LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 have been collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Junio - Mayo - Abril 2017 / June - May - April 2017

JUNIO 2017 / JUNE 2017

Various Artists “International Blues Challenge # 32”. The Blues Foundation / Frank Roszak 2017
Cada año y a finales de enero se celebra en Memphis el International Blues Challenge organizado por la Blues Foundation, evento que reúne a un sinfín de músicos provenientes de todos los rincones de los Estados Unidos, así como del resto del planeta. Concretamente el pasado año 2016 se presentaron doscientas cincuenta y siete formaciones con más de novecientos músicos, algo totalmente inusual para cualquier otro concurso que no sea el que organiza la Blues Foundation. El álbum es fruto de la colaboración surgida entre el publicista Frank Roszak y la Blues Foundation. En el disco se encuentran nueve de los artistas que consiguieron llegar a la final del pasado International Blues Challenge en las dos categorías establecidas ‘solo/dúo’ y ‘bandas’. La grabación se convierte en una excelente muestra de algunos de los participantes mas sobresalientes del pasado concurso, por ello el álbum se nos revela como un disco representativo de la enorme calidad y el nivel de sus finalistas. En este álbum te encontrarás con músicos y grupos que quizás ahora no conozcas demasiado, pero que, a buen seguro, muchos de ellos empezarán a ser más populares entre los aficionados al blues y que sin duda tienen un prometedor futuro por delante. Los nombres de los seleccionados para éste álbum son Paul Deslauriers Band, Innervision, Sonny Moorman, The Norman Jackson Band, Trey Johnson And Jason Willmon, Héctor Anchondo Band, Bing Futch, Dave Muskett y Ben Hunter And Joe Seamons. Una muestra de lo nuevo y mejorcito que se puede encontrar en la actualidad dentro del género que nos cautiva.
MUY BUENO. Every year in January, The International Blues Challenge takes place in Memphis organized by the Blues Foundation, an event that brings together an endless list of musicians coming from all places in United States as well as from all over the world. In 2016 edition there were two hundred fifty seven participants with more than nine hundred musicians, something inconceivable for any other challenge except for an organisation like The Blues Foundation. The album is the result of the fruitful collaboration between publicist Frank Roszak and The Blues Foundation and presents nine of the artists who managed to reach the final of the International Blues Challenge in the two established categories 'solo/duo' and 'bands'. The recording becomes an excellent way to introduce some of the most outstanding participants of the past challenge and let us discover the impressive quality and high level of the finalists. In this album you will find musicians and groups that probably you are not familiar with, but most of them will surely become popular among blues fans that, after reaching the IBC final, they certainly have now a promising future ahead. The names of the selected ones to be included in the album are Paul Deslauriers Band, Innervision, Sonny Moorman, The Norman Jackson Band, Trey Johnson and Jason Willmon, Hector Anchondo Band, Bing Futch, Dave Muskett nd finally Ben Hunter And Joe Seamons. The recording becomes a good example of the new and good pool of players you will be able to find now in the style we deeply love. GREAT.

Big Daddy Wilson “Neckbone Stew”. Ruf Records 2017.
Escuchando a Big Daddy Wilson nadie diría que Wilson no descubrió el blues hasta principios de los ochenta y que fue precisamente en Alemania donde quedó fascinado por esta música. Wilson había nacido en Edenton, Carolina del Norte, en el seno de una familia muy pobre. Su madre y su abuela le llevaban todos los domingos a cantar en la iglesia para de este modo intentar alejarle de las drogas y de las malas compañías. En 1979 Big Daddy Wilson decidió huir de la pobreza y la penuria alistándose en el ejército, siendo destinado a Alemania. Como ya he dicho allí descubrió el blues y, a pesar de su timidez, decidió dedicarse a la música y al blues en particular. A partir de ese momento Wilson se ha ido forjando un nombre y una reputación que gradualmente ha ido en aumento, tanto es así que la compañía Ruf Records ha apostado fuerte por este excelente vocalista. Este álbum es un buen ejemplo del crecimiento personal de este artista y en él se dan la mano todos los sabores de la música sureña en una competente combinación de blues, gospel, roots, soul y reggae. Nuestro hombre está respaldado por Pablo Legramandi al bajo y Cesare Nolli a la guitarra, teclado, batería y percusión, además de un puñado de invitados entre los que sobresalen Eric Bibb y Ruthie Foster. En todos estos estilos Wilson se siente cómodo y capaz, permitiéndonos apreciar los excelentes registros y variaciones vocales que posee, que son amplios y diversos.
MUY BUENO. Listening to Big Daddy Wilson no one would say Wilson did not discover the blues until the early 80’s in Germany where he became totally fascinated with blues. Wilson was born in Edenton, North Carolina on a very poor family. Every Sunday his mother and grandmother took him to sing at church trying to keep him out of drugs and bad companies. In 1979, Big Daddy Wilson decided to escape from poverty. He enrolled in the army and he went to Germany. As said, in that country he discovered the blues and, in spite he was rather shy, he decided to devote his life to music and especially to the blues. Since then on, Wilson has got a name and a reputation that has gradually increased, so now Ruf Records has bet for this amazing singer with this recording. This album is a good example of Wilson’s personal growth, where you will discover all southern music flavours in a clever combination of blues, gospel, roots, soul and reggae. Our man is backed by Paul Legramandi on bass and Cesare Nolli on guitar, keyboard, drums and percussion, plus a handful of good guest musicians like Eric Bibb or Ruthie Foster. Wilson feels comfortable in all mentioned styles, showing his skills to let us appreciate the excellent vocal tones and the colourful voice variations, which are broad and diverse. GREAT.

Ina Forsman - Layla Zoe - Tasha Taylor “Blues Caravan 2016”. Ruf Records 2017.
La compañía alemana Ruf propiedad de Thomas Ruf suele reunir anualmente a algunas de las figuras destacadas del panorama del blues más actual. En esta ocasión y bajo el epígrafe de Blues Caravan, Blue Sisters ha reunido a tres de las mejores vocalistas femeninas de nueva hornada como son desde Finlandia Ina Forsman, Layla Zoe desde Canadá y Tasha Taylor desde Estados Unidos. Las tres combinan sus magníficas y potentes voces de amplio espectro en dieciséis bien seleccionadas canciones. Ina Forsman es una artista emergente que se ha formado bajo los auspicios del virtuoso armonicista Helge Tallqvist. Por su parte Tasha Taylor aprendió todos los secretos, matices y recursos vocales de la música negra de la mano de su progenitor Johnnie Taylor, uno de los artistas punteros del catálogo Stax de los años setenta. Finalmente la canadiense Layla Zoe se ha curtido en infinidad de actuaciones por bares y clubs locales del área de Toronto, y a nivel internacional, ha participado con un mas que respetable éxito en el Festival de Montreux, además de tocar con asiduidad en el Rockpalast. Tanto en solitario como conjuntamente, las tres cantantes muestran su amplitud de combinaciones vocales y la compenetración entre ellas en los temas en los que intervienen juntas. Un mas que apreciable cd acompañado por un soberbio dvd también grabado en directo que contiene la nada desdeñable cantidad de veintiséis canciones. Mencionar también que la banda que las acompaña suena de primera realzando más si cabe las excelentes voces de estas tres divas del siglo XXI.
MUY BUENO. Every year German label Ruf Records owned by Thomas Ruf uses to gather some of the outstanding names of actual blues scene. This time and under the name of Blues Caravan, Blue Sisters, Tom has brought together three of the best new generation female singers. From Finland comes Ina Forsman, Layla Zoe comes from Canada and Tasha Taylor from United States. These three women perfectly combine their magnificent and powerful voices and wide registers in sixteen well-selected songs. Ina Forsman is an emerging artist who has grown up under the clever guidance of virtuoso harmonica player Helge Tallqvist. On the other hand Tasha Taylor learned all black music secrets, nuances and vocal resources from her father Johnnie Taylor, one of the outstanding names of Stax catalogue in the 70’s. Finally Canadian Layla Zoe has got experience in a huge variety of shows in local bars and clubs of Toronto area and, at an international level, she has got a more than remarkable success at Montreux Festival and she has also played some shows at Rockpalast. Both solo and all together, these three singers show the wide range of vocal combinations they can provide, as well as the excellent communication among them in the songs they play together. A more than a noticeable cd that also includes a superb live dvd with the good amount of twenty-six songs. A special mention to the backing band which really enhance the excellent voices of these three twenty-first century divas. GREAT.

Thorbjorn Risager & The Black Tornado “Change My Game”. Ruf Records 2017.
A pesar de ser una banda danesa y de haber grabado siempre en pequeños sellos discográficos indie, Thorbjorn Risager & The Black Tornado han conseguido traspasar las fronteras de su país para obtener el reconocimiento del público y la critica especializada tanto de los Estados Unidos como del resto de Europa, además de realizar diversas giras a lo largo de los cinco continentes que les han llevado desde Canadá hasta la India. Con este álbum la banda desborda las fronteras del blues y explora otras direcciones y caminos musicales en un puñado de canciones llenas de una abundante y sobria riqueza musical que consigue alcanzar y atrapar de inmediato la sensibilidad del oyente más contumaz y desconfiado. En este su onceavo disco The Black Tornado y su líder Thorbjorn Risager se han involucrado en cuerpo y alma tanto en la producción como en las mezclas, por lo que este disco se convierte en una grabación emotiva y visceral donde todos los músicos expresan libremente pero, al mismo tiempo con mucho rigor, las ideas que tenían en mente al inicio del proyecto, dejando a un lado la moderna tecnología para presentar un producto en el que prima la química y la compenetración entre todos los músicos sobre el resto de particularidades.
MUY BUENO. Despite this is a Danish band which has always recorded in small indie labels, Thorbjørn Risager & The Black Tornado have managed to cross Denmark borders and get recognition among audiences and specialized media both in United States and the rest of Europe. They have also done various tours along the five continents that have led them from Canada to India. With this new album the band goes beyond the blues boundaries to explore other musical roads and fields, in a handful of interesting songs full of a wide but at the same time restrained musical richness that will immediately reach and catch the sensitivity of the most reluctant listeners. This is their eleventh album where The Black Tornado and their leader Thorbjørn Risager have been totally involved both in final production and mixing, so it becomes an emotional and visceral recording where all the musicians express with a total freedom but, at the same time with a rigorous attitude, all the ideas they had in mind before getting involved with this new project, leaving aside actual technology to bring us an album where chemistry and understanding among all musicians prevail over other particularities. VERY GOOD.

Elvin Bishop’s Big Fun Trio “Elvin Bishop’s Big Fun Trio”. Alligator 2017.
De nuevo Elvin Bishop ha dejado el trabajo en su granja para sorprendernos gratamente con este su último disco y el séptimo para la compañía Alligator. Elvin Bishop ha formado un excelente trío con el que se dedica a explorar nuevos y sorprendentes senderos por los que discurren sus blues, para así transmitir alegría y diversión a raudales a todos aquellos que quieran acercarse a su música, es por esto que tanto la formación como el disco se denominan Elvin Bishop’s Big Fun Trio. Además del propio Elvin a la guitarra y voz, los otros dos músicos que completan el trío son Bob Welsh al piano y guitarra y Willy Jordan al cajón, percusión y voces, mas la participación en el álbum de tres grandes armonicistas como son Kim Wilson, Rick Estrin y Charlie Musselwhite, todos ellos viejos amigos suyos. Los tres sopladores intervienen en un tema cada uno, lo que imprime un plus de calidad a la ya de por si irrepetible, fresca, fantástica y muy dinámica grabación. Bishop es heredero directo de la tradición del blues de Paul Butterfield y asi nos lo ha mostrado a través de los años en cada uno de sus álbumes en los que, a medida que pasa el tiempo, se reinventa una y otra vez de manera camaleónica, interpretando unos blues directos, enérgicos, musculosos, macizos y llenos de vitalidad. Doce canciones interpretadas con espontaneidad, buen gusto y alegría, en las que inmediatamente se palpa y se hace evidente el buen rollo y la camaradería que siempre surge entre ellos cada vez que tocan juntos.
BUENISIMO. Once again Elvin Bishop has left his daily work on his farm to pleasantly surprise us with his last album, the seventh one for Alligator records. Elvin Bishop has formed an excellent trio which works to explore new and surprising paths to let his blues run free, in order to communicate joy and fun to all those who love his music, so this is the reason why both the trio and the album have the name of Elvin Bishop's Big Fun Trio. Besides Elvin on guitar and vocals, the other two musicians who complete the trio are Bob Welsh on piano and guitar and Willy Jordan on cajón, percussion and vocals- Three amazing harmonica players and good Elvin’s friends like Kim Wilson, Rick Estrin and Charlie Musselwhite have collaborated in the album, each one in one song, which gives a plus of quality to the unique, cool, fantastic and totally dynamic recording. Elvin Bishop has always been a direct heir of Paul Butterfield’s blues tradition and, over the years, he has shown it in most of his albums where, as time goes by, he reinvents himself like a chameleon, playing a strong, muscular, solid blues always with an enormous vitality. Twelve songs performed with spontaneity, good taste and joy, where you will immediately realize the joyful atmosphere, friendship and good feeling that always appear among them when they play together. GREAT.

Husky Tones “Who Will I Turn To Now?”. Self Production 2017.
¿Pueden el punk, el blues, el rock, el garaje y el folk fusionarse y darse la mano elegantemente?. Aunque a primera vista pueda parecer todo lo contrario, el dúo The Husky Tones saben mezclar todos estos géneros con abundancia de ideas, consiguiendo con ello un efecto curioso del que extraen un sonido propio más que sugerente para beneficio del oyente. Victoria Bourne a la batería y voz y Chris Harper a la guitarra despliegan un florido abanico de posibilidades con unas canciones que podríamos calificar como de protesta, en donde incluyen temáticas como la desesperación, el amor, el desconsuelo, la política de recortes, la desintegración del capitalismo o las políticas actuales. Sin embargo Victoria vuelve también al pasado para hablar sobre su familia en la pieza titulada “Island Of Barbet Wire” relatando la historia de un tío abuelo suyo que fue encarcelado en la isla de Man como prisionero de guerra alemán simplemente por ser de esta nacionalidad, aunque hacía años que vivía en Reino Unido y estaba felizmente casado con una inglesa, en un relato que muestra toda la crudeza de los hechos globales y de los que un simple y sencillo individuo no puede escapar.
BUENO. Can punk, blues, rock, garage and even folk music combine and be mixed on a tasteful way? Although at first sight it might seem the other way round, The Husky Tones duo have the skills to mix all these genres with a good amount of new ideas, getting a surprising effect that leads them to reach a more than a suggestive personal sound for the sake of most listeners. Victoria Bourne on drums and vocals and Chris Harper on guitar display a colourful range of musical possibilities along a bunch of tunes that could be qualified as protest songs, including topics like despair, love, desolation, climate of cuts, disintegration of capitalism or modern day politics. But Victoria even dares to come back to the past and talk about her family in the song "Island Of Barbet Wire" where she tells us the story of her great uncle who was imprisoned in the Isle of Man as a German prisoner of war simply because of his nationality, although he had been living for years in the United Kingdom and was happily married with an English woman, on a story that shows the cruelty of global events a single person cannot avoid or escape from. GOOD.

Tomaccos “Easyhill T.N.”. Entrebotones 2016.
¿Te va el burlesque? ¿Y el cabaret? ¿El vaudevil quizás? Si te gustan todos estos géneros musicales entonces este es un álbum pensado especialmente para ti, a pesar de que el grupo considere que su música es una combinación de swing, country, hillbily y bluegrass, que también lo es, faltaría más. Tomaccos es un grupo con músicos proveniente de diferentes países pero afincados todos ellos en  Madrid, formado por Captain Edward Mill a la voz, dobro, guitarras Parlor, washboard y percusión, Suzanne Baquet al clarinete y voz, Rodderick Owens al contrabajo y voz y Al Monseau a la guitarra acústica y voz. Al grupo se les añaden como invitados Marcos Ortega a la trompeta, Miguel Rodríguez al violín, Lady Pepper, Agnes Bazini y Brigitte Goigoux a las voces y Nacho Mur al banjo. Dice el Capitán que su música bebe directamente del whisky que se destilaba en el sur durante el siglo XIX y es posible que sea cierto, puesto que yo jamás lo probé, más que nada por la lejanía en el tiempo. Lo que si puedo asegurar es que si quieres acercarte al tiempo y la música de aquellas pequeñas compañías teatrales que viajaban por el sur y se recorrían el circuito de la T.O.B.A durante las dos primeras décadas del siglo XX, ten por seguro que Tomaccos te retrotraerán a aquellos sugestivos años.
MUY BUENO. Do you like burlesque? Cabaret? May be vaudeville? If you like all these musical genres, then this is an album especially devoted to you, in spite the band consider their music as a combination of swing, country, bluegrass and hillbilly which, of course, is true. Tomaccos is a group with musicians coming from different countries but all settled all in Madrid, formed by Captain Edward Mill on vocals, dobro, Parlor guitars, washboard and percussion, Suzanne Baquet on clarinet and voice, Rodderick Owens on bass and vocals and Al Monseau on acoustic guitar. For the recording the band has added some guest musicians like Marcos Ortega on trumpet, Miguel Rodriguez on violin, Lady Pepper, Agnes Bazini and Brigitte Goigoux on vocals and Nacho Mur on banjo. The Captain says their music directly drinks from the whisky that was distilled in the south of USA during XIX century and, may be, it is true, because I have never drunk it, mainly for the remote time and long distance we are talking about. What I can surely tell you is that if you want to move closer to the time and music of those small theatre companies which, during the first two decades of the XXth century travelled all over the south along the T.O.B.A circuit, be sure Tomaccos will drive you back to those suggestive musical years. VERY GOOD.

Kat & Co. “Blues Is The New Cool”. Tone Trade 2016.
Ciertamente los  aficionados británicos al blues ya esperaban con ganas poder escuchar una nueva entrega del trabajo de la Kathleen Pearson y sus huestes. Una vez mas las letras de las canciones escritas por el guitarrista de la banda Francesco Accurso nos hablan de historias cotidianas de la vida en la ciudad, donde se introducen los blues en el contexto de hoy en día con la temática que se cuestionan la juventud actual. Más allá de esta reflexión, el contenido de la prosa y la lírica de los textos junto a la música que la banda interpreta, arropan sin fisuras el blues urbano de este nuevo siglo con una mezcla de ritmos polifónicos realizados a base de instrumentos tradicionales y electrificando de forma natural estas canciones, a pesar de que también han usado el dobro y la cigar box guitar. Estoy seguro que con este álbum la banda cautivará profundamente a toda una nueva generación de amantes del blues, por el aporte curioso que de esta música hacen. Kat & Co. están formados por Kathleen Pearson a la voz, Francesco Accurso a las guitarras, bajo, dobro, lap steel, cigar box, piano y coros, Federico Parodi al Hammond C-3, piano, Rhodes Mk-1, Wurlitzer A-200, armónica y voces y Nicholas Owsianka batería, percusión y voces. Mención especial a la inestimable colaboración de Paul Lamb a la armónica como invitado de lujo, junto a algunos otros músicos que contribuyen en los arreglos de cuerda y coros.
MUY BUENO. British blues fans were eagerly waiting for a new piece of work coming from Kathleen Pearson and his mates. Once again the song lyrics have been written by the band guitar player Francesco Accurso and tell us about daily life in a big city, where the blues is introduced in today context and actual young people most questioned subjects. Also the contents of prose and poetry texts as well as the music the band plays, give a close envelop to new century urban blues, with a colourful mixture of polyphonic rhythms performed with traditional instruments that electrify the songs on a very natural way, although they have also included dobro and cigar box guitar. With this album I am sure the band will deeply captivate the new generation of blues lovers, thanks to the curious and different way of playing music. Kat & Co. are Kathleen Pearson on vocals, Francesco Accurso on guitars, bass, dobro, lap steel, cigar box, piano and backing vocals, Federico Parodi on Hammond C-3, piano, Rhodes Mk-1, Wurlitzer A-200, harmonica and vocals and Nicholas Owsianka on drums, percussion and vocals. Also a special mention to Paul Lamb’s valuable collaboration as guest musician on harmonica plus some musicians who contribute with string arrangements and backing vocals. VERY GOOD.

Cary Morin “Cradle To The Grave”. Self Production / Mark Pucci 2017.
El cantante de roots music y blues, además de fino exponente de la técnica ‘fingerstyle’ Cary Morin, completa con este disco su proyecto de tres discos acústicos que le han llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas acústicos de la escena del blues de Estados Unidos. En esta última entrega de su trilogía Morin nos presenta un amplio muestrario de la tradición de la roots music que abarca desde el blues al folk con algunos destellos de la música nativa de los indios Crow de quienes es heredero por raza. A lo largo del álbum Cary muestra un gusto exquisito en todas y cada una de las once canciones, sumergiendo al oyente en un placentero y grato viaje que muestra la evolución y la labor de este artista con una enorme sensibilidad en sus facetas de compositor, cantante y guitarrista. De los once temas que aquí encontramos, ocho son composiciones propias y tres son versiones tan diversas como “Nothing Compares 2 U” de Prince, “Mississippi Blues” de Willie Brown y “Back On The Train” del supergrupo Phish. Cary Morin también es miembro de los grupos The Atoll y The Pura Fé Trio con los que ha viajado por medio mundo.
MUY BUENO. Roots music and blues singer besides a fine ‘fingerstyle’ technique guitar player, Cary Morin completes with this recording his project of three acoustic albums that have led him to be considered as one of the best guitarists of USA acoustic blues scene. In this last work of the trilogy Morin displays a wide range of roots music tradition, from blues to folk music with some drops of native Crow Indians music he is heir by race. Along the whole album Cary shows an exquisite taste in each and every one of the songs included, immersing all listeners to a pleasant delightful journey that shows the evolution and good work of an artist with an enormous sensitivity as composer, singer and guitar player. Eight own compositions plus three versions of so different songs like "Nothing Compares 2 U" coming from Prince, "Mississippi Blues" by Willie Brown and "Back On The Train" by the super band Phish. Cary Morin is also member of The Atoll and The Pura Fé Trio and, with the, he has travelled all over the world. VERY GOOD.

