Ralph Carter, Jon ha grabado un álbum fresco y lozano con un total de diez canciones en las que Gindick toca la guitarra, canta y sopla la armónica alternando la segunda y la tercera posición, en canciones que expresan sentimientos y verdades universales en una acertada mezcla de folk, blues, jazz y funk. En el disco han intervenido también Ralph Carter al bajo, teclado y batería y los invitados Chuck Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya y Al Walker. MUY BUENO. Harmonica players from around the world travel on pilgrimage with their small instrument in their pockets to John's Blues Harmonica Jam Camp, led and taught by Jon Gindick. His incredible lessons, his open jams and the way he teaches harp make this seminar a unique event where everyone can learn and express his creative gifts with this small instrument so important in blues. Among the involved harmonica players one can find Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay or Brian Purdy. The seminar takes place at The Shack Up Inn near Clarksdale, Mississippi and in Ventura, California. Now and with the valuable collaboration of producer and multi-instrumentalist Ralph Carter, Jon has recorded a cool natural album with ten songs where Gindick plays guitar, sings and blows harp combining second and third position, in songs that express feelings and universal truths, with a successful mixture of folk, blues, jazz and funk. The musicians who have collaborated in the album are Ralph Carter on bass, keyboard and drums and the special guests Chick Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya and Al Walker. VERY GOOD.

Jim Koeppel “RSVP To Paradise”. Jongleur / Blind Raccoon 2016.
Cinco canciones componen este E.P. a cargo del excelente cantante y guitarrista Jim Koeppel, un veterano músico de la escena del blues que ha compartido escenario y acompañado a muchos de los grandes del blues como Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie o Lil’ Ed entre otros. Este soberbio músico también toca en solitario, o con su formación acústica, The Delta Coasters y en formato eléctrico lo hace con Dust My Blues. Ellos son precisamente los protagonistas de este disco que aquí comentamos. Son cinco blues originales de alto voltaje estupendamente interpretados, plasmados con gran feeling, buen gusto y mucho duende. Un disco que rezuma calidad en todas y cada una de las cinco piezas y que se convierte en una pequeña muestra de la calidad que Jim Koeppel atesora. Además del propio Jim también intervienen Tennyson Stephens piano, Welton Gite bajo, James Gadson batería, Norman Palm trombón, Rajiv Halim saxo tenor mas los invitados Billy Branch armónica, Gene ‘Daddy G’ Barge saxo tenor y John Christy Hammond B-3. MUY BUENO.  Five good songs round up this E.P. by excellent singer and guitar player Jim Koeppel, a veteran blues musician who has shared stage and played with many great blues names like Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie or Lil' Ed among others. This superb musician also plays in a solo format but you can also see him with his acoustic band The Delta Coasters and in electric format with Dust My Blues. They precisely are the ones who perform in the album. Five high-voltage original beautiful blues, displayed with great feeling, good taste and magic. An album that oozes quality in each and every one of the five tracks and becomes a good example of the quality Jim Koeppel has got over the years. Besides Jim Koeppel the other musicians involved are Tennyson Stephens piano, Welton Gite bass, James Gadson drums, Norman Palm trombone, Rajiv Halim tenor sax plus guest musicians Billy Branch harmonica, Gene “Daddy G” Barge tenor sax and John Christy Hammond B-3. GREAT.

Gaetano Letizia & The Underworld Blues Band “Resurrection”. Self Production / Blind Raccoon 2016.
Buscando la inspiración en artistas como Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King o Eric Clapton y también en aquel tiempo en el que los músicos eran los dueños y señores de los procesos creativos en lugar de la tecnología más actual, Gaetano “Tom” Letizia se ha embarcado en una aventura atrevida y personal, en aras de plasmar todo lo auténtico y más genuino en este su décimo álbum titulado “Resurrection”. Este cantante, guitarrista y compositor lidera habitualmente un trío de jazz y otro trío decantado hacia el blues, además de una carrera en solitario de cuarenta años largos. Para este trabajo ha unido sus fuerzas junto al grupo The Underworld Blues Rock Band, una banda formada por seis miembros con Larry Keller al bajo, Steve Renco a la batería, Bill Ramson a la percusión y una sección de vientos formada por Tim Keehn al trombón, Mike Fisher a la trompeta y Bob Esterle al saxo tenor. Los catorce temas originales que forman el disco son una mezcla de blues, funk, jazz, pop, reggae, latin y rock. Aunque Gaetano es un virtuoso guitarrista, no por ello monopoliza las canciones sino que deja que el resto de sus compañeros aporten su propia creatividad para de este modo completar un trabajo diferente y muy provocativo. MUY BUENO. Looking for inspiration in artists like Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King or Eric Clapton, and also in that time when musicians were the real owners of the creative process instead what happens now with actual technology, Gaetano "Tom" Letizia has get in a personal daring adventure with the aim to capture the real genuine music along this tenth album entitled "Resurrection". This singer, guitar player and composer usually leads a jazz trio as well as another one devoted to blues, besides a solo career of more than forty long years. For this last work he has joined forces with The Underworld Blues Rock Band, a six members group with Larry Keller on bass, Steve Renco on drums, Bill Ramson on percussion and a horn section with Tim Keehn on trombone, Mike Fisher on trumpet and Bob Esterle on tenor sax. The fourteen original album songs are a mixture of blues, funk, jazz, pop, reggae, Latin and rock. Although Gaetano is a virtuoso guitar player, he does not monopolize all songs and he lets the other musicians to express their own creativity to complete a different very provocative work. VERY GOOD.

