LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 have been collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Agosto - Julio - Junio 2017 / August - July - June 2017


AGOSTO 2017 / AUGUST 2017

Simon Kinny-Lewis “Street Blues” SKL Music 2016.
Con este disco el cantante, guitarrista y compositor australiano Simon Kinny-Lewis ha visto realizado uno de sus sueños y proyectos más ambiciosos que durante mucho tiempo estuvo en su mente. Cada tema de los nueve que componen este álbum ha sido filmado en alta definición, constituyendo un verdadero reportaje de todo el proceso creativo que representa la realización de un disco. Este proceso le ha llevado a trabajar durante ocho largos meses y ahora, una vez finalizado, ha visto la luz y ha conseguido también conquistar el corazón del público así como llamar la atención de la industria musical, sobre todo en su país. Además de trabajar duro Simon se nos revela, no sólo como un buen poeta y narrador de historias, sino también como un excelente compositor, un impresionante cantante y un guitarrista de primera clase. Un álbum grandilocuente y sofisticado que desprende fragancia por todas las notas, donde la depurada técnica de este buen músico se hace evidente a lo largo de esos siete temas propios mas las versiones de “Purple Rain” del señor Prince y “Little Wing” de Jimi Hendrix. A la voz y la guitarra de Simon se le unen Michael Azzopardi a los teclados, Doddy Sambodo al bajo, Budhy Haryono a la batería y las colaboraciones de Anton Davidyants al bajo en un tema y Valeriy Stepanov al órgano en una canción. MUY BUENO. With this album, Australian singer, guitar player and songwriter Simon Kinny-Lewis has make true one of most ambitious and dreamed projects he had on mind for quite a long time. Each song of the nine included in the album was filmed in high definition and become a document of the true story of the whole creative process that represents to work on an album. This process made him to work for eight long months and now, once it has been finished, the album has seen the light and has also win the heart of the audience as well as calling the attention of music industry, especially in his country. Besides working hard, Simon appears as a good poet and storyteller, but also as an excellent composer, an impressive singer and a first class guitar player. A magnificent sophisticated album that in every note gives off a delightful fragrance, where Simon’s fine technique becomes evident along the seven own songs and the two versions of "Purple Rain" coming from Mr. Prince and "Little Wing" by Jimi Hendrix. His voice and guitar stand over the good work of Michael Azzopardi on keyboards, Doddy Sambodo on bass, Budhy Haryono on drums and the special collaboration of Anton Davidyants on bass in one song, and Valeriy Stepanov on organ in another song. VERY GOOD.

Chris Antonik “Monarch”. Self Production / Frank Roszak 2017.
El protagonista de este álbum Chris Antonik completa con este “Monarch” sus dos anteriores trabajos titulados “Chris Antonik” del año 2010 y “Better For You” del 2013. En esta nueva entrega Antonik extrae su poderío más significativo, haciendo valer toda la calidad y la clase de un artista que se mueve hacia el futuro sin olvidar el pasado. Con este “Monarch” Chris Antonik cubre cada centímetro del paisaje emocional del blues y lo hace gracias a su guitarra que ha sido comparado en diversas ocasiones con la de B.B. King o la de Eric Clapton, al menos así lo han considerado algunos de los llamados especialistas del género. Junto a sus músicos Jesse O’Brien a los teclados, Guenther Kapelle al bajo, Chuck Keeping a la batería además de Samantha Martin y Delta Sugar a los coros, Chris consigue componer un álbum rocoso, agresivo y visceral, del que extrae todo el jugo y un gran partido a sus innegables cualidades vocales y guitarreras, para así dar vida a un disco totalmente personal y definitorio, además de pasional y solvente, interpretado con un enorme coraje y honestidad. MUY BUENO. With “Monarch”, Chris Antonik, the leading actor of this album, rounds up the two previous recording entitled "Chris Antonik" published in 2010 and "Better For You" appeared in 2013. In this new project Antonik shows his most significant strength, putting in value the undeniable quality and class of an artist who moves towards the future without forgetting the past. With "Monarch" Chris Antonik covers every inch of the emotional blues landscape, thanks to his heartbreaking guitar playing which has been compared in several occasions with B.B. King or Eric Clapton by, at least, some of the so-called media specialists. Together with his musicians Jesse O'Brien on keyboards, Guenther Kapelle on bass, Chuck Keeping on drums and Samantha Martin and Delta Sugar on backing vocals, Chris gives us a rocky, aggressive and visceral album, pulling out the tasty juice and the maximum benefit of his undeniable vocal and guitar qualities, that contribute to give life to a completely personal, passionate and reliable recording, performed with an amazing power and honesty. VERY GOOD.

Compañía Walter “2º Round” ROCK CD Records 2016.
Los madrileños Oscar ‘Madison’ a la guitarra y David ‘Bombo’ a la armónica, conocidos músicos de la escena del blues de la capital, se reunieron hace ya algunos años con la idea de formar una banda donde pudieran satisfacer su deseo de tocar clásicos del blues, aunque llevándolos siempre a su terreno con un lenguaje propio sin desvirtuar por ello la esencia de las fuentes originales. Para hacer realidad su proyecto decidieron llamar al bajista Juan Manuel Gómez y al batería Edu ‘The Doctor’ Fages. Después de unos pocos ensayos para decidir repertorio y empastar los temas decidieron tirar ‘p’alante’ la banda y así fue como surgió la Compañía Walter dispuesta a comerse y recorrerse los garitos, salas, baretos y lo que hiciera falta para divertirse y divertir al personal. Fruto de la ilusión y el amor que sienten por el blues nació este mini álbum con seis canciones de gente como Alan Wilson, Willie Dixon, Little Walter o Albert King mas un par de adaptaciones. Hoy en día la Compañía Walter incorpora temas propios al repertorio que interpreta en directo, con algunas influencias de la Orquesta Mondragón, o al menos así me lo parece. Un disco honesto, fresco y divertido. MUY BUENO. These two Madrid coming men Oscar 'Madison' on guitar and David 'Bombo' on harmonica, are well known blues musicians in the capital of Spain. They met some years ago, both with the idea of forming a band where they could give free rein to their wish to play classic blues, but always with a distinctive way which does not forget the essence of the original sources. To do so, they decided to call bass player Juan Manuel Gomez and drummer Edu 'The Doctor' Fages. After a few rehearsals to decide repertoire and team themselves, they went ahead with the band and that is the way Compañia Walter came to the blues scene ready to play and conquer clubs, venues, bars and every place where they were requested to enjoy themselves and give fun to the audience. Thanks to their eagerness and love for blues, they have also published this mini album with six songs coming from Alan Wilson, Willie Dixon, Little Walter or Albert King plus a couple of adapted tunes. Now, the Compañia Walter has added some own songs to their live shows repertoire, with some influences of the Orquesta Mondragon or at least this is what it looks like for me. In short words this is a honest, cool, funny recording. VERY GOOD.

Malacara & Wilson Band “Summer Camp Blues”. Gaztelupeko Hotsak 2017.
Malacara & Wilson Band es un proyecto del cantante y compositor catalán Xavier Malacara y del guitarrista inglés Tony Wilson. Ambos se conocieron en Barcelona hace ya unos cuantos años y se dieron cuenta de que tanto sus influencias como sus gustos musicales eran muy similares. A partir de entonces no han dejado de tocar y de dar forma y consistencia a una banda formada por Xavi Malacara guitarra, armónica y voz, Tony Wilson guitarra, Maxi Moscardi bajo y Salva “Joker” batería. A lo largo de estos años han conseguido plasmar un repertorio en el que no faltan el folk, el blues, el pop de los sesenta, el country, el rock y la música ‘americana’ y todo ello junto a historias que versan sobre esos perdedores de la vida que viajan por largas carreteras y duermen en sórdidos moteles. Este trabajo continua el camino por el que la banda viaja en búsqueda de las raíces. El álbum ha sido producido por Mario Cobo, alternando un puñado de canciones propias junto a un par o tres de covers. En todas ellas aparecen las anteriormente mencionadas influencias musicales y por supuesto su personal tributo al blues. En definitiva el disco contiene una colección de buenas canciones que nos remiten a la música tradicional americana gracias al buen hacer de estos músicos. MUY BUENO. Malacara & Wilson Band is the project of Catalan singer and composer Xavier Malacara and British guitar player Tony Wilson. Both met in Barcelona a few years ago and immediately realized their influences and musical tastes were very similar. Since then on they have not stopped playing and giving shape and consistency to the band formed by Xavi Malacara on guitar, harmonica and vocals, Tony Wilson on guitar, Maxi Moscardi on bass and Salva "Joker" on drums. Along these years they have built up a repertoire with a good amount of folk, blues, 60’s pop, country, rock and Americana together with stories that deal about life losers who travel along endless roads and sleep in slummy motels. So this album follows the band journey they have started looking for the genuine roots. Mario Cobo has produced and supervised the recording, where you will find a handful of own songs and couple or three covers. All tracks show the already mentioned musical influences and their personal tribute to blues. In short words here comes an album with a collection of good songs that drive us to the traditional American music, thanks to the good work of all band musicians. VERY GOOD.

Big Mama Montse Band “Seed Of Love”. Gaztelupeko Hotsak 2017.
A estas alturas poco puede decirse que el aficionado español no sepa o no conozca ya sobre la larga trayectoria de Big Mama Montse. Con casi treinta años de carrera, Montse posee una dilatada experiencia y un amplio conocimiento de los más variados estilos del blues. Ahora ha unido sus fuerzas al virtuoso guitarrista Tofol Martínez para redondear este álbum lleno de profesionalidad y talento. Ambos han dado lo mejor de si mismos, muy bien respaldados por Isaac Coll al bajo y Andreu Moreno a la batería y percusión, en un compendio de canciones que nos transportan a un viaje musical por los diversos estilos del género, en una travesía llena de colorido y variados y elegantes matices. Montse hace gala y alarde de su técnica vocal, imponiendo su clase, su personal estilo y su ley, dando forma y pincelando con gusto su fraseo vocal a lo largo de las once canciones incluidas en el álbum. De los temas que forman el disco, siete de ellos están firmados por la propia Montse Pratdesaba que se revela como una excelente compositora y el resto pertenecen a Wynona Carr, Trade Martin, Eric Bibb y Kermit Ruffins. Un buen disco donde el swing brota a raudales a medida que va transcurriendo el siempre bien escogido repertorio. MUY BUENO. At this point, few things can be said that Spanish blues lovers do not already know about Big Mama Montse’s long artistic journey. With almost 30 years of career, Montse has a wide experience and a broad knowledge of the most varied blues styles. Now she has joined forces with virtuoso guitar player Tofol Martinez to round up an album full of professionalism and talent. Both musicians have given the best of themselves, with the good support of Isaac Coll on bass and Andreu Moreno on drums and percussion, along a bunch of songs that drive us to a musical journey through a variety of blues styles, full of colourful varied and elegant nuances. Montse displays all her amazing vocal technique, showing her undeniable class and personal style, giving shape and brushing all her vocal phrasing along the eleven album songs, seven of them signed by Montse Pratdesaba who reveals herself as an excellent composer and the rest coming from Wynona Carr, Trade Martin, Eric Bibb and Kermit Ruffins. This is a good album, where swing excels over an always well chosen repertoire. VERY GOOD.

Leandro & The High Rollers “Time Is Gold”. Gaztelupeko Hotsak 2017.
Del ambiente de un oscuro club de música negra donde la cerveza y el whisky corren a raudales como es el legendario Black Note de Valencia, aparecen como por arte de magia Leandro & The High Rollers para deleitarnos calidamente con un genuino repertorio de música afroamericana bien expuesta e interpretado con solvencia y buenas maneras. Después de colaborar con músicos de la talla de Tonky de la Peña, Boney Fields, Nico Wayne Toussaint o Marcos Coll, en 2014 Leandro Yanguas decidió iniciar un proyecto en solitario alejado de los cánones convencionales que estipula la demanda musical actualmente en boga. Junto a la voz y la guitarra de Leandro se encuentran un puñado de buenos profesionales como son Álvaro Ponce a los teclados, Fede Fuster al saxo, Paquito Hickosky a la trompeta, Moisés Cerezo al bajo y Edu Olmedo a la batería. Todos ellos han contribuido sin reparos a dar forma y sustancia a un puñado de estupendas canciones donde se mezclan el funk, el groove, el soul y el blues a partes iguales. Ritmo, sudor, sentimiento, emoción y diversión suenan con ímpetu y engrasados con habilidad en una fiesta sonora de altos vuelos. FORMIDABLE. From the dark atmosphere of a club where beer and whisky are mostly drunk listening to a black music band as usually happens in legendary Black Note club in Valencia, magically come Leandro & The High Rollers to warmly delight us with a genuine Afroamerican repertoire, displayed with reliability and good taste. After collaborating with outstanding musicians like Tonky de la Peña, Boney Fields, Nico Wayne Toussaint or Marcos Coll, in 2014 Leandro Yanguas decided to start his own musical project he has developed far away of the conventional status of the actual musical demand now in fashion. Together with Leandro on guitar and vocals you will find a handful of good professional musicians such as Alvaro Ponce on keyboards, Fede Fuster on sax, Paquito Hickosky on trumpet, Moses Cherry on bass and Edu Olmedo on drums. All of them have totally devoted and contributed to give shape and fill with the most genuine essence a handful of great songs where they tastefully mix groove, funk, soul and blues in equal parts. Rhythm, passion, sweat, feeling and lots of fun come together on a powerful greasy teamed party of delicious sounds. GREAT.

The Mojo Stars “Under The Influence”. Self Production / Sarah French 2017.
Formados hace aproximadamente unos diez años en Vancouver, The Mojo Stars se han convertido en un grupo muy apreciado en la escena local de la ciudad, gracias a unas raíces musicales ancladas sobre todo en el blues y el soul mas convencional que saben combinar con el rock mas genuino, dándole un trato lo suficientemente sustancioso para que el oyente no salga defraudado con el resultado de su música. Originariamente la banda estaba compuesta por Randy Clarke como líder y vocalista, el guitarrista Mark Rankin, el bajista Lee Oliphant y el batería Loren Etkin. Ahora, después de un tiempo de silencio donde todos ellos han madurado sus ideas, vuelven de nuevo con más fuerza, más seguridad y más entusiasmo que nunca junto a dos nuevos miembros que han incorporado a la banda como son Kenny Boychuck al Hammond B-3 y Tom Gould al saxo. Con esta sólida formación The Mojo Stars nos presentan este nuevo trabajo con once canciones, seis de las cuales han sido grabadas en directo, y donde se recoge todo el brillo, la frescura y la temática de su música a base de poderosos riffs de guitarra, Stax grooves y excelentes prestaciones vocales y de saxo. Todo ello conforma un disco más que recomendable para el aficionado. MUY BUENO. Formed about ten years ago in Vancouver, The Mojo Stars have now become very popular in that town local scene, thanks to their musical roots firmly based in the most conventional blues and soul they cleverly combine with very genuine rock, which gives substance and quality enough to not disappoint any listener who comes to enjoy the music they play. Originally the band was formed by Randy Clarke as leader and singer, guitar player Mark Rankin, bass player Lee Oliphant and drummer Loren Etkin. Now, after some time of silence where all them have matured their ideas, they come back with more strength, self confidence and enthusiasm than ever, together with two new members who have joined the band, Kenny Boychuck on Hammond B-3 and Tom Gould on sax. With this solid line-up The Mojo Stars bring us their new work with eleven songs, six recorded live. You will find in each track all the brightness, coolness and essence of their music, they build up over powerful guitar riffs, Stax grooves and excellent soulful vocals and sax solos, that contribute to round up a more than recommendable recording for every music lover. VERY GOOD.

Peter Karp “Alabama Town”. Rose Cottage / Rick Lusher 2017.
El cantante, compositor, guitarrista y pianista Peter Karp creció en las zonas pantanosas de New Jersey y en el sur de Alabama. Empezó a darse a conocer como compositor gracias a su colaboración con el guitarrista Mick Taylor quien también participó en su primer disco The Turning Point, además de realizar juntos una exitosa gira. En el año 2008 Karp formó la banda The Karp Foley Band junto a la cantante y guitarrista Sue Foley. Ahora nos presenta su octavo disco con un puñado de canciones originales y de fácil digestión, capaces de entretener a la audiencia con facilidad y sin complicaciones, en un álbum con el que quiere rendir homenaje a la memoria de la cantante afroamericana Ruth Turner fallecida en el 2016, aunque también a todos aquellos artistas con cuya música ha crecido y se ha identificado como pueden ser Freddie King, Muddy Waters, Little Richard, Chuck Berry, Tony Joe White, Bob Dylan… lo que sirve para dar una idea bastante general de por donde van los tiros. Peter Karp es un auténtico experto en combinar el blues, la música americana y el country rock y éste álbum es una buena prueba de ello. Junto a él han colaborado excelentes músicos como Mick Taylor, Garth Hudson, Paul Carbonara, Todd Wolfe, Dennis Gruenling y su hermano James Otis Karp. MUY BUENO. Singer, songwriter, guitar and piano player Peter Karp grew in the swamps of New Jersey and southern Alabama. As a composer his name started to become popular thanks to his collaboration with guitar player Mick Taylor who participated in his first album “The Turning Point”, besides playing together on a successful tour. In year 2008 he formed the band The Karp Foley Band with singer and guitar player Sue Foley. Now he brings us his eighth album with a handful of original songs that become like a breath of fresh air, able to easily delight the audience, in an album where he wants to pay homage to the memory of Afroamerican singer Ruth Turner, who died in 2016, as well as to the music of all those artists he has grown and feels identified with, like Freddie King, Muddy Waters, Little Richard, Chuck Berry, Tony Joe White, Bob Dylan… which gives a general idea of the music you will find here. Peter Karp is a real expert to combine blues, Americana music and country rock and this album shows his mastery knowledge of all mentioned styles. Some excellent musicians have also collaborated with him, like Mick Taylor, Garth Hudson, Paul Carbonara, Todd Wolfe, Dennis Gruenling and his brother James Otis Karp. GREAT.

Steve Kozak Band “It’s Time”. Self Production / Sarah French 2017.
Alguien dijo en una ocasión que para tocar los blues se necesitan tres cosas, una buena guitarra, una comprensión innata y natural de este género y treinta años de vida para poder desarrollar esta música. Steve Kozak reúne estos tres elementos y algunos más que ahora se ven plasmados en este álbum en el que se incluyen un par o tres de oscuros temas del cancionero del blues, junto a composiciones propias. A pesar de haber nacido en Canadá, el west coast y el Texas blues están presentes a lo largo de todo el repertorio y no tienen ningún secreto para él, pues en todo momento Steve se nos revela como un contumaz y experimentado interprete de estos estilos y lo hace bien secundado por músicos de gran nivel como son Dave Webb al piano y Hammond, Roger Brant al bajo y Chris Nordquist a la batería, mas la colaboración de The Harpoonist And The Axe Murderer, Jerry Cook & Dave Vidal. Para todos aquellos aficionados al gumbo, el blues tejano y los jumps de la costa oeste este álbum no tiene desperdicio alguno y se hace indispensable en cualquier colección de discos que se precie. MUY BUENO. Someone once said that a musician only needs three things to play blues, a good guitar, a natural and innate understanding of blues and thirty years of life to develop this music. Steve Kozak has got these three elements and some more ones, you will be able to discover in this album that includes a couple or three obscure covers coming from the blues songbook together with his own compositions. Despite he was born in Canada, West Coast and Texas blues are present along his whole repertoire, showing these styles have no secret to him, because Steve shows himself as a mature experienced musician, perfectly supported by some high-level musicians like Dave Webb on piano and Hammond, Roger Brant on bass and Chris Nordquist on drums, plus the special collaboration of The Harpoonist And The Ax Murderer, Jerry Cook & Dave Vidal. For all those gumbo, Texas and jump blues lovers, this album will not have a single bad note on it and will certainly become essential in any good record collection. GREAT.

Héctor Anchondo Band “Roll The Dice”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Finalista en el pasado International Blues Challenge celebrado en Memphis, Héctor Anchondo Band muestran en este disco su innegable calidad, buen gusto e interesante técnica. Hector descubrió el blues en su ciudad natal de Omaha, Nebraska donde quedó hechizado al escuchar a aquellos maestros de la Stratocaster como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughn o Eric Clapton, sin olvidar por ello sus raíces entroncadas en la música country de artistas como Johnny Cash o Hank Williams. Todas estas influencias se han ido manteniendo a lo largo de su trayectoria y, como no podía ser de otro modo, también en todas las canciones, diez en total, que completan este álbum. Acompañado por su poderosa y bien engrasada banda formada por Justin Shexlton a la armónica y voz, Josh Lund al bajo, Khayman Winfield a la batería y voces, Matt Russo a la percusión y Eric Stark y Kenny Glover a los metales, sus actuaciones desprenden siempre una energía brutal e indescriptible que puede también apreciarse a lo largo de esta grabación. Aquí tenemos pues nueve temas propios más una versión impresionante de “Black Magic Woman” de Peter Green que muestran la madurez alcanzada ya por este excelente cantante y guitarrista llamado Héctor Anchondo. MUY BUENO. Finalist at the last International Blues Challenge in Memphis, in this new album Héctor Anchondo Band show an undeniable quality, good taste and interesting technique. Hector discovered the blues in his hometown Omaha, Nebraska, where he became totally caught when he listened to those Stratocasters masters like Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughn or Eric Clapton, but he also did not forget his roots based in country music of artists like Johnny Cash or Hank Williams. All these influences have been kept along his music career and, as it could not be otherwise, in all the ten songs that complete this album. Backed by his powerful and well teamed band with Justin Shexlton on harmonica and vocals, Josh Lund on bass, Khayman Winfield on drums and vocals, Matt Russo on percussion and Eric Stark and Kenny Glover horns, their live shows always communicate an amazing terrific energy that can been also noticed in this recording. Here come nine own songs and an unbelievable version of "Black Magic Woman" by Peter Green that show the maturity reached by this excellent singer and guitar player called Héctor Anchondo. GREAT.