James O’Hara “James O’Hara”. Self Production 2016.
En 1986 James O’Hara se dio a conocer en el circuito del blues británico junto a su banda The Fingerpoppin’ Daddies. El grupo cambió su nombre por The Detonators. Con ellos tuvo la oportunidad de compartir escenario y cartel junto a Georgie Fame en el concierto de homenaje a Alexis Korner, lo que les dio la posibilidad de tocar junto a artistas como Lonnie Donegan, Chris Barber y Peter Green, además de aparecer y participar en numerosos conciertos y festivales de rock y blues. La banda se disolvió en 1998 y James formó The Giantkillers junto a la legendaria sección rítmica de King Pleasure And The Biscuit Boys. Después de unos años recorriendo el Reino Unido, James decidió arriesgarse a iniciar su carrera en solitario viajando a Chicago para aprender lo poco que le quedaba tocando junto a Phil Guy, Lurrie Bell, Billy Branch, Jimmy Burns y otros maestros del estilo. El pasado año 2016 fue reconocido por la revista inglesa Blues Matters! participando en el Colne International Rhythm And Blues Festival. Ahora con la experiencia acumulada James nos presenta este álbum donde básicamente interpreta el blues de siempre pero con un encanto, unos arreglos y un aire de lo más actual y contemporáneo. Además de James a la voz, también se encuentran Paul Corry a la guitarra, Jon Burr a la armónica, Clinton McFarlane al bajo y Marc Layton-Bennett a la batería. Un estupendo disco a tener en cuenta por los aficionados al nuevo blues del siglo XXI.
MUY BUENO. In 1986 James O'Hara appeared in British blues circuit with his band The Fingerpoppin' Daddies. The group changed its name for The Detonators. With them he had the chance to share stage and line-up with Georgie Fame at Alexis Korner’s tribute concert, which gave them popularity and opened doors to play with artist like Lonnie Donegan, Chris Barber and Peter Green, besides performing in many rock and blues shows and festivals. The band fell apart in 1998 and then James formed The Giantkillers that included the legendary rhythm section of King Pleasure And The Biscuit Boys. After few years touring United Kingdom, James decided to risk and start a solo career travelling to Chicago to learn the little he needed to knows of blues masters like Phil Guy, Lurrie Bell, Billy Branch, Jimmy Burns among others. Las year 2016 he was awarded by the English magazine Blues Matters! and he participated at Colne International Rhythm And Blues Festival. Now, with all the experience he has gathered over the years, James brings us his last album where he basically performs old school blues with charming very actual and contemporary arrangements. Besides James on vocals, you will also find Paul Corry on guitar, Jon Burr on harmonica, Clinton McFarlane on bass and Marc Layton-Bennett on drums. This is an interesting album to be taken into account by all 21st. century new blues lovers. VERY GOOD.

Dave Fields “Unleashed”. FMI Records / Rick Lusher 2017.
Dave Fields posee unas enormes cualidades innatas para la música. Básicamente ha desarrollado su carrera como cantante, guitarrista y compositor, pero también domina el bajo y el contrabajo, la mandolina, el banjo, el pedal steel, el ukelele, los teclados y la batería, por lo que puede decirse que Dave es un verdadero multi-instrumentista. En este último álbum confirma su evolución musical en los terrenos del rock y del blues, caminos por los que transita experimentando nuevas formas y maneras con las que poder atraer y calar en el interior de todos aquellos que se acerquen a beber y alimentarse de su música. Catorce canciones, siete de ellas grabadas en ‘vivo’ y la otras siete en estudio, en las que se encuentran reflejados los estilos musicales con los que Dave se siente más a gusto, como son los ya anteriormente citados rock y el blues más actual y dinámico. Dave Fields sabe asimismo rendir un apasionado tributo a Jimi Hendrix o deleitarnos con un par de instrumentales con un grato sabor al rock de los setenta. Aquí lo tienes ahora en este “Unleashed” junto a su poderosa banda ofreciendo un excelente puñado de buenas canciones con las que disfrutarás enormemente.
MUY BUENO. Dave Fields has been gifted with innate qualities for music. Basically he has developed his career as singer, guitar player and composer, but he also knows to play bass and double bass, mandolin, banjo, pedal steel, ukulele, keyboards and drums, so it can be said Dave is a true multi-instrumentalist. In this last album he confirms his musical evolution in both rock and blues fields, experimenting with new forms and fields to attract and catch all those people who come to feed and drink with his music. Fourteen songs, seven recorded live and the other seven in studio, that faithfully reflect the musical styles Dave feels more comfortable with, like the just mentioned rock and the most actual dynamic blues. Dave Fields also pays a passionate tribute to Jimi Hendrix or delights us with a couple of instrumentals performed with the delicious flavour of 70’s rock. So here he comes together with his powerful band, to present this "Unleashed” album and giver us a bunch of excellent songs you will totally enjoy. VERY GOOD.

Big Golden Wheeler “Turn My Life Around”. Wolf 2017.
Big Golden Wheeler nació en 1929 en Georgia. Desde muy niño sintió una enorme pasión por el blues pero no fue hasta principio de los años cincuenta en que Wheeler empezó a tocar. En aquella época conducía un taxi y uno de sus clientes habituales era el cantante y armonicista Buster Brown. Buster solía cantar y tocar la armónica durante los trayectos en taxi. Wheeler se animaba también a cantar, por lo que Buster le convenció a que probara fortuna. Finalmente se trasladó a la meca del blues, Chicago, donde en un abrir y cerrar de ojos formó su primera banda. Allí conoció a Junior Wells quien le enseñó algunos trucos con la armónica, aunque Wheeler siempre se consideró un autodidacta del instrumento ya que nunca quiso imitar a nadie. En los años noventa inició una amistad con Jimmy Johnson quien le produjo este álbum que Wheeler solía vender en todas sus actuaciones. Esta grabación llegó a manos de Hannes Folterbauer propietario de Wolf Records quien lo ha reeditado recientemente. Este disco contiene once canciones, una de ellas es un instrumental interpretado por el propio Jimmy Johnson, quien también colabora como guitarrista, bajista y teclista. Asimismo intervienen en un par de temas Luther Adams y John Primer a las guitarras y Willie Kent al bajo, mientras Timothy Taylor se encarga de la batería. Si eres uno de esos fanáticos del genuino blues de Chicago de los años sesenta, éste es un disco que no debe faltar en tu colección.
MUY BUENO. Big Golden Wheeler was born In Georgia in 1929. Since he was a little boy, he passionately loved the blues but it was not until the beginning of the 50’s when Wheeler started to play. At that time he drove a cab and one of his regular customers was singer and harmonica player Buster Brown. Buster used to sing and play harmonica while riding in the cab and often they sang together, so Buster encouraged him to try in. Finally he moved to Chicago, where he immediately he formed his first band. There he met Junior Wells who taught him some harmonica tricks, although Wheeler always says he is a self-taught harmonica player, because he never tries to imitate any other harmonica players. During the 90’s he became Jimmy Johnson’s close friend. Johnson produced this album that Wheeler used to sell in all his shows. This recording came to Hannes Folterbauer’s hands and he has recently published a reissue for Wolf Records. The album includes eleven songs, one of them is an instrumental played by Jimmy Johnson himself, who has also done guitar, bass and keyboards work. You will also find in a couple of songs Luther Adams and John Primer on guitars and Willie Kent on bass, while Timothy Taylor is on drums. If you are one of those genuine 60’s Chicago blues fans, this is certainly an album that cannot be missing in your record collection. GREAT.

John Ginty featuring Aster Pheonyx “Rockers”. American Showplace Music 2017.
El talento de John Ginty resalta en el oído de cualquier aficionado con un mínimo sentido del gusto al escuchar este disco que comentamos. No en vano Ginty posee una dilatada carrera que le ha llevado a tocar un sinnúmero de estilos musicales que abarcan desde el rock al hip-hop, el blues o incluso el jazz. Con tres discos a sus espaldas publicados bajo su propio nombre, para esta cuarta entrega John decidió contar con la inestimable colaboración de la cantante Aster Pheonyx a la que conoció al acabar uno de sus conciertos en el legendario Wonder Bar de Asbury Park. Empezaron a tocar de forma improvisada en los camerinos y la química que surgió entre ambos fue realmente espectacular, y este disco es buena prueba de ello. Son doce canciones las que conforman este preciso y espléndido álbum. Además de John Ginty al Hammond B-3, piano y teclados y la poderosa y bien timbrada voz de Aster Pheonyx, el resto de la banda está formada por Mike Buckman a la guitarra, Justine Gardner al bajo y Maurice “Moe” Watson a la batería y voces. El disco ha sido producido por Ben Elliott junto al propio John Ginty que han sacado el máximo partido de un álbum que ya de por sí está muy bien trabajado.
MUY BUENO. John Ginty’s talent highlights in the ears of any music lover gifted with a minimum good taste every time he comes to listen to this album. Not in vain Ginty has a long career on his back that has led him to play a variety of musical styles ranging from rock to hip-hop, blues or even jazz. With three albums published under his own name, for this fourth one John decided to rely on the valuable collaboration of singer Aster Pheonyx he met at the end of one of his shows in legendary Wonder Bar in Asbury Park. They started jamming in the backstage and the chemistry that arose between them was really amazing and this album really proves it. Twelve songs form this precise and splendid recording. Besides John Ginty on Hammond B-3, piano and keyboards and Aster Pheonyx’s powerful well pitched voice, the rest of band members are Mike Buckman on guitar, Justine Gardner on bass and Maurice "Moe" Watson on drums and backing vocals. The album has been produced by Ben Elliott and John Ginty himself. Both have managed to round up a cd that already was very well conceived and performed. VERY GOOD.

Eliza Neals “10.000 Feet Below” E-H Records / Frank Roszak 2017.
La cantante, teclista y productora Eliza Neals se adentra sin tapujos por los tortuosos y profundos caminos del blues con este su último álbum en el que deja algo de lado el rock-blues para descender a las profundas y mas primigenias raíces de la música negra americana. Además de viajar a este averno brutal y misterioso, Eliza se recrea con avaricia y fruición en deleitar al oyente con su trabajo a los teclados, ya sea con el piano, el Hammond B-3 o el Fender Rhodes. Su tesitura vocal es una verdadera delicia y por si ello fuera poco se ha sabido rodear de unos músicos competentes con un enorme potencial profesional. Entre todos ellos sobresale el guitarrista Howard Glazer respaldado por sus Narcotics, un músico que participa prácticamente en todos los temas del álbum y que además ha compuesto junto a Eliza Neals nueve de las canciones recogidas en este trabajo, a las que se añaden “Hard Killing Floor” de Skip James y “Cleotus” compuesta por la propia Eliza. La desatada fuerza y el salvaje poderío de esta musa te hechizará desde la primera canción del álbum por lo que puedo augurar que difícilmente podrás salir indemne de esta vital y gozosa experiencia. MUY BUENO. With this new album singer, keyboard player and producer Eliza Neals goes straightforward along the deep windy blues roads, where she leaves aside power rock-blues to go down to the traditional roots of America black music. Besides travelling to this rough mysterious hell, Eliza devotes herself with an extreme eagerness and joy to delight all listeners with her keyboards work, either on piano, Hammond B-3 or Fender Rhodes. Her vocal range becomes a true delight and, if it was not enough, she is surrounded by a bunch of able musicians with huge potential skills. Among them stands out guitar player Howard Glazer and his Narcotics, who plays in almost every album song and has also composed with Eliza Neals nine of the songs included in the cd, which is completed with "Killing Floor" coming from Skip James and "Cleotus" an own Eliza’s song. The wildness force and unleashed power this ‘muse’ always communicates will bewilder you from the first song to the last one, so I dare say you won’t come out unharmed of this vital and joyful experience. GREAT.

Vanessa Collier “Meeting My Shadow”. Ruf Records 2017.
Para los no iniciados el nombre de la cantante y saxofonista Vanessa Collier será un descubrimiento sorprendente. Sin embargo para todos aquellos que han seguido de cerca la trayectoria de esta atractiva mujer de Maryland, sin duda este álbum satisfacerá y colmará todas las expectativas puestas en ella, ya que en él se reencuentran el pasado, el presente y el futuro musical en un tributo al espíritu de la tradición del blues y una reflexión profunda de la cultura contemporánea, junto a un intenso deseo de crecimiento personal y musical por parte de esta mujer. Si su primer disco sirvió para ser reconocida entre el público y la crítica, con este nuevo y último álbum Vanessa confirma de lleno su innegable calidad, desarrollando una variada y ecléctica tanda de estilos de música negra que impresionará al oyente y le hará agradecer haber escogido la opción de hacerse con una copia del mismo. Su estilo vital y enérgico tocando saxo alto, tenor y soprano, flauta, Fender Rhodes, wurlitzer, clavecin, percusión y órgano, combinan perfectamente con el resto de los instrumentos interpretados por TK Jackson, Daniel McKee, Laura Chavez, Charles Hodges y Marc Franklin además de algunos músicos invitados. Estamos ante un disco muy completo y a la vez variado tanto en sus formas como en estilos.
MUY BUENO. For the uninitiated the name of singer and sax player Vanessa Collier will be a surprising discovery. But for all those who have followed the career of this attractive Maryland coming woman, this album will surely satisfy and fulfil all the expectations entrusted on her, as it combines the past, the present and the future of music, in a very special tribute to the spirit of blues tradition, a deep overview of contemporary culture and an intense desire of a future full of a personal and musical growth. If her first album gave her the possibility to be recognized among wide audiences and specialized media, with this new studio album Vanessa fully confirms her undeniable quality, developing a varied and eclectic range of black music styles that will impress listeners who have done the good choice to get a cd copy. His vital energetic style on alto, tenor and soprano sax, flute, Fender Rhodes, Wurlitzer, clavinet, percussion and organ, perfectly match with the rest of the instruments played by TK Jackson, Daniel McKee, Laura Chavez, Charles Hodges and Marc Franklin plus some guest musicians. We are facing a very complete and at the same time varied recording, both in the layout and content styles. GREAT.

Thornetta Davis “Honest Woman”. Sweet Mama Music / Frank Roszak 2017.
Durante más de veinte años Thornetta Davis, la reina del blues de Detroit, ha paseado su funky rockin’ blues por infinidad de escenarios de todo el mundo, cautivando con su total entrega y su increíble fuerza vocal a las mas variopintas audiencias. Muchos han intentado describir su técnica que ha sido comparada con la pasión de Etta James, el timbre de Sarah Vaughn, el poderío de Big Mama Thornton, la emoción de Aretha Franklin, el desgarrado sentimiento de Bessie Smith o la capacidad de transmitir sensaciones de Denise LaSalle. Y por si alguien dudara de estas comparaciones, para demostrarlo aquí tenemos su nuevo trabajo con trece canciones donde se refleja fielmente la enorme capacidad de seducción vocal que tiene en todas y cada una de las canciones que interpreta en las que se puede comprobar toda la versatilidad y el buen hacer de esta cantante llamada Thornetta Davis. Desde el back-porch delta blues, pasando por la espiritualidad del gospel, el rock-blues, las baladas, el funky, el cajun, la música Americana, el rhythm and blues o los low down blues, todo ello tiene cabida en este disco variado, entretenido y muy bien ensamblado a cargo de unos músicos capaces y competentes. Un álbum que no defraudará a ninguno de los oyentes que apuesten por escucharlo y degustarlo.
MUY BUENO. For more than twenty years, Thornetta Davis, the queen of Detroit blues, has given her funky rockin' blues to countless stages all over the world, captivating the most varied audiences with her commitment and her incredible vocal power. Many people have tried to describe her technique, which has often been compared with the passion given by Etta James, the timbre coming from Sarah Vaughn, the power of Big Mama Thornton, the emotional attitude displayed by Aretha Franklin, the heartbreaking feeling of Bessie Smith or the communication ability of Denise LaSalle. And if anyone doubts about all these comparisons, here comes her new work to prove them. Thirteen songs that faithfully reflect the enormous vocal seduction capacity she always gives to each and every one of the songs, where you will immediately discover the versatility and good work of this singer called Thornetta Davis. From back porch Delta blues to gospel, rock-blues, ballads, funk, Cajun, Americana, rhythm and blues or low down blues, all have place in this varied, enjoyable album, perfectly built up by a bunch of able very professional musicians. This is an album that will not disappoint any listener who comes to taste it. GREAT.

Lee Palmer “Bridge”. An On The Fly Music / Sarah French 2017.
El cantante, guitarrista y compositor canadiense Lee Palmer nos presenta su cuarto álbum, en el que mezcla con gusto y armonía el blues y la música americana de raíz. El disco estaba previsto que se grabara en el año 2016 pero diversas operaciones a corazón abierto y la implantación de un marcapasos retrasaron el proyecto. Pero gracias a su determinación, Lee superó con rapidez estos contratiempos e inmediatamente después de ser dado de alta, Lee se trasladó al estudio para dar forma a este proyecto que ahora ve la luz, en el que ha contado con la colaboración de un puñado de excelentes músicos de estudio de la zona de Toronto. Como su titulo indica este disco es un puente y un camino hacia todos esos sonidos por los que Lee Palmer siente una tremenda atracción y que le han acompañado a lo largo de su vida. Nuestro hombre quiere también rendir un sentido homenaje a JJ Cale con la canción “Tulsa Sound”, así como reconocer la tremenda lucha que Glenn Campbell lleva desde hace tiempo contra la enfermedad del Alzheimer con la canción “That’s No Way To Go”. Si con sus anteriores álbumes Lee Palmer ya recibió criticas muy positivas por parte de los medios especializados y en los programas de radio donde se escucharon sus temas, ahora este nuevo disco viene a confirmar plenamente su calidad como compositor, guitarrista y cantante.
MUY BUENO. Singer, guitar player and songwriter Lee Palmer comes back with his fourth album, where he tastefully and cleverly mixes blues and Americana roots music. In fact he had planned to record this album in 2016 but some bypass surgery delayed the project. But Lee’s determination made him quickly recover. When he left hospital he immediately went to work and came to studio to start his long awaited project which now sees the light, where he has counted with the valuable collaboration of a handful of excellent Toronto area studio musicians. As the recording title says, the album is a bridge and a way towards all the sounds Lee Palmer feels totally attracted which have always gone with him. Our man also pays tribute to JJ Cale with the song "Tulsa Sound", and he also recognizes the tremendous fight Glenn Campbell is daily carrying out against Alzheimer's disease with the song "That's Not the Way To Go”. If with his previous recordings Lee Palmer already received very positive reviews from specialized media and radio shows that broadcasted his music, now this new album comes to fully confirm his quality as composer, guitar player and singer. VERY GOOD.

Beth Garner “Snake Farm” Self Production / Mark Pucci 2016.
La cantante y guitarrista Beth Garner es bien conocida por todos los aficionados de la zona de Nashville, Tennessee, tanto en los ambientes del folk y la roots music como en los del blues, dos géneros con los que ella juega y se desliza como pez en el agua. Con este nuevo trabajo Beth da un paso adelante y se adentra por los caminos del gospel, el soul y el rock and roll, sin olvidar los cimientos de su música que, como hemos mencionado anteriormente, están profundamente arraigados en el blues y el folk. Además de la propia Beth Garner a la guitarra solista, slide y voz, el resto de los músicos que han participado en la grabación son Rory Hoffman al saxo barítono, teclados y guitarra rítmica, Steve Forrest al bajo, West Little a la batería y Angela Primm y Gale Mayes coros. Aunque el álbum solamente incluye siete canciones, a través de ellas se puede llegar a descubrir y apreciar todo el potencial musical que envuelve a esta artista que está llamada a ser reconocida y admirada a lo largo y ancho de los Estados Unidos y, ¿por qué no? también por una gran parte de los aficionados del resto del globo a los que estoy totalmente convencido de que, tanto su música como su talento, les seducirá como lo ha hecho conmigo. MUY BUENO. Singer and guitar player Beth Garner is well known by all Nashville and Tennessee area music lovers, both in folk and roots music circles and blues ones, two styles she feels comfortable with, sliding on them like fish in water. With this new work Beth takes a step forward going along gospel, soul and rock and roll ways, but she never forgets the real basis of her music that, as just mentioned, are deeply rooted in blues and folk. Besides Beth Garner in lead guitar, slide and vocals, the rest of the musicians involved in the recording are Rory Hoffman on baritone sax, keyboards and rhythm guitar, Steve Forrest on bass, West Little on drums and Angela Primm and Gale Mayes on backing vocals. Although the album only includes seven songs, they will be enough to make you discover and realize all the musical potential that surrounds an artist who is called to be recognized and admired all over America and, why not?, by a good number of music lovers around the world I am absolutely convinced that both her music and her talent, will seduce them as she has already done with me. GREAT.

