LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad (más de 5.000) se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 (more than 5.000) are collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Febrero - Enero 2018 - Diciembre 2017 / February - January 2018 - December 2017


FEBRERO 2018 / FEBRUARY 2018

Thierry Massoubre “Behind The Strings”. Acoustic Music 2017.
Los amantes del bluegrass, de la ‘american roots music’ y en alguna medida del folklore irlandés están de enhorabuena con la publicación de este nuevo álbum de Thierry Massoubre que contiene quince canciones instrumentales con composiciones del legendario Bill Monroe, además de temas del propio Thierry Masasoubre y una canción del guitarrista Michel Haumont. Massoubre es un virtuoso del banjo de cinco cuerdas, lo que queda muy bien reflejado en estas grabaciones en las que está acompañado por catorce músicos todos ellos expertos conocedores, no solamente de los géneros musicales que acabamos de mencionar, sino también de diferentes instrumentos de cuerda como son la mandolina, la mandola, el banjo, la guitarra, el bodhran, el violín o el contrabajo. Este es un cd relajante a la vez que optimista y divertido, con mucha poesía musical que, sin duda, nos acerca a una música bastante desconocida para gran parte del público. Todos los temas destilan una gran belleza, además de estar dotados con una gran carga emocional capaz de hacer vibrar al oyente con un mínimo sentido del gusto y un buen grado de sensibilidad. MUY BUENO. Bluegrass, American roots music and, to a certain extent, Irish folklore lovers will feel lucky with Thierry Massoubre’s new album that includes fifteen instrumental songs coming from legendary musician Bill Monroe, as well as some Thierry Masasoubre’s own compositions, plus one tune by French guitar player Michel Haumont. Massoubre is a virtuoso of five-string banjo, which  becomes evident along the whole recording, where he has been surrounded by fourteen excellent musicians, all them experts, not only in the just mentioned musical genres, but also in different string instruments like mandolin, mandola, banjo, guitar, bodhran, fiddle or bass. This is a relaxing but, at the same time, optimistic and funny album, with a good dose of musical poetry that, undoubtedly, will drive us closer to a musical style rather unknown for general audiences. All songs communicate an amazing beauty as well as a huge emotional feeling that will certainly catch any listener with a minimum good taste and sensitivity. VERY GOOD.

Kelly Z “Rescue”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Las ocho canciones de este álbum fueron grabadas por Kelly Z en 2011, bajo la supervisión del aclamado y respetado productor Chuck Kavooras. Por diferentes motivos estas grabaciones no se publicaron nunca, quedando olvidadas en un cajón.  Recientemente, Kelly le propuso a Chuck volver a trabajar juntos en un nuevo proyecto, entonces Chuck se acordó de ellas y decidieron rescatarlas para este nuevo disco que comentamos. Son ocho temas en los que predomina el funk, el rock y el rhythm and blues de los años sesenta y en los que Kelly se muestra y se define como una notable vocalista llena de empuje y descaradamente atrevida. En ocasiones Kelly Z ha sido comparada con diferentes cantantes como Lydia Pence, Dusty Springfield, Tina Turner o Irma Thomas. El álbum se de forma totalmente analógica para de este modo recrear el sonido más vintage y, en algunos cortes, contó con la colaboración de una buena sección de vientos además de un puñado de músicos invitados. Todas las as canciones rezuman contundencia, mucho descaro y, en lo que concierne a Kelly, el disco le da validez suficiente como para poder consolidarse como un nuevo valor en la escena independiente de la música negra. MUY BUENO. The eight songs included in this album were recorded in 2011 by Kelly Z, with the valuable supervision of respected producer Chuck Kavooras. For different circumstances the recordings were not published and remained stored on a box. Recently, Kelly asked Chuck to work together on a new project. Chuck thought about those songs, so they decided to rescue them for this new album. Eight tracks that are closer to 60’s funk, rock and rhythm and blues, where Kelly shows she is a remarkable daring energetic singer who sometimes has been compared with singers like Lydia Pence, Dusty Springfield, Tina Turner and Irma Thomas. The album was recorded in analogical system to get a vintage sound and counted with the collaboration of a good horn section as well as a handful of guest musicians in some cuts. All songs communicate a daring strong power and, in Kelly’s case, the recording gives her credit enough to consolidate herself as a new value of independent black music scene. VERY GOOD.