Delta Moon “Cabbagetown”. Jumping Jack / Blind Raccoon 2017.
Este es el octavo disco del ahora cuarteto de blues y roots rock Delta Moon. Provenientes de Atlanta, Georgia, los Delta Moon realizaron en el 2016 una exitosa gira por varios países europeos. Al finalizar el mismo se encerraron en el estudio de grabación para realizar este álbum que ahora comentamos. Tom Gray y Mark Johnson se conocieron hace bastantes años en Atlanta gracias a su pasión por la guitarra slide. Ambos compartían los mismos gustos musicales y decidieron formar una banda cuya característica principal fuera la de incluir dos guitarristas que tocaran slide, cosa poco frecuente pero que a ellos les ha funcionado a las mil maravillas. La combinación de dos guitarras slide dentro de una misma banda les confiere un sonido distintivo, mágico y muy personal donde el blues, el country rock y el folk se combinan a partes iguales con buen gusto y mucha sutileza. Tom Gray a la voz, lap steel, guitarra, teclados y armónica, Mark Johnson a la guitarra, banjo y voces, Franher Joseph al bajo y voces y Marlon Patton a la batería forman este cuarteto de originales características que nos presenta un álbum muy recomendable para todos aquellos amantes de un blues impregnado de elegancia y poesía. MUY BUENO. This is the eighth album of blues and roots rock quartet Delta Moon. From Atlanta, Georgia, The Delta Moon went in 2016 to a successful tour around several European countries. After the tour they locked themselves in the recording studio to create this new album. Tom Gray and Mark Johnson met quite a long time ago in Atlanta, thanks to their passion for slide guitar. Both shared the same musical tastes and decided to form a band whose main trace was to include two slide guitar players, something not very usual but that has perfectly worked for them. The combination of two slide guitars gives them a distinctive, magical and very personal sound, where blues, country rock and folk perfectly combine in equal parts, always with an extremely subtle good taste. Tom Gray on vocals, lap steel, guitar, keyboards and harmonica, Mark Johnson on guitar, banjo and vocals, Franher Joseph on bass and vocals and Marlon Patton on drums form this original quartet which come to us with a very recommendable album, specially devoted to all lovers of the most contemporary blues displayed with elegance and poetry. VERY GOOD.

Jim Gustin & Truth Jones “Memphis”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Jim Gustin es un cantante y guitarrista oriundo de Santa Clarita, California.. Posee una voz muy distintiva con un tono gutural bajo, gutural y profundo, además de ser un guitarrista fogueado en mil y una batallas y dotado de una gran consistencia y solidez. Su compañera en la música Truth Jones se ha dedicado a cantar desde que era una adolescente y a su impresionante estatura se le une una estupenda voz con la que se ha dedicado mayoritariamente al gospel y al soul. Juntos ponen todo su buen hacer y experiencia para presentarnos una interesante combinación vocal difícil de encontrar en las bandas actuales de blues y de rock-blues. Todo esto se puede fácilmente verificar en estas diez composiciones propias que se encuentran en este álbum que lleva el título de “Memphis”, en las que se combinan con arte y elegancia el blues, el rock, el soul, el rhythm and blues y el gospel apoyados por una buena y competente banda todo terreno que incluye a Steve Alterman piano, órgano y teclados, Terry Wilson bajo, guitarra, percusión y voces, Herman Matthews batería y percusión y finalmente Teresa James coros. Un buen disco capaz de levantar y templar los ánimos de cualquiera que esté pasando por horas bajas. MUY BUENO. Jim Gustin is a singer and guitar player born in Santa Clarita, California. He has a very distinctive voice with a raw low deep tone, but he also is a seasoned guitar player who has got a wide experience, which has given him a great consistency and a robust style. His partner in music is a woman known as Truth Jones. She has been singing since she was a teenager and his impressive stature matches with her great voice she has mainly devoted to sing gospel and soul. They have put together all their good work and knowledge to present us an album with a really interesting vocal combination quite difficult to find in actual blues and rock-blues bands. This can all be easily discovered along the ten songs they have included in this recording they have entitled "Memphis", where they combine with good taste and elegance blues, rock, soul, rhythm and blues and gospel, perfectly supported by an able high class band with Steve Alterman on piano, organ and keyboards, Terry Wilson on bass, guitar, percussion and vocals, Herman Matthews on drums and percussion and finally Teresa James on backing vocals. The cd becomes a good way to give joy and temper the spirits of anyone who feels down and depressed. GREAT.

Kate Lush Band “Let It Fly”, Self Production 2017.
La voz de Kate Lush ha sido a menudo comparada con la de Susan Tedeschi, Sarah Bareilles, Aretha Franklin o Bonnie Raitt. Por eso es fácil deducir lo que uno va a encontrar en este su último trabajo. Proveniente de Australia Kate comunica siempre un gran temperamento y pasión a todas sus interpretaciones que se mueven entre el soul, las baladas, el blues y el rock. La banda que la acompaña, incluida la espléndida sección de vientos, conoce bien su oficio y así se constata en todas y cada una de las canciones. Son un total de doce composiciones propias en las que toda la banda adorna y da consistencia y empaque a esta vocalista dotada de unas habilidades y recursos bien asentados. “Let It Fly” es un disco variado y rico en matices con un repertorio sabiamente escogido para satisfacer a una amplia audiencia, amante de la música interpretada, no solamente con el corazón sino también dejando constancia de una profesionalidad, un gusto y un rigor exquisito en su exposición tanto cromática como sonora. Por todo ello Kate Lush y su banda son una de las formaciones mas solicitadas actualmente para tocar en innumerables festivales y conciertos. MUY BUENO. The voice of Kate Lush has often been compared to the one of Susan Tedeschi, Sarah Bareilles, Aretha Franklin or Bonnie Raitt. So it is easy to imagine what you will find in her last work. Coming from Australia, Kate always communicates a high temperature and passion to all her songs that move between soul, ballads, blues and rock. The band which backs her, including the splendid horn section, knows very well what is expected from them which can be immediately realized in each and every one of the album songs. Twelve own compositions where all band members decorate and give consistency to wrap this able singer gifted with an amazing voice. "Let It Fly" is a varied rich in nuances album with a well chosen repertoire to delight a wide e audience who appreciate the music performed with the heart but also with a lot of professionalism, good taste and an exquisite care both in chromatic and sound display. This is why Kate Lush and her musicians are one of the most requested bands in countless festivals and venues. VERY GOOD.

Meena Cryle & The Chris Fillmore Band “In Concert” Continental Blue Heaven / Karonte 2017.
Según el productor Jim Gaines (SRV, Santana o John Lee Hooker), Meena es una de las mejores cantantes con las que ha trabajado en los últimos veinte años y si lo dice Gaines alguna razón tendrá ya que en esto de la música no es cualquier advenedizo. Meena comenzó a cantar a los tres años de edad y a los ocho se interesó por la guitarra, escribiendo sus primeras canciones a los diez años. Con dieciséis comenzó su periplo profesional viajando con su guitarra a cuestas, recalando en diversos y diferentes países desde Michigan hasta Grecia pasando por Nueva Delhi o Méjico como una trotamundos cualquiera. Ahora acaba de grabar este estupendo disco extraído de un concierto en directo, con un compendio de canciones de diversas influencias musicales que van desde el rock al blues, acompañada por el guitarrista Chris Fillmore y su banda quienes dejan tras de si con talento y compromiso la impronta de su buen gusto y mejor hacer. El resultado es un disco sobrio, directo e intenso. Doce temas que gustarán a la mayor parte del público que apueste por este álbum, ya que su escucha se hace agradable y placentera. MUY BUENO. According to producer Jim Gaines (SRV, Santana or John Lee Hooker), Meena is one of the best singers he has worked with along the last twenty years and, if Gaines says it, he probably is right because he is not an outsider in the music world. Meena started singing when she was only three years old and at eight she became interested in guitar, writing her first songs aged ten. With sixteen she began her professional career travelling and rambling with her guitar on her back around various and different countries from Michigan to Greece, New Delhi or Mexico. Now she has just recorded this excellent album from a live show, with a bunch of songs with different musical influences ranging from rock to blues, perfectly backed by guitar player Chris Fillmore and his band, who cleverly leave behind with a total commitment their tasteful and professional step. The result is a restrained, straightforward intense recording. Twelve songs that will certainly appeal most people who bet on this album, because it becomes a pleasant and enjoyable cd. VERY GOOD.

Jon Zeeman “Blue Room”. Membrane / Frank Roszak 2017.
Jon Zeeman pertenece a esa generación de guitarristas dispuestos a comerse el mercado del rock blues contemporáneo con autoridad y muy buen criterio. Influenciado por músicos de la talla de Eric Clapton, Jimi Hendrix, B.B. King, Johnny Winter, Allman Brothers Band o The Rolling Stones. En este nuevo álbum Jon nos presenta ocho canciones de su propia cosecha más dos estupendas versiones de “Love In Vain” de Robert Johnson y “Still Rainin’, Still Dreamin’” de Jimi Hendrix. En otros dos temas ha colaborado Butch Trucks, un buen batería y colega de Jon con el que ha trabajado durante años. De hecho Butch fue quien le introdujo a los Allman Brothers Band para tocar con ellos en el famoso teatro Beacon de New York. En agradecimiento por toda su ayuda Jon Zeeman ha donado a Trucks y su familia todos los beneficios de los royalties de las dos canciones en las que Trucks colabora tocando la batería, Además de Jon Zeeman a la voz y guitarra, se encuentran Tom Regis y Bob Taylor a los teclados, Phil Macarthur al bajo y George Lilly a la batería. MUY BUENO. Jon Zeeman belongs to s generation of guitar players ready to conquer contemporary blues rock market always with mastery and cleverness, who has been deeply Influenced by such great musicians like Eric Clapton, Jimi Hendrix, B.B. King, Johnny Winter, The Allman Brothers Band or The Rolling Stones. In this new album Jon presents eight own songs plus two great versions of "Love In Vain" coming from Robert Johnson and "Still Rainin', Still Dreamin'" by Jimi Hendrix. You will also find good drummer and Jon’s friend Butch Trucks in a couple of songs, they have been working together for years. In fact, Butch was the one who introduced him to The Allman Brothers Band to play with them at the famous Beacon Theatre in New York. In recognition for all his help, Jon Zeeman has donated Trucks and his family all the royalties benefits of the two album songs where Trucks plays drums. Besides Jon Zeeman on vocals and guitar and Trucks in two cuts, you will also find Tom Regis and Bob Taylor on keyboards, Phil Macarthur on bass, and George Lilly on drums. VERY GOOD.

Mr. Sipp “Knock A Hole In It”. Malaco / Frank Roszak 2017.
La cotización de Mr. Sipp está subiendo muchos enteros en el negocio del blues de hoy día. Sipp pertenece a esta saga de artistas de la generación mas actual, unos músicos que se integran en lo que se ha dado en llamar la nueva sangre del blues contemporáneo, donde la energía, el sudor y los decibelios lo envuelven todo cobijando bajo su manto a las jóvenes audiencias arrastradas por ese mar de sonidos, locura y magia que impregnan ese ambiente cálido y acogedor en una fiesta de total comunión y algarabía con los artistas que lideran esta particular congregación. Aunque es conocido como Mr. Sipp su verdadero nombre es Castro Coleman y nació en McComb, Mississippi el 25 de agosto de 1976 empezando a tocar la guitarra cuando solamente era un niño. Según sus propias palabras, la música ya estaba dentro de su cuerpo desde el mismo momento de su nacimiento, además sus padres cantaban en diversas corales y también tocaban algunos instrumentos, por lo que la música se convirtió en algo natural para él. Arropando a Mr. Sipp que está a la guitarra, el bajo y canta, se encuentran también Jeffrey Flanagan al bajo, Carrol McLaughin al piano y órgano y los baterías Stanley Dixon y Murph Calcedo, además de una sección de viento competente, jugosa y compenetrada. MUY BUENO. Mr. Sipp’s credit is getting a high value in today blues business. Sipp belongs to this saga of new generation artists who are deeply involved in what is known as the new contemporary blues blood, where energy, sweat and powerful decibels wrap everything, giving shelter to all young audiences who are3 carried by this ocean of sounds, craziness and magic that cover a warm friendly atmosphere on a funny party with a fully understanding between audience and an artist who leads this particular congregation. Although he is known as Mr. Sipp his real name is Castro Coleman and he was born in McComb, Mississippi on 25 August 1976 where he started to play guitar when he was only a child. According to his own words, music was inside his body since the moment he was born, his parents sang and played some of instruments too, so music became something natural to him. Backing Mr. Sipp who plays guitar, bass and sings, you will also find Jeffrey Flanagan on bass, Carrol McLaughin on piano and organ and drummers Stanley Dixon and Murph Calcedo, together with a juicy, able well teamed horn section. VERY GOOD.

The Harponist & The Axe Murderer “Apocalipstick” Self Production / Sarah French 2017.
Provenientes del mundo de la psicodelia y de interminables jams sessions donde se mezclaban los ritmos mas actuales y subterráneos, The Harpoonist & The Axe Murderer incendian el panorama musical allí por donde pasan con sus blues psicodélicos y anárquicos, sus rocks, su pop imaginativo y excéntrico y sus grooves llenos de fuerza, dinamismo y vigor. La base de la banda se encuentra en dos grandes músicos y excelentes amigos como son Shawn Hall a la voz y la armónica y Matthew Rogers a la guitarra, pedales, efectos, bajo y sintetizadores. Ahora han incorporado a sus devaneos musicales a John Raham a la batería y percusión, Geoff Hilhorst al órgano, piano y wurtlitzer y Efran Chávez a las congas, mas la colaboración de siete voces que dan fuerza por su riqueza de matices y diversas armonías en aquellos temas en los que intervienen. Tal como su titulo indica el álbum nos da una visión apocalíptica pero a la vez no exenta de belleza sobre esta época desquiciada y contradictoria en la que nos ha tocado vivir. MUY BUENO. From psychedelia environment and endless jam sessions where you could find the most actual underground darks rhythms, The Harpoonist & The Axe Murderer set fire to the music scene wherever they go, with their psychedelic anarchic blues, their rock, their imaginative eccentric pop and their powerful dynamic vigorous grooves. The band origin can be found in two great musicians and good friends, Shawn Hall on vocals and harmonica and Matthew Rogers on guitar, pedals, effects, bass and synthesizers. Now they have incorporated to their musical speech John Raham on drums and percussion, Geoff Hilhorst on organ, piano and wurlitzer and Efran Chávez on congas, plus the amazing collaboration of seven vocals which give strength and consistence with their rich nuances and various harmonies to the songs they perform. As the title says, the album gives us an apocalyptic vision but, at the same time, not exempt of beauty of this deranging and contradictory time we are living now. VERY GOOD.

Tim Bastmeyer’s “All Star Blues Band” Self Production / Sarah French 2017.
Cuando uno da una fiesta y quiere pasarlo bien, invita a sus mejores amigos. Esto es lo que ha hecho Tim Bastmeyer para realizar este álbum. Ha reunido a un grupo de músicos amigos que le han acompañado en este disco grabado bajo su propio nombre. Asi podemos encontrar en esta All Star Blues Band además de Tim a las guitarras y voz, a Julian Fauth al piano, Paul Reddick a la armónica, Sean Pinchin a la guitarra slide, James Thomson al contrabajo y Cam De Latt a la batería. Nueve temas originales que se deslizan sin ningún tipo de artilugios y de un modo sencillo y sin pretensiones hacia diversas progresiones del blues clásico con canciones de amor intimas y bien compuestas, country blues e incluso algún que otro guiño al jazz. Importancia primordial tienen también las letras de sus canciones que, sin ser un Kriss Kristofferson, nos hablan de amores perdidos, nuevos comienzos, la lucha contra esa depresión que sentimos los humanos al despertarnos cada mañana sin ilusiones y sin nada que hacer, los sentimientos de soledad y tristeza o la vida sencilla de quien busca la paz interior. BUENO. When you want to have a party and enjoy a good time, you invite your best friends. This is what Tim Bastmeyer has done. He has invited some good friends to back him in this new album recorded under his own name. So we will find in this All Star Blues Band Tim Bastmeyer on guitars and vocals, Julian Fauth on piano, Paul Reddick on harmonica, Sean Pinchin on slide guitar, James Thomson on bass and Cam De Latt on drums. Nine own songs that naturally glide ºon a simple unpretentious way towards different classic blues progressions with intimate well displayed love songs, country blues and even some jazz drops. Lyrics have also a prominent importance and, although he is not like Kriss Kristofferson, he tells us about love lost, new beginnings, fight against depression people daily feel when they get up with no expectations and nothing to do, loneliness and sad feelings or life simplicity of those who look for inner peace. GOOD.

Boogie Patrol “Man On Fire” Self Production / Sarah French 2017.
Boogie Patrol está considerada como una de las mejores bandas de directo de la zona occidental de Canadá, fama que gradualmente se ha ido extendiendo a nivel internacional, todo ello gracias a su música que recoge influencias de la época dorada del soul, el rhythm and blues, el rock and roll y el blues. El grupo suena compacto, tribal y bien ajustado, con unos cimientos bien construidos sobre unos patrones rítmicos y jugosos. Este nuevo trabajo refleja todo cuanto acabo de mencionar, el disco es una explosión de energía y jolgorio que nos transporta al soul, el funk y el blues de los setenta. Las diez canciones originales que integran el álbum son una muestra reconfortante del poder escénico que estos músicos transmiten en directo y de la habilidad compositora del grupo que está constituido por Rott’n Dan Shinnan voz y armónica, Yuji Ihara guitarra, Chad Holtzman guitarra y voces, Nigel Gale bajo y Emmet VanEtten batería, percusión y voces. En el disco han colaborado Marc Arnould, órgano, Hammond B-3, wurlitzer, Fender Rhiodes y clavecín, además de una poderosa sección de vientos llamados The Mocking Shadows, que aportan buen rollo, empaque y diversión. Un álbum a tener muy en cuenta porque tiene gancho, feeling y mucho corazón. MUY BUENO. Boogie Patrol has built up a reputation as one of the best western Canada bands, a success that has gradually spread to an international level, thanks to a kind of music with deep influences of the golden age of soul, rhythm and blues, rock and roll and blues. The group sounds compact, tribal and teamed, build over a strong basis and juicy rhythm patterns. This new work perfectly reflects it, as it becomes an explosion of energy and joy that drives us to 70’s soul, funk and blues. The ten original album songs are an energetic example of the staging power the band communicates in their live shows and also reflect the group composing skills. The band includes Rott'n Dan Shinnan on vocals and harmonica, Yuji Aira on guitar, Chad Holtzman on guitar and vocals, Nigel Gale on bass and Emmet VanEtten on drums, percussion and vocals. In the album there have also collaborated Marc Arnould on organ, Hammond B-3, Fender Rhodes, Wurlitzer and a powerful horn section called The Mocking Shadows, which provide good vibes, bright presence and lots of fun. This is an album to keep on mind as it is really appealing, because it has been done with much feeling and an amazing passion. GREAT.

Chris Belleau “Swamp Fever”. Proud Dog / Bruce Flett 2017.
Desde las tierras de Louisiana Chris Belleau está intentando forjarse un camino y abrirse paso en este complicado negocio del blues. En su afán por conseguir la meta que se ha fijado ha grabado este disco que contiene ocho temas de los cuales seis de ellos han sido co-escritos por el propio Chris Belleau. En ellos se incluye una variedad y una amplia gama de influencias y una paleta de colores que abarcan desde el blues de siempre al blues contemporáneo, el jazz, el swamp pop o la música con raíces de la Louisiana, una tierra fértil en lo que a cuestiones de música se refiere. Con todo ello Chris muestra su calidad y sus habilidades artísticas tanto a la voz como a la armónica, el trombón y el acordeón. Además se ha rodeado de un puñado de buenos artistas que participan a lo largo de la grabación dejando su impronta con buen gusto y sobriedad en diferentes canciones del álbum como son David Hyde y David Ellis al bajo, Brian Brignac y Keith Simoneaux a la batería, Nelson Blanchard a los teclados, Hammond B-3 y guitarra, Mike Esneault al piano y Hammond B-3 y Jon Smith al saxo en todos los temas. Un disco entretenido y de fácil escucha, capaz de poner a todo el público en pie. MUY BUENO. From Louisiana fields Chris Belleau is trying to forge his way and break through the difficult blues business world. In his desire to reach his goal, he has recorded this album that includes eight songs, six of them co-written by Chris Belleau himself, where he displays a wide range or varied influences forming a bright palette of colours, from blues to contemporary blues, jazz, swamp pop or Louisiana roots music, a rich ground in what music is concerned. With all these elements Chris shows his quality and artistic skills on vocals and harmonica, trombone and accordion as well. Besides, he is surrounded by a handful of good musicians who tastefully leave their stamp performing with a restrained moderation along the different album songs, such as David Hyde and David Ellis on bass, Brian Brignac and Keith Simoneaux on drums, Nelson Blanchard on keyboards, Hammond B-3 and guitar, Mike Esneault on piano and Hammond B-3 and Jon Smith on sax in all tracks. This is a funny easy to listen album, that will make listeners stand up. VERY GOOD.