Coco Montoya “Hard Truth” Alligator 2017.
Cualquier álbum publicado por Alligator Records es ya de por si sinónimo de calidad por lo que, prácticamente antes de escucharlo, ya daba por supuesto el interés que éste nuevo álbum iba a suscitarme, no solamente por ser de la compañía Alligator, sino por ser el nuevo trabajo de Coco Montoya cuyos álbumes nunca suelen defraudar a sus seguidores. Montoya puede estar más o menos inspirado, pero es un músico que siempre es capaz de aportar algo nuevo y seguir llamando la atención de sus fans y sus muchos admiradores. Coco Montoya creció como guitarrista y cantante junto a dos de los grandes maestros del blues, Albert Collins, uno de los grandes referentes del blues tejano contemporáneo y el gigante del blues británico ‘Papa’ John Mayall. Albert fue su mentor y gran amigo, entrando a formar parte de su banda como batería, aunque pronto Collins vio su gran potencial y le convirtió en el segundo guitarra. Coco permaneció a su lado durante cinco años, pasando después a formar parte de los Bluesbreakers de John Mayall con los que estuvo una década y se dio a conocer mundialmente como un brillante guitarrista. Con este nuevo álbum Coco sigue creciendo y ofreciendo al oyente toda esa emoción tan particular que es capaz de transmitir pulsando una sola nota de su guitarra y cantando un solo verso con esa personal voz que pone al servicio de la intensidad de sus letras.
MUY BUENO. Every Alligator Records new release becomes a synonymous of quality so, before I listen to this recording I know beforehand the interest this new album will have to me, not only for Alligator reliability but also for Coco Montoya’s name, whose recordings never disappoint all his followers. Montoya can sound more or less inspired, but he is a musician who is always able to bring something new to call the attention of his many fans and admirers. Coco Montoya grew as a guitar player and singer with two of the most legendary blues masters, Albert Collins, one of the greatest contemporary Texas blues names, and British blues giant 'Father' John Mayall. Collins was his mentor and great friend and he first played in his band as a drummer, but soon Albert realized his great potential as guitar player, so he soon became the second guitar player. Coco was in the band for five years and afterwards he was member for a decade of John Mayall’s Bluesbreakers where he became worldwide well known as a brilliant guitarist. With this new album Coco is even growing on, providing listeners that particular emotion he is able to communicate with only a single note of his guitar and a single verse sung with this personal voice he always puts in service of the lyrics intensity. GREAT.

Big Bill Morganfield “Bloodstains On The Wall”. Black Shuck / Rick Lusher 2017.
Sin dejar de lado la enorme similitud vocal y también a la guitarra con su padre Muddy Waters, Big Bill Morganfield nos presenta un nuevo álbum con el que ha sabido unir la tradición del blues de Chicago que su padre interpretaba con la modernidad del sonido actual y todo ello sin perder el auténtico espíritu de ese sonido tan característico con el que Muddy se convirtió en un auténtico creador de un estilo propio. Este álbum contiene once temas que nos transportan a los orígenes de los años cincuenta en los que en el sello discográfico Chess se daban cita tipos como Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter o, por supuesto. Muddy Waters. El disco contiene también una rareza en forma de bonus track extraída de la serie de televisión “Shots Fired”. Se trata de la canción “Hold Me Baby” en la que Big Bill Morganfield nos muestra una faceta suya completamente desconocida en la que se acerca a la música electrónica y el hip-hop. A destacar que también participan como músicos invitados Bob Margolin a la guitarra y Steve Guyger a la armónica. Si te va el blues de Chicago expuesto con corrección y buenas maneras, entonces no dudes que este álbum contiene todos los elementos necesarios para hacerte completamente feliz.
BUENÏSIMO. Without leaving aside the amazing vocal and guitar similarity to his father the one and only Muddy Waters, Big Bill Morganfield comes with a new album where he cleverly combines Chicago blues tradition his father used to play with a real actual sound, without losing the true spirit of that characteristic sound which made Muddy become the founder of an own musical style. The album gathers eleven songs that drive us to the beginning of the fifties, when Chess label brought together guys like Otis Rush, Willie Dixon, Jimmy Rogers, Little Walter or, of course. Muddy Waters himself. The recording ends with a rarity, a bonus track coming from a television series film "Shots Fired", the song "Hold Me Baby" where Big Bill Morganfield shows a completely unknown facet playing electronic music and hip-hop. Also mention you will find Bob Margolin on guitar and Steve Guyger on harmonica as guest musicians. If you like Chicago blues properly developed always with real good taste, then I am sure this album includes all necessary elements to giver you joy and happiness. GREAT.

Tiny Legs Tim “Melodium Rag” Sing My Title 2017.
Tiny Legs Tim es uno de los nombres que en los últimos tiempos han irrumpido con fuerza en la escena del blues belga. Recientemente ha conseguido también el reconocimiento europeo tras participar en el European Blues Challenge. Guitarrista y cantante muy versátil, ahora vuelve de nuevo a las raíces con este nuevo disco recientemente aparecido en el mercado. Este es un álbum completamente acústico en el que Tim da rienda suelta a su pasión por el blues de preguerra incluido el estilo Piedmont y en el que ha contado con la colaboración de Steven Troch a la armónica. Grabado de una sola tirada sin overdubs ni otros recursos técnicos de estudio, ambos músicos consiguen crear una atmósfera envolvente y aportar la energía suficiente para disfrutar de una grabación llena de soltura, fresca e irresistiblemente espontánea. El sonido vintage al tiempo que muy actual constituye otro plus mas para que el álbum, ya de por si dotado de gran calidad, obtenga el beneplácito del oyente. Inspirado en aquellos músicos como fueron Mississippi Fred McDowell, Son House, Johnny Woods, Sonny Terry y Brownie McGhee, Tiny Legs Tim va desgranando un refrescante repertorio donde no faltan el fingerpicking, el Delta blues, los shuffles, el country, el folk-blues o el ragtime.
MUY BUENO. Tiny Legs Tim is one of the names who, in recent times, has appeared with force in Belgian blues scene. Recently he has also gained European recognition after participating at the European Blues Challenge that runs every year in a European city. He is a really versatile guitar player and singer, and now he goes back to the roots with this recently published new album. This is a totally acoustic recording where Tim gives free rein to his passion for pre-war blues and Piedmont style. He has also counted with the valuable collaboration of Steven Troch on harmonica. Recorded in one take with no overdubs or other technical studio devices, both musicians manage to create a wrapping atmosphere and provide energy enough to produce a cool, spontaneous and irresistible album. The vintage analogue but at the same time, modern sound becomes a plus for an album which gathers an undeniable quality, that will satisfy the most demanding listeners. Inspired by those musicians like Mississippi Fred McDowell, Son House, Johnny Woods, Sonny Terry and Brownie McGhee, Tiny Legs Tim presents a refreshing repertoire where you will find fingerpicking, Delta blues, shuffles, country, folk-blues or ragtime. GREAT.

LazyEye “Pocket The Black”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Desde Australia nos llega una de las bandas que con sólo tres años de existencia, ya gozan de más prestigio y popularidad en el panorama del blues de nuestras antípodas, léase países como Australia o Nueva Zelanda. Ganadores de infinidad de premios como los Australian Blues Music Awards o los South Australian Awards, los LazyEye con este álbum conforman que su fama es realmente merecida. Diez exuberantes canciones componen este trabajo firmemente enraizado en el pasado, pero sin olvidar por ello el presente y el futuro del blues, en un brillante ejercicio musical interpretado con gusto y alegría. “Pocket The Black” es un disco singular y atrevido, grabado en vivo, donde el trío acomete su faena con un entusiasmo embriagador y sumamente sugestivo. Así Evan Whetter muestra su capacidad creativa tanto en los vocales como en su trabajo al órgano y lo hace con elegancia y buen gusto. Lo mismo puede decirse de Erica Graf, cuyas líneas melódicas a la guitarra atraen al oyente atrapándolo con sus sutilezas y su buen hacer. Finalmente el batería Mario Marino insufla el apoyo sólido y bien formulado a través de sus tambores con los que determina que todo se asiente sobre unas bases frescas, dinámicas y muy bien trazadas.
MUY BUENO. From Australia comes one of the bands that, although it was only formed three years ago, has got an outstanding prestige and popularity in blues circles of our antipodes, in countries like Australia or New Zealand. Winners of different awards liker Australian Blues Music Awards or South Australian Awards, with this new album The LazyEye prove his fame is well deserved. Ten lush songs round up a recording firmly rooted in the past, without forgetting the present and the future of blues, in a brilliant musical exercise performed with pleasure and joy. "Pocket The Black" is a singular daring live recorded album, where the trio approaches their work with a heady and highly suggestive enthusiasm. Evan Whetter shows his creative skills both in vocals an in organ with elegance and good taste. The same can be said about Erica Graf, whose melodic guitar lines will immediately catch the listener with a subtle displaying and a delightful performing. Finally drummer Mario Marino brings a solid support with all his drums, which become essential to determine everything is build up over some cool, dynamic well drawn basis. VERY GOOD.

Billy T Band “Reckoning”. Big H / Frank Roszak 2017.
Billy T es un músico que nació en New York y que se ha ido haciendo a si mismo a base de esfuerzo y tesón. Durante doce años fue miembro de la banda de Eddie Kirkland y posteriormente lo fue por diez años más de la banda de Tom Russell. En el año 1997 Billy se estableció en Oslo, Noruega. Fue en esa ciudad donde fundó su propia banda con la que estuvo siete años como banda residente en el Muddy Waters Blues Club de la ciudad de Oslo. Ello le dio la oportunidad de tocar junto a grandes músicos y curtirse como sideman al lado de Willie ‘Big Eyes’ Smith, Homesick James, Gary Primich, Mitch Kashmar, Junior Watson, Tad Robinson, Alex Schultz, Nappy Brown, Louisiana Red o Kid Andersen entre otros. Desde que fundara su banda en el año 2003, ésta mantiene su misma formación con Billy T al bajo y la voz, Ian Fredrick Johannessen y Haakon Hoeye a las guitarras y Robert Alexander Pettersen a la batería. En el álbum han colaborado un buen puñado de músicos que incluyen desde una sección de cuerda para violines, viola y cello hasta saxo y trompeta y arreglos vocales. El álbum nos presenta un repertorio que se mueve entre el soul, la música Americana, el blues y el swamp rock. Un disco atractivo y balsámico con composiciones propias y unas armonías llenas de lirismo y elegancia.
MUY BUENO. Billy T is a self made musician born in New York who has worked hard to get a name. For twelve years he was member of Eddie Kirkland’s band and afterwards he spent ten years with Tom Russell’s band. In 1997 Billy settled in Oslo, Norway. It was there he decided to form his own band playing as house band at Muddy Waters Blues Club in Oslo for about seven years. This gave him the opportunity to perform with great musicians and get a wide experience backing such greal bluesmen like Willie 'Big Eyes' Smith, Homesick James, Gary Primich, Mitch Kashmar, Junior Watson, Tad Robinson, Alex Schultz, Nappy Brown, Louisiana Red or Kid Andersen among others. Since 2003 the band musicians have been the same ones, with Billy T on bass and vocals, Ian Fredrick Johannessen and Haakon Hoeye on guitars and Robert Alexander Pettersen on drums. The cd also gathers a variety of good players, from a string section with violins, viola and cello to sax, trumpet and vocal arrangements. The album surprises us with a repertoire that moves from soul to Americana music, blues or swamp rock. This is an attractive balsamic recording with own compositions and elegant harmonies full of a beautiful lyricism. VERY GOOD.

Lauren Mitchell “Desire”. Self Production / Frank Roszak 2017.
La vida discurría tranquila y apacible para Laura Bay, cantante de blues y soul afincada en Tampa Bay cuando el pasado año 2016 todo cambió para ella. La disolución de su matrimonio y de su banda la sumieron en una enorme tristeza anímica. Sin embargo y después del golpe inicial, Lauren decidió que aquellas bofetadas que había recibido de la vida tenían que hacerla más fuerte que nunca para salir adelante y la verdad es que lo ha conseguido. Para ello decidió sumergirse de lleno en el proyecto y la grabación de este estupendo “Desire”, un álbum que ha sido producido por Tony Braunagel (Bonnie Raitt, Taj Mahal, Robert Cray), quien ha sabido sacar lo mejor de las excelentes cualidades vocales de esta artista. Trece canciones, algunas compuestas por algunos amigos suyos, escritas especialmente para este disco, además de algunas versiones de temas que se hicieron populares interpretados por artistas de la talla de Etta James, Bettye Lavette, Diana Ross, Aretha Franklin o Betty Davis conforman un extraordinario disco. El poderío y la energía de su voz junto al dinamismo con el que ataca y aborda todas las canciones llamarán poderosamente la atención de los aficionados dispuestos a descubrir a esta tremenda y efectiva vocalista que, con toda probabilidad, robará sus corazones.
MUY BUENO. Life ran peaceful and happy for Lauren Mitchell, a blues and soul singer based in Tampa Bay area, when, suddenly, in 2016 everything became a mess. The dissolution of her marriage and parting ways with her band led her to a deep sadness. After the initial shock, Lauren decided the slaps and blows life had given her should make her stronger than ever to move forward and, the true thing, is she has got it. To do so, she decided to fully devote herself to a new engaging project that ended with the recording of this great album called "Desire", that has been produced by Tony Braunagel (Bonnie Raitt, Taj Mahal, Robert Cray), who brought out the best of Lauren’s impressive vocal qualities. Thirteen songs, some ones specially written for this album by some of her friends, together with some versions of different songs that became popular by such great artists like Etta James, Bettye Lavette, Diana Ross, Aretha Franklin or Betty Davis round up a very special recording. The energetic power of Mitchell’s voice as well as her dynamic stage presence and attack will call the attention of music lovers willing to discover this terrific and effective singer who will steal their hearts. GREAT.

Mátyás Pribojszki Band “My Stories”. Self Production 2016.
El cantante y armonicista húngaro Mátyás Pribojszki ha sobrepasado las fronteras de su país natal para ser reconocido a nivel internacional. Su técnica a la armónica es realmente envidiable y eso le ha llevado a compartir escenario con las primeras figuras del blues actual. Ahora nos presenta este nuevo disco en el que, además de su banda habitual formada por Ferenc Szasz a las guitarras, Laszlo Csizmadia al bajo y Daniel Molnar a la batería, ha contado con la inestimable colaboración de invitados de lujo como Charlie Musselwhite, Bob Margolin, Kid Andersen, Andy J. Forest, Raphael Wressnig, Little G. Weevil, Bill Barrett, Ryan Donohue, Rpoff Raskolnikov y Zoltán Nemes. Con todo este plantel de músicos es fácil comprender que se está ante de un álbum con mucho peso y de gran mérito sonoro para quien le guste el blues de Chicago, el de Texas y el jump de la costa oeste. Son un total de doce perlas, once de ellas compuestas por el propio Mátyás, las que componen este trabajo que estoy seguro te atrapará de principio a fin, sobre todo si disfrutas con el blues fresco y actual pero con sabor vintage. La armónica de Mátyás sobresale a base de excelentes solos, cuidadas líneas melódicas y un sonido amplificado anclado en los años cincuenta al que imprime un excelente ‘big fat tone’.
MUY BUENO. Hungarian singer and harmonica player Matyas Pribojszki has exceeded the borders of his country to be now recognized at an international level. He has an outstanding harmonica technique which has led him to share stage with the greatest blues musicians. Now he brings us this new album where, besides his usual band with Ferenc Szasz on guitars, Laszlo Csizmadia on bass and Daniel Molnar on drums, he has counted with the valuable collaboration of such great guest musicians like Charlie Musselwhite, Bob Margolin, Kid Andersen, Andy J. Forest, Raphael Wressnig, Little G. Weevil, Bill Barrett, Ryan Donohue, Rpoff Raskolnikov and Zoltán Nemes. With this line-up you can easily imagine this is an high class, strength album with a remarkable sound that will satisfy Chicago, Texas and West Coast jump blues lovers. Twelve pearls, eleven Matyas own compositions and one cover, round up an album that will catch listeners from beginning to the end, especially if you like cool actual blues with a vintage flavour. Matyas’ harmonica playing stands out with excellent solos, built up over the basis of excellent melodic lines and an amplified sound anchored in the 50’s and an amazing big fat tone. GREAT.

Samantha Fish “Chills & Fever”. Ruf 2017.
Con este último álbum la cantante y guitarrista Samantha Fish da un nuevo paso adelan
te en su carrera musical. En esta ocasión nuestra musa deja de lado su faceta más rockera y desgarrada para adentrarse por unos caminos nunca antes explorados por ella como son el soul y el sonido Motown y lo hace con un repertorio en el que ha rescatado algunas canciones de aquellos años legendarios para la música como fueron los sesenta y los setenta. Para ello se ha sumergido en cuerpo y alma en la música de Otis Redding, Ray Charles, pero también en los sonidos del ‘North Mississippi County Hills’ de los que  R.L. Burnside o Junior Kimbrough han sido siempre unos maestros consumados. También se ha imbuido de las fuentes que provienen de Jackie DeShannon o Allen Tousaint. Samantha ha seleccionado a una serie de músicos que han entendido a la perfección el discurso y las ideas que ella tenía en mente. Además de Samantha a la voz y la guitarra solista la acompañan Joe Mazzola guitarra rítmica, Steve Nawara al bajo, Kenny Tudrick a la batería, Bob Mervak piano eléctrico, Marc Levron trompeta y Travis Blotsky saxos. Todos ellos dan vida y colorido a un álbum con una calidad fuera de toda duda. MUY BUENO. With this new album, singer and guitar player Samantha Fish has done a step forward in her musical career. This time our diva leaves aside her most raw rocky facet to walk along some never before explored ways like soul and Motown sound, and she does it with a repertoire where she has rescued some songs of those legendary and incredible music years that were the 60’s and 70’s. She has totally immersed herself in the music of Otis Redding, Ray Charles, but also in the sounds of North Mississippi County Hills listening to such great masters like RL Burnside and Junior Kimbrough. And she has also investigated in sources coming from Jackie DeShannon or Allen Toussaint. Samantha has selected a bunch of musicians who have perfectly understood the ideas she had on mind and how to capture and express them. Besides Samantha on vocals and lead guitar, you will also finf Joe Mazzola on rhythm guitar, Steve Nawara on bass, Kenny Tudrick on drums, Bob Mervak on electric piano, Marc Levron on trumpet and Travis Blotsky on saxos. All of them give a lively bright colour to an album with an undeniable and totally amazing quality. GREAT.

The Almost Three “Three”. Pott People 2017.
El grupo alemán The Almost Three nos presenta un álbum difícil de clasificar musicalmente, en el que tienen cabida un variopinto abanico de cromatismos musicales donde se mezclan el funk, el rock de los setenta y el rock Indie actual. En el repertorio se pueden vislumbrar detalles y flashes que a veces pueden recordar a Jimi Hendrix, Neil Young o George Clinton. Grabado todo de una tirada sin overdubs ni otras florituras de estudio, el disco incluye trece canciones, diez de ellas composiciones propias y tres versiones. Además de Martin Ettrich a la guitarra y voz, Max Schmitz al bajo y Benny Korn a la bateria, el trío ha contado con la participación en un tema cada uno de dos músicos tan distintos como son el guitarrista de flamenco Rafael Cortés a la guitarra y percusión y Joseph Bowie conocido como ’Mr. Defunkt’ al trombón y voces, un músico que fue fundador de la popular banda de funk y jazz de New York, Defunkt. Con este tercer trabajo los Almost Three muestran toda su madurez y versatilidad con ese eclecticismo musical al que nos tienen acostumbrados. Un álbum para mentes abiertas.
MUY BUENO. German band The Almost Three comes back with an album really difficult to classify, with room enough to collect a wide range of chromatic music that mix funk, 70’s rock and the most actual indie rock. In the songs you can even discover some details and flashes that sometimes could remind Jimi Hendrix, Neil Young or George Clinton. Recorded live with no overdubs or other studio devices, the album gathers thirteen songs, ten own compositions and three covers. Besides Martin Ettrich on guitar and vocals, Max Schmitz on bass and Benny Korn on drums, the trio has counted with the valuable collaboration of two so different musicians like flamenco guitarist Rafael Cortés on guitar and percussion and Joseph Bowie well known as 'Mr. Defunkt' on trombone and vocals, founder of the popular New York jazz and funk band Defunkt who perform each in one song. With this third recording The Almost Three confirm his maturity and versatility, as well as the musical eclecticism they usually give to the music. This is an album perfect for the most open mind people. VERY GOOD.