Val Starr & The Blues Rocket “I Always Turn The Blues On” Sandwich Factory / Blind Raccoon 2017.
Val Starr ha sido siempre una apasionada de la música. Desde muy joven se dedicó a cantar en la zona de San Francisco en diferentes bandas o bien realizando versiones de artistas como Carole King o Joni Mitchell. En 1983 se casó con el bajista John Ellis y ambos han consolidado una mas que buena carrera musical, además de trabajar activamente en como promotores o bien en medios de comunicación, fundando la primera emisora de radio de blues en streaming llamada Allradio.com o, posteriormente Gotradio.com en la que se puede encontrar el canal de blues ‘Bit O Blues’ con una programación de blues las veinticuatro horas del día y siete dias a la semana. También se han dedicado a programar a grandes nombres del blues en la zona de Sacramento. Recientemente Val ha decidido volver con su nueva banda y grabar este álbum que comentamos en el que se incluyen doce temas propios donde predominan los shuffles, las baladas de corte bluesy, el Memphis soul o el rockin’ Chicago blues. La banda atina en su forma de interpretar todas estas canciones donde, junto a la voz y la guitarra rítmica de Val Starr. se encuentran John Ellis al bajo, Frankie Soul a la guitarra solista y Paul Farman a la batería. Todos ellos más cinco músicos invitados dan solera y enjundia a este gratificante álbum. MUY BUENO. Val Starr is an artist who passionately loves music. Since she was a teenager she started to sing on different bands or doing versions of artists like Carole King or Joni Mitchell in San Francisco area. In 1983 she married bass player John Ellis and, together, they have consolidated a more than an appealing fruitful musical career. Besides working actively as promoters or involved in media activities, they founded the first streaming blues radio Allradio.com that was followed by Gotradio.com where you can find Bit O Blues channel running twenty-four hours a day, seven days a week. They have also brought first class blues names to perform in Sacramento area. Recently Val has decided to come back on stage with her new band and publish this album, that includes twelve own compositions based on shuffles, bluesy ballads, Memphis soul or rockin' Chicago blues. The band hits the target with the way they approach songs where, together with Val Starr’s vocals and rhythm guitar, you will also find John Ellis on bass, Frankie Soul on lead guitar and Paul Farman on drums. All together plus five significant guest musicians, give a charismatic substance to this rewarding album. VERY GOOD.

Likho Duo “Blues And The World Beyond”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Curiosa aportación al blues la de este dúo formado por el guitarrista y armonicista italiano Noé Socha y el bajista y contrabajista Cliff Schmitt. Ambos se presentan con un álbum completamente instrumental en el que se incluyen seis canciones originales y ocho standards interpretados todos en formato acústico. Estos dos músicos se conocieron en New York y pronto entablaron amistad al darse cuenta de que a los dos les interesaba el mismo tipo de música, por lo que decidieron juntarse para tocar de forma semiprofesional y es en dicha ciudad donde actúan habitualmente. Noé tiene veintiséis años y proviene de una pequeña ciudad de Italia. Allí fue donde descubrió la música por la que quedaría prendado. Gente como Bob Dylan, Neil Young, Mississippi John Hurt, Muddy Waters o Lightnin’ Hopkins tocaron su fibra, por lo que decidió viajar a Estados Unidos en busca de nuevas oportunidades. Por su parte Cliff tiene cuarenta y seis años y descubrió el blues gracias a la colección de discos de blues y rock de su padre. A lo largo de su carrera ha actuado junto a Michael Powers o Curtis Stigers entre otros. Noé es prácticamente ciego y Cliff solo tiene visión en un ojo. El nombre que han escogido profesionalmente, Likho Duo, hace referencia a un personaje de la mitología eslava que sólo tiene un ojo, tal como les ocurre a ellos, y que a menudo se asocia a la desgracia y la mala suerte. BUENO. Here comes a quite original contribution to the blues by this duo formed by Italian guitar and harmonica player Noé Socha and double bass and bass player Cliff Schmitt. They introduce themselves with an instrumental album that includes six original songs and eight standards, all performed in acoustic format. These two musicians met in New York and soon their friendship started, when they realized they liked the same kind of music, so they decided to start playing in a semi-professional way and it is in New York where they usually play. Aged 26, Noé comes from a small town in Italy. It was there where he discovered the music that would catch him. People like Bob Dylan, Neil Young, Mississippi John Hurt, Muddy Waters or Lightnin' Hopkins had a deep influence on him, so he decided to travel to the United States looking for new opportunities. On the other hand Cliff is now forty-six years old and he discovered the blues thanks to his father’s blues and rock record collection. Along his career he has played with Michael Powers or Curtis Stigers among others. Noé is practically blind and Cliff has only one eye vision. The name they have professionally chosen for the duo, Likho Duo, refers to a Slavian mythological character with only one eye, like happens to these two musicians, a character which is often related with misfortune. GOOD.