Bobby Harden “River Of Soul”. Nyota / Bruce Flett 2017.
Bobby Harden se define a sí mismo como un ferviente ‘soul man’. Es por esto que su primer álbum llevaba por titulo “Soul Purpose”. Bobby ha tenido que esperar dieciséis años para poder publicar este su segundo disco de larga duración. Para quienes no conozcan demasiado a este artista, decir que ha viajado por todo el mundo como uno de los líderes mas carismáticos de los originales Blues Brothers Band, además de trabajar en otros proyectos paralelos junto a Steve Cropper. Steve le proporcionó muchos de sus conocimientos del sonido Stax y de la música soul en general, lo que le sirvió a Bobby para convertirse en un auténtico experto. Además, el teclista de la banda de los Blues Brothers Leon Pendarvis se convirtió en una ayuda crucial e irremplazable en el proceso creativo de este álbum. El resultado es una magnífica exposición del soul más clásico con arreglos muy actuales, llenos de vida y de diversos y efervescentes coloridos. En los nueve temas que componen el disco se aprecian las influencias que han ido formando el estilo y la voz de este completo cantante y que van desde artistas de gospel como James Cleveland o Andre Crouch a cantantes de soul como Otis Redding y Wilson Pickett y bluesmen como Johnny Adams o B.B. King, aunque Bobby Harden siempre dice que su mayor influencia ha sido James Brown. Grandísimo álbum que no tiene desperdicio y que debería figurar en cualquier colección de música soul. MUY BUENO. Bobby Harden defines himself as a real soul man. This is why his first album was entitled "Soul Purpose". Bobby had to wait 16 years until he was able to publish this second full-length album but here it comes. For those who are not familiar with him, only mention he has travelled all over the world as one of the most charismatic leaders of the original Blues Brothers Band, besides working with Steve Cropper in other different projects. Steve taught him most of his knowledge about Stax sound and soul music in general, which helped Bobby to become a real expert. Also Blues Brother Band keyboard player Leon Pendarvis played a crucial essential role in the album creative process. The result is a magnificent recording with the most classic soul displayed on a very actual lively air and a variety of colourful nuances. The nine album songs show the influences that have given shape to the style and voice of this absolutely gifted singer, influences that come from gospel artists like James Cleveland or Andre Crouch to soul singers like Otis Redding and Wilson Pickett and bluesmen such as Johnny Adams or B.B. King, although Bobby Harden always says his greatest influence has been James Brown. This is an amazing album that has not a single bad note on it, that certainly deserves a good place in any soul music collection. GREAT. 

Give Me Back My Wig “Big Wigs”. Knoxville 2017.
Give Me Back My Wig es una formación de rock blues Americano, popularmente conocida entre sus seguidores como The Wig Band. Su música posee variadas influencias que se encuentran en artistas como John Lee Hooker, Bonnie Raitt, INXS o los Rolling Stones entre otros grupos mas variopintos. Liderados por la energética e inefable voz de Gail Stewart, el grupo incluye al guitarrista Paul Alvarado, al bajista Colin McNeely y al batería Glenn Maiden. El cuarteto comenzó su andadura musical hace una década en la zona de Los Angeles, moviéndose entre los ambientes y la cultura de la música indie, alternativa y underground a veces con influencias negroides, movimientos urbanos donde tienen una legión de incondicionales y afectos seguidores. Sus fogosas y electrizantes actuaciones en directo les han hecho ganarse un público fiel y entusiasta que acude religiosamente a sus citas. La atmósfera de esas actuaciones tan participativas y entregadas a la sublime ceremonia musical de la banda queda fielmente reflejada en las diez canciones de cosecha propia que componen este su primer álbum. BUENO. Give Me Back My Wig is an American blues rock band, known among his followers as The Wig Band. Their music gathers varied influences that come from artists like John Lee Hooker, Bonnie Raitt, INXS or the Rolling Stones among a good variety of groups. Led by the energetic indescribable voice of Gail Stewart, the band includes guitar player Paul Alvarado, bass player Colin McNeely and drummer Glenn Maiden. The quartet began their musical career a decade ago in Los Angeles area, easily moving in indie, alternative and underground with black details music circles and urban movements, where they have lots of unconditional and loyal followers. Their fiery and electrifying live performances have given them a loyal and enthusiastic audience who religiously go to their shows. The atmosphere of those participative venues, always devoted to a sublime musical band ceremony, is faithfully reflected along the ten own songs that make up the band first album. GOOD.

Steve Krase “Should’ve Seen It Coming”. Connor Ray Music / Mark Pucci 2017.
Steve Krase es un versátil armonicista y cantante que con trabajo y esfuerzo ha forjado su carrera junto a artistas como Trudy Lynn o el fallecido Jerry Lighfoot. Ha pertenecido a las bandas de ambos músicos y con ellos ha recorrido muchos caminos, compartido experiencias de todo tipo y grabando diversos álbumes. Krase ha desarrollado también una interesante carrera en solitario y fruto de ella es este su cuarto disco grabado bajo su propio nombre. A lo largo de los once temas que componen el álbum Steve Krase muestra todo su potencial y alto conocimiento, no solamente del blues sino también de cómo tocar la armónica sin repetirse, amenizando todas y cada una de las canciones en las que sopla este instrumento. Un disco de blues de Chicago con toda su esencia y plenitud interpretado en la forma clásica y contundente por la que se conoce el estilo. A lo largo del álbum se percibe el espíritu y la impronta de Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter, Charlie Musselwhite, Clarence ‘Frogman’ Henry o de su amigo Jerry Lighfoot. Además del propio Steve Krase a la voz y armónica, se encuentran también Rock Romano al bajo y voces, David Carter a la guitarra y voces, Richard Cholakian a la batería, Randy Wall al piano y órgano y Alisha Pattillo al saxo, junto a las colaboraciones de Mark May y Bob Lanza a las guitarras en un tema cada uno, Trudy Lynn voces en tres temas y finalmente James Gilmer percusión en cuatro canciones. Blues del bueno, muy recomendable, del que no se debería prescindir. MUY BUENO. Steve Krase is a versatile singer and harmonica player who has worked hard to forge his career near artists like Trudy Lynn or the late Jerry Lighfoot. He was member of both musician bands and with them he has gone over many roads, sharing different experiences and recording several albums. Krase has also developed an interesting solo career and, as a result of it, here comes his fourth album recorded under his own name. Along the eleven cd songs Steve Krase shows all his potential and good blues knowledge, letting us see how to play harmonica without getting repetitive, always with a lively playing in each and every one of the songs he has included in the recording. Chicago blues with all its essence and flavour played in the classic strong way the style demands. You will immediately feel the spirit and stamp of Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter, Charlie Musselwhite, Clarence 'Frogman' Henry or his friend Jerry Lighfoot. Besides Steve Krase on vocals and harmonica, the other musicians are Roman Rock on bass and vocals, David Carter on guitar and vocals, Richard Cholakian on drums, Randy Wall on piano and organ and Alisha Pattillo on sax, plus the collaboration of Mark May and Bob Spear on guitars in one song, Trudy Lynn on backing vocals in three tracks and finally James Gilmer on percussion in four songs. Here comes a highly recommended good blues album you should not ignore GREAT.

The Blues Infusion “Stepping Keys”. Alessa 2013.
The Blues Infusion son una banda sobradamente conocida en la escena del blues austríaca. Afincados en la misma capital Viena, han recorrido prácticamente todos y cada uno de los rincones de Austria y han participado en diversas ocasiones en el reputado festival Vienna Blues Spring. Desde hace algunos años The Blues Infusion han sobrepasado las fronteras de su país y las fronteras del blues clásico, para ofrecernos una versión del blues más sofisticada y acorde con los nuevos tiempos en los que nos encontramos. Fue el guitarrista Peter Peduzzi junto al bajista Fritz Salek quienes fundaron la banda en el año 2009. Después de diversos cambios han incluido a algunos de los músicos más experimentados y preparados de la escena musical vienesa como son Peter Dürr a la voz, Werner Müller a los teclados y Mick Glantschnig a la batería. Con ellos la banda ha tomado un rumbo más ecléctico sin dejar de lado ese espacio reservado al blues que siempre han mantenido. De hecho el disco fue grabado en el año 2013 y ahora el grupo planea un nuevo trabajo para este año pero mientras no llega, puedes hacerte con una copia de este “Stepping Keys” que seguro que te va a interesar. MUY BUENO. The Blues Infusion is well known in Austrian blues scene. Settled on the capital Vienna, they have practically played in each Austrian corner and have participated several times in the famous Vienna Blues Spring festival. Some years ago The Blues Infusion overcame their country borders as well as classic blues borders to give us a more sophisticated blues approach more in accordance with the new century times. There were guitar player Peter Peduzzi and bass player Fritz Salek who founded the band in year 2009. After various changes they have included some of the most experienced and able Austrian musicians such as Peter Dürr on vocals, Werner Müller on keyboards and Mick Glantschnig on drums. With them the band performs a more eclectic music without leaving aside the special place they have always kept for the blues. In fact the album was recorded in year 2013 and now the group plans to publish a new one this year but, until the moment it sees the light, you can get a copy of this "Stepping Keys" which will surely call your attention. VERY GOOD.

Southernman Robbie “Devil Got My Name”. Self Production 2017.
Nacido en Rumania en el año 1987, Robert ‘Southerman’ Zsugya es un cantante, guitarrista y compositor que combina la guitarra slide con la técnica del fingerpicking con holgura, buena técnica y arte. En este álbum nos conduce a un loable viaje por las raíces del country blues a la manera en que lo hacían los pioneros del blues rural de los años veinte, dando de este modo un amplio paseo por las tierras de los estado sureños de los Estados Unidos, en un total de catorce temas que van desde Mississippi John Hurt a Elizabeth Cotten, Skip James, Woody Guthrie, Robert Johnson, Walter Vinson o Taj Mahal, además de tres canciones de cosecha `propia. A lo largo de los años que lleva en el negocio del blues Robert Zsugya ha participado en numerosos proyectos y ha tocado en un sinfín de festivales, clubs y garitos tanto en su país como del norte de Alemania y también de Austria, dos países que visita con bastante frecuencia y donde se ha hecho un nombre. En el año 2017 participó representando a su país Rumania en el séptimo European Blues Challenge celebrado en Horsens, Dinamarca causando una muy grata impresión entre el público y el jurado por la intensidad y la puesta en escena de su honesta y respetable manera de tocar y cantar los blues. MUY BUENO. Born in Romania in 1987, Robert 'Southernman’ Zsugya is a singer, guitar player and composer who easily combines slide guitar and fingerpicking technique, always with very good taste and great technique. In this album he drives us to an interesting journey to country blues roots in the way that did the pioneers of 20’s rural blues, with a long delicious walk along the lands of USA southern states, The album includes fourteen songs ranging from Mississippi John Hurt to Elizabeth Cotten, Skip James, Woody Guthrie, Robert Johnson, Walter Vinson or Taj Mahal, plus three own songs. Along the years he has been in the blues business, Robert Zsugya has been involved in various projects as well as playing in a different festivals, clubs and venues not only in his own country but also in the north of Germany and Austria, two countries he regularly visits where he has already become a popular musician. In year 2017 he represented Romania in the seventh edition of the European Blues Challenge held in Horsens, Denmark, making a very good impression among the whole audience and the jury by the intensity and stage presence and his honest respectful way of singing and playing blues. GREAT.


JULIO 2017 / JULY 2017

Little Hurricane “Same Sun Same Moon”. Mascot / Top Artist Promotions 2017.
Como se relata en la hoja promocional de los Little Hurricane, no toda la gente comparte las mismas creencias pero las personas son más parecidas que diferentes. Se puede estar de acuerdo o no con esta filosofía pero es cierto que una parte de razón avala esta tesis. No importa si se está en San Diego, California o Sudáfrica, si se vivía hace 10.000 años o en el día de hoy, todos miramos hacia arriba para ver el mismo sol y la misma luna. Siguiendo con la misma filosofía que Little Hurricane nos cuenta todos estamos conectados entre si de una forma u otra y esta si que es la filosofía de aquellos que siguen las enseñanzas del ho’ponopono hawaiano. Este mensaje de unidad universal late en el corazón de este nuevo trabajo de Little Hurricane. Durante el proceso de creación del álbum, Tone fue atrapado por una fuerza primitiva y poderosa que lo llevó a un viaje de 28 millas descalzo y que casi le quitó la vida. El dúo había estado escribiendo y grabando en su estudio situado sobre antiguas tierras nativas en las montañas de San Diego, unas montañas sagradas para los indios apache chiricahua que inspiraron asimismo a Tone en el proceso de composición. Por todo ello el álbum conserva la honestidad de sus trabajos anteriores añadiendo nuevos timbres y un alcance emocional más amplio y elocuente. MUY BUENO. As said in Little Hurricane’s promo material, everybody does not share the same faith or follows the same behaviour, but people are more similar than different. You may or may not agree with this philosophy, but it is is quite reasonable. It doesn't matter if you are in San Diego, California or South Africa, if a human being was living 10,000 years ago or today, we all raise eyes to see the same sun and the same moon. Following the same philosophy Little Hurricane tells us we are all connected in one way or another and this drives us to think about the philosophy of those who follow Hawaiian ho'ponopono technique. This message of universal unit beats in the heart of Little Hurricane’s new work. During the album creative process, Tone was caught by a primitive and powerful force that led him barefoot to an incredible journey of more than 28 miles that nearly led him to death. The duo had been writing and recording in their studio placed on the ancient native lands in the mountains of San Diego, the sacred mountains of Chiricahua Apache Indians, a place that inspired Tone along the whole creative process. All these reasons make an album that keeps the honesty of his previous work adding a new vision and a wider and really noticeable emotional passion. VERY GOOD.

Johnny Mastro & Mama’s Boys “Never Trust The Living”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Johnny Mastro & Mama’s Boys ha desarrollado su carrera en New Orleans. Originalmente la banda se creó en el famoso club de blues Babe’s & Ricky’s Inn y fue su propietaria Laura ‘Mama’ Gross de quien tomaron el nombre del grupo, ya que fue ella quien les animó a formar la banda y desarrollar ese estilo rudo y sucio que a ella tanto le gustaba. Hoy en día han alcanzado un reconocido prestigio que les ha llevado a tocar en más de cien festivales, realizar diversas giras por Europa y tener publicados diez álbumes hasta la fecha. Para este último trabajo Johnny y su grupo grabaron veintisiete canciones en setenta y ocho tomas, que materializaron en el estudio de grabación en el corto espacio de dos días.  De ellas escogieron once que indudablemente capturan toda la esencia y el espíritu de la música del grupo, una mezcla impoluta de blues tradicional y progresivo, donde no falta un homenaje al los sonidos voodoo de New Orleans. Johnny Mastro armónica y voz, Smoke guitarra, Dean Zucchero bajo y Rob Lee baterÍa y percusión han dado forma a un trabajo honesto, eficaz y muy robusto. MUY BUENO. Johnny Mastro & Mama's Boys has developed his career in New Orleans. Originally the band was founded in the famous blues club Babe's & Ricky's Inn and it was from club owner Laura 'Mama' Gross they took the group name, as she was the one who encouraged them to create the band and develop their dirty rough style she loved so much. Today they have got recognition and prestige which has led them to play in more than one hundred festivals, perform in a good number of tours all over Europe and publish ten albums up to date. For this last piece of work Johnny and the band recorded twenty-seven songs in seventy-eight takes, which were materialized in the recording studio during the short time of two days. Then they chose eleven tracks to complete the album, which undoubtedly capture the essence and spirit of their music, a mixture of spotless convincing traditional and progressive blues, without forgetting a tribute to New Orleans voodoo sounds. Johnny Mastro harmonica and voice, Smoke guitar, Dean Zucchero bass and Rob Lee drums and percussion have given shape to an honest, effective and solid album. VERY GOOD.

Sean Chambers “Trouble & Whiskey”. American Showplace Music 2017.
Sean Chambers empezó su carrera en el blues en 1998 como guitarrista de la banda de Hubert Sumlin. Junto a él estuvo en la carretera hasta el año 2003 recorriéndose todo los Estados Unidos y Europa, adquiriendo gran notoriedad y un peso específico dentro del mundo del blues. Ahora este guitarrista y cantante de Florida presenta su sexto álbum en el que incluye siete temas propios y tres versiones como son “Bullfrog Blues” de Rory Gallagher, “Cut Off My Right Arm” de Johnny Copeland y “Be Careful With A Fool” de B.B. King. En todos ellos Sean muestra su talento como ardiente guitarrista y convencente cantante, bien secundado por Michael Hensley al Hammond B-3 y piano, Todd Cook bajo y Kris Schnebelen batería, junto a la colaboración como invitados de John Ginty al Hammond B-3 y Jimmy Bennett a la guitarra. La excelente producción de Ben Elliott hace subir mucho el listón cualitativo de un álbum ya de por si excelente. Elliott, quien también ha trabajado con Eric Clapton, Keith Richards, Billy Gibbons o Leslie West, consigue realzar sobremanera este poderoso, intenso y electrizante disco que sin duda golpeará con fuerza las entrañas de todos cuantos lo escuchen. MUY BUENO. Sean Chambers began his career in blues music in 1998 as guitar player and Hubert Sumlin’s band leader. They were together in the road up to year 2003 travelling all over United States and around Europe, which made Sean gain notoriety and a specific weight in blues circles. Now this Florida coming guitar player and singer publishes his sixth album that includes seven songs and three versions "Bullfrog Blues" coming from Rory Gallagher, "Cut Off My Right Arm" by Johnny Copeland and "Be Careful With A Fool" by B.B. King. In all songs Sean shows his talent as a flaming guitar player and convincing singer, well supported by Michael Hensley on Hammond B-3 and piano, Todd Cook on bass and Kris Schnebelen on drums and the special collaboration of guest musicians John Ginty on Hammond B-3 and Jimmy Bennet on guitar. The excellent production done by Ben Elliott enhances the quality of an already amazing album. Elliott has worked with such great names like Eric Clapton, Keith Richards, Billy Gibbons or Leslie West so, as you can easily imagine, he has managed to round up a powerful, intense and electrifying album that undoubtedly will knock out most listeners. GREAT.

Elliot And The Untouchables “Bloodhound”. BluePoint 2017.
Por si no fuera de de sobras evidente para los todos los amantes del más visceral y dinámico rock blues, Elliott And The Untouchables confirman toda la calidad que atesoran en todas y cada una de las canciones de este su sexto disco. Una brillante selección de once temas compuestos en su totalidad por el propio Elliott y que abarcan desde el bien conducido, profundo y envolvente blues, hasta el mas brillante rockin’ blues, interpretado con crudeza y una gran dosis de testosterona o el Mississippi swamp blues marca de la casa. Elliott New despliega todo su poder de seducción y conocimiento, imprimiendo a todas las canciones incluidas en el álbum una tremenda originalidad que abarca desde una extrema dulzura hasta el más intenso y sucio groove que uno pueda  imaginar. A ello se une una empastada sección de metales que engrandece la orquestación formada por Sonny Dickey al saxo y Russ Marchese a la trompeta. Los teclados corren a cargo de Ken Largent quien da el contrapunto ideal para que la base rítmica suene sólida y compacta, gracias a la labor de J.T. Anderson al bajo y Jim Heidenreich a la batería. Prepárate para dinamitar tus propias entrañas y las de los que compartan contigo la escucha de este disco, porque Elliott And The Untouchables son pura dinamita sonora. MUY BUENO. If it was not evident for all lovers of the most visceral and dynamic rock blues, Elliott And The Untouchables confirm their undeniable quality in each and every one of the songs included in their sixth album. A bright selection of eleven Elliott’s own songs, ranging from the most deep wrapping blues to an amazing brilliant raw rockin' blues, played with a large dose of testosterone and even a personal and genuine Mississippi swamp blues. Elliott New displays all his knowledge and power of seduction, giving a terrific originality to all songs, that go from an extreme sweetness to the most intense dirty groove one can imagine. A really teamed horn section with Sonny Dickey on sax and Russ Marchese on trumpet magnifies the whole orchestration. Ken Largent is on keyboards and gives the perfect counterpoint to make the rhythm section sound powerful and compact, thanks to the good work of J.T. Anderson on bass and Jim Heidenreich on drums. Get ready to blow up your heart and the ones of all people who listen to this album, because Elliott And The Untouchables are pure dynamite. GREAT.