MAYO 2017 / MAY 2017

Randy McAllister “Fist Ful Of Gumption”. Reaction / Frank Roszak 2016.
El blues y la roots music se dan la mano en este último trabajo del cantante, armonicista y batería Randy McAllister. Nacido en Texas, Randy pertenece a la quinta generación de músicos de la zona que se han desvivido por el blues siguiendo la estela de sus predecesores, maestros y grandes pioneros del género. Su padre era batería del grupo The Flames y, desde bien pequeño, Randy siguió sus pasos aprendiendo a tocar el instrumento. A los veinte años descubrió los jugosos timbres y sonidos de la armónica durante un viaje por Massachusetts. De vuelta a Texas sorprendió a todos sus amigos, familiares y seguidores, mostrando que había adquirido una técnica depurada soplando la armónica y conseguido un timbre vocal expresivo, rico y maduro. En la actualidad con treinta años de experiencia y trece discos a sus espaldas, Randy McAllister es un sólido valor que sigue al alza en lo que a su música se refiere. En este disco combina con acierto y un gusto deliciosas melodías impregnadas de roots music, folk y blues, además de unas sugestivas letras que despertarán el interés del oyente, junto a una gran fuerza expresiva. Además de Randy a la voz, armónica, batería y washboard, también intervienen en el álbum Rob Dewan a la guitarra, Maya Van Nuys al violín, Matt Higgins al bajo, Carson Wagner a los teclados y las armonías vocales de Benita Arterberry-Burns y Andrea Wallace. MUY BUENO. Blues and roots music come hand in hand in the last work of singer, harmonica player and drummer Randy McAllister. Born in Texas, Randy belongs to the fifth generation of those area musicians who have spent all their energies in the blues, following the path of the ancestors, great masters and pioneers of this music style. His father was drummer in The Flames band and, since his childhood. Randy followed his father’s footsteps and learned to play the instrument. When he was 20 years old he discovered the harmonica juicy tones and sounds while he was travelling around Massachusetts. Back to Texas he surprised all his friends, family and followers, showing he had got a fine harmonica playing technique and an expressive, rich and mature vocal tone. Now with thirty years of experience and thirteen albums on his back, Randy McAllister is a solid rising value. The album cleverly combines with very good taste delicious melodies full of roots music, folk and blues, plus suggestive lyrics that will call the attention of most listeners, as well as a great expressive strength. Besides Randy on vocals, harmonica, drums and washboard, the rest of musicians involved in the album are Rob Dewan on guitar, Maya Van Nuys, on violin, Matt Higgins on bass, Carson Wagner on keyboards and the vocal harmonies of Benita Arterberry-Burns and Andrea Wallace. VERY GOOD.

Derrick Procell “Why I Choose To Sing The Blues”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Derrick Procell trabajaba componiendo canciones para otros artistas junto a Terry Abrahamson, formando un tándem de prestigio. Derrick nunca pensó en dedicarse a la música, sin embargo cuando muchos de los músicos para los que componía canciones se dieron cuenta de su potencial creativo, le animaron a dar un paso adelante pues sus canciones merecían ser interpretadas por él mismo en lugar de convertirse en éxitos de otros artistas. Lo cierto es que Derrick se ha volcado de lleno en esta tarea y lo ha hecho con toda su energía y dedicación. Es ahora cuando se nos muestra como un apasionado y entregado vocalista, además de un aguerrido pianista y armonicista. Este disco contiene doce impecables interpretaciones de sus propios temas arreglados especialmente para la ocasión junto a su gran amigo y colega Terry Abrahamson, en los que está acompañado por su banda, The Parchman Farm, además de contar con la inestimable colaboración de Billy Branch, Bob Margolin o Eddie Shaw como invitados de excepción. El álbum certifica la aparición en la escena de este nuevo artista que irrumpe con fuerza y reclama un lugar destacado en el panorama del blues actual. MUY BUENO. Derrick Procell worked as a composer for other artists together with Terry Abrahamson and both formed a good tandem. Derrick never had thought to devote himself to music but, when most of the musicians that performed the songs he wrote for them realized his creative skills, they encouraged him to take a step forward, as his songs deserved to be played by Derrick himself instead becoming hits performed by other musicians. The true thing is Derrick threw himself into this new facet with energy and commitment. So now he appears as a passionate and delivered singer, as well as a seasoned pianist and harmonica player. This album includes twelve faultless versions of his own songs especially arranged in collaboration with his great friend and colleague Terry Abrahamson. Procell is backed by his band, The Parchman Farm, plus the valuable collaboration of Billy Branch, Bob Margolin or Eddie Shaw as deluxe guests. This recording certifies the arrival of a new artist to the blues scene, who appears with force and claims for a prominent place in the blues world. GREAT.

London Spradlin “No More Blue Mondays”. Self Production / Frank Roszak 2016.
London Spradlin es un versátil guitarrista que pued
e tocar todos los palos del blues con mucha naturalidad y buenas maneras. London se siente a gusto interpretando tanto los blues del Delta como los de la Louisiana, los de Memphis siguiendo la estela de BB  King, los de Texas o incluso colaborando con músicos del denominado blues británico, como es el caso de este disco. El álbum es una reedición del aparecido en 1995 y que London Spradlin grabó con miembros de la banda de Eric Clapton como por entonces eran Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy y Owen Wells. Con semejante banda es fácil comprender que el disco es, no sólo suculento y atractivo sino realmente impresionante. En este trabajo Spradlin fusionó con excelente criterio y vehemencia el feeling del blues negro con la técnica y el desparpajo de los músicos blancos. “No More Blue Mondays” se convierte en una buena muestra para redescubrir a un artista completo y extremadamente sugestivo, donde Spradlin nos regala los oídos con unas variadas y coloristas pinceladas de esta música que tanto nos gusta y con la que London continua haciendo disfrutar y vibrar a las audiencias con renovado entusiasmo. MUY BUENO. London Spradlin is a versatile guitar player who can perform a wide range of blues styles, always with a natural disposition and good technique. London feels comfortable playing not only Delta blues but also Louisiana and Texas blues, but he can also follow the path of BB King’s music and Memphis blues or even collaborate with musicians belonging to those named British blues, as is the case of this recording. The album is a reissue of the one published in 1995 London Spradlin recorded with members of Eric Clapton’s band like were Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy and Owen Wells. With such a band it is easy to imagine the album is not only tasty and attractive but also really impressive. In this work, Spradlin cleverly combined the feeling of black bluesmen with the technique and self-confidence of white musicians. "No More Blue Mondays" becomes a good way to rediscover a complete and extremely suggestive artist, as Spradlin delights us with varied colourful touches of the music we deeply love, that he still contributes to give it to varied audiences with a joyful renewed enthusiasm. GREAT.

Jr. Johnny “My Radio”. Bohemian 2016.
Jr. Johnny nació en Nueva York. De joven frecuentaba la zona más bohemia de la ciudad y tocaba en algunas bandas de garaje. Un día escuchó a Muddy Waters y desde aquel momento decidió que el blues sería la música que llenaría su vida. A la vuelta de la guerra del Vietnam se trasladó a San Francisco donde conoció a músicos como Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon y tuvo el honor de tocar con John Lee Hooker que fue quien le puso el sobrenombre de Jr. Johnny. Para alimentar a su familia tuvo que dejar la música a un lado y dedicarse a los más variopintos trabajos. Ahora Jr. Johnny ha sentido la necesidad de  volver a tocar y por ello ha grabado un disco relajado e intimista que incluye diez composiciones propias que reflejan una atmósfera sencilla e informal. Las canciones quizás pecan de ser algo similares en cuanto a los tempos y además Jr. Johnny tampoco es un vocalista con amplios registros sino mas bien un cantante en una línea melódica a lo Leonard Cohen o Lou Reed que, en lugar de cantar, lo que suelen hacer es recitar. Junto a Jr. Johnny a la voz y la armónica se encuentran también Peter Corrigan a la guitarra rítmica y slide, Denny Dwyer a la guitarra solista, Tony Perrino a los teclados, Stephen Minnich al bajo y Joe Rocco a la batería. BUENO / GOOD. Jr. Johnny was born in New York. In his youth days he usually was seen around the bohemian area of the city and he also played in some garage bands. One day he listened to Muddy Waters and since that particular moment, he decided blues would be the music that would fulfil his life. When he came back from Vietnam, he moved to San Francisco where he met musicians like Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon and was honoured to play together with John Lee Hooker who was the one who gave him the nickname of Jr. Johnny. To take care of his family he had to leave the music aside and devote his time to the most varied jobs. Now Jr. Johnny has felt the necessity to come back to the music, so he has recorded a relaxed and intimate album that includes ten original compositions that give us a simple and informal atmosphere. The songs may seem quite similar in tempos and, besides, Jr. Johnny is not a singer with a wide vocal register, so he sings following a melodic line similar to Leonard Cohen and Lou Reed who, instead singing they usually recite. Together with Jr. Johnny on vocals and harmonica you will also find Peter Corrigan on rhythm guitar and slide, Denny Dwyer on lead guitar, Tony Perrino on keyboards, Stephen Minnich on bass and Joe Rocco on drums.

Awek “Long Distance” Self Production 2017.
Awek son una de las bandas francesas con mayor proyección a nivel europeo e internacional gracias a su innegable calidad y por entender perfectamente el verdadero lenguaje del blues. Éste último trabajo se ha grabado a caballo entre Austin en Texas y Toulouse y Angers en Francia. En él los Awek nos presentan catorce temas donde alternan composiciones propias con versiones de algunos de los bluesmen históricos que mas han influido en su carrera como son Muddy Waters con una impresionante la versión de “Long Distance Call’” donde ponen toda la carne en el asador con un enorme feeling, o Jimmy McCracklin, de quien tocan el tema “Think” o T-Bone Walker del que interpretan “The Hustle Is On”, sin contar con la preciosa versión de la composición de Leiber y Stoller “Hound Dog”, donde el armonicista del grupo Stéphane Bertolino clava su solo en el más puro estilo de Kim Wilson. Los Awek tienen el auténtico sonido tanto del blues de Texas como del de Chicago, que interpretan con una enorme solvencia. Por si la calidad de la banda no fuera ya de por si suficiente, cuentan además con la colaboración de unos invitados excelentes como son Julien Brunetaud, Damien Daigneau, Fred Kaplan al piano, Drew Davies y Jean Marc Labbe a los saxos y Dereck O’Brien a la guitarra. MUY BUENO. Awek is one of the most recognized French bands at European and international level, thanks to their undeniable quality and the way they perfectly understand the true language of blues. This last work has been recorded between Austin in Texas and Toulouse and Angers in France. The recording includes fourteen songs that combine own compositions with versions of some of the historical bluesmen who have most influenced them like Muddy Waters they play homage with an impressive version of "Long Distance Call” they play with a terrific feeling and giving the best of themselves, or Jimmy McCracklin with the song "Think", T-Bone Walker with the song "The Hustle Is On", not to mention the delightful version of Leiber and Stoller’s song "Hound Dog", where the band harmonica player Stéphane Bertolino gives us a superb playing in the path of Kim Wilson. Awek have gpt the real Texas and Chicago blues sound, they display with a complete reliability. And if the band quality was not enough, they have also included some excellent guest musicians like Julien Brunetaud, Damien Daigneau, Fred Kaplan on piano, Drew Davies and Jean Marc Labbé on saxos and Dereck O'Brien on guitar. GREAT.

Lucas Haneman Express “Tearing Up The Rails” Self Production / Sarah French 2016.
Canadá posee una amplia cantera de músicos de blues que da vida a una floreciente escena y actividad musical. Una de estas nuevas y originales bandas de blues con una capacidad creativa de amplias miras y unos muy sólidos cimientos estructurales son Lucas Haneman Express. Originarios de Ontario, la banda tiene la habilidad de saber rejuvenecer la tradición del blues con un material fresco y actual lleno de magia y energía y al que estos jóvenes músicos aportan un aire desenfadado y de muy grata escucha. El disco contiene catorce canciones de las que “Give Me Life”, “lind Man’s Blues”y “hat’s The Truth” se grabaron en los legendarios estudios Sun de Memphis en Tennessee con unos resultados mas que positivos, por lo que valió la pena gastarse unos buenos dólares para hacerlo y si no escucha atentamente estos tres temas y seguramente me darás la razón. Lucas Haneman como líder de la formación, cantante, guitarrista y compositor, Martin Newman al bajo y voces, Jeff Asselin a la betería y percusión y Megan Laurence a las voces y tambourine han contado en éste álbum con la colaboración de Steve Marriner a la armónica y Jesse Whiteley al órgano y teclados en algunos cortes. Buen disco realizado con gran amplitud de miras en cuanto a interpretar los blues se refiere. MUY BUENO. Canada has a large pool of blues musicians who bring life to a flourishing scene and musical acts. One of these new and original blues bands which gather a wide creativity and solid structural foundations is The Lucas Haneman Express. Coming from Ontario, the band has the ability to rejuvenate blues tradition with a refreshing very actual material full of magic and energy, these young musicians bring us with a casual air which makes as a result a really pleasant listening. The album includes fourteen songs and these three ones “Give Me Life", "Lind Man's Blues" and "hat's The Truth" were recorded at the legendary Sun Studios in Memphis, Tennessee with a very positive result, so it was worth to spend some dollars to do it, so you have only to listen carefully to them and you will surely realize I am right. Lucas Haneman as band leader, singer, guitar player and songwriter, Martin Newman on bass and vocals, Jeff Asselin on drums and percussion and Megan Laurence on vocals and tambourine have counted for the recording the album with the valuable collaboration in some tracks of Steve Marriner on harmonica and Jesse Whiteley on organ and keyboards. Good album conceived and recorded with a wide vision concerning to blues displaying and performing. VERY GOOD.

Leadbelly “Good Morning Blues”. Wolf Blues Classics 2016.
Leadbelly fue un gran cantante, compositor y multi-instrumentista, aunque a lo que se dedicó principalmente fue a tocar la guitarra. Leadbelly tenia un amplísimo repertorio basado en la música popular tradicional influido por el rico folklore del pueblo afroamericano, aunque por supuesto cantó mucho blues y también fue un excelente y contumaz interprete de work songs y espirituales Huddie Leadbetter, más conocido como Leadbelly, llevó una vida muy azarosa pasando siete años en la cárcel por haber asesinado a un familiar, volviendo dos veces mas a la prisión por peleas con blancos. Afortunadamente John Lomax le contrató como su chófer y le dio la oportunidad de grabar una considerable cantidad de material. Gracias a Lomax fue reconocido por los estudiosos del folklore negro y por los aficionados al folk blancos, siendo uno de los primeros músicos en viajar a Europa. La influencia ejercida por este hombre es más que notable en músicos como Bob Dylan, Jack White, Tom Waits e incluso Kurt Covain. Este álbum recoge con fidelidad y un buen sonido remasterizado algunas de sus canciones mas populares y emblemáticas como pueden ser “Good Night Irene”, “Midnight Special”, “Where Did You Sleep Last Night”, “Good Morning Blues”, “Rock Island Land” o “Cotton Fields” entre un total de veinticuatro maravillosos cortes en un disco básico e imprescindible para todos los amantes del género. Felicitamos una vez más a Wolf Records que, como es habitual en ellos, siempre trabaja infatigablemente en la búsqueda de material histórico y que ahora nos regala otra de sus maravillosas entregas. BUENISIMO. Leadbelly was a great singer, composer and multi-instrumentalist, although he mainly devoted himself to play guitar. Leadbelly had a wide repertoire based on traditional popular music deeply influenced by rich Afroamerican music, although he also sang blues and also was an able and excellent work songs and spirituals performer. Huddie Leadbetter, better known as Leadbelly, had an hazardous life, he was inprisoned for seven years for murdering a relative and he went back to jail two more times accused of fighting and hit some white people. Fortunately John Lomax hired him as his driver and gave him the opportunity to record a considerable amount of his material. Thanks to Lomax he was recognized by black and folk music researchers and white fans and he was also one of the first musicians who travelled and played in Europe with great success. His influence can be found in such great musicians like Bob Dylan, Jack White, Tom Waits and even Kurt Covain. This album faithfully gathers with a good remastered sound of his most popular songs like "Good Night Irene", "Midnight Special", "Where Did You Sleep Last Night", "Good Morning Blues", "Rock Island Land" or "Cotton Fields" in a total of twenty four wonderful songs which have been selected in an album that becomes basic and essential for all lovers of these musical styles. Once again our congratulations to Wolf Records which, as usual, does a tireless work in the research of historical material which now gives us one more example of their excellent recordings. ESSENTIAL. 

Del Rey “Solo”. Hobemian Records 2017.
Del Rey es una verdadera y auténtica trovadora del folk blues cuya misión es llevar este viejo estilo musical a las jóvenes audiencias del nuevo siglo en el que nos encontramos. Ella es una extraordinaria intérprete que, con su voz, su ukelele y su guitarra nos retrotrae a los blues de aquellos pioneros como Bo Carter, Memphis Minnie o Sam Chatmon entre otros muchísimos músicos de blues de los años treinta. Del Rey tiene gusto y aplica su veneración por esta música con criterio, sensibilidad y mucho amor, Del Rey siempre está dispuesta a perpetuar con elegancia y pasión este tipo de música y así o hace en este disco en solitario donde interpreta un total de nueve canciones a cada cual mejor. Si quieres viajar en el tiempo y darte una vuelta por las juke joints que se encontraban  a lo largo y ancho del estado del Mississippi hace ya mas de ochenta años, no tienes mas que escuchar a esta mujer que, aunque no es de piel negra, su corazón y su alma están impregnadas por la intensidad racial de esta música que nuestra heroína hace suya con honor y honestidad. MUY BUENO. Del Rey is a genuine real folk blues troubadour whose mission is to bring this old musical style to the young audiences of the new century. She is an amazing performer who, with her voice, her ukulele and her guitar takes us back to the blues that was played by those pioneers like Bo Carter, Memphis Minnie or Sam Chatmon among many other blues musicians of the 30’s. Del Rey has a tasteful playing and displays it with a clever sensitivity and much love, showing her veneration for the music she plays. Del Rey is always willing to passionately and cleverly perpetuate it and this album confirms it. This is a solo album where she plays nine excellent songs. If you want to travel back in time and do an imagination tour around the juke joints that could be found around Mississippi eighty years ago, you have only to listen to Del Rey’s music who, although she has not a black skin, her heart and soul are full of black people intensity our heroine feels with honesty and pride. GREAT.

Steve James “Live Vol.1”. Hobemian 2017.
Dicen que para el cantante, guitarrista y mandolinista de blues Steve James no hay secreto que se le resista en todo lo que interpreta. James es un profundo estudioso y conocedor del country blues de preguerra capaz de cantar y tocar cualquier canción de aquellos años que se le solicite. James también ha escrito varios libros instructivos acerca de cómo tocar los blues de Texas, Mississippi y Piedmont y ha realizado algunos videos didácticos relacionados con el tema. En este nuevo disco grabado por Steve James en solitario nos encontramos con doce cortes maravillosos donde se explaya y expone con claridad y amplitud de miras su conocimiento del género, a través de doce canciones interpretadas con mucha seriedad y un estilo impoluto. James se mueve entre los blues de Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter o Sam McGee, entr algunos otros de su propia cosecha y lo hace con mucho amor, cariño y honestidad. Dotado de una técnica depurada y nítida, Steve James se va adentrando en el terreno del blues cada vez con más ímpetu y credibilidad, creciéndose con gran suficiencia a medida que van transcurriendo las canciones de este álbum grabado en riguroso directo. MUY BUENO. People say the music that blues singer, guitar and mandolin player Steve James plays has not secrets for him. James is a deep expert and connoisseur of country pre-war blues and he is able to sing and play any song of that particular time he is requested. James has also written several instructional books and videos teaching how to play Texas, Mississippi and Piedmont blues. In this new Steve James’ solo album he brings us twelve wonderful songs where he clearly and widely throws himself into display his knowledge along twelve songs performed in a faultless way and an extreme commitment. James easily moves between those blues coming from Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter or Sam McGee and his own compositions and he does it with an extreme respect and honesty. Gifted with a polished acute technique, Steve James gradually goes deep into blues field with an increasing force and credibility, which gives him a growing self-confidence and strength along every song she has selected, all them recorded live. GREAT.

Ron Beer “The Blues Don’t Say It All”. Self Production 2016.
Qué magia, qué gusto, qué interesante es la música de Ron Bear, un cantante que tanto puede vocalizar un blues con gran vehemencia como componer temas de música disco o dance y todo ello con una calidad fuera de serie y una creatividad que nadie puede poner en duda. Ron Bear nació en Ontario, Canadá y es un hombre con una actividad frenética en el terreno musical. Ron ha sido siempre un espíritu inquieto y eso le ha llevado a investigar en numerosos campos y géneros musicales de toda índole. Después de varios viajes a Austin, Texas ahora nos presenta un buen puñado de canciones compuestas por él y de las que Lou Sabatini se ha hecho cargo de las letras. Ambos nos proponen un viaje sin par por el melódico mundo musical del Mississippi, un viaje en el que se convierten en auténticos guías, gurús y maestros. Beer también ha publicado una novela gráfica titulada “Boogie Boy And The Birth Of The Blues”. La historia cuenta de manera suficientemente biográfica un viaje a lo largo del cauce del Mississippi en una pequeña embarcación que le permite ir descubriendo y explicando los diferentes estilos y modos del blues. Ahora puedes apuntarte a este viaje sin salir de casa, gracias a este interesante álbum. Los músicos que intervienen en la grabación son Ron Beer a la voz y guitarra rítmica, Neil Chapman a la guitarra, Bill Evans a los teclados, piano y acordeón, Paul Schofield a los metales, Alex Paris al bajo, John Maydem a la batería y Donna Lajeunesse coros. MUY BUENO. What tasteful magic and how interesting is Ron Bear’s music! He is a singer able to sing blues with a terrific feeling or write disco music and dance songs with an outstanding quality and an incredible creativity. Ron Bear was born in Ontario, Canada. He is a man with a frantic activity in the musical field as he has always been a restless spirit that has led him to investigate in a variety of musical fields and genres. After several trips to Austin, Texas, now he comes back with a good handful of songs he has composed the music and his good friend Lou Sabatini has written all lyrics. Both friends suggest us a beautiful journey around the Mississippi melodic musical world, a journey where they become the best guides, gurus and teachers. Beer has also published a graphic novel entitled "Boogie Boy And The Birth Of The Blues". The story is a rather autobiographical trip along Mississippi river sailing on a small boat which allows him to discover and explain the different blues styles and ways to approach the music. Fortunately you can also go to this suggestive journey without leaving home thanks to this interesting album. The musicians involved in the recording are Ron Beer on vocals and rhythm guitar, Neil Chapman on guitar, Bill Evans on keyboards, piano and accordion, Paul Schofield on metals, Alex Paris on bass, John Maydem on drums and Donna Lajeunesse on backing vocals. VERY GOOD.