John Mayall “Talks About That”. Forty Below / Mark Pucci Media 2016.
Me quito el sombrero ante un músico como John Mayall que, a sus ochenta y cuatro años, sigue activo y se mantiene en pie durante las dos horas largas de sus conciertos. Además John se halla en evolución constante, manteniendo su buen olfato y sus dotes para crear nuevas sensaciones y evolucionar en el campo del blues, algo verdaderamente difícil para cualquier músico abocado al género de los doce compases. Mayall no se ha quedado anclado en el ‘British blues’ de los años sesenta, sino que siempre ha innovado y lo sigue haciendo, pues Mayall siempre va un paso por delante de otros muchos que han pretendido seguir su estela. En este álbum ha incluido ocho temas propios y tres versiones “It’s Hard Going Up” de Bettye Crutcher, “Goin’ Away Baby” de Jimmy Rogers y “Don’t Deny Me” de Jerry Lynn Williams. La banda que le acompaña es la habitual de los últimos años formada por Greg Rzab al bajo, Jay Davenport a la batería y Rocky Athas a la guitarra, aunque este último ya no forma parte del grupo de la última gira de John. El disco cuenta también con la colaboración del guitarrista Joe Walsh y de una sección de metales que confieren solidez y empaque en los temas que intervienen. Mayall sigue vivo y bien y este álbum es un fiel reflejo de sus inmortales y personales blues, desarrollados como siempre con habilidad y ejecutados según los cánones habituales en él y que tan profunda huella han ido dejando a lo largo de su larga y dilatada trayectoria. MUY BUENO. I take my hat off in front a musician like John Mayall who, with eighty-four years, is still active and stands up during the two hours of his live shows. Besides, John is in a constant evolution, keeping intact his ability to create new concepts in blues, something quite difficult to any blues musician. Mayall did not get anchored in 60’s British blues, he has always innovated and continues to do so, as he is always one step ahead of other musicians who have tried to follow his trace. In this album he has included eight own songs and three versions, "It's Hard Going Up" coming from Bettye Crutcher, "Goin' Away Baby" by Jimmy Rogers and "Don't Deny Me" by Jerry Lynn Williams. The band musicians who back him are the usual ones in recent years with Greg Rzab on bass, Jay Davenport on drums and Rocky Athas on guitar, although Rocky is no longer member of the band and he did not participate in John’s last tour. You will also find in the album guitar player Joe Walsh and a teamed horn section which give power, quality and variety to the songs where they play. Mayall is still alive and well and this album truly reflects his undying personal blues, as ever developed with great skill and displayed following Mayall’s regular basis, which have always left a deep footprint along his extensive career. GREAT.