The Cell “Memories”. Prison 2016.
Esta banda de Checoslovaquia sabe como tiene que pulsar las teclas del rock, el blues y la música Americana para que el resultado suene con propiedad y exigencia. El grupo se formó en el año 2002 cuando el batería Milán Milata y el cantante americano David Gore decidieron unir sus fuerzas y comenzar un proyecto conjunto. Desde entonces han pasado diferentes miembros y en la actualidad el grupo está formado por su líder el batería Milán Milata, el teclista Tomás Komuta, el bajista Leos Koudelka, los guitarristas Michal Benes y Martin Endl y el vocalista David Kangas además de las cantantes Radka Vojáčková y Martina Dolečková
.. Un grupo interesante porque aportan muchos elementos variados y elegantes que dan consistencia e interés a un estilo diferente a lo que estamos acostumbrados, con una buena dosis de de calidad y que emplean unas armonías cromáticas rebosantes de colorido a través de unos arreglos entroncados en la música tradicional y folklórica llenos de sutiles matices. MUY BUENO. This Czechoslovakian band knows how to press the keys of rock, blues and Americana music and reach a proper thorough sound. The group was formed in year 2002 when drummer Milan Milata and American singer David Gore decided to join forces and start a new project together. Since then on the band has included different members and now you will find drummer and leader Milan Milata, keyboardist Tom Komuta, bass player Leos Koudelka, guitarists Michal Benes and Martin Endl and singer David Kangas, plus Radka Vojačkova and Martina Dolečkova as backing vocals. This is an interesting group because they provide a good range of varied elements that give consistency and interest to a style quite different of what we are used to listen to, filled with a good dose of quality with the use of chromatic colourful harmonies through arrangements firmly based in traditional music and folk always full of subtle nuances. VERY GOOD.

Zoe Schwarz Blue Commotion “This Is The Life I Choose”. 33 Records 2017.
La cantante Zoe Schwarz es como una bocanada de aire fresco para el oyente, una mujer que irrumpe con fuerza en el nuevo panorama del rock-blues como un verdadero vendaval caprichoso, apareciendo como un torbellino lleno de magnetismo y encanto para imponer su ley a las audiencias mas ardientes, sobre todo en un momento en que parece que estamos ante un panorama musical a menudo dominado por el nihilismo y el postureo donde Zoe es una clara excepción. Como digo este no es el caso de esta cantante y su grupo Blue Commotion, quienes demuestran fehacientemente que tienen las ideas claras y un proyecto musical muy bien concebido, además de saber como llegar al público y transmitir lodo cuanto llevan dentro, gracias al convencimiento que tienen de la música que fabrican y que hilvanan con acierto en una arriesgada propuesta que a mi me ha convencido. Con una mayoría de temas propios, el álbum confirma la excelente química de todos los componentes de la banda y en especial de la propia Zoe Schwarz con su guitarrista Rob Koral. El resto de la banda la forman Pete Whittaker al Hammond y Paul Robinson a la batería y percusión. En el disco han contado también con la colaboración de Ian Ellis al saxo, Andy Urquhart a la trompeta y Julie Staines a las voces. MUY BUENO. Zoe Schwarz is like a breath of fresh air for all listeners, a woman who appears with strength in new rock-blues scene like a fanciful whirlwind full of magnetism and charm to impose her law to the most passionate audiences, especially on a time that seems we are facing a musical scene where often nihilism and posing prevail, where Zoe is a clear exception. This is not the case for this singer and her group Blue Commotion, who always show they have clear ideas and a well conceived musical project, besides a good knowledge of how reach audiences and communicate their feelings, because they are totally convinced of the music they perform, with a risky proposal that has totally convinced me. With mostly own songs, the album confirms the excellent chemistry among all band members and specially Zoe Schwarz herself and guitar player Rob Koral. The rest band musicians are Pete Whittaker on Hammond and Paul Robinson on drums and percussion. The album has also counted with the valuable collaboration of Ian Ellis on sax, Andy Urquhart on trumpet and Julie Staines on backing vocals. VERY GOOD.

David M’ore “Passion, Soul & Fire”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Este trabajo del cantante, guitarrista y compositor llamado David M’ore, el tercero de su trayectoria, ofrece al oyente, por cierto simplemente con un solo golpe de efecto muy persuasivo, todas las influencias y guiños a la música que a David le apasiona y que le ha ido atrapando a lo largo de su vida. El disco contiene doce tremendas y efectivas canciones todas ellas interpretadas con un alto contenido de alma, pasión y fuego, un fuego que te abrasa, te quema y no deja de intrigarte en todos y cada uno de los temas. A pesar de haber nacido en Argentina David M’ore reside actualmente en San Francisco y es en esa ciudad donde ha montado su base de operaciones. Su mayor influencia puede encontrarse en el agresivo sonido del gran músico que fue Johnny Winter a quien admira y reverencia desde que, siendo todavía muy joven, David descubrió y quedó atrapado por su intensidad y tremenda personalidad. Pero no hay que pensar que a M’ore sólo le gusta Johnny Winter sino que también admira a Deep Purple, Jimi Hendrix, Muddy Waters y ACDC de quienes ha tomado muchas cosas prestadas. Dicho todo esto, supongo que ya habréis adivinado por donde van los tiros de este capaz y solvente artista. Si te gusta la música de Richie Blackmore, Gary Moore, Johnny Winter o Joe Satriani, entonces ten por seguro que David M’ore es tu hombre y te aseguro que con su Stratocaster en las manos sabe como hacer verdadera ‘pupa’. MUY BUENO. Here comes the last work of singer, guitar player and composer David M'ore. It is his third recording up to date and, with just one single persuasive impact, he will give to every listener all the influences and nuances David passionately loves that have deeply caught him. Twelve amazing effective songs all performed with an extreme passion and fire, a fire that will burn your soul since the moment you start listening to it. Despite he was born in Argentina, David M'ore now lives in San Francisco and he has mostly developed his musical career therer. His major influence can be found in the aggressive sound of the great late Johnny Winter, he admires and reverences. David was a child and one day he discovered Winter’s music and he became mad with Winter’s intensity and terrific personality. But do not think he only loves Johnny Winter, he also admires Deep Purple, Jimi Hendrix, Muddy Waters and ACDC he has musically learned from them. This said, I assume you have already discovered what this able and reliable musician will give you. If you like the music of artists like Richie Blackmore, Gary Moore, Johnny Winter or Joe Satriani, then be sure David M'ore is your man and, with his Stratocaster on his hands, he will harm you. VERY GOOD.

Patty Reese “Let In The Sun”. Azalea City Recordings / Blind Raccoon 2017.
¿Quién es, a dónde va y qué pretende la cantante, compositora y a la vez también guitarrista Patty Reese?. Las respuestas a estas preguntas se encuentran en este disco. Son canciones que salen desde lo más profundo de su corazón, canciones que Patty ha construido para uso y disfrute de todos aquellos que quieran acercarse a su música para encontrar la paz y el descanso que se reflejan en sus composiciones. En su música también hay influencias de artistas como Steve Earle, Bonnie Raitt y Bob Dylan a los que adora intensamente. Acompañada por unos buenos músicos Patty se balancea con dinamismo y sutileza por variados aspectos de diversos géneros, y lo hace con una habilidad y una chispa nada corriente en la mayoría de los artistas de hoy día. En el disco podrás encontrar desde baladas del tipo ‘smooth’, hasta rockin’ blues e incluso power soul. Puedo asegurar que esta mujer tiene talento y su música brilla como una mañana soleada de primavera. Patty Reese a la voz y guitarra acústica, Sonny Petrosky al bajo, Andy Hamburger a la batería, Jonathan Sloane a las guitarras junto a los invitados Tommy Lepson a los teclados, David Campbell a la guitarra en un tema y Brian Simms a los teclados en una canción han redondeado un álbum fresco y notable, capaz de levantar tu moral si te sientes decaído. MUY BUENO. Who is, where is she going and what are the goals of singer, songwriter and acoustic guitar player Patty Reese?. The answers to these questions can be found in this album. Songs that come out from the deepest part of her heart, Patty has built up for the use and enjoyment of all those people who want to get closer to her music and find the peace and relaxed atmosphere that comes out from all her compositions. You will also find different influences in her music, that come from artists like Steve Earle, Bonnie Raitt and Bob Dylan she deeply loves and respects. Backed by a bunch of good musicians, Patty subtlety moves with dynamism along different aspects of various musical genres, and she does it with an amazing skill and a tasteful twist difficult to find in most of actual artists. The album brings smooth ballads but also rockin' blues and even metal soul. I can tell you this woman gathers an special talent so her music shines like a sunny spring morning. Patty Reese on vocals and acoustic guitar, Sonny Petrosky on bass, Andy Hamburger on drums, Jonathan Sloane on guitars together with guest musicians Tommy Lepson on keyboards, David Campbell on guitar in one song and Brian Simms on keyboards in another one round up a cool remarkable album, able to raise listeners spirits, specially if they are feeling down. VERY GOOD.

Kathy & The Kilowatts “Let’s Do This Thing!” Lectro Fine / Blind Raccoon 2017.
Cuando su familia se estableció en Texas, Kathy Murray no podía imaginar que el blues de aquella zona la iba a atrapar y enganchar tal como hizo. Allí descubrió el blues cuando solamente contaba dieciséis años junto a su hermano David que tenía catorce años de edad. Ambos se colaron una noche en el legendario club Armadillo y precisamente aquella noche tuvieron la suerte de ver y escuchar a Jimmie Vaughan. Desde aquel momento Kathy ya no fue la misma y desde entonces decidió dedicarse en cuerpo y alma a aprender a tocar el Texas blues y llevarlo a todas partes donde quisieran contratarla. Actualmente lleva ya varias décadas dedicada por entero al blues junto a su banda The Kilowatts con los que ha hecho realidad su sueño de tocar en todos los garitos que apuestan por ella y por su música. Ahora nos presenta este álbum con quince temas originales donde combina ‘grooves’ como en el tema “Lets Do This Think!”, con auténtico Texas blues en el estilo de Freddie King o Lightnin’ Hopkins en “Read ‘Em & Weep” y “One Lie Leads To Another”, e incluso se pueden descubrir influencias de Louisiana y México en “Beautiful Moments” o “These Lonely Hours” y también guiños a los Fabulous Thunderbirds en “Talking Out My Head” o “Love Came Knockin’’. Kathy Murray se revela como una más que notable vocalista y compositora y, bien arropada por su banda, conquistará los corazones de los aficionados al Texas blues más actual. MUY BUENO. When her family settled in Texas, Kathy Murray could not imagine Texas blues will so deeply catch her. In Austin she discovered the blues when she was only sixteen years old. One night she and her brother David only aged fourteen, managed to get into legendary Armadillo club where that particular night Jimmie Vaughan and other great musicians were playing. Since that lucky night Kathy totally changed her mind, so she decided to completely devote herself to learn to play Texas blues and bring it to any place people wanted to book her. Now and after decades entirely devoted to play blues with her band The Kilowatts, Kathy has made true her dream of playing in every club and venue which bet for her music. Her new album brings us fifteen original songs that combine grooves like the song "Lets Do This Think!", with the most genuine Texas blues in the path of Freddie King or Lightnin' Hopkins like in “Read 'em & Weep" and "One Lie Leads To Another”, and even you can find some Louisiana and Mexico influences in "Beautiful Moments" or "These Lonely Hours" or touches of The Fabulous Thunderbirds in "Talking Out My Head" or "Love Came Knockin''. Kathy Murray appears as a more than notable singer and songwriter who, `perfectly backed by her able band, will conquer the hearts of most Texas blues fans. VERY GOOD.

Vin Mott “Quit The Women For The Blues”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Vin Mott es un joven cantante y guitarrista proveniente de la zona de New Jersey que, con solo veintisiete años, se esfuerza en darse a conocer en el competitivo mundo del blues. Para ello Vin nos presenta su nuevo trabajo con diez composiciones propias donde intenta emular y reflejar el sonido de muchos de los bluesmen que le han influenciado como son James Cotton, Little Walter, Junior Parker, Muddy Waters, Howlin’ Wolf o Elmore James. Vin Mott, a la armónica diatónica, cromática y voz, está respaldado por Sean Ronan a la guitarra, Dean Shot al bajo y contrabajo y Andrei Koribanics a la batería. Este cuarteto da forma a un álbum donde prevalecen los verdaderos sonidos vintage de los años cincuenta con una serie de blues que suenan ásperos, profundos y sucios. Su estilo tradicional entroncado con el blues del estilo Chicago ‘south side’, hará las delicias de los aficionados a este sonido, un sonido que, a pesar del tiempo transcurrido desde su nacimiento, nunca ha pasado ni pasará de moda y seguirá satisfaciendo al oyente, sobre todo si está bien interpretado como es el caso de nuestro hombre y los músicos que le acompañan pues, no sólo conocen el Chicago blues al dedillo, sino que también saben conquistar el corazón de los aficionados al género. MUY BUENO. Vin Mott is a young singer and guitar player coming from New Jersey. Only aged twenty-seven, he is working hard to become well known in the competitive blues world. Now Vin `presents a new album with ten own compositions where he attempts to follow the traces and reflect the original sound of those bluesmen who have deeply influenced him like James Cotton, Little Walter, Junior Parker, Muddy Waters, Howlin' Wolf or Elmore James. Vin Mott sings and plays chromatic and diatonic harmonica and is backed by Sean Ronan on guitar, Dean Shot on bass and double bass and Andrei Koribanics on drums. This four musician band gives shape to an album where real 50’s vintage sounds prevail, along a bunch of blues songs that sound raw, dirty and low down. Their traditional style deeply rooted in Chicago south side blues will delight most fans, recreating a sound that, despite many years have gone passing by since the moment it was born, will never disappear and still continues giving pleasure and satisfaction to most blues listeners, especially if it is well performed as is the case of Vin Mott and the rest of musicians who back him as, not only they deeply know Chicago blues, but they also will certainly catch and go deep into all hearts of ‘windy city’ blues fans. VERY GOOD.

Hurricane Ruth “Ain’t Ready For The Grave” Self Production / Blind Raccoon 2017.
En este su cuarto álbum la cantante Hurricane Ruth  se entrega con sus cinco sentidos y muy buen criterio al servicio de la música, además de mostrar toda su determinación sin complejos de ningún tipo. Según sus propias palabras ya no es una joven que lucha por hacerse un lugar en el negocio del blues o del rock, pero siente que todavía tiene que mucho que decir antes de irse al otro barrio. Desde luego también puedo asegurar que Ruth no tiene que irse todavía de este mundo, y que tiene mucho y bueno que ofrecer y aún es medianamente joven. Indudablemente Hurricane Ruth es una de las voces con más proyección, fuerza, emotividad y arrojo que corren hoy día puede uno encontrar. Pequeña en estatura, pero grande en alma, entrega y sentimiento, su voz se convierte en un mágico y brutal torbellino de la naturaleza que dejará al oyente boquiabierto, su desgarrada y poderosa voz es una autentica apisonadora capaz de dejarnos sin sentido. Doce jugosas y potentes canciones en las que la voz de Ruth sobresale comunicando vitalidad y emotividad a raudales. En el disco Ruth está acompañada por Pat Buchanan y Rob McNelley a las guitarras, Reese Wynans a los teclados y B-3, Michael Rhodes al bajo, Tom Hambridge a la batería y The McCrary Sisters y Wendy Moten a las voces. Un gran álbum de una enorme diva que no puedes dejar escapar, que te atrapará con sus blues para que no salgas vivo de esa red que sabe tejer con hilos de oro. BUENISIMO. In this fourth album singer Hurricane Ruth delivers with her five senses and very good criteria to the music she loves, showing all her biggest determination. According to her own words, she is no longer is young woman who fights to get a place in blues or rock market, but she still feels she has many things to say before going to the graveyard. I totally agree, Ruth has to remain many years in our world, because she has lots of good things to give us and, besides, she is still fairly young. Hurricane Ruth is one of the voices with more impact, strength, sensitivity and courage one can find nowadays. Small in stature but big in soul, delivery and feeling, her voice becomes a magic thrilling whirlwind, a force of nature that will leave the listener astonished, her powerful heartbreaking voice is like a steamroller able to knock you out. Twelve juicy powerful songs, where Ruth’s voice stands out with an amazing vitality and passion. The musicians who back Ruth are  Pat Buchanan and Rob McNelley on guitars, Reese Wynans on keyboards and B-3, Michael Rhodes on bass, Tom Hambridge on drums and The McCrary Sisters and Wendy Moten on backing vocals. This is an incredible album by an incredible diva that will immediately catch and bewilder you with all her blues that will not let you to get out alive of the net she spins with gold threads. GREAT.

Professor Louie And The Crowmatix “Crowin’ The Blues”. Woodstock / Blind Raccoon 2017.
Professor Louie And The Crowmatix han vuelto a encerrarse en un estudio para grabar en directo y en sólo tres días, su álbum número trece. Esta vez han decidido sumergirse en el origen de muchas de las grandes canciones del American Song Book del rhythm and blues de Texas y Chicago, dándoles un tratamiento y un estilo propio y original, con esa magia y encanto tan personal que el Professor Louie siempre sabe imprimir a todos los temas que interpreta. Canciones como “I’m Gonna Play The Honky Tonks” de Marie Adams, “High Heel Sneakers”, un clásico del blues compuesto por Robert Higginbotham, “Bright Lights Big City’” de Jimmy Reed, “Why Did You Do That To Me” de Big Bill Broonzy, “Fine Little Mama” de Elmore James o “That’s Alright” de Jimmy Rogers, junto al resto de las que interpretan en el álbum cobran nueva vida en las manos de esta espléndida banda que atesora una especial habilidad y un gusto exquisito al interpretar esta música tan apasionante. El grupo está compuesto por Professor Louie a la voz, acordeón, piano y órgano, Miss Marie voz, piano y percusión, Gary Burke batería y percusión, Frank Campbell bajo y voces, John Platania guitarra eléctrica y acústica, Josh Colow guitarra solista y Michael Falzarano guitarra en un tema. Una banda que suena de lujo y que con toda seguridad alimentará de forma deliciosa nuestro cuerpo y nuestra alma, dejándonos a todos completamente satisfechos durante un largo tiempo. BUENISIMO. Professor Louie And The Crowmatix have gone back to the studio to produce a live album, the thirteenth one in their musical career, they only recorded in three days. This time they decided to look in the American Song Book for the originals of many Texas and Chicago rhythm & blues songs, to rebuild them with great originality and the special magic charm Professor Louie always gives to all songs he performs. Songs like "I'm Gonna Play The Honky Tonks" coming from Marie Adams, "High Heel Sneakers", a classic blues composed by Robert Higginbotham, "Bright Lights, Big City'" by Jimmy Reed, "Why Did You Do That To Me" by Big Bill Broonzy, "Fine Little Mama" by Elmore James or "That's Alright" by Jimmy Rogers, together with the other tunes included in the album, get a new life in the hands of this splendid band which gathers an special skill and exquisite taste to perform this really exciting music. The band musicians are Professor Louie on vocals, accordion, piano and organ, Miss Marie on vocals, piano and percussion, Gary Burke on drums and percussion, Frank Campbell on bass and vocals, John Platania on electric and acoustic guitar, Josh Colow on lead guitar and Michael Falzarano on guitar in one song. This is a deluxe band which will surely feed your body and soul with delicious dishes that will completely satisfy you for a very long time. GREAT.

Geoff Achison “Another Mile, Another Minute” Jupiter 2 Records / Rick Lusher 2017.
Australia es sin duda uno de los países que aporta más músicos de calidad al panorama del blues internacional. Uno de ellos es Geoff Achison que ahora vuelve al mercado discográfico después de un silencio de más de diez años sin haber editado nada, y lo hace con un nuevo trabajo bajo el brazo que se convierte en su disco número catorce. Con material fresco y jugoso de nueva factura y respaldado por su banda habitual The Souldiggers además de un puñado de invitados, Geoff reaparece con fuerza inspirándose en algunos de los nombres legendarios del blues y el soul para crear una atmósfera y un estilo propio en donde mezcla con acierto el blues, el rock, la música Indie, el funk y el folk. Con todos estos ingredientes en la cabeza, este cantante, compositor y guitarrista desmenuza con acierto un discurso claro, sabroso y efectivo en un total de catorce canciones. El álbum nos da también la oportunidad de comprobar que, durante todo este tiempo de sequía, Achison ha madurado como compositor y productor, dejando tras de si la estela del trabajo bien hecho. MUY BUENO. Certainly Australia is one of the countries which usually contributes to the blues scene with a large amount of quality musicians. One of them is Geoff Achison who, after a silence of more than ten years without a single album, now comes back to the record market with his new work on hands, the fourteenth one in his career. With fresh juicy new material and backed by his usual band The Souldiggers and a handful of guest musicians, Geoff appears again with force, getting inspiration in some of those blues and soul legendary names but, at the same time, creating a special atmosphere and a personal style blended with blues, rock, indie, funk and folk. With all these ingredients on mind, this singer, guitar player and songwriter develops a clear, tasty an effective speech along the fourteen album songs. The album will also give us the opportunity to realize that, during this long period of silence, Achison has matured as composer and producer, leaving behind him the trail of a well done work. VERY GOOD.