Andhrea & The Black Cats “New Roads”. Rock CD Records 2016.
Cuarteto gallego proveniente de Santiago de Compostela compuesto por Benjamin Vázquez a la guitarra, Ramón Figueira a la armónica y Alvaro Trillo a la percusión, un trío acústico al servicio de la cantante Andhrea Verdú que se encarga de llevar y dirigir a los chicos por los vericuetos caminos del blues más tradicional y arcaico. En este su primer trabajo nos ofrecen un repertorio de diez temas de autores tan emblemáticos como son Leadbelly, Lil’ Green, Son House, Roosvelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold o incluso una versión de Tom Waits. Con este tipo de repertorio que, básicamente, es el mismo que ofrecen en sus actuaciones en directo, Andhrea & The Black Cats se adentran por los caminos del blues de preguerra intentando con ello instruir y dar a conocer el evangelio del blues a las audiencias que acuden a sus conciertos. Este es un buen trabajo de recuperación y a la vez muy didáctico para las nuevas generaciones, un repertorio ideal para ese público nuevo que se acerca al género y que no está demasiado familiarizado con las raíces del blues. Es encomiable que un grupo de músicos tan jóvenes como son los componentes de esta banda se dediquen con a recuperar el espíritu de aquellos antiguos bluesmen y lo hagan con buen gusto, dignidad y convencimiento. MUY BUENO. From Santiago de Compostela in Galicia comes this four musicians band with Benjamin Vazquez on guitar, Ramon Figueira on harmonica and Alvaro Trillo on percussion, an acoustic trio who put all their skills to the service of singer Andhrea Verdú, who leads them through the winding roads of the most old traditional blues. In this debut album they present a selection of ten songs coming from such legendary musicians like Leadbelly, Lil' Green, Son House, Roosevelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold or even they include a Tom Waits’ song version. With this repertoire that, basically, is the same they do in their live performances, Andhrea & The Black Cats go into pre-war blues ways, aiming to give knowledge and teach the ‘blues gospel’ to the audiences who follow them. This is a good revival work and, at the same time, a very educational one for the new generations, a perfect repertoire for new blues lovers who are not very familiar with blues roots. It is praiseworthy that a young group of musicians like Andhrea & The Black Cats devote themselves to restore the spirit of those old bluesmen, always with good taste, graceful dignity and great conviction. VERY GOOD. 

Elliott And The Audio Kings “Elliott And The Audio Kings”. Busted Flat / Sarah French 2016.
Elliott And The Audio Kings es una banda canadiense de la zona de Ontario que practica una música basada en los maestros del viejo post-war blues sobre el que edifican un nuevo concepto y sonido de los shuffles, los boogies y el swing. Acompañado por Scott Fitzpatrick al contrabajo y Jonny Sauder a la batería, el trío condensa y elaboran un blues que captura todo el espíritu de las bandas de carretera pero que, a la vez, también podrían encontrarse actuando en un elegante club privado, una escuela o un teatro de variedades y espectáculos, dirigiendo siempre todos sus esfuerzos a incluir en su música los elementos más esenciales del blues como son poderosas guitarras, ritmos machacones y contagiosos, letras convincentes y solos incisivos e hirientes. Todo ello se da cita a lo largo de un repertorio que contiene once canciones donde el jump blues, el houserockin de carretera y el rock and roll mas ácido y al mismo tiempo muy digestivo se dan la mano para que el oyente disfrute de unos buenos minutos de felicidad, diversión y alegría. Puedo asegurar sin temor a equivocarme que este disco hará vibrar y gozar a más de un entusiasta. MUY BUENO. Elliott And The Audio Kings is a Canadian band coming from Ontario which perform a music based on those old post-war blues masters but building up a new sound and concept to shuffles, boogies and swing music. Together with Scott Fitzpatrick on bass and Jonny Sauder on drums, the trio elaborate a kind of blues that captures the spirit of a roadhouse band but, at the same time, you could also found them playing in an elegant private club, a school or a vaudeville or music theatre, always giving the best of themselves to get in their music the most essential blues elements like powerful guitars, insistent infectious rhythms, convincing lyrics and hurtful heartbreaking solos. All these elements can be found along the eleven album songs where jump blues, houserockin’ roadhouse and acid but at same time digestive rock & roll come together to bring a good dose of fun, joy, and happiness to every listener. Let me say the album will surely please and satisfy most music lovers. VERY GOOD.

Jack Mack And The Heart Attack Horns “Back To The Shack”. SSR Freeroll / Frank Roszak 2017.
El grupo Jack Mack And The Heart Attack Horns lleva ya más de treinta años de carrera, atesorando una gran experiencia, diez álbumes publicados, además de componer diversas bandas sonoras y cientos de actuaciones en televisión y en directo. Con este bagaje y, como no puede ser de otro modo, el resultado de este álbum es realmente increíble y formidable. Su estilo podría definirse como un grasiento pero a la vez pulcro y elegante soul salpicado de groove-poppin’, blues y rhythm & blues de altas miras y muchos kilates de pura y maravillosa energía. La banda se inspira en aquellos legendarios artistas que grabaron para Stax o Volt de quienes no tienen nada que envidiar. La calidad, el esmero y el poderío que desprende este ambicioso álbum integrado por diez excelentes canciones es de gran envergadura. Todos los temas tienen reminiscencias del soul que interpretaban artistas como Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown o Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns es una banda impecable con una poderosísima sección de vientos que sabe empastar, arreglar y cuidar las canciones con brillantez y esmero. Once son los músicos que han intervenido en estas grabaciones bajo la batuta de su impresionante cantante Mark Campbell, un vocalista de mucha solera. MUY BUENO. Jack Mack And The Heart Attack Horns have more than thirty years of career, so they have gathered a huge experience and ten albums published, besides composing different film soundtracks and hundreds of performances on television and live shows. With this baggage and, as it could not be otherwise, this album becomes a fabulous and totally amazing recording. The band style could be defined as greasy but, at the same time, clear and elegant soul with drops of high-minded groove-poppin', blues and rhythm & blues, with tons of pure and wonderful energy. The band finds inspiration in those legendary artists who recorded for Stax or Volt they really have nothing to envy. The album quality, carefulness and strength along the ten excellent songs included is really amazing. All cuts remind that soul music performed by such great artists like Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown or Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns is a faultless band with a really powerful horn section. They sound really teamed and really know how to arrange and display all songs on a brilliant careful way. Eleven musicians round up the whole recording, cleverly led by the impressive Mark Campbell’s voice, who appears as a first class amazing singer. GREAT.

John Latini “The Blues Just Makes Me Feel Good”. Smokin’ Sleddog / Frank Roszak 2016.
John Latini ha cimentado su nombre como el de un excelente y voluntarioso compositor. Sus canciones han sido galardonadas en diversas ocasiones y ha recibido grandes alabanzas de la crítica así como diversos premios y reconocimientos. Ahora nos presenta su primer álbum de larga duración con el que ha tirado la casa por la ventana reuniendo a una creativa banda de mucha calidad, así como a un buen plantel de músicos invitados y una efectiva y variopinta sección de vientos, que dotan a la música aquí incluida de una impronta fuera de serie. A lo largo de trece composiciones propias John Latini se nos va descubriendo como un mas que interesante y reflexivo guitarrista, además de un convincente cantante pero, sobre todo, como un compositor con enormes y brillantes cualidades. Un trabajo encomiable en el que nuestro hombre da lo mejor de si mismo entregándose a la faena con excepcional habilidad y pasión para mostrar toda su buena disposición y sus enormes posibilidades en este competitivo mercado del blues. MUY BUENO. John Latini has consolidated his name in music as an excellent devoted composer. His songs have been often awarded and he has also received good words by specialized media as well as various awards and recognitions. Now he presents his first full-length album where he has rolled out the red carpet gathering a high quality creative band, as well as a good bunch of guest musicians together with an effective varied horn section, who give to the album an outstanding mark. Along the thirteen own compositions John Latini shows himself as a more than interesting and thoughtful guitar player, but also as a convincing singer and specially as a good composer gifted with huge brilliant qualities. This is a praiseworthy work where John gives the best of himself devoting to music with an exceptional skill and passion to present all his huge potential and good disposition in the actual competitive blues market. VERY GOOD.

Reverend Freakchild “Preachin’ Blues”. Treated And Released / Frank Roszak 2017.
El Reverendo Freakchild es un músico totalmente diferente a lo que uno podría imaginar de un artista de estas características. Tal como dice de él la revista Living Blues, su actitud es irreverente pero su entusiasmo por el blues es indiscutible y no tiene parangón. Trabajador incansable, el Reverendo nunca se deja vencer por mucho que las circunstancias le sean adversas y por él nunca cunde el desánimo frente a los reveses impuestos por la vida, tal como le ocurrió en San Francisco cuando le robaron todas sus guitarras, su equipo y sus pertenencias. El Reverend Freakchild no paró hasta conseguir otra guitarra resonator para poder seguir tocando y predicando la palabra del blues. A partir de ese momento las cosas empezaron a enderezarse en su vida, consiguiendo ser contratado para tocar en diversos festivales, además de poder grabar este disco en los estudios KBOO de Portland, Oregón. El álbum es una buena prueba del talento musical de un artista que muchas veces fue un perdedor pero que, a partir de un determinado momento de su vida, con voluntad y determinación supo convertir la adversidad en nuevas oportunidades, que son las que actualmente le está deparando la vida. MUY BUENO. Reverend Freakchild is a totally different musician of what one could expect of an artist with these features. As was said in Living Blues Magazine, his attitude is irreverent but his enthusiasm for the blues is clear and undeniable. A tireless worker, the Reverend never gets defeated by adverse circumstances, so he never gets discouraged in front of life setbacks, as happened to him in San Francisco when all his guitars, his gear and belongings were stolen. The Reverend Freakchild managed to get another resonator guitar and he continued playing and preaching his blues message. Since that particular moment, things started to improve in his life, as he was booked to play at various festivals and he was able to record this album at KBOO studios in Portland, Oregon. This recording is a good test to see the musical talent of an artist who many times has been a loser but, since a singular moment in his life, with determination and good will he has been able to turn adversity into new opportunities, the ones life is now giving him. VERY GOOD.

Starlite Campbell Band “Blueberry Pie”. Supertone 2016.
Después de tres álbumes en el mercado y cinco años transcurridos desde que decidieron unir sus fuerzas, el dúo y matrimonio formado por Simon Campbell y Suzy Starlite han publicado hace sólo unos meses éste su último trabajo hasta el momento. Además de Simon Campbell a la voz, guitarras y percusión y Suzy Starlite al bajo y voces, en este “Blueberry Pie” colaboran también Steve Gibson a la batería y percusión, Jonny Henderson al Hammond y piano eléctrico Wurlitzer y como invitado especial Danny Boy Sánchez a la armónica en algunos temas. Simon y Suzy han compuesto para la ocasión once canciones en las que se combinan con frescura y acierto los estilos y géneros que mas les gustan y que son una combinación de ‘British blues’ en el que se puede apreciar como planean los espíritus de Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower e incluso Gary Moore, junto a una buena dosis de country, algo de folk y blues contemporáneo y bastante Americana. Estamos ante un disco convincente, interpretado por unos veteranos que saben de donde vienen y hacia donde van, con una visión y una ejecución de las canciones que interpretan muy ajustadas a las normas que el público actual demanda hoy en día. MUY BUENO. After three albums in the market and five years since they decided to join forces, the duo and couple formed by Simon Campbell and Suzy Starlite published a few months ago their last work so far. Besides Simon Campbell on vocals, guitars and percussion and Suzy Starlite on bass and vocals, “Blueberry Pie" also features Steve Gibson on drums and percussion, Jonny Henderson on Hammond and Wurlitzer electric piano and Danny Boy Sánchez as a special guest on harmonica in some tracks. For this album Simon and Suzy have composed eleven songs where they cleverly combine with an extreme good taste the styles and genres they most love, which can be defined as a combination of 'British blues' where you can discover the spirit of Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower and even Gary Moore, with a good dose of country, contemporary folk and blues and a fair amount of Americana. This is a convincing recording, performed by veteran musicians who really know where they come from and where they want to go, who give to their songs a selected vision and a good performance, that perfectly suits with the standards actual audiences demand nowadays. VERY GOOD.

Tim Gartland “If You Want A Good Woman”. Taste Good Music / Vizzable 2017.
Una de las principales características de Tim Gartland es su naturalidad, honestidad y frescura como vocalista, armonicista y compositor de canciones. Tim se curtió en los clubs de Chicago viajando posteriormente a Boston donde consolidó su carrera. Ahora desde Nashville y junto a algunos de los mejores músicos de la escena local, nos presenta su último trabajo que ha sido coproducido por Kevin McKendree uno de los referentes actuales entre los músicos de la zona. El álbum recoge doce composiciones del propio Tim Gartland escritas en colaboración con su teclista Tom West.. Todos estos temas destilan una melódica belleza con acentos de soul y blues además de una estudiada y fina ironía que cualquier aficionado avezado que las escuche sabrá apreciar e incluso le hará sonreir. Tim sabe medir y administrar con mesura los tempos y los recursos que posee para ofrecer al oyente un producto elegante y de fácil asimilación. Además de Tim Gartland a las armónicas y a la voz, también intervienen Tom West piano y órgano, Tom Britt guitarras, Steve Mackey bajo y contrabajo y Lynn Williams batería, más la colaboración de Kevin McKendree al órgano y piano en tres temas. MUY BUENO. One of Tim Gartland’s main qualities is his cool honest and natural way of singing, playing harmonica and song writing. Tim hardened himself as a musician in Chicago clubs, He later travelled to Boston, where he consolidated his career. Now from Nashville, and surrounded by some of the best musicians of the local scene, he brings us his latest work which has been co-produced by Kevin McKendree, one of the actual most respected guys and specially by other musicians in the area. The album includes twelve own Tim Gartland’s compositions he has written in collaboration with his keyboard player Tom West.. All songs are gifted with a melodic beauty and accents of soul and blues music plus a considerable fine irony any good fan will immediately appreciate and even will make him smile. Tim wisely knows how to measure and manage tempos and the various means to offer listeners an elegant easy to assimilate music. Besides Tim Gartland on harmonicas and vocals, the rest of involved musicians are Tom West on piano and organ, Tom Britt on guitars, Steve Mackey on bass and double bass and Lynn Williams on drums, plus the collaboration of Kevin McKendree on organ and piano in three songs. VERY GOOD.

Jon Gindick “When We Die, We All Come Back As Music”. Old Chimney / Blind Raccoon 2016.
Armonicistas de todo el mundo acuden en peregrinación provistos de su pequeño instrumento en el bolsillo al John’s Blues Harmonica Jam Camp, un seminario instruido por Jon Gindick. Sus increíbles lecciones, sus participativas jams y su manera de enseñar hacen de este seminario un acontecimiento único donde todo el mundo puede aprender y expresar sus dotes creativas a través de este pequeño instrumento tan importante en el blues. Entre los armonicistas que intervienen pueden citarse a Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay o Brian Purdy. Este seminario se celebra en The Shack Up Inn en las afueras de Clarksdale, Mississippi y también en Ventura, California. Ahora y con la inestimable ayuda del productor y multi-instrumentista Ralph Carter, Jon ha grabado un álbum fresco y lozano con un total de diez canciones en las que Gindick toca la guitarra, canta y sopla la armónica alternando la segunda y la tercera posición, en canciones que expresan sentimientos y verdades universales en una acertada mezcla de folk, blues, jazz y funk. En el disco han intervenido también Ralph Carter al bajo, teclado y batería y los invitados Chuck Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya y Al Walker. MUY BUENO. Harmonica players from around the world travel on pilgrimage with their small instrument in their pockets to John's Blues Harmonica Jam Camp, led and taught by Jon Gindick. His incredible lessons, his open jams and the way he teaches harp make this seminar a unique event where everyone can learn and express his creative gifts with this small instrument so important in blues. Among the involved harmonica players one can find Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay or Brian Purdy. The seminar takes place at The Shack Up Inn near Clarksdale, Mississippi and in Ventura, California. Now and with the valuable collaboration of producer and multi-instrumentalist Ralph Carter, Jon has recorded a cool natural album with ten songs where Gindick plays guitar, sings and blows harp combining second and third position, in songs that express feelings and universal truths, with a successful mixture of folk, blues, jazz and funk. The musicians who have collaborated in the album are Ralph Carter on bass, keyboard and drums and the special guests Chick Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya and Al Walker. VERY GOOD.

Jim Koeppel “RSVP To Paradise”. Jongleur / Blind Raccoon 2016.
Cinco canciones componen este E.P. a cargo del excelente cantante y guitarrista Jim Koeppel, un veterano músico de la escena del blues que ha compartido escenario y acompañado a muchos de los grandes del blues como Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie o Lil’ Ed entre otros. Este soberbio músico también toca en solitario, o con su formación acústica, The Delta Coasters y en formato eléctrico lo hace con Dust My Blues. Ellos son precisamente los protagonistas de este disco que aquí comentamos. Son cinco blues originales de alto voltaje estupendamente interpretados, plasmados con gran feeling, buen gusto y mucho duende. Un disco que rezuma calidad en todas y cada una de las cinco piezas y que se convierte en una pequeña muestra de la calidad que Jim Koeppel atesora. Además del propio Jim también intervienen Tennyson Stephens piano, Welton Gite bajo, James Gadson batería, Norman Palm trombón, Rajiv Halim saxo tenor mas los invitados Billy Branch armónica, Gene ‘Daddy G’ Barge saxo tenor y John Christy Hammond B-3. MUY BUENO.  Five good songs round up this E.P. by excellent singer and guitar player Jim Koeppel, a veteran blues musician who has shared stage and played with many great blues names like Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie or Lil' Ed among others. This superb musician also plays in a solo format but you can also see him with his acoustic band The Delta Coasters and in electric format with Dust My Blues. They precisely are the ones who perform in the album. Five high-voltage original beautiful blues, displayed with great feeling, good taste and magic. An album that oozes quality in each and every one of the five tracks and becomes a good example of the quality Jim Koeppel has got over the years. Besides Jim Koeppel the other musicians involved are Tennyson Stephens piano, Welton Gite bass, James Gadson drums, Norman Palm trombone, Rajiv Halim tenor sax plus guest musicians Billy Branch harmonica, Gene “Daddy G” Barge tenor sax and John Christy Hammond B-3. GREAT.

Gaetano Letizia & The Underworld Blues Band “Resurrection”. Self Production / Blind Raccoon 2016.
Buscando la inspiración en artistas como Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King o Eric Clapton y también en aquel tiempo en el que los músicos eran los dueños y señores de los procesos creativos en lugar de la tecnología más actual, Gaetano “Tom” Letizia se ha embarcado en una aventura atrevida y personal, en aras de plasmar todo lo auténtico y más genuino en este su décimo álbum titulado “Resurrection”. Este cantante, guitarrista y compositor lidera habitualmente un trío de jazz y otro trío decantado hacia el blues, además de una carrera en solitario de cuarenta años largos. Para este trabajo ha unido sus fuerzas junto al grupo The Underworld Blues Rock Band, una banda formada por seis miembros con Larry Keller al bajo, Steve Renco a la batería, Bill Ramson a la percusión y una sección de vientos formada por Tim Keehn al trombón, Mike Fisher a la trompeta y Bob Esterle al saxo tenor. Los catorce temas originales que forman el disco son una mezcla de blues, funk, jazz, pop, reggae, latin y rock. Aunque Gaetano es un virtuoso guitarrista, no por ello monopoliza las canciones sino que deja que el resto de sus compañeros aporten su propia creatividad para de este modo completar un trabajo diferente y muy provocativo. MUY BUENO. Looking for inspiration in artists like Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King or Eric Clapton, and also in that time when musicians were the real owners of the creative process instead what happens now with actual technology, Gaetano "Tom" Letizia has get in a personal daring adventure with the aim to capture the real genuine music along this tenth album entitled "Resurrection". This singer, guitar player and composer usually leads a jazz trio as well as another one devoted to blues, besides a solo career of more than forty long years. For this last work he has joined forces with The Underworld Blues Rock Band, a six members group with Larry Keller on bass, Steve Renco on drums, Bill Ramson on percussion and a horn section with Tim Keehn on trombone, Mike Fisher on trumpet and Bob Esterle on tenor sax. The fourteen original album songs are a mixture of blues, funk, jazz, pop, reggae, Latin and rock. Although Gaetano is a virtuoso guitar player, he does not monopolize all songs and he lets the other musicians to express their own creativity to complete a different very provocative work. VERY GOOD.