The Kentucky Headhunters “On Safari”. Plowboy / Mark Pucci 2016.
Después de editar aquel magnífico álbum titulado “The Rock ‘N’ Roll Jungle” y a la vuelta de una exitosa gira por Europa, The Kentucky Headhunters se reinventan ahora con este su doceavo álbum en estudio. Para ello han encontrado y recogido inspiración de las experiencias vividas en sus recientes viajes y actuaciones. El álbum que comentamos se grabó en circunstancias muy especiales, ya que los hermanos Richard y Fred Young perdieron a su padre tres días antes de comenzar la grabación de este disco lo que hizo que, tanto ellos como el resto del grupo, pusieran si cabe mas ganas y emoción en las canciones que se llevaron a cabo, dedicándoselas a su memoria. Doce canciones que muestran la capacidad de generar buena y excelente música inspirada en el rock sureño, el blues, el rock y también en lo que conocemos como Americana. Los Kentucky Headhunters son Richard Young a la voz y guitarra, Greg Martin a la guitarra solista y voces, Doug Phelps al bajo y voces y Fred K. Young a la batería, percusión y voces, más la colaboración especial en el disco de Kevin McKendree al Hammond. Un buen álbum donde planea el elegante southern rock con capacidad para embelesar a la mayoría de los aficionados a este estilo. MUY BUENO. After publishing a magnificent album entitled "The Rock ¡N' Roll Jungle" and coming back from a successful tour in Europe, now The Kentucky Headhunters reinvent themselves with his twelfth studio album. To do so they have found and gathered inspiration from the experiences lived in their recent travels and live shows. The album was done in very special circumstances, because brothers Richard and Fred Young lost their father three days before starting the album recording, which made that both brothers and the rest of the band put even more enthusiasm and emotion to the songs they were recording and they decided to devote the album to his memory. Twelve songs that show the musicians ability to generate good and excellent music inspired by southern rock, blues, rock and also what we know as Americana. The Kentucky Headhunters are Richard Young on vocals and guitar, Greg Martin on lead guitar and vocals, Doug Phelps on bass and vocals and Fred K. Young on drums, percussion and vocals, plus the special collaboration in the album of Kevin McKendree on Hammond. This is a good recording where you can breathe and feel the elegant southern rock that will surely captivate most fans of this very special style. VERY GOOD.

Tom Craig & The Soul Patch “Get Ready For Me” Self Production / Frank Roszak 2016.
Tom Craig es un poderoso cantante con un feeling increíble. Tom es también un guitarrista y compositor que descubrió su vocación musical escuchando a Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Mel Torme. Sin embargo pronto decidió que sus gurús y maestros serian Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan y los tres reyes, B.B. King, Freddie King y Albert King, además del soul de los sesenta y setenta. Durante la última década Tom Craig ha formado tándem con el batería John O’Connell con quien comparte su pasión por el soul de Memphis, el sonido de la factoría Muscle Shoals, el rhythm and blues y el blues, por lo que en sus actuaciones siempre incluyen versiones de Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, los tres Kings, Buddy Guy, Robert Cray o Joe Louis Walker. Ahora nos presentan un álbum plagado de buenos y tórridos temas en un amplio recorrido por las diferentes caras y facetas de esa música negra que tanto les apasiona y con la que conectan de forma inmediata con el oyente. Para ello han contado con la participación de un excelente plantel de músicos como “Rando” Randy Branning y Dave Gross al bajo, Eric Johnson, al Hammond y teclados, Mickey Junior a la armónica además de una sección de metales formada por Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher y Skyler Hagner barítonos, Dan Young alto y Sean McCusker trombón. Un disco más que recomendable. MUY BUENO. Tom Craig is a guitar player and composed but mainly he is a powerful singer with an incredible feeling. Tom discovered his musical vocation listening to artists like Frank Sinatra, Ella Fitzgerald and Mel Torme. However he soon decided his gurus and masters would be Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan and the three kings, B.B. King, Freddie King and Albert King, as well as 60’s and 70’s soul. During the last decade Tom Craig has formed a good tandem with drummer John O'Connell. Both share the passion for Memphis soul, the particular sound of Muscle Shoals factory, rhythm and blues and blues, so in their live shows they always include versions coming from Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, Buddy Guy, Robert Cray, Joe Louis Walker or the three already mentioned kings. With all these ingredients you can easily imagine this is an album full of good and torrid songs tht drive us to a wide tour around the different faces and shapes of the black music they passionately love, which will immediately connect with every listener. To do so, they have counted with the valuable participation of an excellent group of musicians like "Rando" Randy Branning and Dave Gross on bass, Eric Johnson, on Hammond and keyboards, Mickey Junior on harmonica plus a horn section with Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher and Skyler Hagner baritones, Dan Young alto and Sean McCusker trombone. In short words this is a more than a recommendable recording. GREAT.