Little Hook “Little Hook”. Naked 2017.
Muchas bandas europeas están descubriendo en estos últimos años los sonidos primigenios del blues que saben combinar con el rock contemporáneo en un atractivo y bien desarrollado discurso. Este es el caso de la banda belga Little Hook que, en este su primer disco, se presentan dispuestos a revolucionar el panorama del blues mas atrevido y experimental, gracias a una música y un estilo original, curioso, diferente y explosivo, donde combinan sus diversas influencias musicales que van desde el Mississippi Hill Country Blues hasta la ‘chanson’ francesa, las baladas rock e incluso se acercan al más actual ‘swamp indie pop’, todo ello realizado de una manera formal no exenta de un cierto y ambiguo exhibicionismo, además de una interpretación y una intencionalidad que nos retrotrae a la música y el sonido del rock de los años setenta y ochenta. Little Hook es una banda con una excepcional energía capaz de enganchar al oyente facilidad, así que prepárate y déjate llevar por las guitarras asesinas de Renaud Lesire y Bart Mulders, la hiriente armónica de Big Dave Renierds, la original voz del propio Renaud y el beat que no ceja de dar cancha a los números musicales que se suceden en un explosivo devenir de mágicos fuegos de artificio a cargo del batería y percusionista Steve Wouters. MUY BUENO. In recent years many European bands have discovered those old blues sounds, they manage to combine with contemporary rock in an attractive well developed speech. This is the case of Belgian band Little Hook which, in this first album, introduce themselves as a new band ready to turn upside down the most daring experimental blues scene, thanks to an original different and explosive musical style, where they combine their diverse musical influences, from Mississippi Hill Country Blues to the French chanson, rock ballads and even they get closer to the most actual swamp indie pop, performed in a formal way that includes a certain ambiguous exhibitionism, besides an style and a purpose that take us back to the 70’s and 80’s rock. Little Hook shows an exceptional energy able to immediately catch listeners, so get ready and let yourself be driven by the killing guitars of Renaud Lesire and Bart Mulders, the heartbreaking Big Dave Renierds’ harmonica playing, the original voice of Renaud Lesire and the beat that comes in every song like an explosive magic fireworks by drummer and percussionist Steve Wouters. VERY GOOD.

Tinez Roots Club “Have You Heard?!”. Rootz Rumble 2017.
La escena musical europea goza cada vez de mejor salud. Últimamente estamos encontrando un sinnúmero de bandas y artistas de un alto nivel de calidad capaces de sorprender a las audiencias más exclusivas y exigentes. Este es el caso de los Tinez Roots Club quienes, después de dos años de silencio, vuelven para presentarnos ahora su tercer álbum, un trabajo en el que todo el peso de la banda recae en el buen hacer de la sección de vientos y en el Hammond, puesto que el grupo no incluye ni guitarra, ni tampoco bajo. Grasiento rhythm and blues, bailable swing, pesados grooves y auténtico rock ‘n’ roll conforman un repertorio de trece temas originales, divertidos y bailables capaces de hacer estremecer de satisfacción a cualquiera de los oyente, con el que nos transportan a aquellos salones de baile de la América de los años cuarenta y cincuenta, donde el ritmo mas endiablado estaba a la orden del día, y que conseguían hacer disfrutar a la generación mas joven de aquella época. Igual que sucedía en aquellos años dorados, Martijn ‘Tinbez’ Van Toor a la voz y el saxo tenor, Evert Hoedt al saxo barítono, Rob Geboers al Hammond y Andreas Robbie Carree a la batería conseguirán levantaros de vuestros cómodos asientos para bailar… bailar y bailar… MUY BUENO. European music scene is gradually increasing its good health. Lately we are facing a good number of high quality bands and artists able to surprise the most exclusive and demanding audience with their amazing musical level. This is the case of Tinez Roots Club, a band which, after two years of silence, now come back to present their third recording, where all the music burden is focussed in the amazing work of the horn section and Hammond, as the band does not include neither guitar nor bass. Greasy rhythm and blues, dancing swing, hard grooves and genuine rock 'n' roll round up a repertoire with thirteen original funny dancing songs able to give all listeners a thrilling satisfaction and drive us to those 40’s and 50’s America dance halls, where the fast dancing rhythm prevailed and gave happiness and joy to the younger generation of that time. As happened in those golden years, Martijn 'Tinbez' Ohri on vocals and tenor sax, Evert Hoedt on baritone sax, Rob Geboers on Hammond and Andreas Robbie Carrée on drums will get you up from your comfortable seats to dance… dance and dance… GREAT

Big Time Bossmen “Working On A Plan”. Rootz Rumble 2017.
Big Time Bossmen es otra de esas bandas del panorama europeo que emergen con fuerza en el panorama musical de Bélgica con un poderío inusitado que sorprenderá gratamente al buen aficionado. Formados en el año 2012 como un grupo de rockabilly, han ido evolucionando y abriendo horizontes musicales, incorporando a su música elementos del blues, el swampy rock, el soul, el funk e incluso algunos guiños y devaneos del rock. Todo ello les ha llevado a desarrollar un sonido propio y exquisito que les diferencia de otras bandas de similares características, además de conseguir una buena comunicación con el público que asiste a sus conciertos. Su música es fresca y desenfadada con excelentes intervenciones de su cantante. A lo largo de su carrera han desarrollado un extenso y variado repertorio que ahora condensan en las trece canciones que componen este álbum donde David Bauwen a la voz, armónica y guitarra rítmica, Piet Vercauteren a la guitarra solista, Bruno Dierick al bajo y contrabajo y Rien Gees a la batería muestran todo el gran potencial de esta banda que, a pesar de su juventud, tiene mucho que aportar. Estoy seguro de que el aficionado que los escuche no quedará defraudado. MUY BUENO. Big Time Bossmen is another of those bands which burst with force in Belgian and European music scene and they do it with an unusual power and feeling that will pleasantly surprise at good music fans. Formed in the year 2012 as a rockabilly band, they have evolved and open new musical horizons, incorporating different elements of blues, swamp rock, soul, funk and even some rock drops, which has led them to develop an own exquisite sound that makes them different from other similar bands, besides getting a good communication with the audience who go to their live shows. Not only their music is cool and casual but also singer contribution deserves to be mentioned. Along their career, the band has developed an extensive varied repertoire that now summarize into the thirteen songs that make up this album, where David Bauwen on vocals, harmonica and rhythm guitar, Piet Vercauteren on lead guitar, Bruno Dierick on bass and double bass and Laugh Gees on drums show the huge potential of a band which, in spite of their youth, have many things to say. I am sure good music lovers will not get disappointed if they listen to them. VERY GOOD.

Mick McConnell “Under My Skin”. Stuff Music / GFI Promotions 2017.
Atrás queda aquel tiempo en el que con solo once años Mick McConnell fue con su padre a una tienda de instrumentos para recibir como regalo una guitarra eléctrica. Aquel regalo cambió completamente su vida ya que, a partir de entonces empezó a aprenderse de forma autodidacta los riffs y los solos de los discos de blues de la colección de su hermano mayor. Sus comienzos fueron humildes, Mick actuaba en pequeños clubs de la zona de Leeds y participaba en festivales locales, incluso dormía en la misma furgoneta que les transportaba a las actuaciones durante una gira que por Alemania hace ya muchos años. Desde entonces todo ha cambiado radicalmente para Mick. Después de cuarenta años de carretera se ha convertido en un artista muy solicitado para actuar en festivales de renombre, grandes estadios y clubs de primera línea. El nivel que ha alcanzado le permite volver con solvencia y autoridad a sus primeras influencias, el blues, una música por la que siempre se ha sentido atraído. Ello no significa que este álbum sea un fiel reflejo del blues de doce compases sino que simplemente que se asienta sobre unas bases con aires bluesísticos. MUY BUENO. Many years have gone from that time when, only aged eleven, Mick McConnell went one day with his father to an instruments store to receive an electric guitar as a present. This guitar completely changed his life as, since that particular moment, he began to learn by himself all riffs and solos of the blues albums his older brother had in his record collection. His first steps in music were quite humble, he played in small clubs in Leeds area or participated in local festivals and he even slept in the same van he drove during a tour in Germany. But now everything has completely changed for Mick. After forty years on the road, he has become a requested artist to play in renowned festivals, great stadiums and well known clubs. The level he has got allows him to come back with reliability and authority to his early influence, the blues, a music genre that has always attracted him. This does not mean this album includes strictly twelve-bar blues but it simply means that is firmly based in bluesy structures. VERY GOOD.

Marty Manous “Know My Name”. Lucky Street Music / GFI Promotions 2017.
Marty Manous pertenece a esa pléyade de guitarristas, cantantes y compositores que en esta época tanto abundan en la escena del blues británico y por extensión también en la escena europea. Su estilo se basa en el indie rock además del blues. Asimismo en su música hay destellos e influencias de Jimi Hendrix, Joe Bonamassa, Steve Vai o Joe Satriani. Este es su segundo álbum en el que, además de Marty Manous a la guitarra y voz, también se encuentran Joe Morgan a los teclados, Mark Wilson al bajo, Sean O’Rourke a la batería y Sketch Ellis a la percusión. En todos sus conciertos se percibe esa rara habilidad que Marty posee para transmitir emociones, además de cautivar a su público con su original puesta en escena, quemando todos sus cartuchos y emulando con destreza a todos aquellos legendarios maestros de la guitarra que durante años fueron sus héroes. Lo que escribo queda perfectamente corroborado en las diez canciones de este disco, todas ellas sabiamente desarrolladas y que se convierten en un fiel reflejo de lo que nuestro hombre es capaz de mostrar con habilidad, técnica y solvencia ante su cada día más numerosa audiencia. MUY BUENO. Marty Manous belongs to that distinguished group of guitarists, singers and composers who nowadays extensively invade British blues scene and also jump to European stages. His style is based in rock with power blues influences. In his music you will also find a touch of Jimi Hendrix, Joe Bonamassa, Steve Vai or Joe Satriani. This is his second album where, besides Marty Manous on guitar and vocals, you will also find Joe Morgan on keyboards, Mark Wilson on bass, Sean O'Rourke on drums and Sketch Ellis on percussion. In every live show people will immediately realize the uncommon ability Marty has to communicate a deep emotional feeling, as well as captivate audiences with his original stage presence, giving the best of himself and skilfully emulating those legendary guitar masters who for years have been his heroes. All his undeniable qualities can be discovered along the ten songs included in the album, which are wisely developed and truly reflect what Marty is able to cleverly bring with an amazing technique and solvency to his daily increasing audience. VERY GOOD.

Sleepy Roosters “Chicago Roosters”. Habitación 101 2017.
Sleepy Roosters son una banda de blues madrileña formada en el año 2013. Desde entonces han tocado en diversas salas y bares de la capital, además de participar en algunos festivales a nivel nacional. El grupo se formó gracias a la unión de tres músicos apasionados por el blues de Chicago de posguerra. En junio de 2013 grabaron un EP y ahora nos presentan su primer disco completo en el que intentan recrear y emular el genuino blues de aquellos años cincuenta y sesenta con pasión y fidelidad no solamente en la música sino también en el sonido vintage. El álbum se grabó en una sola sesión tal y como mandan los viejos cánones del blues tradicional, interpretando todos los temas en directo, en una sola toma  y tocando todos al unísono, contando con la colaboración de los Strats, una sección rítmica formada por Ricky Avila y Adrián Carrera dos músicos curtidos en los circuitos y la escena del blues madrileño. Junto a ellos se encuentran Sergio ‘Brown Sugar’ Fernández a la voz, Iñaki Moreno a la guitarra y Nono Mellado a la armónica. Un total de diez clásicos de Sonny Boy Williamson, Muddy Waters, Jimmy Rogers, Willie Dixon o Howlin’ Wolf entre otros componen un disco bravo y voluntarioso que aportará momentos muy agradables a todos aquellos aficionados españoles que apuesten por escucharlos. Aunque no se les puede calificar como espectaculares, sí muestran un interesante nivel de calidad. MUY BUENO. Sleepy Roosters are a Madrid blues band formed in year 2013. Since then on they have played in lots of clubs and bars of the Spanish capital, besides participating in some festivals at a national level. The group was formed by three Chicago post-war passionate musicians. In June 2013 they recorded an EP and now they present their first full album where they faithfully recreate and pay homage with passion and commitment to 50’s and 60’s genuine blues, not only with the music, but also with the vintage sound they give us. The album was recorded in one session, as was usual in traditional old time blues recordings, performing all together with not cuts or alternative takes, with the collaboration of The Strats, a rhythm section including Ricky Avila and Adrian Career, two experienced musicians of Madrid blues scene. The band leaders are Sergio 'Brown Sugar' Fernandez on vocals, Iñaki Moreno on guitar and Nono Mellado on harmonica. Ten classic blues songs coming from Sonny Boy Williamson, Muddy Waters, Jimmy Rogers, Willie Dixon or Howlin' Wolf among others, round up a brave wishful album that will provide very pleasant moments to all those fans who bet for them. Although they do not intend to be spectacular, they really have an interesting quality level. VERY GOOD.

Alex Thomas “Sure” Rock+CD 2017.
Con sólo doce años nuestro hombre empezó a tocar la guitarra y como esto de la música parecía que iba en serio y cada vez le atraía más, decidió estudiar guitarra en el Aula de Música Moderna y Jazz de Barcelona y mas tarde en el Taller de Musics, escuela donde acabó de perfeccionar sus conocimientos y su técnica. Dicen las malas lenguas que Alex estuvo trabajando en una de las tiendas legendarias de música de Barcelona durante los años ochenta, me refiero al Rock Avenue que por aquellos años estaba ubicada en la Avenida De La Luz, una galería comercial subterránea bajo la calle Pelayo y Plaza de Cataluña hoy ya desaparecida. Después de fundar el grupo Mess, en el año 90 montó otra banda llamada Hat Trick Rock con los que, entre 1994 y 1997, grabó un par de discos. Después de esto decidió abandonar la música por motivos personales volviendo de nuevo a la escena hace unos cuatro o cinco años. Ahora este cantante, compositor y guitarrista nos regala un trabajo con quince temas fruto de sus introspecciones mas intimas y reflexivas adornado todo con unos sonidos limpios, acústicos y cristalinos todos ellos dentro de un muestrario que abarca influencias del pop, el funk, el rock, el folk y el soul, sin dejar de lado algunos toques con un regusto jazzy. Un álbum interesante lleno de buenas y fragantes apuestas musicales. MUY BUENO. When he was only twelve years old, our man began to play guitar and as he felt music seemed to be a serious thing for him and gradually attracted him more, he decided to start guitar classes at the Aula de Musica Moderna & Jazz in Barcelona and later on he also went to Taller de Músics, where he polished and refined his knowledge and technique. Some people say that, during the 80’s, you could find Alex working in one of the legendary Barcelona music shops, Rock Avenue, that in those years was located at the Avenida de la Luz, a disappeared shopping underground gallery between Pelayo street and Plaza de Catalunya. After creating the group Mess, in 1990 he founded another band called Hat Trick Rock and between 1994 and 1997, he recorded a couple of albums with them. Finally for personal reasons he decided to leave the music aside but four or five years ago he has decided to come back. Now this singer, songwriter and guitarist presents his new work with fifteen songs which are the fruit of his most mature and intimate thoughts, embroidered with some clean crystal acoustic sounds, in a rich variety that includes influences of pop, funk, rock, folk and soul, without leaving aside some jazzy touches. This is an interesting album full of good aromatic musical proposals. VERY GOOD.

Adrianna Marie And Her Roomful Of All-Stars “Kingdom Of Swing”. Vizztone 2017.
Adrianna Marie And Her Roomful Of All-Stars nos transportan con su música a aquellos clubs de los años cuarenta
en los que se interpretaba un glamouroso swing entre copas de champagne y el humo de los cigarrillos. Su música es sofisticada y colorista y en todo momento Adrianna sabe bien como introducir el jazz en el blues y el blues en el jazz. Este álbum ha sido producido por Duke Robillard e incluye una extensa lista de grandes músicos como son Al Copley, L.A. Jones, Doug James, Rich Lataille, Mark Earley, Doug Woolberton, Junior Watson, Brian Fahey, Kedar Roy, Bob Corritore y el propio Duke Robillard. Todos ellos dan cuerpo y presencia a la magnifica voz de esta cantante que se impone con elegancia y tablas en un repertorio sabiamente escogido. La música escrita sobre figuras de saxo, piano, trompeta, guitarra y otros instrumentos solistas surge perfectamente apoyada sobre unos metales que ayudan a mantener el ritmo y el swing, construyendo ricos y ampulosos fondos musicales para que los instrumentos solistas se luzcan, es decir, los arreglos de metales templan con gusto unas armonías de enorme belleza sonora. Como es fácil de imaginar, todos los músicos consiguen crear una atmósfera efectiva y sumamente intensa para redondear un álbum soberbio y realmente genial. BUENISIMO. With her music Adrianna Marie And Her Roomful Of All-Stars drives us to those 40’s clubs where the most glamourous swing was performed among champagne glasses and cigarettes smoke. Her music is sophisticated and colourful as Adrianna knows well to introduce jazz in blues and blues in jazz. This album has been produced by Duke Robillard and includes an extensive list of great musicians like Al Copley, L.A. Jones, Doug James, Rich Lataille, Mark Earley, Doug Woolberton, Junior Watson, Brian Fahey, Kedar Roy, Bob Corritore and, of course, Duke Robillard himself. All of them give shape and presence to the magnificent voice of Adrianna Marie which outstands with elegance and stage presence along a cleverly chosen repertoire. The music is build up over sax, piano, trumpet, guitar and other solo instruments figures and is perfectly supported by powerful horn arrangements which help to keep the amazing swing and rhythm, as well as developing rich sophisticated musical backgrounds to make solo instruments shine, that is to say, horn arrangements tastefully temper the most beautiful harmonies. With all these elements you may easily imagine all musicians get to create an effective and extremely intense atmosphere that rounds up a superb album. GREAT.

Billy Price Band “Alive And Strange”. Nola Blue / Vizztone 2017.
Desde principios de los años setenta el cantante Billy Price ha cautivado a las audiencias de los cinco continentes gracias a sus cualidades vocales llenas de fuerza, intensidad, colorido y pasión. Memorables han sido sus trabajos junto a Roy Buchanan y Otis Clay. Este es el álbum número quince de su carrera profesional, un disco en el que junto a su banda nos deleita y conmociona a través de once temas en una sucesión del más ecléctico y actual blues, rhythm and blues, funk y trepidante soul. Aparte de un par de temas que Billy ha coescrito, el álbum contiene algunos covers de algunos de los mas grandes iconos del género como William Bell, Percy Mayfield, James Brown o Magic Sam, versión que borda cuando ataca aquel blues suyo titulado “What Have I Done Wrong”. El disco se grabó con Billy arropado por más de diez músicos durante una actuación en directo frente a un público completamente entregado que sin duda disfrutaron tanto como lo estamos haciendo nosotros desde nuestra mesa del escritorio escuchando esta excelente grabación. Las llamaradas musicales que afloran a lo largo de todos los temas ayudan a mantener vivo el pulso y el beat, poniendo siempre el acento en el lugar que le corresponde. Otro disco inmenso que no puedes dejar pasar por alto bajo pena de expulsión. BUENISIMO. Since the beginning of the 70’s, singer Billy Price has captivated audiences all over the world, thanks to his vocal qualities that always appear full of strength, intensity, colour and passion. Unforgettable was his work with Roy Buchanan and Otis Clay. This is the fifteenth album of his career, a recording where, together with his band, he delights us with eleven songs on a series of the most eclectic actual blues, rhythm and blues, funk and soul. Besides a couple of songs Billy has co-written, the album includes covers of different songs coming from greatest legends such as William Bell, Percy Mayfield, James Brown or Magic Sam, this last one with an incredible version of the tune "What Have I Done Wrong". The album was recorded with Billy surrounded by more than ten musicians during a live show in front of a totally enthusiastic devoted audience who certainly enjoyed it as much as I am enjoying it now sitting in front of my desk table listening to this excellent recording. The musical flames that come from every song help to keep alive the beat putting always the stress in the right place. This is an amazing album you cannot overlook without penalty of sanction. GREAT.

The Duchess Jureesa McBride “Personal Love Vendetta” JSS Records 2017.
Con este álbum que incluye únicamente seis temas “The Duchess” Jureesa McBride intenta abrirse nuevos mercados en los círculos del soul y el rhythm & blues fuera del area de Vicksburg, Mississippi, donde ella es bien conocida. Para ello ha realizado este disco en el que prácticamente toda la música está pregrabada y en el que Jureesa pone su voz, mostrando una gran amplitud de matices y registros. Para quienes no la conozcan decir que su música y su voz siguen la estela de grandes artistas como Benny Latimore, Denise LaSalle, Koko Taylor, Etta James o Tina Turner. Su repertorio es amplio y variado, abarcando desde el blues al soul, sin olvidar el rhythm & blues, el funk o la dance music. Esta pequeña joya nos permite descubrir a una excelente cantante, dotada de una gran clase y poderío vocal, que en directo se convierte en una intérprete de gran dinamismo que domina el escenario y comunica toda su enorme técnica vocal e intenso feeling. Para los aficionados a los que gustan de esas voces jugosas, sensuales y llenas de carisma, Jureesa McBride es una cantante a tener muy en cuenta. MUY BUENO.
. With this album with only includes six songs, "The Duchess" Jureesa McBride tries to open new horizons in soul and rhythm & blues circles outside Vicksburg area in Mississippi, where she is well known. To do so she has published this recording where almost all the music has been pre-recorded and Jureesa only puts her voice, showing a wide range of vocal registers and nuances. For those who are not familiar with her, only say her music and voice follow the path of those great artists like Benny Latimore, Denise LaSalle, Koko Taylor, Etta James or Tina Turner. Her repertoire is wide and varied, ranging from blues to soul, without forgetting rhythm & blues, funk or dance music. This small treasure let us discover an excellent singer, gifted with a first class vocal power who, in her live shows, appears as and artist of great dynamism and stage presence who always communicates all her enormous vocal technique and intense feeling. For fans who like juicy, sensual and charismatic voices, Jureesa McBride is a singer to be taken into account. VERY GOOD.
 