John Mayall “Talks About That”. Forty Below / Mark Pucci Media 2016.
Me quito el sombrero ante un músico como John Mayall que, a sus ochenta y cuatro años, sigue activo y se mantiene en pie durante las dos horas largas de sus conciertos. Además John se halla en evolución constante, manteniendo su buen olfato y sus dotes para crear nuevas sensaciones y evolucionar en el campo del blues, algo verdaderamente difícil para cualquier músico abocado al género de los doce compases. Mayall no se ha quedado anclado en el ‘British blues’ de los años sesenta, sino que siempre ha innovado y lo sigue haciendo, pues Mayall siempre va un paso por delante de otros muchos que han pretendido seguir su estela. En este álbum ha incluido ocho temas propios y tres versiones “It’s Hard Going Up” de Bettye Crutcher, “Goin’ Away Baby” de Jimmy Rogers y “Don’t Deny Me” de Jerry Lynn Williams. La banda que le acompaña es la habitual de los últimos años formada por Greg Rzab al bajo, Jay Davenport a la batería y Rocky Athas a la guitarra, aunque este último ya no forma parte del grupo de la última gira de John. El disco cuenta también con la colaboración del guitarrista Joe Walsh y de una sección de metales que confieren solidez y empaque en los temas que intervienen. Mayall sigue vivo y bien y este álbum es un fiel reflejo de sus inmortales y personales blues, desarrollados como siempre con habilidad y ejecutados según los cánones habituales en él y que tan profunda huella han ido dejando a lo largo de su larga y dilatada trayectoria. MUY BUENO. I take my hat off in front a musician like John Mayall who, with eighty-four years, is still active and stands up during the two hours of his live shows. Besides, John is in a constant evolution, keeping intact his ability to create new concepts in blues, something quite difficult to any blues musician. Mayall did not get anchored in 60’s British blues, he has always innovated and continues to do so, as he is always one step ahead of other musicians who have tried to follow his trace. In this album he has included eight own songs and three versions, "It's Hard Going Up" coming from Bettye Crutcher, "Goin' Away Baby" by Jimmy Rogers and "Don't Deny Me" by Jerry Lynn Williams. The band musicians who back him are the usual ones in recent years with Greg Rzab on bass, Jay Davenport on drums and Rocky Athas on guitar, although Rocky is no longer member of the band and he did not participate in John’s last tour. You will also find in the album guitar player Joe Walsh and a teamed horn section which give power, quality and variety to the songs where they play. Mayall is still alive and well and this album truly reflects his undying personal blues, as ever developed with great skill and displayed following Mayall’s regular basis, which have always left a deep footprint along his extensive career. GREAT.

The Kentucky Headhunters “On Safari”. Plowboy / Mark Pucci 2016.
Después de editar aquel magnífico álbum titulado “The Rock ‘N’ Roll Jungle” y a la vuelta de una exitosa gira por Europa, The Kentucky Headhunters se reinventan ahora con este su doceavo álbum en estudio. Para ello han encontrado y recogido inspiración de las experiencias vividas en sus recientes viajes y actuaciones. El álbum que comentamos se grabó en circunstancias muy especiales, ya que los hermanos Richard y Fred Young perdieron a su padre tres días antes de comenzar la grabación de este disco lo que hizo que, tanto ellos como el resto del grupo, pusieran si cabe mas ganas y emoción en las canciones que se llevaron a cabo, dedicándoselas a su memoria. Doce canciones que muestran la capacidad de generar buena y excelente música inspirada en el rock sureño, el blues, el rock y también en lo que conocemos como Americana. Los Kentucky Headhunters son Richard Young a la voz y guitarra, Greg Martin a la guitarra solista y voces, Doug Phelps al bajo y voces y Fred K. Young a la batería, percusión y voces, más la colaboración especial en el disco de Kevin McKendree al Hammond. Un buen álbum donde planea el elegante southern rock con capacidad para embelesar a la mayoría de los aficionados a este estilo. MUY BUENO. After publishing a magnificent album entitled "The Rock ¡N' Roll Jungle" and coming back from a successful tour in Europe, now The Kentucky Headhunters reinvent themselves with his twelfth studio album. To do so they have found and gathered inspiration from the experiences lived in their recent travels and live shows. The album was done in very special circumstances, because brothers Richard and Fred Young lost their father three days before starting the album recording, which made that both brothers and the rest of the band put even more enthusiasm and emotion to the songs they were recording and they decided to devote the album to his memory. Twelve songs that show the musicians ability to generate good and excellent music inspired by southern rock, blues, rock and also what we know as Americana. The Kentucky Headhunters are Richard Young on vocals and guitar, Greg Martin on lead guitar and vocals, Doug Phelps on bass and vocals and Fred K. Young on drums, percussion and vocals, plus the special collaboration in the album of Kevin McKendree on Hammond. This is a good recording where you can breathe and feel the elegant southern rock that will surely captivate most fans of this very special style. VERY GOOD.

Tom Craig & The Soul Patch “Get Ready For Me” Self Production / Frank Roszak 2016.
Tom Craig es un poderoso cantante con un feeling increíble. Tom es también un guitarrista y compositor que descubrió su vocación musical escuchando a Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Mel Torme. Sin embargo pronto decidió que sus gurús y maestros serian Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan y los tres reyes, B.B. King, Freddie King y Albert King, además del soul de los sesenta y setenta. Durante la última década Tom Craig ha formado tándem con el batería John O’Connell con quien comparte su pasión por el soul de Memphis, el sonido de la factoría Muscle Shoals, el rhythm and blues y el blues, por lo que en sus actuaciones siempre incluyen versiones de Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, los tres Kings, Buddy Guy, Robert Cray o Joe Louis Walker. Ahora nos presentan un álbum plagado de buenos y tórridos temas en un amplio recorrido por las diferentes caras y facetas de esa música negra que tanto les apasiona y con la que conectan de forma inmediata con el oyente. Para ello han contado con la participación de un excelente plantel de músicos como “Rando” Randy Branning y Dave Gross al bajo, Eric Johnson, al Hammond y teclados, Mickey Junior a la armónica además de una sección de metales formada por Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher y Skyler Hagner barítonos, Dan Young alto y Sean McCusker trombón. Un disco más que recomendable. MUY BUENO. Tom Craig is a guitar player and composed but mainly he is a powerful singer with an incredible feeling. Tom discovered his musical vocation listening to artists like Frank Sinatra, Ella Fitzgerald and Mel Torme. However he soon decided his gurus and masters would be Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan and the three kings, B.B. King, Freddie King and Albert King, as well as 60’s and 70’s soul. During the last decade Tom Craig has formed a good tandem with drummer John O'Connell. Both share the passion for Memphis soul, the particular sound of Muscle Shoals factory, rhythm and blues and blues, so in their live shows they always include versions coming from Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, Buddy Guy, Robert Cray, Joe Louis Walker or the three already mentioned kings. With all these ingredients you can easily imagine this is an album full of good and torrid songs tht drive us to a wide tour around the different faces and shapes of the black music they passionately love, which will immediately connect with every listener. To do so, they have counted with the valuable participation of an excellent group of musicians like "Rando" Randy Branning and Dave Gross on bass, Eric Johnson, on Hammond and keyboards, Mickey Junior on harmonica plus a horn section with Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher and Skyler Hagner baritones, Dan Young alto and Sean McCusker trombone. In short words this is a more than a recommendable recording. GREAT.

Lisa Biales “The Beat Of My Heart”. Big Song Music / Frank Roszak 2017.
Con este su noveno álbum y tal como su titulo indica, Lisa Biales deja latir su corazón con fuerte pulso a lo largo de un puñado de buenas y destacadas canciones de corte bluesero, realizadas desde la perspectiva de una mujer fuerte e independiente. Biales creció en el seno de una familia muy unida musicalmente y aprendió a cantar gracias a su madre quien la inició en este maravilloso mundo. Hace un par de años Lisa encontró un viejo disco de 78 rpm que su progenitora había grabado en 1947 y que contenía una sola canción titulada “Crying Over You” compuesta y cantada por su madre. Este hallazgo la hizo muy feliz y le dio la idea de incluir la canción en el repertorio de los doce temas escogidos para completar el álbum que aquí comentamos, donde puede escucharse la voz de su madre cuando sólo tenía veinticuatro años en la primera estrofa de la canción, siendo después la propia Lisa Biales quien continúa cantando esta balada jazzy, en un homenaje lleno de cariño y ternura de Biales hacia su madre. En el resto de los temas se hace evidente la potencia vocal y la amplitud de registros de una artista que, sin duda, llegará al corazón de todos aquellos que quieran acercarse a ella. MUY BUENO. With her ninth album and, as its title clearly shows, Lisa Biales leaves his heart beat with a firm pulse, along a handful of good outstanding blues songs, developed from the perspective of a strong independent woman. Biales grew up in family who really loved music and she learned to sing helped by her mother who made her discover this wonderful world. A couple of years ago Lisa found an old 78 rpm record her mother had done in 1947 with only one song entitled "Crying Over You" composed and sung by Lisa’s mother. This accidental discovery gave her the idea to include the song among the twelve songs selected to complete this album, where you will hear her mother’s voice only aged twenty-four in the first song verse, followed by Lisa’s voice which follows on with the tune singing this jazzy ballad, in a tender lovely tribute to her mother. The rest of the album songs prove the powerful voice and wide vocal range of an artist who, I dare say, will undoubtedly reach the hearts of all those people willing to listen to her tasteful music. VERY GOOD.
 

ABRIL 2017 / APRIL 2017

Jack Ingram “Midnight Motel”. Rounder 2016.
Jack Owen Ingram es un artista estadounidense de música country Ha publicado ocho álbumes de estudio, un álbum de recopilación, seis discos en directo y 18 singles. Aunque Ingram se dio a conocer profesionalmente en 1992, no alcanzó el Top 40 de las listas de country de Billboard hasta que apareció su single "Wherever You Are" a finales de 2005. Desde entonces no ha parado de conseguir éxitos y colocarlos en las listas de mas prestigio de los Estados Unidos con temas como “How Many Days” que llegó al número 64 en 1999, “Wherever You Are” que llegó a alcanzar el número 1 durante el año 2005, “Love You” que ocupó el número 12 de Billboard, “Lips Of An Angel” que llegó al número 16, y así sucesivamente han ido llegando sus éxitos hasta el año 2010 que consiguió entrar en el puesto 56 con la canción “Barbie Doll”. Ahora nos llega este último trabajo con canciones en su más puro estilo de country moderno y neo folk, donde cuenta esas historias tan características del día a día que Jack sabe describir como cualquier story teller que se precie. El disco contiene un libreto con las letras de cada una de las canciones que entusiasmará a todos sus fans y admiradores. MUY BUENO. Jack Owen Ingram is an American country music artist who has released eight studio albums, one compilation, six live ones and eighteen singles. Although Ingram became professionally known in 1992, he did not reach Billboard Top 40 country lists until the end of 2005, and he did it with his single "Wherever You Are". Since then on he has got an endless success which has driven him to regularly appear in the most prestigious USA top lists with songs like "How Many Days" which reached number 64 in 1999, "Wherever You Are" which got number 1 in year 2005, "Love You" that was number 12 in Billboard Top Chart, "Lips Of An Angel" which was number 16, and so on have come his song hits until year 2010 his name appeared in number 56 with the song "Barbie Doll". Now comes his latest album with different tunes performed in the most genuine actual country and neo folk styles, with those day to day characteristic stories Jack knows to explain us as a real story teller. The album includes a booklet with each song lyrics that will thrill all his fans and admirers. VERY GOOD.

Dwight Yoakam “Swimmin’ Pools, Movie Stars…”. Rounder 2016.
Formidable este nuevo trabajo del cantante, compositor, actor y guitarrista de country and western Dwight Yoakam, quien inició su carrera a mediados de los años ochenta. El hombre en cuestión es una auténtica leyenda moderna de la música country, pues Dwight lleva publicados más de veinte álbumes, contando los que ha grabado en estudio y los recopilatorios. A lo largo de su carrera ha colocado más de treinta y nueve canciones en las listas de música country de los Estado Unidos empezando por “Honky Tonk Man” que llegó hasta el número 3 en el año 86, al que le siguieron otros éxitos como “Guitars, Cadillacs”, “It Won’t Hurt”, “Little Sister”, “Little Ways”, “Please Please Baby”, “Always Late With Your Kisses”, “Streets Of Backersfield” o “I Sang Dixie” llegando éstas dos últimas al número 1 de las listas de country and western de la revista Billboard, publicación de referencia sobre los mayores éxitos de ventas. Su más reciente entrada en las listas fue “Blame The Vain” que llegó al número 58. Este nuevo trabajo vuelve a poner a Dwight Yoakam en la palestra de los grandes del country actual con una serie de canciones bien conseguidas donde los aficionados que visten botas y sombrero tejano disfrutarán de lo lindo. MUY BUENO. Here comes an excellent new work by actor, country & western singer, guitarist and composer Dwight Macdonald, who began his career in the middle of the 80’s. This man is a real modern legend of country music, as he has published more than twenty albums, counting the ones he has recorded in studio and the compilation ones. Along his career he has placed more than thirty-nine songs in USA country charts, starting with "Honky Tonk Man" which reached number 3 in year 86, that was followed by other hits like "Guitars, Cadillacs", "It Won't Hurt", "Little Sister", "Little Ways", "Please, Please Baby", "Always Late With Your Kisses", "Streets Of Backersfield" or "I Sang Dixie", these last two ones reached number 1 in Billboard Magazine country and western charts, the reference lists in sales figures. His most recent entry in the lists was "Blame the Vain" which reached number 58. This new work puts Dwight Yoakam back in country music front line, with a series of well performed songs, where fans wearing boots and Texas hats will surely enjoy. VERY GOOD.

Brian Sutton “The More I Learn”. Sugar Hill / Concord Music / Rounder 2016.
Dentro del género country Brian Sutton es probablemente el guitarrista acústico de su generación que, en los últimos años más premios y galardones ha recibido. Sutton es un guitarrista elegante y con muchos matices, su estilo tocando bluegrass con la técnica del fingerpicking es simplemente de una belleza cristalina digna de ser escuchada y gozada, una fuente de sutil belleza armónica para los oídos. En Nashville Brian es toda una institución y su guitarra ha sido reclamada en muchas ocasiones como músico de estudio y sideman. Hombre tranquilo y de enorme profesionalidad, en este nuevo álbum Brian Sutton pasea su country y su bluegrass con enorme gusto y sensibilidad a lo largo de las trece canciones, respaldado en todo momento por una pléyade de músicos de primera fila francamente envidiable en el género de la música country como son entre otros Mike Barnett al fiddle, Casey Campbell a la mandolina o Noam Pikelny al banjo. Un disco de country y bluegrass para disfrutar placidamente en el porche de tu casa de campo durante la puesta de sol de un atardecer cualquiera. MUY BUENO. Within country music, Brian Sutton is probably one of the acoustic guitar players of his generation who, in recent years, has received more awards and nominations. Sutton is a guitarist gifted with a fine elegance filled with a variety of nuances. His style when he plays bluegrass using fingerpicking technique has a crystal beauty, a source of a subtle harmonic beauty, worthy to be heard and enjoyed. In Nashville area Brian is an institution and his guitar has been often requested as a studio musician or sideman. He is a quiet very professional artist and in this new album Brian Sutton brings us his country and bluegrass music with great taste and tenderness along the thirteen songs included, backed by an enviable bunch of first class musicians all them experts in country music, like Mike Barnet on fiddle, Casey Campbell on mandolin and Noam Pikelny on banjo among others. This is a country and bluegrass album to be peacefully enjoyed while you are sitting on your home porch on a beautiful sunset time. VERY GOOD.

Doyle Bramhall II “Rich Man”. Concord Music / Rounder 2016.
Doyle Bramhall II es un músico, productor, guitarrista, cantante, percusionista y compositor norteamericano conocido por sus trabajos con artistas como Eric Clapton o Roger Waters entre muchos otros. Doyle es hijo del batería y compositor Doyle Bramhall quien militó en las bandas de Lightnin’ Hopkins o Freddie King. En lugar de usar después de su nombre el clásico Jr., Doyle prefiere ser mas original y usar Doyle Bramhall II. A los 18 años realizó una gira con los Fabulous Thunderbirds y, dos años más tarde, fundó el grupo Arc Angels, junto a Charlie Sexton y los miembros de la sección rítmica de Stevie Ray Vaughan, Chris Layton y Tommy Shannon. Tras la publicación en 1999 de su segundo disco en solitario “Jellycream”, Bramhall recibió la llamada de Roger Waters para unirse a una gira de los Pink Floyd como cantante y guitarrista en sustitución de David Gilmour. Bramhall II también ha tocado con Eric Clapton y B.B. King. En este nuevo disco nuestro hombre no ha dejado ningún detalle a la improvisación, todo está medido y pensado con minuciosidad por lo que el resultado es un álbum sorprendente. Doyle nos muestra su talento y su lado mas poético y sensible, con canciones que van del blues al folk, el country o la música ‘americana’ y todo ello con unos arreglos detallistas, llenos de gusto e imaginación. MUY BUENO. Doyle Bramhall II is an American musician, producer, guitarist, singer, percussionist and composer, best known for his work with artists like Eric Clapton or Roger Waters among many others. Doyle is son of drummer and composer Doyle Bramhall, who was member of Lightnin' Hopkins’ or Freddie King’s bands. Instead of putting after his own name the word Jr., Doyle preferred to be more original and use Doyle Bramhall II. Only aged 18 he toured with The Fabulous Thunderbirds and, two years later, he founded the group Arc Angels with Charlie Parker and Stevie Ray Vaughan’s rhythm section members Chris Layton and Tommy Shannon. After publishing in 1999 his second solo album "Jellycream", Bramhall received a call from Roger Waters requesting him to join as singer a guitar player Pink Floyd band replacing David Gilmour. Bramhall II has also played with Eric Clapton and B.B. King. In this new album our man has left no detail to chance, everything is measured and designed with an attentive commitment, so the result is a really surprising recording. Doyle shows his talent as well as his most poetic and sensitive side, with songs that range from blues to folk, country or Americana and he does it with really careful, imaginative and tasteful arrangements. VERY GOOD.

Frank Bang & The Cook County Kings “The Blues Don’t Care”. Blue Hoss / Rick Lusher 2016.
Si os va el blues clásico interpretado con carisma, fuerza, honestidad, garra y distinción, entonces debéis confiar en este músico y en este álbum que os recomiendo encarecidamente. Frank Bang es un cantante y guitarrista de blues de la escuela clásica de Chicago entroncado en la tradición de los años sesenta y setenta. Líder y protagonista máximo de su grupo The Cook County Kings, ha estado esperando el momento oportuno para editar este estupendo y fantástico álbum titulado “The Blues Don’t Care” que recoge diez canciones que reflejan todo lo que este músico lleva dentro y que es mucho. Para aquellos que no conozcan la trayectoria de este músico decir que en 1999 entró a formar parte de la banda de Buddy Guy donde permaneció por espacio de cinco años. Según manifiesta el propio Frank esté es el álbum que durante toda su vida ha estado esperando poder hacer y lo cierto es que ha valido la pena esperar hasta la llegada de un momento tan crucial e importante en la carrera de este músico que lleva el blues en la sangre y que, por encima de todo, está decidido a mantenerlo vivo en su vida y en su música. MUY BUENO. If you like genuine blues performed with charisma, strength, honesty, power and distinction, then you should certainly trust in this musician and this album I recommend you. Frank Bang is a blues singer and guitarist belonging to the classic Chicago blues school, deeply rooted in 60’s and 70’s tradition. Leader and front man of his band The Cook County Kings, Frank has waited for the right time to publish this great and fantastic album entitled "The Blues Don't Care" which includes ten songs that reflect all what this musician has inside his heart, which is a lot. For those who don't know much about this musician only say that, in 1999, he was member of Buddy Guy’s band remaining there for five years. According to Frank’s words, this is the album he was willing to do for most of his life and the true thing is it has been worth to wait for such a crucial and important moment in the career of a musician who has the blues in his blood and is totally determined to keep it alive in his music and life. GREAT.

Mike Zito “Make Blues Not War”. Ruf 2016.
En pleno siglo XXI la vida transcurre con inusitada rapidez, las noticias vuelan, la gente va de un lado a otro con un estrés adrenalínico que sobrepasa las conciencias colectivas, existe un exceso de sobre-información…. Mike Zito entiende todos estos conceptos que la vida moderna depara a una sociedad cada vez mas ansiosa pero sabe darles un nuevo aire para convertir el agobio en algo mucho más espiritual y todo ello a pesar de su energética y electrizante música. Con una carrera a sus espaldas de mas de dos décadas, Mike se ha convertido hoy en día en un cantante, compositor y guitarrista altamente respetado en los círculos del rock-blues, un estilo y un género que domina a la perfección y que en este nuevo disco presenta servidos en bandeja de oro para que el oyente los disfrute con total plenitud. Según palabras de Mike Zito con este trabajo ha querido transmitir a todos sus fans y seguidores la alegría y la pasión que experimente cuando escucha a músicos como Johnny Winter, Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan o Luther Allison y todos estos sentimientos ha sabido también comunicarlos al resto de los músicos que han participado en el álbum, que se han sentido totalmente a gusto y libres para expresar todo lo que llevan dentro. MUY BUENO. In our twenty-first century life rolls with an unusual speed, news travel fast, people go here and there with an adrenalinic stress that exceeds collective consciences, there is also an excess of over-information…. Mike Zito understands all these concepts modern life brings to an increasingly worried and anxious society, but he knows how to give them a new dimension and transform the stress into something much more spiritual and he manages to do it in spite of his energetic and electrifying music. With a career of more than two decades behind him, today Mike has become an American singer, songwriter and guitarist who is highly respected in rock-blues circles, an style he perfectly knows and is now served on a golden tray in an album listeners will fully enjoy. In Mike Zito’s own words, he had on mind to share in this album with all his fans and followers the joy and passion he feels when he listens to musicians like Johnny Winter, Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan or Luther Allison he has also managed to share these feelings with the rest of the musicians who have participated in the recording, who have felt totally comfortable and free to express their good knowledge and passionate feelings. GREAT.