61 Ghosts “…To The Edge”. Bluzpik Media Group / Frank Roszak 2017.
Este es un EP con seis canciones a cargo de Joe Mazzari a la voz y a la guitarra eléctrica, J.D. Sipe al bajo y Dixie Deatwood a la batería, percusión y voces, que son los músicos que forma este trío que lleva por nombre 61 Ghosts. El grupo captura toda la esencia y el espíritu del Mississippi Hill Country blues dándole un aire de garaje, no exento de influencias de la música americana con la que visten estas seis canciones con las que se presentan al público en este trabajo titulado “…To The Edge”. Su música es áspera, bizarra, gótica y, en ocasiones, se podría decir que hiriente. Las canciones nos transportan a esas polvorientas e indómitas carreteras solitarias, donde se encuentran destartalados moteles y viejos juke joints donde se refugian personajes perdedores, oscuros y a veces incluso salvajes, sentados en la barra bebiendo whisky o cerveza fría. BUENO. This is an EP with six songs with Joe Mazzari on vocals and electric guitar, J.D. Sipe on bass and Dixie Deatwood on drums, percussion and backing vocals, who are the musicians which form this trio named 61 Ghosts. The group captures all the essence and the spirit of Mississippi Hill Country blues, but giving to their music a garage air, with some Americana influences too, that dress these six songs that become their introduction to general audiences in this work, entitled "…To The Edge". The music is rough, bizarre, gothic and, at a times, it could also be defined as hurtful. The songs drive us to those dusty dry wild lonely roads, with rundown motels or old juke joints, where find shelter dark loser or even wild people, who sit down wasting time drinking whiskey or cold beer. GOOD.

Kim Wilson “Blues And Boogie Vol.1”. Severn / Mark Pucci 2017
El legendario cantante y armonicista Kim Wilson quien, desde hace años ha entrado por derecho propio en la historia del blues, nos deleita una vez mas con un álbum en el que vuelve a los orígenes del genuino blues de Chicago y lo hace sin fisuras ni aspavientos, con pleno y completo dominio del género, como no podía ser de otro modo viniendo de un músico como Kim Wilson. Según sus propias palabras, lo que en la actualidad mas le motiva es poder realizar una serie de grabaciones que vuelvan a la raíz primigenia del sonido Chicago de los años cincuenta, acompañado de músicos que tengan el talento y el feeling de este estilo de blues. Para este primer volumen (del que se espera que sigan otros) Wilson ha contado con músicos como Billy Flynn, Big Jon Atkinson, Bob Welch, Danny Michel y Nathan James a las guitarras, Marty Dodson y Malachi Johnson a la batería, Larry Taylor al bajo y contrabajo y los tristemente fallecidos mientras se estaba llevando a cabo este proyecto, Barrelhouse Chuck al piano y Richard Innes a la batería. Dieciséis blues en los que se combinan originales del propio Kim Wilson junto a versiones de Little Walter, Sonny Boy Williamson, Elmore James, John Lee Hooker, Jimmy Rogers, Magic Sam y Jimmy Reed, hacen de este álbum una de esas joyas del blues de Chicago de ayer, de hoy y de siempre. Wilson dedica este disco a James Cotton y, ciertamente, si éste pudiera escucharlo, se sentiría tremendamente halagado. IMPRESCINDIBLE. Legendary singer and harmonica player Kim Wilson who, has largely get his own right to be part of blues history, delights us again with a new album. This time he goes back to the origins of genuine Chicago blues and he does it with the natural simplicity that have those people who have reached the complete mastery of blues, that could not be otherwise in a musician like Kim Wilson. According to his own words, what now most motivates him is to play and complete a series of recordings that come back to the roots of 50’s Chicago blues sound, playing with different musicians who have talent enough to get the real feeling of this kind of music. For this first volume (which is expected to be continued) Wilson is surrounded by Billy Flynn, Big Jon Atkinson, Bob Welch, Danny Michel and Nathan James on guitars, Marty Dodson and Malachi Johnson on drums, Larry Taylor on bass and double bass and the sadly disappeared while this project was running, Barrelhouse Chuck on piano and Richard Innes on drums. Sixteen blues that combine Kim Wilson’s own compositions with versions coming from Little Walter, Sonny Boy Williamson, Elmore James, John Lee Hooker, Jimmy Rogers, Magic Sam and Jimmy Reed, make this album become one of those yesterday, today and forevermore Chicago blues treasures. Wilson has dedicated this album to James Cotton memory and, if he could listen to it, he would certainly have felt extremely honoured. ESSENTIAL.