JUNIO 2017 / JUNE 2017

Various Artists “International Blues Challenge # 32”. The Blues Foundation / Frank Roszak 2017
Cada año y a finales de enero se celebra en Memphis el International Blues Challenge organizado por la Blues Foundation, evento que reúne a un sinfín de músicos provenientes de todos los rincones de los Estados Unidos, así como del resto del planeta. Concretamente el pasado año 2016 se presentaron doscientas cincuenta y siete formaciones con más de novecientos músicos, algo totalmente inusual para cualquier otro concurso que no sea el que organiza la Blues Foundation. El álbum es fruto de la colaboración surgida entre el publicista Frank Roszak y la Blues Foundation. En el disco se encuentran nueve de los artistas que consiguieron llegar a la final del pasado International Blues Challenge en las dos categorías establecidas ‘solo/dúo’ y ‘bandas’. La grabación se convierte en una excelente muestra de algunos de los participantes mas sobresalientes del pasado concurso, por ello el álbum se nos revela como un disco representativo de la enorme calidad y el nivel de sus finalistas. En este álbum te encontrarás con músicos y grupos que quizás ahora no conozcas demasiado, pero que, a buen seguro, muchos de ellos empezarán a ser más populares entre los aficionados al blues y que sin duda tienen un prometedor futuro por delante. Los nombres de los seleccionados para éste álbum son Paul Deslauriers Band, Innervision, Sonny Moorman, The Norman Jackson Band, Trey Johnson And Jason Willmon, Héctor Anchondo Band, Bing Futch, Dave Muskett y Ben Hunter And Joe Seamons. Una muestra de lo nuevo y mejorcito que se puede encontrar en la actualidad dentro del género que nos cautiva.
MUY BUENO. Every year in January, The International Blues Challenge takes place in Memphis organized by the Blues Foundation, an event that brings together an endless list of musicians coming from all places in United States as well as from all over the world. In 2016 edition there were two hundred fifty seven participants with more than nine hundred musicians, something inconceivable for any other challenge except for an organisation like The Blues Foundation. The album is the result of the fruitful collaboration between publicist Frank Roszak and The Blues Foundation and presents nine of the artists who managed to reach the final of the International Blues Challenge in the two established categories 'solo/duo' and 'bands'. The recording becomes an excellent way to introduce some of the most outstanding participants of the past challenge and let us discover the impressive quality and high level of the finalists. In this album you will find musicians and groups that probably you are not familiar with, but most of them will surely become popular among blues fans that, after reaching the IBC final, they certainly have now a promising future ahead. The names of the selected ones to be included in the album are Paul Deslauriers Band, Innervision, Sonny Moorman, The Norman Jackson Band, Trey Johnson and Jason Willmon, Hector Anchondo Band, Bing Futch, Dave Muskett nd finally Ben Hunter And Joe Seamons. The recording becomes a good example of the new and good pool of players you will be able to find now in the style we deeply love. GREAT.

Big Daddy Wilson “Neckbone Stew”. Ruf Records 2017.
Escuchando a Big Daddy Wilson nadie diría que Wilson no descubrió el blues hasta principios de los ochenta y que fue precisamente en Alemania donde quedó fascinado por esta música. Wilson había nacido en Edenton, Carolina del Norte, en el seno de una familia muy pobre. Su madre y su abuela le llevaban todos los domingos a cantar en la iglesia para de este modo intentar alejarle de las drogas y de las malas compañías. En 1979 Big Daddy Wilson decidió huir de la pobreza y la penuria alistándose en el ejército, siendo destinado a Alemania. Como ya he dicho allí descubrió el blues y, a pesar de su timidez, decidió dedicarse a la música y al blues en particular. A partir de ese momento Wilson se ha ido forjando un nombre y una reputación que gradualmente ha ido en aumento, tanto es así que la compañía Ruf Records ha apostado fuerte por este excelente vocalista. Este álbum es un buen ejemplo del crecimiento personal de este artista y en él se dan la mano todos los sabores de la música sureña en una competente combinación de blues, gospel, roots, soul y reggae. Nuestro hombre está respaldado por Pablo Legramandi al bajo y Cesare Nolli a la guitarra, teclado, batería y percusión, además de un puñado de invitados entre los que sobresalen Eric Bibb y Ruthie Foster. En todos estos estilos Wilson se siente cómodo y capaz, permitiéndonos apreciar los excelentes registros y variaciones vocales que posee, que son amplios y diversos.
MUY BUENO. Listening to Big Daddy Wilson no one would say Wilson did not discover the blues until the early 80’s in Germany where he became totally fascinated with blues. Wilson was born in Edenton, North Carolina on a very poor family. Every Sunday his mother and grandmother took him to sing at church trying to keep him out of drugs and bad companies. In 1979, Big Daddy Wilson decided to escape from poverty. He enrolled in the army and he went to Germany. As said, in that country he discovered the blues and, in spite he was rather shy, he decided to devote his life to music and especially to the blues. Since then on, Wilson has got a name and a reputation that has gradually increased, so now Ruf Records has bet for this amazing singer with this recording. This album is a good example of Wilson’s personal growth, where you will discover all southern music flavours in a clever combination of blues, gospel, roots, soul and reggae. Our man is backed by Paul Legramandi on bass and Cesare Nolli on guitar, keyboard, drums and percussion, plus a handful of good guest musicians like Eric Bibb or Ruthie Foster. Wilson feels comfortable in all mentioned styles, showing his skills to let us appreciate the excellent vocal tones and the colourful voice variations, which are broad and diverse. GREAT.

Ina Forsman - Layla Zoe - Tasha Taylor “Blues Caravan 2016”. Ruf Records 2017.
La compañía alemana Ruf propiedad de Thomas Ruf suele reunir anualmente a algunas de las figuras destacadas del panorama del blues más actual. En esta ocasión y bajo el epígrafe de Blues Caravan, Blue Sisters ha reunido a tres de las mejores vocalistas femeninas de nueva hornada como son desde Finlandia Ina Forsman, Layla Zoe desde Canadá y Tasha Taylor desde Estados Unidos. Las tres combinan sus magníficas y potentes voces de amplio espectro en dieciséis bien seleccionadas canciones. Ina Forsman es una artista emergente que se ha formado bajo los auspicios del virtuoso armonicista Helge Tallqvist. Por su parte Tasha Taylor aprendió todos los secretos, matices y recursos vocales de la música negra de la mano de su progenitor Johnnie Taylor, uno de los artistas punteros del catálogo Stax de los años setenta. Finalmente la canadiense Layla Zoe se ha curtido en infinidad de actuaciones por bares y clubs locales del área de Toronto, y a nivel internacional, ha participado con un mas que respetable éxito en el Festival de Montreux, además de tocar con asiduidad en el Rockpalast. Tanto en solitario como conjuntamente, las tres cantantes muestran su amplitud de combinaciones vocales y la compenetración entre ellas en los temas en los que intervienen juntas. Un mas que apreciable cd acompañado por un soberbio dvd también grabado en directo que contiene la nada desdeñable cantidad de veintiséis canciones. Mencionar también que la banda que las acompaña suena de primera realzando más si cabe las excelentes voces de estas tres divas del siglo XXI.
MUY BUENO. Every year German label Ruf Records owned by Thomas Ruf uses to gather some of the outstanding names of actual blues scene. This time and under the name of Blues Caravan, Blue Sisters, Tom has brought together three of the best new generation female singers. From Finland comes Ina Forsman, Layla Zoe comes from Canada and Tasha Taylor from United States. These three women perfectly combine their magnificent and powerful voices and wide registers in sixteen well-selected songs. Ina Forsman is an emerging artist who has grown up under the clever guidance of virtuoso harmonica player Helge Tallqvist. On the other hand Tasha Taylor learned all black music secrets, nuances and vocal resources from her father Johnnie Taylor, one of the outstanding names of Stax catalogue in the 70’s. Finally Canadian Layla Zoe has got experience in a huge variety of shows in local bars and clubs of Toronto area and, at an international level, she has got a more than remarkable success at Montreux Festival and she has also played some shows at Rockpalast. Both solo and all together, these three singers show the wide range of vocal combinations they can provide, as well as the excellent communication among them in the songs they play together. A more than a noticeable cd that also includes a superb live dvd with the good amount of twenty-six songs. A special mention to the backing band which really enhance the excellent voices of these three twenty-first century divas. GREAT.

Thorbjorn Risager & The Black Tornado “Change My Game”. Ruf Records 2017.
A pesar de ser una banda danesa y de haber grabado siempre en pequeños sellos discográficos indie, Thorbjorn Risager & The Black Tornado han conseguido traspasar las fronteras de su país para obtener el reconocimiento del público y la critica especializada tanto de los Estados Unidos como del resto de Europa, además de realizar diversas giras a lo largo de los cinco continentes que les han llevado desde Canadá hasta la India. Con este álbum la banda desborda las fronteras del blues y explora otras direcciones y caminos musicales en un puñado de canciones llenas de una abundante y sobria riqueza musical que consigue alcanzar y atrapar de inmediato la sensibilidad del oyente más contumaz y desconfiado. En este su onceavo disco The Black Tornado y su líder Thorbjorn Risager se han involucrado en cuerpo y alma tanto en la producción como en las mezclas, por lo que este disco se convierte en una grabación emotiva y visceral donde todos los músicos expresan libremente pero, al mismo tiempo con mucho rigor, las ideas que tenían en mente al inicio del proyecto, dejando a un lado la moderna tecnología para presentar un producto en el que prima la química y la compenetración entre todos los músicos sobre el resto de particularidades.
MUY BUENO. Despite this is a Danish band which has always recorded in small indie labels, Thorbjørn Risager & The Black Tornado have managed to cross Denmark borders and get recognition among audiences and specialized media both in United States and the rest of Europe. They have also done various tours along the five continents that have led them from Canada to India. With this new album the band goes beyond the blues boundaries to explore other musical roads and fields, in a handful of interesting songs full of a wide but at the same time restrained musical richness that will immediately reach and catch the sensitivity of the most reluctant listeners. This is their eleventh album where The Black Tornado and their leader Thorbjørn Risager have been totally involved both in final production and mixing, so it becomes an emotional and visceral recording where all the musicians express with a total freedom but, at the same time with a rigorous attitude, all the ideas they had in mind before getting involved with this new project, leaving aside actual technology to bring us an album where chemistry and understanding among all musicians prevail over other particularities. VERY GOOD.

Elvin Bishop’s Big Fun Trio “Elvin Bishop’s Big Fun Trio”. Alligator 2017.
De nuevo Elvin Bishop ha dejado el trabajo en su granja para sorprendernos gratamente con este su último disco y el séptimo para la compañía Alligator. Elvin Bishop ha formado un excelente trío con el que se dedica a explorar nuevos y sorprendentes senderos por los que discurren sus blues, para así transmitir alegría y diversión a raudales a todos aquellos que quieran acercarse a su música, es por esto que tanto la formación como el disco se denominan Elvin Bishop’s Big Fun Trio. Además del propio Elvin a la guitarra y voz, los otros dos músicos que completan el trío son Bob Welsh al piano y guitarra y Willy Jordan al cajón, percusión y voces, mas la participación en el álbum de tres grandes armonicistas como son Kim Wilson, Rick Estrin y Charlie Musselwhite, todos ellos viejos amigos suyos. Los tres sopladores intervienen en un tema cada uno, lo que imprime un plus de calidad a la ya de por si irrepetible, fresca, fantástica y muy dinámica grabación. Bishop es heredero directo de la tradición del blues de Paul Butterfield y asi nos lo ha mostrado a través de los años en cada uno de sus álbumes en los que, a medida que pasa el tiempo, se reinventa una y otra vez de manera camaleónica, interpretando unos blues directos, enérgicos, musculosos, macizos y llenos de vitalidad. Doce canciones interpretadas con espontaneidad, buen gusto y alegría, en las que inmediatamente se palpa y se hace evidente el buen rollo y la camaradería que siempre surge entre ellos cada vez que tocan juntos.
BUENISIMO. Once again Elvin Bishop has left his daily work on his farm to pleasantly surprise us with his last album, the seventh one for Alligator records. Elvin Bishop has formed an excellent trio which works to explore new and surprising paths to let his blues run free, in order to communicate joy and fun to all those who love his music, so this is the reason why both the trio and the album have the name of Elvin Bishop's Big Fun Trio. Besides Elvin on guitar and vocals, the other two musicians who complete the trio are Bob Welsh on piano and guitar and Willy Jordan on cajón, percussion and vocals- Three amazing harmonica players and good Elvin’s friends like Kim Wilson, Rick Estrin and Charlie Musselwhite have collaborated in the album, each one in one song, which gives a plus of quality to the unique, cool, fantastic and totally dynamic recording. Elvin Bishop has always been a direct heir of Paul Butterfield’s blues tradition and, over the years, he has shown it in most of his albums where, as time goes by, he reinvents himself like a chameleon, playing a strong, muscular, solid blues always with an enormous vitality. Twelve songs performed with spontaneity, good taste and joy, where you will immediately realize the joyful atmosphere, friendship and good feeling that always appear among them when they play together. GREAT.

Husky Tones “Who Will I Turn To Now?”. Self Production 2017.
¿Pueden el punk, el blues, el rock, el garaje y el folk fusionarse y darse la mano elegantemente?. Aunque a primera vista pueda parecer todo lo contrario, el dúo The Husky Tones saben mezclar todos estos géneros con abundancia de ideas, consiguiendo con ello un efecto curioso del que extraen un sonido propio más que sugerente para beneficio del oyente. Victoria Bourne a la batería y voz y Chris Harper a la guitarra despliegan un florido abanico de posibilidades con unas canciones que podríamos calificar como de protesta, en donde incluyen temáticas como la desesperación, el amor, el desconsuelo, la política de recortes, la desintegración del capitalismo o las políticas actuales. Sin embargo Victoria vuelve también al pasado para hablar sobre su familia en la pieza titulada “Island Of Barbet Wire” relatando la historia de un tío abuelo suyo que fue encarcelado en la isla de Man como prisionero de guerra alemán simplemente por ser de esta nacionalidad, aunque hacía años que vivía en Reino Unido y estaba felizmente casado con una inglesa, en un relato que muestra toda la crudeza de los hechos globales y de los que un simple y sencillo individuo no puede escapar.
BUENO. Can punk, blues, rock, garage and even folk music combine and be mixed on a tasteful way? Although at first sight it might seem the other way round, The Husky Tones duo have the skills to mix all these genres with a good amount of new ideas, getting a surprising effect that leads them to reach a more than a suggestive personal sound for the sake of most listeners. Victoria Bourne on drums and vocals and Chris Harper on guitar display a colourful range of musical possibilities along a bunch of tunes that could be qualified as protest songs, including topics like despair, love, desolation, climate of cuts, disintegration of capitalism or modern day politics. But Victoria even dares to come back to the past and talk about her family in the song "Island Of Barbet Wire" where she tells us the story of her great uncle who was imprisoned in the Isle of Man as a German prisoner of war simply because of his nationality, although he had been living for years in the United Kingdom and was happily married with an English woman, on a story that shows the cruelty of global events a single person cannot avoid or escape from. GOOD.

Tomaccos “Easyhill T.N.”. Entrebotones 2016.
¿Te va el burlesque? ¿Y el cabaret? ¿El vaudevil quizás? Si te gustan todos estos géneros musicales entonces este es un álbum pensado especialmente para ti, a pesar de que el grupo considere que su música es una combinación de swing, country, hillbily y bluegrass, que también lo es, faltaría más. Tomaccos es un grupo con músicos proveniente de diferentes países pero afincados todos ellos en  Madrid, formado por Captain Edward Mill a la voz, dobro, guitarras Parlor, washboard y percusión, Suzanne Baquet al clarinete y voz, Rodderick Owens al contrabajo y voz y Al Monseau a la guitarra acústica y voz. Al grupo se les añaden como invitados Marcos Ortega a la trompeta, Miguel Rodríguez al violín, Lady Pepper, Agnes Bazini y Brigitte Goigoux a las voces y Nacho Mur al banjo. Dice el Capitán que su música bebe directamente del whisky que se destilaba en el sur durante el siglo XIX y es posible que sea cierto, puesto que yo jamás lo probé, más que nada por la lejanía en el tiempo. Lo que si puedo asegurar es que si quieres acercarte al tiempo y la música de aquellas pequeñas compañías teatrales que viajaban por el sur y se recorrían el circuito de la T.O.B.A durante las dos primeras décadas del siglo XX, ten por seguro que Tomaccos te retrotraerán a aquellos sugestivos años.
MUY BUENO. Do you like burlesque? Cabaret? May be vaudeville? If you like all these musical genres, then this is an album especially devoted to you, in spite the band consider their music as a combination of swing, country, bluegrass and hillbilly which, of course, is true. Tomaccos is a group with musicians coming from different countries but all settled all in Madrid, formed by Captain Edward Mill on vocals, dobro, Parlor guitars, washboard and percussion, Suzanne Baquet on clarinet and voice, Rodderick Owens on bass and vocals and Al Monseau on acoustic guitar. For the recording the band has added some guest musicians like Marcos Ortega on trumpet, Miguel Rodriguez on violin, Lady Pepper, Agnes Bazini and Brigitte Goigoux on vocals and Nacho Mur on banjo. The Captain says their music directly drinks from the whisky that was distilled in the south of USA during XIX century and, may be, it is true, because I have never drunk it, mainly for the remote time and long distance we are talking about. What I can surely tell you is that if you want to move closer to the time and music of those small theatre companies which, during the first two decades of the XXth century travelled all over the south along the T.O.B.A circuit, be sure Tomaccos will drive you back to those suggestive musical years. VERY GOOD.

Kat & Co. “Blues Is The New Cool”. Tone Trade 2016.
Ciertamente los  aficionados británicos al blues ya esperaban con ganas poder escuchar una nueva entrega del trabajo de la Kathleen Pearson y sus huestes. Una vez mas las letras de las canciones escritas por el guitarrista de la banda Francesco Accurso nos hablan de historias cotidianas de la vida en la ciudad, donde se introducen los blues en el contexto de hoy en día con la temática que se cuestionan la juventud actual. Más allá de esta reflexión, el contenido de la prosa y la lírica de los textos junto a la música que la banda interpreta, arropan sin fisuras el blues urbano de este nuevo siglo con una mezcla de ritmos polifónicos realizados a base de instrumentos tradicionales y electrificando de forma natural estas canciones, a pesar de que también han usado el dobro y la cigar box guitar. Estoy seguro que con este álbum la banda cautivará profundamente a toda una nueva generación de amantes del blues, por el aporte curioso que de esta música hacen. Kat & Co. están formados por Kathleen Pearson a la voz, Francesco Accurso a las guitarras, bajo, dobro, lap steel, cigar box, piano y coros, Federico Parodi al Hammond C-3, piano, Rhodes Mk-1, Wurlitzer A-200, armónica y voces y Nicholas Owsianka batería, percusión y voces. Mención especial a la inestimable colaboración de Paul Lamb a la armónica como invitado de lujo, junto a algunos otros músicos que contribuyen en los arreglos de cuerda y coros.
MUY BUENO. British blues fans were eagerly waiting for a new piece of work coming from Kathleen Pearson and his mates. Once again the song lyrics have been written by the band guitar player Francesco Accurso and tell us about daily life in a big city, where the blues is introduced in today context and actual young people most questioned subjects. Also the contents of prose and poetry texts as well as the music the band plays, give a close envelop to new century urban blues, with a colourful mixture of polyphonic rhythms performed with traditional instruments that electrify the songs on a very natural way, although they have also included dobro and cigar box guitar. With this album I am sure the band will deeply captivate the new generation of blues lovers, thanks to the curious and different way of playing music. Kat & Co. are Kathleen Pearson on vocals, Francesco Accurso on guitars, bass, dobro, lap steel, cigar box, piano and backing vocals, Federico Parodi on Hammond C-3, piano, Rhodes Mk-1, Wurlitzer A-200, harmonica and vocals and Nicholas Owsianka on drums, percussion and vocals. Also a special mention to Paul Lamb’s valuable collaboration as guest musician on harmonica plus some musicians who contribute with string arrangements and backing vocals. VERY GOOD.