Mississippi Heat “Cab Driving Man”. Delmark / Frank Roszak 2016.
Apasionado, inspirado y a la vez melódico armonicista, Pierre Lacocque lidera sin ambages ni tapujos y con mano de hierro el grupo Mississippi Heat del que es cabeza visible e inspirador. Este nuevo y ultimo trabajo nos presenta once temas propios, tres compuestos por el guitarrista de la banda Michael Dotson quien también los canta y dos covers, “Don’t Mess Up A Good Thing” y “Smooth Operator”. Todos estos temas nos conducen por un amplio recorrido en el que el ‘vintage low down Chicago blues’, el Delta blues, los ritmos latinos y las baladas en clave de rhythm and blues se dan la mano y tienen cabida a lo largo de las canciones que se incluyen en el álbum. Ese amplio espectro y recorrido por la música negra hace que la grabación sea fresca, divertida, sumamente agradable de escuchar y disfrutar. Este es su sexto álbum para la compañía de Chicago Delmark y, como siempre, la banda suena empastada y jugosa gracias al excelente trabajo de Pierre a las armónicas, Inneta Visor a la voz, Michael Dotson a la voz y guitarra, Giles Corey también a la guitarra, Brian Quinn al bajo y contrabajo y Terrence Williams a la batería, a los que se les unen unos invitados de lujo como son Ricky Nelson, Kenny Smith, Chris “Hambone” Cameron, Sumito Ariyo, Dave Specter, Rubén Alvarez y Sax Gordon. Un mas que recomendable disco que hará las delicias y colmará de satisfacción a todos aquellos enamorados del buen blues perfectamente interpretado. MUY BUENO. Passionate, inspired but, at the same time, a melodic harmonica player, Pierre Lacocque openly leads with an iron hand Mississippi Heat band, where he is the inspired and visible head. This new and latest work brings eleven own songs, three of them by the band's guitarist Michael Dotson who also sings them, plus two covers, "Don't Mess Up a Good Thing" and "Smooth Operator". All of these songs drive us to an extensive tour where vintage low down Chicago blues, Delta blues, Latin rhythms and rhythm & blues ballads come together in the songs included in the album. This broad black music range of sounds rounds up a cool, fun, pleasant and joyful recording. This is his sixth studio album for Chicago label Delmark Records and, as usual, the band sounds really teamed and juicy, thanks to the excellent work of Pierre on harmonica, Inneta Viewer on vocals, Michael Dotson on vocals and guitar, Giles Corey on guitar too, Brian Quinn on bass and double bass and Terrence Williams on drums, who are joined by some very special guests such as Ricky Nelson, Kenny Smith, Chris "Hambone" Cameron, Sumito Ariyo, Dave Specter, Ruben Alvarez and Sax Gordon. This is a more than recommendable album that will give delight and satisfaction to all those who look for vey good performed blues. GREAT

Big Creek Slim “Keep My Belly Full”. Straight Sooter / Gateway 2016.
Auténtico y genuino exponente del blues acústico con raíces, el cantante y guitarrista Big Creek Slim nos ofrece un repaso lleno de intensa y vistosa calidad por las mas variopintas y vigorosas esencias del ‘back porch blues’ del Delta con una especial sensibilidad y elegancia, tanto en su exposición como en su discurso rico y lleno de matices que atrapan al oyente desde las primeras notas de la canción “By By Blues” de Tommy Johnson que es el blues con que se abre el álbum hasta un final lleno de sustancia con el tema “Dry Spell Blues” de Son House. Es curioso que un músico nacido en el centro de Dinamarca consiga un feeling tan genuino y sea capaz de interpretar los blues tal como lo hace Big Creek Slim quier, en todo momento, consigue captar la esencia primigenia de este estilo musical. La razón nos la da el mismo Big Creek cuando dice que para él el blues es un sentimiento universal que conecta muy bien con su forma de ser, ya que a él siempre le ha gustado investigar y encontrar la raíz y el origen de las cosas, pues además de ser un excelente intérprete de blues es un estudioso de las raíces de la cultura escandinava, interpreta música irlandesa (aunque no en este disco) y se siente fascinado por los orígenes de la samba brasileña. En este disco está espléndidamente respaldado por unos músicos que comulgan con placer en su discurso honesto y lleno de sensibilidad. Un gran disco que no debe pasar desapercibido para ningún aficionado al género. MUY BUENO. Original and genuine musician of acoustic roots blues, singer and guitar player Big Creek Slim gives us a wide, intense and colourful range of high quality Delta back porch blues performed with a special sensitivity and elegance in the content and layout, both rich and full of nuances that will catch listeners from the first notes of the song "By By Blues” coming from Tommy Johnson that opens the album up to an end full of delicious flavours in the song "Dry Spell Blues" by Son House. It is quite surprising that a musician who was born in the middle of Denmark gets a so genuine feeling and is able play the blues as Big Creek Slim does, as he really knows how to capture the essence of this musical style. The answer comes from Big Creek himself, when he says the blues is a universal feeling that connects very well with his personality, as he always likes to investigate and find the roots and origin of the things he loves. Besides an excellent blues performer, he is also an expert in the roots of Scandinavian culture, Irish music (though he does not play it in this album) and he is also fascinated by the origins of Brazilian samba. Here you will find him perfectly backed by a bunch of musicians who pleasantly agree with his honest and full of sensitivity speech. This is a great album that should not go unnoticed for any blues and good music lover. GREAT.

Tomislav Goluban “Kaj Blues Etno”. Spona 2016.
Durante más de dos décadas el armonicista croata Tomislav Goluban no ha parado de trabajar y de realizar una constante labor para popularizar el blues en su Croacia natal. Además de actuar regularmente en su país, en Europa e incluso en Estados Unidos, es fundador del Etno Blues Festival que tiene lugar en su zona natal en el noroeste de Zagreb y realiza asimismo un programa radiofónico a nivel nacional. Este es su octavo disco que graba en estudio en el que incluye veintiún temas donde fusiona la música popular y tradicional de su país con el blues y la ‘world music’. Muchas de las canciones tienen la particularidad de estar interpretadas por una serie de instrumentos muy originales como la cornamusa, bagpipe, la flauta doble, la tambura, el violín, la mandolina o instrumentos más exóticos como el tapan, el daf, la darbuka o el tambor udu. El disco se convierte en un imaginativo ejemplo de cómo combinar la música popular de esa zona de Europa con el blues, para desembocar en un sonido totalmente nuevo y diferente de lo que se escucha normalmente. Más de treinta músicos han participado en la confección de estas veintiuna canciones que van a sorprender a mas de uno. Un disco muy recomendable para amantes del folklore del mundo y de la armónica blues. MUY BUENO. For more than two decades Croatian harmonica player Tomislav Goluban has done an endless work on a tenacious effort to make blues popular in his native Croatia. Besides performing regularly in this country, in Europe and even in USA, he is founder of Etno Blues Festival which takes place in his home region northwest Zagreb and he also hosts a national radio show. This is the eighth studio album with twenty-one songs that combine his country traditional and popular music with blues and world music. Most songs have the particularity to gather a series of very original instruments as bagpipe, double flute, tambura, violin, mandolin or even more exotic ones like tapan, daf, darbuka or udu drum. The album becomes an imaginative example of how to mix popular music of that particular European area with the blues and, in this way, end in a totally new sound completely different of what we are used to listen. More than thirty musicians have participated in these twenty-one songs that will surprise more than one. This is a highly recommended recording for world folklore and harmonica blues lovers. VERY GOOD.

Petra Börnerová Duo & Besenyei Csaba “Acoustic Session 2”. Pure Music 2015.
La cantante y acordeonista checa Petra Börnerová y su marido el guitarrista húngaro-eslovaco Tomás Bobek Bobrovniczký nos presentan su álbum “Acoustic Session 2” que es continuación de su anterior disco “Acoustic Session 1” publicado en 2012 y que contó con la participación de diversos músicos invitados venidos de diversos países. En esta segunda entrega han invitado al cantante y armonicista húngaro Besenyei Csaba, el guitarrista australiano Gwyn Ashton, el cantante eslovaco Juraj Dura Turtev, el bajista húngaro Bornemissza Ádám y en el ‘bonus track’ se encuentra el hijo de la pareja., Tomás, que con sólo seis años ya toca la batería. El álbum contiene quince canciones de las que siete son originales, estando la primera dedicada a la memoria de B.B. King. Ambos músicos gozan de un reputado prestigio en los ambientes del blues de la Europa del este y hace un par de años decidieron dar un salto cualitativo en su carrera que para colocarse en la escena del panorama del blues europeo. Esperamos que el gran público acoja con ilusión y la suficiente estima a esta pareja de músicos enamorados del blues para que puedan confirmar con autoridad su valía. MUY BUENO. Czech singer and accordionist Börnerova Petra and her husband Hungarian-Slovak guitar player Thomas Bobek Bobrovniczký present their new album "Acoustic Session 2" which follows the path of their previous one "Acoustic Session 1" published in 2012, that counted with the participation of some guest musicians coming from various countries. For this second one they have invited Hungarian singer and harmonica player Besenyei Csaba, Australian guitarist Gwyn Ashton, Slovakian singer Juraj Dura Turtev, Hungarian bass player Bornemissza Ádám and, in the bonus track, you will find the couple's son, Tomás who, with only six years, plays drums. The album gathers fifteen songs, seven original ones, where the opening one is dedicated to the memory of B.B. King. Both musicians have a reached a notorious prestige in blues circles of Eastern European countries and, a couple of years ago, they decided to take a big step up in their career to place themselves in the context of European blues scene. Let’s hope general audiences welcome with enthusiasm and enough recognition these two blues lover musicians, and confirm their undeniable value. VERY GOOD.

Diana Rein “Long Road”. Rude Mood 2016.
La cantante y guitarrista rumana Diana Rein emergió prácticamente de la nada en el pasado año 2016 para directamente embolsarse un par de premios que le concedieron a la mejor cantante femenina y al mejor cd editado por una mujer, álbum que llevaba por título “Long Road” y que es el mismo que estamos comentando ahora. Con anterioridad había grabado un primer álbum titulado “The Back Room” que contenía ocho canciones y que pasó bastante desapercibido. Sus mas acérrimos admiradores le han puesto el sobrenombre de ‘Six String Siren’ por la forma en que se desliza a través de las canciones que interpreta, con esas letras agudas y llenas de ingenio que proyecta a través de su garganta de oro y por sus solos de guitarra melódicos y a la vez contundentes, lo que la convierte en una auténtica ‘killer’ muy en la línea de sus admirados Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix y Buddy Guy. Diana Rein reside en Chicago y habitualmente se la puede ver y escuchar en garitos del extrarradio como el The Double Door, el Fitzgerald’s Joe’s Bar o el Lucille. Si os gusta el Indie blues y el rock blues alternativo, entonces no dudéis que Diana Rein es la opción más apropiada para que disfrutéis con su música y sus canciones. MUY BUENO. Romanian singer and guitar player Diana Rein practically appeared out of nowhere last 2016 to directly receive a couple of awards as best female singer and best cd edited by a woman, for her album "Long Road" which is the one we are reviewing now. She had previously released a first album entitled "The Back Room" with eight songs, which was rather unnoticed. Her most faithful fans call her the 'Six String Siren' for the way she glides on the songs she performs, thanks to the acute inventive lyrics she is able to sing and project through her gold throat together with her melodic but at the same time strong guitar, which make her become a real killer in the path of her always admired Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix and Buddy Guy. Diana Rein lives in Chicago and she usually can be seen playing at outskirts of town clubs like The Double Door, Fitzgerald's Joe's Bar or Lucille. If you like Indie blues and alternative rock blues, then do not hesitate to discover Diana Rein, because she is one of the best options you will find to enjoy music and her songs. VERY GOOD.

Aaron West “504 Soul”. Self Production 2016.
Este joven compositor que también toca la guitarra y canta llamado Aaron West creció en Nueva Gales del Sur, Australia y, desde muy joven, descubrió su amor por la música. A los diez años tocaba la guitarra con la suficiente habilidad como para recibir todo el ánimo y el empuje de sus progenitores. Su primera influencia fue Stevie Ray Vaughan y enseguida absorbió todos los géneros de blues gracias a la colección de discos que su padre tenía en casa. Así pudo empaparse de la música de B.B. King, Muddy Waters, Little Walter, Buddy Guy, Howlin’ Wolf, Jimmy Reed… etc. Después de terminar sus estudios de secundaria empezó a estudiar música en el Conservatorio, donde educó su talento musical tanto con la guitarra de jazz como en el jazz vocal. Desde entonces Aaron West no ha parado de ganarse la vida como músico profesional tanto tocando con su banda como participando en grabaciones como músico de sesión. En este disco vais a encontrar un buen muestrario de material original de estilos como el funk, jazz, gospel, soul, disco o rhythm and blues, realizados con unos arreglos exquisitos y una producción más que notable. MUY BUENO. This young composer who also plays guitar and sings called Aaron West grew up in New South Wales, Australia and, when he was a child, he discovered his love for music. Only aged ten he played guitar with skill enough to receive all the encouragement and push of his parents. His first great influence was Stevie Ray Vaughan and soon he discovered and took up all blues genres, thanks to the record collection his father had at home. In this way he was able to learn the music of B.B. King, Muddy Waters, Little Walter, Buddy Guy, Howlin' Wolf, Jimmy Reed… and so on. After finishing Secondary school he studied music at the Conservatory of Music, where he learned and polished his musical talent both to jazz guitar and vocal jazz. Since then on Aaron West has not stopped to work and earn his life as a professional musician playing with his band or collaborating as a studio musician in other artists recordings. In this album you will find a good selection of original material ranging from different styles like funk, jazz, gospel, soul, disco or rhythm and blues, all them performed with exquisite arrangements and a more than a remarkable final production. VERY GOOD.

Trudy Lynn “I’ll Sing The Blues For You”. Connor Ray Music / Mark Pucci 2016.
Trudy Lynn no necesita presentación para todos los que conocen el blues en profundidad. Cantante de enorme expresividad, Trudy siempre da lo mejor de sí misma y en este nuevo proyecto vuelve una vez más a ofrecernos una demostración de cómo cantar el blues y entregarse a ello en cuerpo y alma. Este nuevo disco lleva el sugestivo titulo de “I’ll Sing The Blues For You” y la idea surgió cuando su hija le regaló unas tarjetas de visita en las que junto a su nombre aparecía esa misma frase. Cuando Trudy le dio las gracias por el regalo, ésta le contestó que eso era lo que ella hacía desde que era una artista, es decir, cantar el blues para que cada uno de los que la escuchan lo sienta como algo propio. Por eso Trudy se ha esmerado en comunicar todo lo que lleva dentro. El material escogido para este disco ha sido perfecta y cuidadosamente seleccionado. Son diez temas a cual mejor que abarcan desde canciones de la propia Trudy Lynn como ese blues a medio tempo con ritmo funky que es “Thru Chasin’ You”, hasta el estupendo shuffle “Alright Baby” de Big Mama Thornton o “Down On Bended Knee” de Johnny Copeland. Un disco tremendamente intenso, muy bailable, admirablemente cantado y con unos músicos francamente buenos que ahondan con fervor, muchas ganas y profundo calado en el blues más sensual, genuino y absorbente. BUENISIMO. Trudy Lynn needs no introduction for those who deeply know blues. Singer gifted with a great expressivity, Trudy always gives the best of herself and, in this new project, she again shows how to sing the blues and give it from the deepest part of her heart and soul. This new album has the suggestive title of "I'll Sing The Blues For You" and the idea came to her when her daughter gave her a gift of business cards where, after her name, it was written that particular sentence. When Trudy thanked her daughter for the gift, she said those words described what she had always done, sing the blues on a way that every listener could make it feel as his own. So Trudy has done her best to communicate along the whole album all what she carries deep in her heart and soul. The whole material has been perfectly and carefully selected. Ten amazing songs ranging from some Trudy Lynn’s own compositions like “Thru Chasin’ You”, a mid-tempo blues with a funky rhythm, to the catching shuffle "Alright Baby" coming from Big Mama Thornton or "Down On Bended Knee" by Johnny Copeland. This is a terrific, intense and very danceable recording, sung with an extreme power, and the collaboration of a bunch of really good musicians who put all their commitment, devotion and intense feeling to pe4rform the most genuine, sensual and possessive blues. GREAT

The Jimmys “Live From Transylvania”. Brown Cow Productions / Blind Raccoon 2016.
Prepárate a disfrutar con todo el feeling y el swing que emana de este grupo llamado The Jimmys, liderados por Jimmy Voegeli al piano, Hammond B-3 y voz, junto a Perry Weber a la guitarra y voz, John Wartenweiler al bajo, Mauro Magellan a la batería, Darren Sterud al trombón y voz, Charley Wagner a la trompeta y Pete Ross al saxo tenor. El disco se grabó en el Festival de Blues de Sighisoara en Rumania y está dedicado a la memoria de Candye Kane con la que compartieron cartel en dicho festival. Candye estaba ya muy enferma, apenas podía caminar, el dolor se reflejaba en su cara, por lo que todos los miembros de The Jimmys quedaron profundamente impresionados por la gran profesionalidad de aquella mujer tan enferma y con tantas ganas de vivir, unas ganas que mantuvo hasta el último de sus días. La selección de temas que se recogen en este álbum son una verdadera fiesta para los sentidos, un auténtico placer y un regalo para todos aquellos que amamos los blues, el jump, el rock ‘n’ roll y la diversión total y absoluta. En el concierto que comentamos The Jimmys dieron lo mejor de sí mismos, poniendo la sala patas arriba y este disco se convierte en el fiel reflejo de lo que vivieron durante aquella inolvidable noche todos los afortunados que acudieron al Mihai Eminesco Concert Hall de la ciudad de Sighisoara en Rumania. MUY BUENO. Get ready to enjoy with the unbelievable feeling and swing that will bring you this excellent band called The Jimmys, led by Jimmy Voegeli on piano, Hammond B-3 and vocals and Perry Weber on guitar and vocals, John Wartenweiler on bass, Mauro Magellan on drums, Darren Sterud on trombone and vocals, Charley Wagner on trumpet and Pete Ross on tenor sax. The album was recorded at Sighisoara Blues Festival in Romania and has been devoted to the memory of Candye Kane who was also playing in the Festival. Candye was very sick, she barely could walk and pain could be seen in her face, so all The Jimmys’ musicians were deeply impressed by the professional attitude of a so sick woman but so eager to live, a behaviour she kept until her last living day. The album song selection becomes a real pleasure for the senses, a feast and gift for all those who love joyful blues, jump and a rock 'n' roll party. In that particular show The Jimmys gave the best of themselves, put the hall upside down, so the album is the faithful reflect of what could live all those people who were fortunate to be in that unforgettable night at the Mihai Eminesco Concert Hall in Sighisoara, Romania, GREAT.

Rev. Billy C. Wirtz & The Nighthawks “Full Circle”. EllerSoul 2016.
El Reverendo Billy C. Wirtz vuelve de nuevo a la carga con más fuerza y vitalidad que nunca para transmitir al oyente la palabra y la música divina, en su misión de redimir al pueblo de todos sus pecados. Aunque a menudo suele predicar acompañado únicamente de su propio piano, en esta ocasión se ha rodeado de unos excelentes y legendarios acólitos como son The Nighthawks, formados por Mark Wenner armónica y voces, Mark Stutso batería, Johnny Castle bajo y voces y Paul Bell guitarra, además de Bob Driver a la guitarra en cinco cortes, Steve Riggs bajo en un tema y Lil’ Ronnie Owens a la armónica en un par de canciones. A lo largo de las quince canciones que componen el álbum el Reverendo desgrana sus blues, su rock and roll y algún que otro tema de country & western con convicción y mucha fe, para satisfacer y reconfortar las almas de sus feligreses. Toda la sabiduría de este cantante y pianista ferviente admirador de su mentor Sunnyland Slim y Jerry Lee Lewis se funden en un cálido abrazo en este disco, con el que Wirtz contagiará al oyente con toda la fuerza, la magia y la convicción que solamente este cantante y pianista es capaz de transmitir. MUY BUENO. Once again Reverend Billy C. Wirtz comes back with more strength and vitality than ever to preach the divine words and music, to follow his mission of redeeming the sins of listeners who faithfully come to his shows. Although he often preaches only backed by his piano, this time he is surrounded by excellent legendary altar guys like The Nighthawks, with Mark Wenner on harmonica and vocals, Mark Stutso on drums, Johnny Castle on bass and vocals and Paul Bell on guitar, plus Bob Driver, guitar in five cuts, Steve Riggs bass in one song and Lil' Ronnie Owens, harmonica on a couple of cuts. Along the fifteen album songs, Reverend preaches his blues, rock and roll and some country & western tunes with energy and faith, to satisfy and give comfort to the audience souls. All the wisdom of this singer and piano player, who deeply admires his mentor Sunnyland Slim and Jerry Lee Lewis, melt in a warm hug along the whole recording, where Wirtz will catch listeners with the strength, magic and conviction only this singer and piano player is able to communicate. GREAT.