Lisa Biales “The Beat Of My Heart”. Big Song Music / Frank Roszak 2017.
Con este su noveno álbum y tal como su titulo indica, Lisa Biales deja latir su corazón con fuerte pulso a lo largo de un puñado de buenas y destacadas canciones de corte bluesero, realizadas desde la perspectiva de una mujer fuerte e independiente. Biales creció en el seno de una familia muy unida musicalmente y aprendió a cantar gracias a su madre quien la inició en este maravilloso mundo. Hace un par de años Lisa encontró un viejo disco de 78 rpm que su progenitora había grabado en 1947 y que contenía una sola canción titulada “Crying Over You” compuesta y cantada por su madre. Este hallazgo la hizo muy feliz y le dio la idea de incluir la canción en el repertorio de los doce temas escogidos para completar el álbum que aquí comentamos, donde puede escucharse la voz de su madre cuando sólo tenía veinticuatro años en la primera estrofa de la canción, siendo después la propia Lisa Biales quien continúa cantando esta balada jazzy, en un homenaje lleno de cariño y ternura de Biales hacia su madre. En el resto de los temas se hace evidente la potencia vocal y la amplitud de registros de una artista que, sin duda, llegará al corazón de todos aquellos que quieran acercarse a ella. MUY BUENO. With her ninth album and, as its title clearly shows, Lisa Biales leaves his heart beat with a firm pulse, along a handful of good outstanding blues songs, developed from the perspective of a strong independent woman. Biales grew up in family who really loved music and she learned to sing helped by her mother who made her discover this wonderful world. A couple of years ago Lisa found an old 78 rpm record her mother had done in 1947 with only one song entitled "Crying Over You" composed and sung by Lisa’s mother. This accidental discovery gave her the idea to include the song among the twelve songs selected to complete this album, where you will hear her mother’s voice only aged twenty-four in the first song verse, followed by Lisa’s voice which follows on with the tune singing this jazzy ballad, in a tender lovely tribute to her mother. The rest of the album songs prove the powerful voice and wide vocal range of an artist who, I dare say, will undoubtedly reach the hearts of all those people willing to listen to her tasteful music. VERY GOOD.
 

   Imprescindible/Essential; Muy Bueno/Great; Bueno/Very Good; Correcto/Good; Flojo, Sin Interes /Bad, Uninteresting

Solo recibirán reseñas en esta página los cd's o DVD's exclusivamente de blues que sean enviados con su portada y contraportada original, si llegasen sin alguna de estas dos partes no se les escribirá ninguna critica. Tampoco se harán reseñas de los discos o DVD's que no hayan sido publicados formalmente, es decir, que no se puedan encontrar a la venta en las tiendas de discos o en las mas importantes de internet (cdbaby, amazon, cduniverse, bluebeat, etc) y, por supuesto, tampoco recibirán critica las copias de cds, demos, promotional copies.... Gracias
Cds or DVD¡s that will receive review on this site are exclusively blues ones. Also reviews will only be done to complete cds or DVD's, that is to say, records that have been sent to us with original cover and  tray card, if they arrive without them, there will not be reviewed. Also reviews will be only done to cds or DVD's that have been published, that is to say, that can be found on record stores, shops, or at the most important Internet ones (cdbaby, amazon, cduniverse, bluebeat...). Reviews will not be done to copies of the original ones, demos, promotional copies... Thank you

Please, send your BLUES CDs or BLUES DVDs (NOT DEMOS, COPIES, SINGLES AND EP'S) for air-play and review. There will only receive air-play and review blues cds that have been published. So please, do not send demos, singles, copies of original cds or other musical styles that are not blues.
For air play and review send two copies (one for airplay and another for review) of each cd with COVER AND TRAYCARD + PROMO BIO MATERIAL OR PRESS KIT to:


Vicente P. Zumel
Radio PICA - La Hora del Blues
Apartado de Correos 12.085
08080 Barcelona - Spain

Pagina Principal/Home
El Programa de Radio/The Blues Radio Show - La Programación/Playlist - Novedades Cds/Cds Received - Criticas Discos Antiguas/Old Cds Reviews - Reconocimientos/Show Aknowledgements - Links de Interés/Logo Links - Posters Blueseros/Blues Posters

Quien es Zúmel/Who is Zumel - Las Fotos/Blues Gallery - La "Harmonica Zúmel Blues Band"/The late "Harmonica Zúmel Blues Band" - La Sociedad de Blues de Barcelona S.B.B/Barcelona Blues Society SBB

Agenda de Conciertos/Blues Gigs Calendar - Las Noticias Nacionales/Spanish Blues News - Los Artículos Nacionales/Spanish Blues Articles - Colaboraciones/Contributions - El Diccionario de Blues - El Video del Mes - Monthly Recommended Video - Nuestras Entrevistas/National Interviews

Las Noticias Internacionales/International Blues News - Los Articulos Internacionales /International Blues Articles - Las Entrevistas desde USA/The USA Interviews
E-mail/Feedback