Cary Morin “Cradle To The Grave”. Self Production / Mark Pucci 2017.
El cantante de roots music y blues, además de fino exponente de la técnica ‘fingerstyle’ Cary Morin, completa con este disco su proyecto de tres discos acústicos que le han llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas acústicos de la escena del blues de Estados Unidos. En esta última entrega de su trilogía Morin nos presenta un amplio muestrario de la tradición de la roots music que abarca desde el blues al folk con algunos destellos de la música nativa de los indios Crow de quienes es heredero por raza. A lo largo del álbum Cary muestra un gusto exquisito en todas y cada una de las once canciones, sumergiendo al oyente en un placentero y grato viaje que muestra la evolución y la labor de este artista con una enorme sensibilidad en sus facetas de compositor, cantante y guitarrista. De los once temas que aquí encontramos, ocho son composiciones propias y tres son versiones tan diversas como “Nothing Compares 2 U” de Prince, “Mississippi Blues” de Willie Brown y “Back On The Train” del supergrupo Phish. Cary Morin también es miembro de los grupos The Atoll y The Pura Fé Trio con los que ha viajado por medio mundo.
MUY BUENO. Roots music and blues singer besides a fine ‘fingerstyle’ technique guitar player, Cary Morin completes with this recording his project of three acoustic albums that have led him to be considered as one of the best guitarists of USA acoustic blues scene. In this last work of the trilogy Morin displays a wide range of roots music tradition, from blues to folk music with some drops of native Crow Indians music he is heir by race. Along the whole album Cary shows an exquisite taste in each and every one of the songs included, immersing all listeners to a pleasant delightful journey that shows the evolution and good work of an artist with an enormous sensitivity as composer, singer and guitar player. Eight own compositions plus three versions of so different songs like "Nothing Compares 2 U" coming from Prince, "Mississippi Blues" by Willie Brown and "Back On The Train" by the super band Phish. Cary Morin is also member of The Atoll and The Pura Fé Trio and, with the, he has travelled all over the world. VERY GOOD.

James O’Hara “James O’Hara”. Self Production 2016.
En 1986 James O’Hara se dio a conocer en el circuito del blues británico junto a su banda The Fingerpoppin’ Daddies. El grupo cambió su nombre por The Detonators. Con ellos tuvo la oportunidad de compartir escenario y cartel junto a Georgie Fame en el concierto de homenaje a Alexis Korner, lo que les dio la posibilidad de tocar junto a artistas como Lonnie Donegan, Chris Barber y Peter Green, además de aparecer y participar en numerosos conciertos y festivales de rock y blues. La banda se disolvió en 1998 y James formó The Giantkillers junto a la legendaria sección rítmica de King Pleasure And The Biscuit Boys. Después de unos años recorriendo el Reino Unido, James decidió arriesgarse a iniciar su carrera en solitario viajando a Chicago para aprender lo poco que le quedaba tocando junto a Phil Guy, Lurrie Bell, Billy Branch, Jimmy Burns y otros maestros del estilo. El pasado año 2016 fue reconocido por la revista inglesa Blues Matters! participando en el Colne International Rhythm And Blues Festival. Ahora con la experiencia acumulada James nos presenta este álbum donde básicamente interpreta el blues de siempre pero con un encanto, unos arreglos y un aire de lo más actual y contemporáneo. Además de James a la voz, también se encuentran Paul Corry a la guitarra, Jon Burr a la armónica, Clinton McFarlane al bajo y Marc Layton-Bennett a la batería. Un estupendo disco a tener en cuenta por los aficionados al nuevo blues del siglo XXI.
MUY BUENO. In 1986 James O'Hara appeared in British blues circuit with his band The Fingerpoppin' Daddies. The group changed its name for The Detonators. With them he had the chance to share stage and line-up with Georgie Fame at Alexis Korner’s tribute concert, which gave them popularity and opened doors to play with artist like Lonnie Donegan, Chris Barber and Peter Green, besides performing in many rock and blues shows and festivals. The band fell apart in 1998 and then James formed The Giantkillers that included the legendary rhythm section of King Pleasure And The Biscuit Boys. After few years touring United Kingdom, James decided to risk and start a solo career travelling to Chicago to learn the little he needed to knows of blues masters like Phil Guy, Lurrie Bell, Billy Branch, Jimmy Burns among others. Las year 2016 he was awarded by the English magazine Blues Matters! and he participated at Colne International Rhythm And Blues Festival. Now, with all the experience he has gathered over the years, James brings us his last album where he basically performs old school blues with charming very actual and contemporary arrangements. Besides James on vocals, you will also find Paul Corry on guitar, Jon Burr on harmonica, Clinton McFarlane on bass and Marc Layton-Bennett on drums. This is an interesting album to be taken into account by all 21st. century new blues lovers. VERY GOOD.

Dave Fields “Unleashed”. FMI Records / Rick Lusher 2017.
Dave Fields posee unas enormes cualidades innatas para la música. Básicamente ha desarrollado su carrera como cantante, guitarrista y compositor, pero también domina el bajo y el contrabajo, la mandolina, el banjo, el pedal steel, el ukelele, los teclados y la batería, por lo que puede decirse que Dave es un verdadero multi-instrumentista. En este último álbum confirma su evolución musical en los terrenos del rock y del blues, caminos por los que transita experimentando nuevas formas y maneras con las que poder atraer y calar en el interior de todos aquellos que se acerquen a beber y alimentarse de su música. Catorce canciones, siete de ellas grabadas en ‘vivo’ y la otras siete en estudio, en las que se encuentran reflejados los estilos musicales con los que Dave se siente más a gusto, como son los ya anteriormente citados rock y el blues más actual y dinámico. Dave Fields sabe asimismo rendir un apasionado tributo a Jimi Hendrix o deleitarnos con un par de instrumentales con un grato sabor al rock de los setenta. Aquí lo tienes ahora en este “Unleashed” junto a su poderosa banda ofreciendo un excelente puñado de buenas canciones con las que disfrutarás enormemente.
MUY BUENO. Dave Fields has been gifted with innate qualities for music. Basically he has developed his career as singer, guitar player and composer, but he also knows to play bass and double bass, mandolin, banjo, pedal steel, ukulele, keyboards and drums, so it can be said Dave is a true multi-instrumentalist. In this last album he confirms his musical evolution in both rock and blues fields, experimenting with new forms and fields to attract and catch all those people who come to feed and drink with his music. Fourteen songs, seven recorded live and the other seven in studio, that faithfully reflect the musical styles Dave feels more comfortable with, like the just mentioned rock and the most actual dynamic blues. Dave Fields also pays a passionate tribute to Jimi Hendrix or delights us with a couple of instrumentals performed with the delicious flavour of 70’s rock. So here he comes together with his powerful band, to present this "Unleashed” album and giver us a bunch of excellent songs you will totally enjoy. VERY GOOD.

Big Golden Wheeler “Turn My Life Around”. Wolf 2017.
Big Golden Wheeler nació en 1929 en Georgia. Desde muy niño sintió una enorme pasión por el blues pero no fue hasta principio de los años cincuenta en que Wheeler empezó a tocar. En aquella época conducía un taxi y uno de sus clientes habituales era el cantante y armonicista Buster Brown. Buster solía cantar y tocar la armónica durante los trayectos en taxi. Wheeler se animaba también a cantar, por lo que Buster le convenció a que probara fortuna. Finalmente se trasladó a la meca del blues, Chicago, donde en un abrir y cerrar de ojos formó su primera banda. Allí conoció a Junior Wells quien le enseñó algunos trucos con la armónica, aunque Wheeler siempre se consideró un autodidacta del instrumento ya que nunca quiso imitar a nadie. En los años noventa inició una amistad con Jimmy Johnson quien le produjo este álbum que Wheeler solía vender en todas sus actuaciones. Esta grabación llegó a manos de Hannes Folterbauer propietario de Wolf Records quien lo ha reeditado recientemente. Este disco contiene once canciones, una de ellas es un instrumental interpretado por el propio Jimmy Johnson, quien también colabora como guitarrista, bajista y teclista. Asimismo intervienen en un par de temas Luther Adams y John Primer a las guitarras y Willie Kent al bajo, mientras Timothy Taylor se encarga de la batería. Si eres uno de esos fanáticos del genuino blues de Chicago de los años sesenta, éste es un disco que no debe faltar en tu colección.
MUY BUENO. Big Golden Wheeler was born In Georgia in 1929. Since he was a little boy, he passionately loved the blues but it was not until the beginning of the 50’s when Wheeler started to play. At that time he drove a cab and one of his regular customers was singer and harmonica player Buster Brown. Buster used to sing and play harmonica while riding in the cab and often they sang together, so Buster encouraged him to try in. Finally he moved to Chicago, where he immediately he formed his first band. There he met Junior Wells who taught him some harmonica tricks, although Wheeler always says he is a self-taught harmonica player, because he never tries to imitate any other harmonica players. During the 90’s he became Jimmy Johnson’s close friend. Johnson produced this album that Wheeler used to sell in all his shows. This recording came to Hannes Folterbauer’s hands and he has recently published a reissue for Wolf Records. The album includes eleven songs, one of them is an instrumental played by Jimmy Johnson himself, who has also done guitar, bass and keyboards work. You will also find in a couple of songs Luther Adams and John Primer on guitars and Willie Kent on bass, while Timothy Taylor is on drums. If you are one of those genuine 60’s Chicago blues fans, this is certainly an album that cannot be missing in your record collection. GREAT.

John Ginty featuring Aster Pheonyx “Rockers”. American Showplace Music 2017.
El talento de John Ginty resalta en el oído de cualquier aficionado con un mínimo sentido del gusto al escuchar este disco que comentamos. No en vano Ginty posee una dilatada carrera que le ha llevado a tocar un sinnúmero de estilos musicales que abarcan desde el rock al hip-hop, el blues o incluso el jazz. Con tres discos a sus espaldas publicados bajo su propio nombre, para esta cuarta entrega John decidió contar con la inestimable colaboración de la cantante Aster Pheonyx a la que conoció al acabar uno de sus conciertos en el legendario Wonder Bar de Asbury Park. Empezaron a tocar de forma improvisada en los camerinos y la química que surgió entre ambos fue realmente espectacular, y este disco es buena prueba de ello. Son doce canciones las que conforman este preciso y espléndido álbum. Además de John Ginty al Hammond B-3, piano y teclados y la poderosa y bien timbrada voz de Aster Pheonyx, el resto de la banda está formada por Mike Buckman a la guitarra, Justine Gardner al bajo y Maurice “Moe” Watson a la batería y voces. El disco ha sido producido por Ben Elliott junto al propio John Ginty que han sacado el máximo partido de un álbum que ya de por sí está muy bien trabajado.
MUY BUENO. John Ginty’s talent highlights in the ears of any music lover gifted with a minimum good taste every time he comes to listen to this album. Not in vain Ginty has a long career on his back that has led him to play a variety of musical styles ranging from rock to hip-hop, blues or even jazz. With three albums published under his own name, for this fourth one John decided to rely on the valuable collaboration of singer Aster Pheonyx he met at the end of one of his shows in legendary Wonder Bar in Asbury Park. They started jamming in the backstage and the chemistry that arose between them was really amazing and this album really proves it. Twelve songs form this precise and splendid recording. Besides John Ginty on Hammond B-3, piano and keyboards and Aster Pheonyx’s powerful well pitched voice, the rest of band members are Mike Buckman on guitar, Justine Gardner on bass and Maurice "Moe" Watson on drums and backing vocals. The album has been produced by Ben Elliott and John Ginty himself. Both have managed to round up a cd that already was very well conceived and performed. VERY GOOD.

Eliza Neals “10.000 Feet Below” E-H Records / Frank Roszak 2017.
La cantante, teclista y productora Eliza Neals se adentra sin tapujos por los tortuosos y profundos caminos del blues con este su último álbum en el que deja algo de lado el rock-blues para descender a las profundas y mas primigenias raíces de la música negra americana. Además de viajar a este averno brutal y misterioso, Eliza se recrea con avaricia y fruición en deleitar al oyente con su trabajo a los teclados, ya sea con el piano, el Hammond B-3 o el Fender Rhodes. Su tesitura vocal es una verdadera delicia y por si ello fuera poco se ha sabido rodear de unos músicos competentes con un enorme potencial profesional. Entre todos ellos sobresale el guitarrista Howard Glazer respaldado por sus Narcotics, un músico que participa prácticamente en todos los temas del álbum y que además ha compuesto junto a Eliza Neals nueve de las canciones recogidas en este trabajo, a las que se añaden “Hard Killing Floor” de Skip James y “Cleotus” compuesta por la propia Eliza. La desatada fuerza y el salvaje poderío de esta musa te hechizará desde la primera canción del álbum por lo que puedo augurar que difícilmente podrás salir indemne de esta vital y gozosa experiencia. MUY BUENO. With this new album singer, keyboard player and producer Eliza Neals goes straightforward along the deep windy blues roads, where she leaves aside power rock-blues to go down to the traditional roots of America black music. Besides travelling to this rough mysterious hell, Eliza devotes herself with an extreme eagerness and joy to delight all listeners with her keyboards work, either on piano, Hammond B-3 or Fender Rhodes. Her vocal range becomes a true delight and, if it was not enough, she is surrounded by a bunch of able musicians with huge potential skills. Among them stands out guitar player Howard Glazer and his Narcotics, who plays in almost every album song and has also composed with Eliza Neals nine of the songs included in the cd, which is completed with "Killing Floor" coming from Skip James and "Cleotus" an own Eliza’s song. The wildness force and unleashed power this ‘muse’ always communicates will bewilder you from the first song to the last one, so I dare say you won’t come out unharmed of this vital and joyful experience. GREAT.

Vanessa Collier “Meeting My Shadow”. Ruf Records 2017.
Para los no iniciados el nombre de la cantante y saxofonista Vanessa Collier será un descubrimiento sorprendente. Sin embargo para todos aquellos que han seguido de cerca la trayectoria de esta atractiva mujer de Maryland, sin duda este álbum satisfacerá y colmará todas las expectativas puestas en ella, ya que en él se reencuentran el pasado, el presente y el futuro musical en un tributo al espíritu de la tradición del blues y una reflexión profunda de la cultura contemporánea, junto a un intenso deseo de crecimiento personal y musical por parte de esta mujer. Si su primer disco sirvió para ser reconocida entre el público y la crítica, con este nuevo y último álbum Vanessa confirma de lleno su innegable calidad, desarrollando una variada y ecléctica tanda de estilos de música negra que impresionará al oyente y le hará agradecer haber escogido la opción de hacerse con una copia del mismo. Su estilo vital y enérgico tocando saxo alto, tenor y soprano, flauta, Fender Rhodes, wurlitzer, clavecin, percusión y órgano, combinan perfectamente con el resto de los instrumentos interpretados por TK Jackson, Daniel McKee, Laura Chavez, Charles Hodges y Marc Franklin además de algunos músicos invitados. Estamos ante un disco muy completo y a la vez variado tanto en sus formas como en estilos.
MUY BUENO. For the uninitiated the name of singer and sax player Vanessa Collier will be a surprising discovery. But for all those who have followed the career of this attractive Maryland coming woman, this album will surely satisfy and fulfil all the expectations entrusted on her, as it combines the past, the present and the future of music, in a very special tribute to the spirit of blues tradition, a deep overview of contemporary culture and an intense desire of a future full of a personal and musical growth. If her first album gave her the possibility to be recognized among wide audiences and specialized media, with this new studio album Vanessa fully confirms her undeniable quality, developing a varied and eclectic range of black music styles that will impress listeners who have done the good choice to get a cd copy. His vital energetic style on alto, tenor and soprano sax, flute, Fender Rhodes, Wurlitzer, clavinet, percussion and organ, perfectly match with the rest of the instruments played by TK Jackson, Daniel McKee, Laura Chavez, Charles Hodges and Marc Franklin plus some guest musicians. We are facing a very complete and at the same time varied recording, both in the layout and content styles. GREAT.

Thornetta Davis “Honest Woman”. Sweet Mama Music / Frank Roszak 2017.
Durante más de veinte años Thornetta Davis, la reina del blues de Detroit, ha paseado su funky rockin’ blues por infinidad de escenarios de todo el mundo, cautivando con su total entrega y su increíble fuerza vocal a las mas variopintas audiencias. Muchos han intentado describir su técnica que ha sido comparada con la pasión de Etta James, el timbre de Sarah Vaughn, el poderío de Big Mama Thornton, la emoción de Aretha Franklin, el desgarrado sentimiento de Bessie Smith o la capacidad de transmitir sensaciones de Denise LaSalle. Y por si alguien dudara de estas comparaciones, para demostrarlo aquí tenemos su nuevo trabajo con trece canciones donde se refleja fielmente la enorme capacidad de seducción vocal que tiene en todas y cada una de las canciones que interpreta en las que se puede comprobar toda la versatilidad y el buen hacer de esta cantante llamada Thornetta Davis. Desde el back-porch delta blues, pasando por la espiritualidad del gospel, el rock-blues, las baladas, el funky, el cajun, la música Americana, el rhythm and blues o los low down blues, todo ello tiene cabida en este disco variado, entretenido y muy bien ensamblado a cargo de unos músicos capaces y competentes. Un álbum que no defraudará a ninguno de los oyentes que apuesten por escucharlo y degustarlo.
MUY BUENO. For more than twenty years, Thornetta Davis, the queen of Detroit blues, has given her funky rockin' blues to countless stages all over the world, captivating the most varied audiences with her commitment and her incredible vocal power. Many people have tried to describe her technique, which has often been compared with the passion given by Etta James, the timbre coming from Sarah Vaughn, the power of Big Mama Thornton, the emotional attitude displayed by Aretha Franklin, the heartbreaking feeling of Bessie Smith or the communication ability of Denise LaSalle. And if anyone doubts about all these comparisons, here comes her new work to prove them. Thirteen songs that faithfully reflect the enormous vocal seduction capacity she always gives to each and every one of the songs, where you will immediately discover the versatility and good work of this singer called Thornetta Davis. From back porch Delta blues to gospel, rock-blues, ballads, funk, Cajun, Americana, rhythm and blues or low down blues, all have place in this varied, enjoyable album, perfectly built up by a bunch of able very professional musicians. This is an album that will not disappoint any listener who comes to taste it. GREAT.

Lee Palmer “Bridge”. An On The Fly Music / Sarah French 2017.
El cantante, guitarrista y compositor canadiense Lee Palmer nos presenta su cuarto álbum, en el que mezcla con gusto y armonía el blues y la música americana de raíz. El disco estaba previsto que se grabara en el año 2016 pero diversas operaciones a corazón abierto y la implantación de un marcapasos retrasaron el proyecto. Pero gracias a su determinación, Lee superó con rapidez estos contratiempos e inmediatamente después de ser dado de alta, Lee se trasladó al estudio para dar forma a este proyecto que ahora ve la luz, en el que ha contado con la colaboración de un puñado de excelentes músicos de estudio de la zona de Toronto. Como su titulo indica este disco es un puente y un camino hacia todos esos sonidos por los que Lee Palmer siente una tremenda atracción y que le han acompañado a lo largo de su vida. Nuestro hombre quiere también rendir un sentido homenaje a JJ Cale con la canción “Tulsa Sound”, así como reconocer la tremenda lucha que Glenn Campbell lleva desde hace tiempo contra la enfermedad del Alzheimer con la canción “That’s No Way To Go”. Si con sus anteriores álbumes Lee Palmer ya recibió criticas muy positivas por parte de los medios especializados y en los programas de radio donde se escucharon sus temas, ahora este nuevo disco viene a confirmar plenamente su calidad como compositor, guitarrista y cantante.
MUY BUENO. Singer, guitar player and songwriter Lee Palmer comes back with his fourth album, where he tastefully and cleverly mixes blues and Americana roots music. In fact he had planned to record this album in 2016 but some bypass surgery delayed the project. But Lee’s determination made him quickly recover. When he left hospital he immediately went to work and came to studio to start his long awaited project which now sees the light, where he has counted with the valuable collaboration of a handful of excellent Toronto area studio musicians. As the recording title says, the album is a bridge and a way towards all the sounds Lee Palmer feels totally attracted which have always gone with him. Our man also pays tribute to JJ Cale with the song "Tulsa Sound", and he also recognizes the tremendous fight Glenn Campbell is daily carrying out against Alzheimer's disease with the song "That's Not the Way To Go”. If with his previous recordings Lee Palmer already received very positive reviews from specialized media and radio shows that broadcasted his music, now this new album comes to fully confirm his quality as composer, guitar player and singer. VERY GOOD.

Beth Garner “Snake Farm” Self Production / Mark Pucci 2016.
La cantante y guitarrista Beth Garner es bien conocida por todos los aficionados de la zona de Nashville, Tennessee, tanto en los ambientes del folk y la roots music como en los del blues, dos géneros con los que ella juega y se desliza como pez en el agua. Con este nuevo trabajo Beth da un paso adelante y se adentra por los caminos del gospel, el soul y el rock and roll, sin olvidar los cimientos de su música que, como hemos mencionado anteriormente, están profundamente arraigados en el blues y el folk. Además de la propia Beth Garner a la guitarra solista, slide y voz, el resto de los músicos que han participado en la grabación son Rory Hoffman al saxo barítono, teclados y guitarra rítmica, Steve Forrest al bajo, West Little a la batería y Angela Primm y Gale Mayes coros. Aunque el álbum solamente incluye siete canciones, a través de ellas se puede llegar a descubrir y apreciar todo el potencial musical que envuelve a esta artista que está llamada a ser reconocida y admirada a lo largo y ancho de los Estados Unidos y, ¿por qué no? también por una gran parte de los aficionados del resto del globo a los que estoy totalmente convencido de que, tanto su música como su talento, les seducirá como lo ha hecho conmigo. MUY BUENO. Singer and guitar player Beth Garner is well known by all Nashville and Tennessee area music lovers, both in folk and roots music circles and blues ones, two styles she feels comfortable with, sliding on them like fish in water. With this new work Beth takes a step forward going along gospel, soul and rock and roll ways, but she never forgets the real basis of her music that, as just mentioned, are deeply rooted in blues and folk. Besides Beth Garner in lead guitar, slide and vocals, the rest of the musicians involved in the recording are Rory Hoffman on baritone sax, keyboards and rhythm guitar, Steve Forrest on bass, West Little on drums and Angela Primm and Gale Mayes on backing vocals. Although the album only includes seven songs, they will be enough to make you discover and realize all the musical potential that surrounds an artist who is called to be recognized and admired all over America and, why not?, by a good number of music lovers around the world I am absolutely convinced that both her music and her talent, will seduce them as she has already done with me. GREAT.