The Original Blues Brothers Band “The Last Shade Of Blue Before Black”. Severn 2017.
¿Quién no recuerda a los legendarios Blues Brothers y su banda?. Con su increíble y efervescente ritmo y buen humor hicieron disfrutar y bailar a toda una generación. Gracias a su serie para la televisión y sus dos afamadas películas pasaron de la escena de Chicago a realizar innumerables giras a nivel internacional. Treinta años mas tarde siguen en activo conservando alguno de los miembros de los originales Blues Brothers de 1978 y, aunque Jake y Joliet ya no son ni Dan Aykroyd ni John Belushi, sus sustitutos siguen manteniendo el mismo espíritu musical que les hizo mundialmente famosos. Ahora la banda nos presenta su nuevo trabajo con catorce canciones que siguen la línea y tradición musical de siempre, todas ellas impregnadas con enormes dosis de soul y rhyhm and blues de alto voltaje, capaces de hacer saltar por los aires cualquier muro que se interponga en su camino. Al frente de la banda se encuentran Tommy “Pipes” McDonnell y Rob “The Honeydripper” Paparozzi ambos a la voz y armónica, sin olvidar a Steve “The Colonel” Cropper y John “Smokin’ John” Tropea a las guitarras, Eric “The Red” Udel al bajo, Lee “Funkytime” Finkelstein a la batería, Leon “The Lion” Pendarvis al órgano, Rusty “Cloudmeister” Cloud al clavecín, wurlitzer, piano y ´órgano, Steve “Catfish” Howard a la trompeta, Larry “Trombonious” Farrell al trombón, Lou “Blue Lou” Marini a los saxos y Bobby “Sweet Soul” Harden a las voces, más la colaboración de Eddie Floyd, Joe Louis Walker, Matt “Guitar” Murphy o Dr. John entre otros. BUENÍSIMO. Who does not still remember the legendary Blues Brothers and their band? With their unbelievable high spirited rhythm and sense of humour, they gave joy and made dance a whole generation. Thanks to a TV series and their two famous movies they moved from Chicago scene to countless tours at international level. Thirty years later they are still active and keep some of 1978 original Blues Brothers band members. Although Jake and Joliet are no longer Dan Aykroyd and John Belushi, their substitutes keep the same musical spirit that made them so famous. Now the band comes back with their last work, an album with fourteen songs that follow the same line and musical tradition than ever, all them with big doses of rhyhm and blues and high voltage soul, able to blow up any wall that stands in their way. Leading the band you will find Tommy "Pipes" McDonnell and Rob "The Honerydripper” Paparozzi both on vocals and harmonica, but he have not to forget Steve "The Colonel" Cropper and John "Smokin' John" Tropea on guitars, Eric "The Red" Udel on bass, Lee "Funkytime" Finkelstein on drums, Leon “The Lion”” Pendarvis on organ, Rusty "Cloudmeister" Cloud on clavecin, wurlitzer, piano and organ, Steve "Catfish" Howard on trumpet, Larry "Trombonious" Farrell on trombone, Lou "Blue Lou” Marini on saxophones and Bobby "Sweet Soul" Harden on vocals, plus the punctual collaboration of Eddie Floyd, Joe Louis Walker, Matt "Guitar" Murphy or Dr. John among others. GREAT.