Nina Van Horn “Sings Nina Simone”. Wolf Productions 2016.
Nina Van Horn siempre se impone nuevos retos de mucha envergadura que afronta con decisión y mucho brío. En esta ocasión ha decidido cantar a Nina Simone, una cantante a la que toda su vida ha admirado, tanto por las letras de sus canciones como por su forma libre de vivir la vida y su genialidad, aunque siempre poniendo y articulando su propio y original estilo en todas y cada una de las catorce canciones que ha seleccionado con esmero para este nuevo proyecto. Nina Van Horn sale airosa del reto que se ha marcado ya que sabe darles una vida nueva junto a una jugosa y emotiva vitalidad donde naturalmente impone su personalidad y su sello a unas canciones ya de por si excelentes, gracias a su entrega total y a la colaboración de unos músicos bien seleccionados para llevar a cabo este trabajo como son Lea Worms al piano, Mathias Bernheim a la batería y percusión, Masahiro Todani a las guitarras y Denis Aigret al bajo. Estamos ante un disco diferente y sabroso, donde Nina Van Horn nos acerca desde su particular punto de vista y perspectiva a algunas de las canciones que Nina Simone tenia en su repertorio, con la única finalidad de transmitirnos con su propia sensibilidad su respeto y admiración por esta legendaria cantante. MUY BUENO. Nina Van Horn always sets herself new demanding challenges she approaches with determination and commitment. This time she has decided to sing Nina Simone, a singer she has always admired, both by her song lyrics, her genius and her free way of living, but always giving Van Horn’s own and personal style in each and every one of the fourteen songs she has carefully selected for this new project. Nina Van Horn has succeed in the challenge, because she knows how to give a new life to the songs she performs, pervading them with a juicy emotional vitality that reflects her own personality to an already excellent songs, thanks to her total dedication and the collaboration of a bunch of well selected musicians able to carry on this her project like Lea Worms on piano, Mathias Bernheim on drums and percussion, Masahiro Todani on guitars and Denis Aigret on bass. We are facing an original tasty album, where Nina Van Horn drives us from her particular perspective to some of the songs Nina Simone had in her repertoire, with the only purpose lo let us know her sensitive respect and admiration for that legendary singer. VERY GOOD.

John Weeks Band “Dark Angel”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Este no es un disco de blues al uso, ya que está pasado por el filtro y el tamiz de las diferentes influencias que John Weeks ha ido recibiendo desde muy joven y que le han ido formando musicalmente. Nacido en Francia, durante los años noventa estuvo desplegando todo su arte y buen hacer como guitarrista tocando por diferentes clubs de Paris. Por su parte la vocalista Stacey Turpenoff reside habitualmente en Saint Louis, Missouri donde ha asimilado toda la cultura de la música afroamericana que sabe transmitir con coraje y solidez. Por su parte el teclista Dan Haynes ha desarrollado su carrera entre Austin, Texas y Australia. Todos ellos han sabido combinar y asimilar sus diversas influencias para plasmarlas a lo largo de un álbum variado, diferente y muy original, bien respaldados por Stephen Whitfield al bajo y Robert Fiorino a la batería y percusión. Son diez temas muy agradables, divertidos, bailables y bien combinados entre si, donde destacan la fuerza, el ritmo y la melodía por encima de otras consideraciones. El álbum fue grabado y mezclado en los Macy Sound Studios en Denver, Colorado por el ingeniero John Macy. MUY BUENO. This is not a classic usual blues recording, as it has been passed through the filter of the different influences John Weeks has received since he was a young guy, that have gradually formed his musical tastes. Born in France, during the 90’s he gave his guitar skills and good work playing in different Paris clubs. On the other hand, singer Stacey Turpenoff usually lives in Saint Louis, Missouri where she has taken up Afroamerican music feeling, she knows well to communicate with a fierce credible attitude. Also keyboardist Dan Haynes has developed his career between Austin, Texas and Australia. All together have managed to assimilate and cleverly mix their different influences to display them along a varied, different and very original album, well supported by Stephen Whitfield on bass and Robert Fiorino on drums and percussion. Ten very pleasant, funny, danceable and well combined songs, where the powerful rhythm and delicious melodies prevail over other considerations. The album was recorded and mixed at Macy Sound Studios in Denver, Colorado by engineer John Macy. GREAT.

Mr. Sixty “Secrets That We Share”. Pol & Lo 2016.
Fruto de su colaboración en un concierto en Castelldefels, Barcelona junto a otros músicos invitados, el cantante, compositor y armonicista norteamericano afincado en España Mike Shannon entró en contacto con el bajista Frank Andrada y el guitarrista Santi Picó. La compenetración y buen rollo que surgió entre ellos dio como resultado que decidieran colaborar juntos y grabar este estupendo álbum que aquí comentamos. Para ello reclutaron al batería Francesc Rabassa y, después de unos pocos ensayos, se pusieron manos a la obra, grabando siete canciones originales del propio Mike Shannon y tres versiones de los temas “Statesboro Blues” de Blind Willie McTell, “One Way Out” de Sonny Boy Williamson II y “Whipping Post” de Gregg Allman. El disco se saborea con fruición y pasión, gracias a unos músicos curtidos en mil y una batallas que, bajo el nombre de Mr. Sixty, han plasmado de manera original y novedosa todas las ideas musicales de Shannon, en canciones donde han sabido combinar con gusto y buen criterio los sonidos de la música pop de los años sesenta con el rock y el blues mas actual y vigente. Como siempre Mike sopla la armónica con gusto y buena técnica apostillando efectivos y precisos riffs. También destacan sus excelentes dotes vocales, puestas al servicio de la buena música que aquí encontramos. MUY BUENO. Thanks to a special collaboration together with other guest musicians on a show in Castelldefels, Barcelona, American singer, songwriter and harmonica player now settled in Spain Mike Shannon was introduced to bass player Frank Andrada and guitar player Santi Picó. Thanks to the good feeling and musical understanding among them, they decided to collaborate and record this great album we have on hands. They recruited drummer Francesc Rabassa and, after a few rehearsals they got to work, recording seven Mike Shannon’s original songs and three versions like "Statesboro Blues" coming from Blind Willie McTell, "One Way Out" by Sonny Boy Williamson II and "Whipping Post" by Gregg Allman. This is an album to be passionately savoured, thanks to the good work of these experienced battle tanned musicians who, with the name of Mr. Sixty, express in an original and innovative way all Shannon’s musical ideas in a repertoire where they manage to tastefully and cleverly combine the sounds of sixties pop music with the most actual and strong rock and blues. As ever Mike blows harp with an amazing elegant technique, along effective and accurate riffs. Also mention his excellent vocal qualities he always puts in service to the good music gathered in the album. GREAT.

Knickerbocker All-Stars “Texas Rhody Blues”. JP Cadillac / JPG Media 2016.
Este álbum es el tercero de la saga que lleva por título “Knickerbocker All-Stars”. Este proyecto cuenta con el soporte del Knickerbocker Music Center, una organización sin ánimo de lucro que colabora con The Rhode Island Philarmonic Orchestra & Music School. Ambas organizaciones trabajan en la educación musical y en la organización de excelentes conciertos. En esta tercera entrega han vuelto a reunir a la ‘crème de la cr+eme’ de los músicos de blues de la zona de la costa noreste norteamericana, todos ellos perfectos exponentes del blues tejano en su más pura concepción, forma, estilo y sonido como son los cantantes Duke Robillard, Sugaray Rayford, Brian Templeton y Willie J. Laws, los pianistas Al Copley, Bruce Bears y Matt McCabe, los guitarristas Jimmie Vaughan, Monster Mike Welch y el ya mencionado Duke Robillard, Dug James al saxo tenor y barítono, Rich Lataille al saxo alto y tenor, Doc Chanonhouse a la trompeta, Carl Querfurth al trombón, Brad Hallen bajo y contrabajo y Mark Teixeira a la batería. Como es fácil de imaginar el resultado es realmente excepcional, un disco de blues fuera de serie, impecable, elegante y a la vez rocoso, una explosión de blues de alto voltaje que golpea fuerte en las entrañas y en el corazón de todos los amantes del género y de la música en general. IMPRESCINDIBLE. This is the third album of the series entitled "Knickerbocker All-Stars". The project has the support of the Knickerbocker Music Center, a non-profit organization that collaborates with Rhode Island Philharmonic Orchestra & Music School. Both organizations work in musical education and the organization of excellent concerts. For this third recording they have recruited the ‘crème de la crème’ of Northeast coast blues musicians, all them the very best representatives of the most genuine Texas blues in its conception, style and sound, such as singers Duke Robillard, Sugaray Rayford, Brian Templeton and Willie J. Laws, piano players Al Copley, Bruce Bears and Matt McCabe, guitar players Jimmie Vaughan, Monster Mike Welch and the previously mentioned Duke Robillard, Dug James on tenor and baritone sax, Rich Lataille on alto and tenor sax, Doc Chanonhouse on trumpet, Carl Querfurth on trombone, Brad Hallen on bass and double bass and Mark Teixeira on drums. As you can easily imagine the result is a really exceptional, an outstanding faultless blues recording, elegant and rocky at the same time, a high-voltage blues explosion that will beat hard the heart and soul of every blues fan and general music lovers as well. ESSENTIAL.

Joanna Connor “Six String Stories” MC Records 2016.
Joanna Connor está revolucionando la escena del blues rock. En poco tiempo se ha convertido en uno de los nuevos fenómenos de la guitarra slide. Su estilo incendiario y electrizante no deja a nadie indiferente y si a ello añadimos una voz poderosa, bien timbrada, con unos amplios y bien coordinados matices, entonces no es nada extraño que esté sorprendiendo a las audiencias que acuden a sus conciertos. En este álbum Joanna ha incluido diez poderosas canciones llenas de energía y mucho gancho, ocho de las cuales han sido compuestas por ella misma junto a Marion Lance Lewis quien en el disco también se encarga de tocar la batería y el bajo. Este es un disco electrizante e incendiario, puesto que los temas que interpretan en el disco son parte del repertorio que están paseando actualmente en sus actuaciones y que ponen patas arriba todos los clubs y locales en los que tocan. Aunque Joanna Connor reconoce que es una artista de ‘directo’, en este disco se ha sentido muy cómoda, suelta y relajada, consiguiendo atraer poderosamente la atención del público europeo y americano, además de los medios especializados, lo que la ha llevado a dar un salto adelante y ser ya reconocida a un mayor nivel internacional. MUY BUENO. Joanna Connor is making a revolution in rock blues scene. In a short time she has become one of the new slide guitar aces. She has got an incendiary electrifying style that does not leave anyone indifferent and if we add she is also gifted with a powerful well pitched voiced with wide well-coordinated nuances, it is not strange she always surprises audiences who go to her live shows. For this album Joanna has selected ten powerful energetic and catching songs, eight own compositions she has done in cooperation with Marion Lance Lewis who also plays drums and bass. This is an electrifying flaming album, as most of the songs included belong to the usual repertoire, that get to put upside down all the clubs and venues where she plays Although Joanna Connor always says she is a live show artist, she felt very comfortable, relaxed and loose during the whole recording sessions, and this album has made her to powerfully call the attention of European and American audiences and specialized media as well, which has helped her to do a great step forward and get an international recognition. VERY GOOD.

La Pana Brothers “Devil Inside” Self Production 2016.
Fruto de un encuentro casual mientras tocaban en la calle en mayo del 2015, el cantante y guitarrista Pablo Carrascal y el armonicista Cristóbal Oteros “Pobas” decidieron que debían unir sus fuerzas y formar un dúo para interpretar y recrear los viejos blues del Mississippi en formato acústico, seleccionando un repertorio basado en algunos de los bluesmen que más admiran como Robert Johnson, Lightnin’ Hopkins, Sonny Boy Williamson o Lonnie Johnson entro otros y diversos viejos arquetipos del blues más añejo. Con el nombre de La Pana Brothers, ambos músicos han recorrido la mayoría de salas, locales y bares de Andalucía, participando asimismo en algunos de los festivales que se realizan en el sur de España. Después de haber grabado un E.P. en el año 2015, ahora nos presentan este disco que contiene catorce blues en el que participan dos músicos invitados como son Toni Travé al banjo, guitarra y voz en tres canciones y Fernando Beiztegui a la voz y percusión en dos cortes más. Ambos músicos destilan buen gusto, delicadeza, sensibilidad y mucha astucia en todas y cada una de las canciones que abordan en el álbum, entre las que personalmente destacaría “Kansas City”, “That’s Allright” o “Goin’ Down South”. MUY BUENO. Thanks to a chance encounter while playing on the street in May 2015, singer and guitar player Pablo Carrascal and harmonica player Cristóbal Oteros "Pobas" decided they could join forces and form a duo, to perform and bring back Mississippi old blues in acoustic format, selecting a repertoire based on blues songs coming from their most admired bluesmen like Robert Johnson, Lightnin' Hopkins, Sonny Boy Williamson or Lonnie Johnson among other varied old representatives of the most genuine blues. Under the name of La Pana Brothers, they have played in most Andalucia bars, clubs or venues and they have also participated in some of the festivals which take place in the south of Spain. After recording an E.P. in year 2015, now they have published this album including fourteen blues where you will also find two guest musicians, Toni Travé on banjo, guitar and vocals in three songs and Fernando Beiztegui in vocals and percussion in two cuts. Both musicians play with a remarkable good taste, delicacy, sensitivity and cleverness in each and every one of the album songs, where I personally would highlight "Kansas City", "That's Allright" or "Goin' Down South" VERY GOOD.

Johnny Max Band “Roadhouse Soul”. Pour Soul 2016.
A lo largo de los años The Johnny Max Band se han ganado con creces la reputación de ser una banda que sabe como entretener, atrapar y hacer disfrutar a las audiencias, gracias a una música divertida, atractiva y llena de ritmo, junto a un repertorio bien escogido y unas letras que poseen un gran y abundante sentido del humor. Todo lo bueno que el grupo ofrece en directo saben también trasladarlo a sus discos, como ocurre en este último trabajo donde presentan diez temas en los que se aprecian el conocimiento musical y la amplia experiencia de estos músicos. Johnny Max a la voz, Kevin Vienneau a las guitarras, mandolina y voces, Rob Gusevs a los teclados, Russ Boswell al bajo, Jim Casson a la batería y Quisha Wint coros y armonías vocales, consiguen entre todos crear una atmósfera cálida y envolvente con la que enganchan al oyente, llevándole a un terreno que la banda pisa con un completo dominio tanto del tempo, como del ritmo, la melodía y la composición. MUY BUENO. Over the years The Johnny Max Band have over gained a reputation of a band which really knows to entertain, catch and give joy to different audiences, thanks to a funny, attractive and full of rhythm music, together with a well-chosen repertoire and song lyrics that always have an extreme and accurate sense of humour. All the good things the band gives in his live shows are also well reflected in every album they publish, which happens in this latest work where they have included ten songs to let us discover their musical knowledge and extensive experience. Johnny Max on vocals, Kevin Vienneau on guitars, mandolin and vocals, Rob Gusevs on keyboards, Russ Boswell on bass, Jim Casson on drums and Quisha Wint on backing vocals and harmonies, manage to create a warm atmosphere and an engaging background that will delight listeners, taking them to a musical field the band mastery knows, where they show their complete control of tempos, rhythms, melodies and composition skills. VERY GOOD.

Jeff Chaz “This Silence Is Killing Me”. JCP Records / Frank Roszak 2016.
Jeff Chaz es un músico muy activo en la zona de New Orleans. Ahora nos presenta su segundo álbum grabado durante el pasado año 2016 en el que, rodeado de una excelente big band, nos brinda once canciones propias que se convierten en un homenaje a algunos de los músicos que mas ha admirado como son B.B. King, Albert King, Duke Robillard, Little Milton o Roy Buchanan. Todas estas influencias se ven reflejadas en este álbum muy bien concebido y trabajado, además de contar con unos arreglos magníficos. Después de décadas sobrevolando infinidad de lugares por los que ha paseado sus blues formándose como un buen cantante y un eficaz guitarrista, es ahora cuando su solvencia y madurez han llegado a lo más alto, lo que se hace plenamente visible a lo largo de este nuevo álbum capaz de conectar y entusiasmar a todos aquellos que se acerquen a escucharlo y en el que Jeff se siente cómodo al igual que todos los músicos que han intervenido en la confección y contribuído en el excelente resultado de este álbum. No se puede obviar que nuestro hombre está cómodo y relajado, ya sea interpretando ‘low down dirty blues’ como rhythm and blues o funky. Un disco muy completo que estoy seguro satisfará las expectativas que se pongan en él. MUY BUENO. Jeff Chaz is a very active musician in New Orleans area. Now he presents the second album he recorded during the past year 2016 where, surrounded by an excellent big band, brings us eleven own songs that become a tribute to some of his most admired musicians like B.B. King, Albert King, Duke Robillard, Little Milton or Roy Buchanan. All these influences can be found in this well conceived and perfectly build up new album which also includes magnificent arrangements. After decades of giving his blues in countless gigs and places which have helped him to mature as a good singer and guitar player, he has now reached an undeniable top quality and reliability, that becomes evident along this new album that will immediately catch all those who come to listen to it, as Jeff feels totally comfortable as well as all the musicians who have been involved and contributed to this excellent recording. You will immediately realize Jeff feels very relaxed either playing low down dirty blues, rhythm and blues or funky music. This is a very complete album I am sure will fulfil the expectations put on it. GREAT.

John Richard “Lost In Dublin”. Self Production / Sarah French 2016.
El cantante y compositor de folk canadiense John Richard quedó totalmente fascinado cuando visitó la ciudad de Dublin. En la capital de Irlanda, John sintió que la música y los históricos lugares de la ciudad le proporcionaban la inspiración suficiente como para componer un nuevo repertorio y material alejado de los patrones de los doce compases, por lo que, solo y sin obligaciones, decidió quedarse en la ciudad por un tiempo indefinido y mucho más de lo que en principio había previsto. Fue así como John Richard se dedicó a estudiar y explorar todos aquellos lugares, rincones y gentes que habitan la ciudad. El resultado de esta investigación es este álbum que musicalmente se nutre sobre todo de folk, soul, blues, e incluso hay alguna referencia al metal. En lo que se refiere a los textos John escribe sobre temas como el amor, la soledad, la enfermedad y también incluye una de las leyendas de Dublin cuyo protagonista es Satán. En el disco colaboran algunos músicos importantes del blues y del folk de la costa este canadiense como son Marc Doucet, Keith Hallett, Carter Chaplin y Charlie Phillips. Una rareza que sobresale entre las curiosidades que hoy en día se editan y que, por su calidad intrínseca, merece ser resaltado positivamente. MUY BUENO. Canadian folk singer and composer John Richard was totally fascinated when he visited the city of Dublin. In the capital of Ireland, John felt the city music, the sites and the historical places provided him the necessary inspiration to compose and create a new repertoire and music material far away of the twelve bars patterns so, alone and with no specific plans, he decided to remain there more than he has previously thought. He devoted himself to study and explore all those places, hidden corners and people living there. The result is this album musically based on folk, soul, blues, and even with some metal references and for what concerns to the lyrics the topics talk about love, loneliness, wealth and it also includes a local Dublin legend featuring Satan. The recording also gathers some important blues and folk Canadian east coast musicians such as Marc Doucet, Keith Hallett, Carter Phillips and Charlie Chaplin. This is a rarity that stands out among most of the daily published curiosities that should be noticed for its special quality. VERY GOOD.

Stevie J. Blues “Back 2 Blues”. Mississippi Delta / PK Music / Frank Roszak 2016.
Después de un largo período sin entrar en los estudios, el compositor, cantante, guitarrista y productor Stevie J. Blues publica finalmente este disco que comentamos. Stevie se ha dedicado profesionalmente a la música durante prácticamente toda su vida. Hijo de un predicador y pastor de la iglesia anglicana, como no podía ser de otro modo, sus primeras influencias provienen del gospel y del southern soul, aunque pronto descubrió el blues, música que le atrajo y fascinó desde el primer momento. A principios del nuevo siglo entró a formar parte de la banda de Bobby Rush, grabando y realizando diversas giras. Stevie J. Blues grabó su primer álbum en solitario en el año 2008 al que siguieron un par más. Hoy en día se ha convertido en uno de los mas reputados entertainers de la escena del blues de este nuevo siglo XXI. Con este disco Stevie J. pretende llevar al blues a las nuevas audiencias y poner al género en primera línea, gracias a unas canciones con unos arreglos bailables, divertidos y contagiosos con influencias de soul, gospel y dance music. Para ello ha contado con unos excelentes músicos y unos arreglos de metal francamente soberbios. Según sus propias palabras Stevie espera que con este proyecto todos los oyentes puedan entender, sentir y compartir su visión del futuro más inmediato que le espera al blues. MUY BUENO. After a long period without visiting the recording studios, singer, guitar player, composer and producer Stevie J. Blues has finally published this last album. Stevie has worked professionally as a musician most of his life. Son of a preacher and pastor of the Anglican Church, as it could not be otherwise, his early influences came from gospel and southern soul, but he soon discovered the blues, a music that immediately attracted and fascinated him. At the beginning of this new century he was member of Bobby Rush’ band, recording and performing in some tours. Stevie J. Blues published his first solo album in year 2008, which was followed by a couple more. Today, he has already become one of the most outstanding entertainers of the new century blues scene. With this album Stevie J. wants to make the blues well known to new audiences and put this music again in the first line, thanks to a bunch of songs with danceable, funny and catching arrangements with big influences of soul, gospel and dance music. He has also recruited very excellent musicians and a superb horn section. According to his own words, with this project he would like all listeners could understand, feel and share his vision of how the immediate future of blues should be. GREAT.
 

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