Coco Montoya “Hard Truth” Alligator 2017.
Cualquier álbum publicado por Alligator Records es ya de por si sinónimo de calidad por lo que, prácticamente antes de escucharlo, ya daba por supuesto el interés que éste nuevo álbum iba a suscitarme, no solamente por ser de la compañía Alligator, sino por ser el nuevo trabajo de Coco Montoya cuyos álbumes nunca suelen defraudar a sus seguidores. Montoya puede estar más o menos inspirado, pero es un músico que siempre es capaz de aportar algo nuevo y seguir llamando la atención de sus fans y sus muchos admiradores. Coco Montoya creció como guitarrista y cantante junto a dos de los grandes maestros del blues, Albert Collins, uno de los grandes referentes del blues tejano contemporáneo y el gigante del blues británico ‘Papa’ John Mayall. Albert fue su mentor y gran amigo, entrando a formar parte de su banda como batería, aunque pronto Collins vio su gran potencial y le convirtió en el segundo guitarra. Coco permaneció a su lado durante cinco años, pasando después a formar parte de los Bluesbreakers de John Mayall con los que estuvo una década y se dio a conocer mundialmente como un brillante guitarrista. Con este nuevo álbum Coco sigue creciendo y ofreciendo al oyente toda esa emoción tan particular que es capaz de transmitir pulsando una sola nota de su guitarra y cantando un solo verso con esa personal voz que pone al servicio de la intensidad de sus letras.
MUY BUENO. Every Alligator Records new release becomes a synonymous of quality so, before I listen to this recording I know beforehand the interest this new album will have to me, not only for Alligator reliability but also for Coco Montoya’s name, whose recordings never disappoint all his followers. Montoya can sound more or less inspired, but he is a musician who is always able to bring something new to call the attention of his many fans and admirers. Coco Montoya grew as a guitar player and singer with two of the most legendary blues masters, Albert Collins, one of the greatest contemporary Texas blues names, and British blues giant 'Father' John Mayall. Collins was his mentor and great friend and he first played in his band as a drummer, but soon Albert realized his great potential as guitar player, so he soon became the second guitar player. Coco was in the band for five years and afterwards he was member for a decade of John Mayall’s Bluesbreakers where he became worldwide well known as a brilliant guitarist. With this new album Coco is even growing on, providing listeners that particular emotion he is able to communicate with only a single note of his guitar and a single verse sung with this personal voice he always puts in service of the lyrics intensity. GREAT.

Big Bill Morganfield “Bloodstains On The Wall”. Black Shuck / Rick Lusher 2017.
Sin dejar de lado la enorme similitud vocal y también a la guitarra con su padre Muddy Waters, Big Bill Morganfield nos presenta un nuevo álbum con el que ha sabido unir la tradición del blues de Chicago que su padre interpretaba con la modernidad del sonido actual y todo ello sin perder el auténtico espíritu de ese sonido tan característico con el que Muddy se convirtió en un auténtico creador de un estilo propio. Este álbum contiene once temas que nos transportan a los orígenes de los años cincuenta en los que en el sello discográfico Chess se daban cita tipos como Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter o, por supuesto. Muddy Waters. El disco contiene también una rareza en forma de bonus track extraída de la serie de televisión “Shots Fired”. Se trata de la canción “Hold Me Baby” en la que Big Bill Morganfield nos muestra una faceta suya completamente desconocida en la que se acerca a la música electrónica y el hip-hop. A destacar que también participan como músicos invitados Bob Margolin a la guitarra y Steve Guyger a la armónica. Si te va el blues de Chicago expuesto con corrección y buenas maneras, entonces no dudes que este álbum contiene todos los elementos necesarios para hacerte completamente feliz.
BUENÏSIMO. Without leaving aside the amazing vocal and guitar similarity to his father the one and only Muddy Waters, Big Bill Morganfield comes with a new album where he cleverly combines Chicago blues tradition his father used to play with a real actual sound, without losing the true spirit of that characteristic sound which made Muddy become the founder of an own musical style. The album gathers eleven songs that drive us to the beginning of the fifties, when Chess label brought together guys like Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter or, of course. Muddy Waters himself. The recording ends with a rarity, a bonus track coming from a television series film "Shots Fired", the song "Hold Me Baby" where Big Bill Morganfield shows a completely unknown facet playing electronic music and hip-hop. Also mention you will find Bob Margolin on guitar and Steve Guyger on harmonica as guest musicians. If you like Chicago blues properly developed always with real good taste, then I am sure this album includes all necessary elements to giver you joy and happiness. GREAT.

Tiny Legs Tim “Melodium Rag” Sing My Title 2017.
Tiny Legs Tim es uno de los nombres que en los últimos tiempos han irrumpido con fuerza en la escena del blues belga. Recientemente ha conseguido también el reconocimiento europeo tras participar en el European Blues Challenge. Guitarrista y cantante muy versátil, ahora vuelve de nuevo a las raíces con este nuevo disco recientemente aparecido en el mercado. Este es un álbum completamente acústico en el que Tim da rienda suelta a su pasión por el blues de preguerra incluido el estilo Piedmont y en el que ha contado con la colaboración de Steven Troch a la armónica. Grabado de una sola tirada sin overdubs ni otros recursos técnicos de estudio, ambos músicos consiguen crear una atmósfera envolvente y aportar la energía suficiente para disfrutar de una grabación llena de soltura, fresca e irresistiblemente espontánea. El sonido vintage al tiempo que muy actual constituye otro plus mas para que el álbum, ya de por si dotado de gran calidad, obtenga el beneplácito del oyente. Inspirado en aquellos músicos como fueron Mississippi Fred McDowell, Son House, Johnny Woods, Sonny Terry y Brownie McGhee, Tiny Legs Tim va desgranando un refrescante repertorio donde no faltan el fingerpicking, el Delta blues, los shuffles, el country, el folk-blues o el ragtime.
MUY BUENO. Tiny Legs Tim is one of the names who, in recent times, has appeared with force in Belgian blues scene. Recently he has also gained European recognition after participating at the European Blues Challenge that runs every year in a European city. He is a really versatile guitar player and singer, and now he goes back to the roots with this recently published new album. This is a totally acoustic recording where Tim gives free rein to his passion for pre-war blues and Piedmont style. He has also counted with the valuable collaboration of Steven Troch on harmonica. Recorded in one take with no overdubs or other technical studio devices, both musicians manage to create a wrapping atmosphere and provide energy enough to produce a cool, spontaneous and irresistible album. The vintage analogue but at the same time, modern sound becomes a plus for an album which gathers an undeniable quality, that will satisfy the most demanding listeners. Inspired by those musicians like Mississippi Fred McDowell, Son House, Johnny Woods, Sonny Terry and Brownie McGhee, Tiny Legs Tim presents a refreshing repertoire where you will find fingerpicking, Delta blues, shuffles, country, folk-blues or ragtime. GREAT.

LazyEye “Pocket The Black”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Desde Australia nos llega una de las bandas que con sólo tres años de existencia, ya gozan de más prestigio y popularidad en el panorama del blues de nuestras antípodas, léase países como Australia o Nueva Zelanda. Ganadores de infinidad de premios como los Australian Blues Music Awards o los South Australian Awards, los LazyEye con este álbum conforman que su fama es realmente merecida. Diez exuberantes canciones componen este trabajo firmemente enraizado en el pasado, pero sin olvidar por ello el presente y el futuro del blues, en un brillante ejercicio musical interpretado con gusto y alegría. “Pocket The Black” es un disco singular y atrevido, grabado en vivo, donde el trío acomete su faena con un entusiasmo embriagador y sumamente sugestivo. Así Evan Whetter muestra su capacidad creativa tanto en los vocales como en su trabajo al órgano y lo hace con elegancia y buen gusto. Lo mismo puede decirse de Erica Graf, cuyas líneas melódicas a la guitarra atraen al oyente atrapándolo con sus sutilezas y su buen hacer. Finalmente el batería Mario Marino insufla el apoyo sólido y bien formulado a través de sus tambores con los que determina que todo se asiente sobre unas bases frescas, dinámicas y muy bien trazadas.
MUY BUENO. From Australia comes one of the bands that, although it was only formed three years ago, has got an outstanding prestige and popularity in blues circles of our antipodes, in countries like Australia or New Zealand. Winners of different awards liker Australian Blues Music Awards or South Australian Awards, with this new album The LazyEye prove his fame is well deserved. Ten lush songs round up a recording firmly rooted in the past, without forgetting the present and the future of blues, in a brilliant musical exercise performed with pleasure and joy. "Pocket The Black" is a singular daring live recorded album, where the trio approaches their work with a heady and highly suggestive enthusiasm. Evan Whetter shows his creative skills both in vocals an in organ with elegance and good taste. The same can be said about Erica Graf, whose melodic guitar lines will immediately catch the listener with a subtle displaying and a delightful performing. Finally drummer Mario Marino brings a solid support with all his drums, which become essential to determine everything is build up over some cool, dynamic well drawn basis. VERY GOOD.

Billy T Band “Reckoning”. Big H / Frank Roszak 2017.
Billy T es un músico que nació en New York y que se ha ido haciendo a si mismo a base de esfuerzo y tesón. Durante doce años fue miembro de la banda de Eddie Kirkland y posteriormente lo fue por diez años más de la banda de Tom Russell. En el año 1997 Billy se estableció en Oslo, Noruega. Fue en esa ciudad donde fundó su propia banda con la que estuvo siete años como banda residente en el Muddy Waters Blues Club de la ciudad de Oslo. Ello le dio la oportunidad de tocar junto a grandes músicos y curtirse como sideman al lado de Willie ‘Big Eyes’ Smith, Homesick James, Gary Primich, Mitch Kashmar, Junior Watson, Tad Robinson, Alex Schultz, Nappy Brown, Louisiana Red o Kid Andersen entre otros. Desde que fundara su banda en el año 2003, ésta mantiene su misma formación con Billy T al bajo y la voz, Ian Fredrick Johannessen y Haakon Hoeye a las guitarras y Robert Alexander Pettersen a la batería. En el álbum han colaborado un buen puñado de músicos que incluyen desde una sección de cuerda para violines, viola y cello hasta saxo y trompeta y arreglos vocales. El álbum nos presenta un repertorio que se mueve entre el soul, la música Americana, el blues y el swamp rock. Un disco atractivo y balsámico con composiciones propias y unas armonías llenas de lirismo y elegancia.
MUY BUENO. Billy T is a self made musician born in New York who has worked hard to get a name. For twelve years he was member of Eddie Kirkland’s band and afterwards he spent ten years with Tom Russell’s band. In 1997 Billy settled in Oslo, Norway. It was there he decided to form his own band playing as house band at Muddy Waters Blues Club in Oslo for about seven years. This gave him the opportunity to perform with great musicians and get a wide experience backing such greal bluesmen like Willie 'Big Eyes' Smith, Homesick James, Gary Primich, Mitch Kashmar, Junior Watson, Tad Robinson, Alex Schultz, Nappy Brown, Louisiana Red or Kid Andersen among others. Since 2003 the band musicians have been the same ones, with Billy T on bass and vocals, Ian Fredrick Johannessen and Haakon Hoeye on guitars and Robert Alexander Pettersen on drums. The cd also gathers a variety of good players, from a string section with violins, viola and cello to sax, trumpet and vocal arrangements. The album surprises us with a repertoire that moves from soul to Americana music, blues or swamp rock. This is an attractive balsamic recording with own compositions and elegant harmonies full of a beautiful lyricism. VERY GOOD.

Lauren Mitchell “Desire”. Self Production / Frank Roszak 2017.
La vida discurría tranquila y apacible para Laura Bay, cantante de blues y soul afincada en Tampa Bay cuando el pasado año 2016 todo cambió para ella. La disolución de su matrimonio y de su banda la sumieron en una enorme tristeza anímica. Sin embargo y después del golpe inicial, Lauren decidió que aquellas bofetadas que había recibido de la vida tenían que hacerla más fuerte que nunca para salir adelante y la verdad es que lo ha conseguido. Para ello decidió sumergirse de lleno en el proyecto y la grabación de este estupendo “Desire”, un álbum que ha sido producido por Tony Braunagel (Bonnie Raitt, Taj Mahal, Robert Cray), quien ha sabido sacar lo mejor de las excelentes cualidades vocales de esta artista. Trece canciones, algunas compuestas por algunos amigos suyos, escritas especialmente para este disco, además de algunas versiones de temas que se hicieron populares interpretados por artistas de la talla de Etta James, Bettye Lavette, Diana Ross, Aretha Franklin o Betty Davis conforman un extraordinario disco. El poderío y la energía de su voz junto al dinamismo con el que ataca y aborda todas las canciones llamarán poderosamente la atención de los aficionados dispuestos a descubrir a esta tremenda y efectiva vocalista que, con toda probabilidad, robará sus corazones.
MUY BUENO. Life ran peaceful and happy for Lauren Mitchell, a blues and soul singer based in Tampa Bay area, when, suddenly, in 2016 everything became a mess. The dissolution of her marriage and parting ways with her band led her to a deep sadness. After the initial shock, Lauren decided the slaps and blows life had given her should make her stronger than ever to move forward and, the true thing, is she has got it. To do so, she decided to fully devote herself to a new engaging project that ended with the recording of this great album called "Desire", that has been produced by Tony Braunagel (Bonnie Raitt, Taj Mahal, Robert Cray), who brought out the best of Lauren’s impressive vocal qualities. Thirteen songs, some ones specially written for this album by some of her friends, together with some versions of different songs that became popular by such great artists like Etta James, Bettye Lavette, Diana Ross, Aretha Franklin or Betty Davis round up a very special recording. The energetic power of Mitchell’s voice as well as her dynamic stage presence and attack will call the attention of music lovers willing to discover this terrific and effective singer who will steal their hearts. GREAT.

Mátyás Pribojszki Band “My Stories”. Self Production 2016.
El cantante y armonicista húngaro Mátyás Pribojszki ha sobrepasado las fronteras de su país natal para ser reconocido a nivel internacional. Su técnica a la armónica es realmente envidiable y eso le ha llevado a compartir escenario con las primeras figuras del blues actual. Ahora nos presenta este nuevo disco en el que, además de su banda habitual formada por Ferenc Szasz a las guitarras, Laszlo Csizmadia al bajo y Daniel Molnar a la batería, ha contado con la inestimable colaboración de invitados de lujo como Charlie Musselwhite, Bob Margolin, Kid Andersen, Andy J. Forest, Raphael Wressnig, Little G. Weevil, Bill Barrett, Ryan Donohue, Rpoff Raskolnikov y Zoltán Nemes. Con todo este plantel de músicos es fácil comprender que se está ante de un álbum con mucho peso y de gran mérito sonoro para quien le guste el blues de Chicago, el de Texas y el jump de la costa oeste. Son un total de doce perlas, once de ellas compuestas por el propio Mátyás, las que componen este trabajo que estoy seguro te atrapará de principio a fin, sobre todo si disfrutas con el blues fresco y actual pero con sabor vintage. La armónica de Mátyás sobresale a base de excelentes solos, cuidadas líneas melódicas y un sonido amplificado anclado en los años cincuenta al que imprime un excelente ‘big fat tone’.
MUY BUENO. Hungarian singer and harmonica player Matyas Pribojszki has exceeded the borders of his country to be now recognized at an international level. He has an outstanding harmonica technique which has led him to share stage with the greatest blues musicians. Now he brings us this new album where, besides his usual band with Ferenc Szasz on guitars, Laszlo Csizmadia on bass and Daniel Molnar on drums, he has counted with the valuable collaboration of such great guest musicians like Charlie Musselwhite, Bob Margolin, Kid Andersen, Andy J. Forest, Raphael Wressnig, Little G. Weevil, Bill Barrett, Ryan Donohue, Rpoff Raskolnikov and Zoltán Nemes. With this line-up you can easily imagine this is an high class, strength album with a remarkable sound that will satisfy Chicago, Texas and West Coast jump blues lovers. Twelve pearls, eleven Matyas own compositions and one cover, round up an album that will catch listeners from beginning to the end, especially if you like cool actual blues with a vintage flavour. Matyas’ harmonica playing stands out with excellent solos, built up over the basis of excellent melodic lines and an amplified sound anchored in the 50’s and an amazing big fat tone. GREAT.

Samantha Fish “Chills & Fever”. Ruf 2017.
Con este último álbum la cantante y guitarrista Samantha Fish da un nuevo paso adelan
te en su carrera musical. En esta ocasión nuestra musa deja de lado su faceta más rockera y desgarrada para adentrarse por unos caminos nunca antes explorados por ella como son el soul y el sonido Motown y lo hace con un repertorio en el que ha rescatado algunas canciones de aquellos años legendarios para la música como fueron los sesenta y los setenta. Para ello se ha sumergido en cuerpo y alma en la música de Otis Redding, Ray Charles, pero también en los sonidos del ‘North Mississippi County Hills’ de los que  R.L. Burnside o Junior Kimbrough han sido siempre unos maestros consumados. También se ha imbuido de las fuentes que provienen de Jackie DeShannon o Allen Tousaint. Samantha ha seleccionado a una serie de músicos que han entendido a la perfección el discurso y las ideas que ella tenía en mente. Además de Samantha a la voz y la guitarra solista la acompañan Joe Mazzola guitarra rítmica, Steve Nawara al bajo, Kenny Tudrick a la batería, Bob Mervak piano eléctrico, Marc Levron trompeta y Travis Blotsky saxos. Todos ellos dan vida y colorido a un álbum con una calidad fuera de toda duda. MUY BUENO. With this new album, singer and guitar player Samantha Fish has done a step forward in her musical career. This time our diva leaves aside her most raw rocky facet to walk along some never before explored ways like soul and Motown sound, and she does it with a repertoire where she has rescued some songs of those legendary and incredible music years that were the 60’s and 70’s. She has totally immersed herself in the music of Otis Redding, Ray Charles, but also in the sounds of North Mississippi County Hills listening to such great masters like RL Burnside and Junior Kimbrough. And she has also investigated in sources coming from Jackie DeShannon or Allen Toussaint. Samantha has selected a bunch of musicians who have perfectly understood the ideas she had on mind and how to capture and express them. Besides Samantha on vocals and lead guitar, you will also finf Joe Mazzola on rhythm guitar, Steve Nawara on bass, Kenny Tudrick on drums, Bob Mervak on electric piano, Marc Levron on trumpet and Travis Blotsky on saxos. All of them give a lively bright colour to an album with an undeniable and totally amazing quality. GREAT.

The Almost Three “Three”. Pott People 2017.
El grupo alemán The Almost Three nos presenta un álbum difícil de clasificar musicalmente, en el que tienen cabida un variopinto abanico de cromatismos musicales donde se mezclan el funk, el rock de los setenta y el rock Indie actual. En el repertorio se pueden vislumbrar detalles y flashes que a veces pueden recordar a Jimi Hendrix, Neil Young o George Clinton. Grabado todo de una tirada sin overdubs ni otras florituras de estudio, el disco incluye trece canciones, diez de ellas composiciones propias y tres versiones. Además de Martin Ettrich a la guitarra y voz, Max Schmitz al bajo y Benny Korn a la bateria, el trío ha contado con la participación en un tema cada uno de dos músicos tan distintos como son el guitarrista de flamenco Rafael Cortés a la guitarra y percusión y Joseph Bowie conocido como ’Mr. Defunkt’ al trombón y voces, un músico que fue fundador de la popular banda de funk y jazz de New York, Defunkt. Con este tercer trabajo los Almost Three muestran toda su madurez y versatilidad con ese eclecticismo musical al que nos tienen acostumbrados. Un álbum para mentes abiertas.
MUY BUENO. German band The Almost Three comes back with an album really difficult to classify, with room enough to collect a wide range of chromatic music that mix funk, 70’s rock and the most actual indie rock. In the songs you can even discover some details and flashes that sometimes could remind Jimi Hendrix, Neil Young or George Clinton. Recorded live with no overdubs or other studio devices, the album gathers thirteen songs, ten own compositions and three covers. Besides Martin Ettrich on guitar and vocals, Max Schmitz on bass and Benny Korn on drums, the trio has counted with the valuable collaboration of two so different musicians like flamenco guitarist Rafael Cortés on guitar and percussion and Joseph Bowie well known as 'Mr. Defunkt' on trombone and vocals, founder of the popular New York jazz and funk band Defunkt who perform each in one song. With this third recording The Almost Three confirm his maturity and versatility, as well as the musical eclecticism they usually give to the music. This is an album perfect for the most open mind people. VERY GOOD.
 

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