James Armstrong “Blues Been Good To Me”. Catfood / Mark Pucci 2017.
El cantante, compositor y guitarrista James Armstrong nos presenta su tercer álbum grabado para el sello Catfood que viene a ser la continuación de sus dos anteriores trabajos para la misma compañía, “Blues At The Border” (2011) y “Guitar Angels” (2014), por lo que no resulta extraño considerar estos tres álbumes como de una auténtica trilogía. Armstrong es un músico muy concienzudo a quien antes de iniciar la realización de un nuevo trabajo le gusta tenerlo todo preparado no dejando nada a la improvisación. En este caso no fue así, ya que en los meses anteriores a la grabación realizó mas de setenta shows, viajó a Europa tocando diecinueve conciertos, volviendo de nuevo a los Estados Unidos para tocar durante dos semanas, partiendo después hacia España donde participó con doce conciertos en el intervalo de catorce días. Cuando después de unos meses tan agotadores llegó al estudio en San Louis para grabar este trabajo, todos los implicados en el mismo sabían que James estaba sumamente estresado por no haber podido preparar la grabación tal como quería. Sin embargo todo funcionó a las mil maravillas y finalmente se sintió muy a gusto con el resultado final del álbum, sobre todo gracias a los grandes músicos y buenos amigos de los que se rodeó para estas grabaciones. Producido por Johnny Rawls, el disco incluye diez estupendos temas con mucho blues, groove, funk y soul, capaces de asombrar al oyente mucho más de lo que se podría pensar. MUY BUENO. Singer, songwriter and guitar player James Armstrong presents his third album for Catfood Record, which becomes the follow up of the two previous ones he recorded for the same label, "Blues At The Border" (2011) and "Guitar Angels" (2014), so it is not strange we could consider them as a real trilogy. Armstrong is a committed thorough musician who, before starting a new recording, loves to have everything under control and not to leave any detail to chance. In this case it was not like this since, during the months before the recording, he played more than seventy shows, he travelled to Europe to perform nineteen acts, he came back to USA to play for two weeks and finally he went to Spain where he played twelve shows in fourteen days. After so exhausting months, when he came to the recording studio in Saint Louis, all people involved in the project knew James would be extremely stressed as he had not been able to prepare the recording as he would have loved. But everything worked perfectly and finally he felt very happy with the album final result, especially thanks to the good work of the great musicians and good friends who surrounded him. Produced by Johnny Rawls, the album includes ten excellent songs filled with a lot of blues, groove, funk and soul. The new recording will surprise listeners more they would at first sight expect. GREAT.

Peter Ward “Blues On My Shoulders”. Gandy Dancer / Mark Pucci 2017.
Peter Ward es un cantante y guitarrista que nunca se ha tomado la música de forma profesional, sino que ha estado siempre en el mundillo del blues de la zona de Boston más bien como un guitarrista amateur y buen aficionado. Que yo sepa su única grabación fue la que realizó como invitado en el primer álbum de la Legendary Blues Band. Para este primer disco grabado bajo su propio nombre Peter se ha rodeado de parte de sus amigos y colegas de juventud como Sugar Ray Norcia a la voz y armónica, Monster Mike Welch a la guitarra, Anthony Geraci al piano, su hermano Michael “Mudcat” Ward al bajo, Neil Gouvin a la batería, a los que se les han unido Ronnie Earl a la guitarra, Sax Gordon Beadle al saxo, Bob Berry y Joe Delia al bajo, George Dellomo a la batería, Eric Kilburn a la mandolina en una canción y Rusty Scott al Hammond B-3 y órgano. Este primer proyecto en solitario de Ward nos presenta trece canciones inspiradas en el blues de Chicago, el de Kansas City, el de Texas o el blues de la costa oeste. Excelente aportación de Peter Ward y sus músicos al actual mercado del blues que estamos convencidos de que gustará al aficionado y que deseamos que continúe deparándonos más sorpresas como esta. MUY BUENO. Peter Ward is a singer and guitar player who has never considered music as a professional career. He has always moved around Boston blues area like an amateur guitar player and a deep blues lover. To my knowledge the only recording he has performed in was as a guest musician in Legendary Blues Band first album. For this first cd he has recorded under his own name, Peter has been surrounded by a bunch of good musicians and youth mates like Sugar Ray Norcia on vocals and harmonica, Monster Mike Welch on guitar, Anthony Geraci on piano, his brother Michael "Mudcat" Ward on bass and Neil Gouvin on drums, who are joined by Ronnie Earl on guitar, Sax Gordon Beadle on sax, Bob Berry and Joe Delia on bass, George Dellomo on drums, Eric Kilburn on mandolin in one song and Rusty Scott on Hammond B-3 and organ. This first Ward solo project includes thirteen songs with deep influences of Chicago, Kansas City, Texas and West Coast blues. The album becomes an excellent contribution by Peter Ward and the rest of musicians involved to the actual blues market, so I am sure it will appeal to most blues lovers. Let’s hope he will follow on and give us in the next future more pleasant surprises like this one. GREAT.

Q & The Moonstones “This That”. Red Hot 2017.
Este álbum da forma y consistencia al nuevo proyecto de Quique Bonal, Q & The Moonstones. Después de formar la banda con la versátil voz de Vicky Luna, Nani Conde al bajo y Rafa Rabal a la batería y de realizar un buen número de actuaciones en directo, ahora ha llegado el momento de plasmar en este álbum el buen hacer de esta formación. El disco ha sido producido por Mike Vernon, quien también colabora como compositor, percusionista y voz en un tema. Mike Vernon es legendario por sus trabajos durante los años sesenta en el sello Blue Horizon junto a Eric Clapton, Fleetwood Mac, John Mayall, Eddie Boyd, Otis Spann o Freddie King entre otros. También ha sido recientemente galardonado con los premios Keeping The Blues Alive de la Blues Foundation y el Blues Behind The Scenes de la European Blues Union. La banda también ha contado con la colaboración de unos invitados de lujo como Rick Estrin, Anson Funderburg, Jeremy Spencer o Sari Schorr y, entre los nacionales, destacar a Julián Maeso, Fernando Torres, Julián Sánchez o José Mena. Un trabajo excelentemente concebido y realizado, con catorce temas de estilos muy variados, todos ellos pasados por el tamiz de la música con raíces americana y que son una clara muestra de la calidad, tanto en lo que a la producción se refiere como de toda la banda, una banda que tiene mucho talento que aportar en el panorama y la escena musical española. Un disco altamente recomendable que satisfará a un amplio sector de los aficionados. MUY BUENO. This album gives shape and consistency to Quique Bonal’s new project, Q & The Moonstones. After forming this band with Vicky Luna’s versatile voice, Nani Conde on bass and Rafa Rabal on drums and a good number of live performances, now time has come to show the group good work in this first recording. The album was produced by Mike Vernon, who also collaborates as a composer, percussionist and vocals in one song. Mike Vernon is a legendary producer who, during 60’s worked for Blue Horizon with Eric Clapton, Fleetwood Mac, John Mayall, Eddie Boyd, Otis Spann or Freddie King among others. Recently he has also been awarded with the Keeping the Blues Alive by The Blues Foundation and the Blues Behind The Scenes by the European Blues Union. The band has also counted with some deluxe guest musicians like Rick Estrin, Anson Funderburg, Jeremy Spencer or Sari Schorr and, among the Spanish ones, a special mention to Julián Maeso, Fernando Torres, Julián Sánchez or José Mena. An excellent good conceived job with fourteen songs that cover a variety of styles, all of them sifted by American roots music, that becomes a good example of the quality, both in production terms and the band musicians, who exceed talent to make a good contribution to the Spanish music scene. In short words, this is a highly recommended album that will surely satisfy a wide range of music audiences. GREAT.

Mike “Mudfoot” McDonald “Tired Of The Same Old Rut? Play This”. Self Production / Sarah French 2017.
Durante más de cuatro déc
adas el veterano cantante y guitarrista Mike McDonald ha paseado sus virtudes, su arte y su talento por los escenarios de medio mundo junto a artistas de la talla de B.B. King, James Cotton, Three Dog Night o Steppenwolf. Mike es también un mas que notable productor e ingeniero de sonido. Durante trece años ha conducido las reputadas jam sessions de los sábados noche en la Grossman’s Tavern de Toronto, por las que han pasado los nombres mas prominentes de la escena del blues de Canadá. Durante esos años de esplendor del blues en el Grossman’s Tavern, McDonald produjo los discos “Grossman’s Live 1” y “Grossman’s Live 2” con artistas como Jeff Healey o Pat Rush. Actualmente sigue dirigiendo jams sessions en la zona de Waterloo llenando siempre la sala. Durante años ha interpretado el rol de John Fogerty en la Credence Clearwater Revival Tribute Band y ha sido miembro fundador del grupo Green River. Todo este trabajo no le ha permitido dedicarse a labrarse una carrera en solitario. Afortunadamente para el aficionado Mike nos presenta ahora su primer álbum en el que incluye diez canciones llenas de fuerza, vigor e intensidad donde de inmediato podemos descubrir el gusto exquisito, la experiencia y el buen hacer de este interesante músico con un repertorio propio de blues, americana y rock que a nadie dejará indiferente. MUY BUENO. For more than four decades, veteran singer and guitar player Mike McDonald has shown his artistic virtues and talent around the world, sharing stage with such great names like B.B. King, James Cotton, Three Dog Night or Steppenwolf. Mike is also a remarkable producer and sound engineer. For thirteen years he led the famous Saturday night jam sessions at Grossman's Tavern in Toronto that gathered the most prominent names of Canadian blues scene. During the splendorous years at Grossman's Tavern, McDonald produced two albums "Grossman's Live 1" and "Grossman's Live 2” with artists like Jeff Healey or Pat Rush. Now he leads a jam session in the area of Waterloo that always fills the room. Over the years he has also played the role of John Fogerty on the Credence Clearwater Revival Tribute Band and was founder member of Green River. All this work has not allowed him to devote time to build up a solo career. Fortunately Mike now presents his debut album, with ten vigorous intense and emotional songs, where you will immediately discover the exquisite taste, experience and good work of this interesting musician, on a repertoire filled with blues, Americana and rocking rhythms, that will call your attention. GREAT.  

André Bisson “Break”. Self Production / Sarah French 2017.
André Bisson es un guitarrista y cantante que ha paseado su música, mezcla de rhythm and blues y soul a lo largo y ancho de los Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Irlanda. En el 2015 fue galardonado como mejor vocalista del año en los Hamilton Blues Awards y en el 2017 recibió el premio al mejor vocalista revelación del año otorgado por Maple Blues una importante institución de blues de Canadá, participando ese mismo año en el International Blues Challenge de Memphis, concurso organizado anualmente por la Blues Foundation. El álbum que ahora nos presenta es un compendio del sonido Motown, blues o gospel, con claras influencias de las grandes big bands. André ha incluido doce canciones propias, todas ellas profusamente orquestadas con una imponente sección de vientos que capitalizan todas las canciones, poseyendo además unos arreglos impecables en los que se han tenido muy en cuenta los matices y los registros vocales de André que son de una belleza y una garra extraordinaria. Un álbum intenso, lleno de poderío y de una soberbia robustez que sin duda traspasará las fronteras de Canadá para ser reconocido y aclamado internacionalmente. MUY BUENO. André Bisson is a singer and guitar player who, along the years, has driven his music, a mixture of rhythm & blues and soul, along United States, Canada, United Kingdom or Ireland. In 2015 he was awarded as best vocalist of the year by the Hamilton Blues Awards and in 2017 he received an award as best new vocalist of the year by Maple Blues, an important Canadian blues institution. The same year he participated at the International Blues Challenge in Memphis, that every year is organized by Blues Foundation. The album he now presents becomes a summary of Motown sound, blues and gospel, with clear influences of big bands. André has included twelve songs, all of them lavishly orchestrated by an amazing horn section which stands out in all songs, as well as faultless arrangements, taking into account all the nuances of André’s vocal range, which is always of an extreme beauty and punch. This is a powerful, superb and robust album that undoubtedly will exceed Canadian borders to be internationally acclaimed and get the recognition it deserves. GREAT.

Willie May “Haunted House”. Self Production 2017.
Este es el álbum número dieciocho en la carrera de Willie May, uno de los músicos más prolíficos en lo que a la roots blues se refiere. Para sus grabaciones Willie suele rodearse de un plantel de estupendos músicos de la zona de New York. Eso hace que sus canciones sean de muy variados colores, tendencias y sabores y que incluyan ritmos diversos siempre dentro de los cánones que establece la música con raíces. Blues, rock, cajun, honky tonk o groove son algunas de las tendencias musicales que están presentes a lo largo de este álbum con una producción impecable y muy cuidada a cargo del propio May, además de unos arreglos donde el swing que desprenden llamará poderosamente la atención del oyente, quien estoy seguro compartirá esta opinión conmigo. Más de quince músicos han intervenido en el álbum para dar empaque, fuerza y consistencia a un proyecto al cual no le faltan agallas y buenas dosis de originalidad. En definitiva, podemos decir que estamos ante un disco bien concebido, atractivo, entretenido y no exento de originalidad para agradar a un amplio sector de oyentes. MUY BUENO. This is the album number eighteen in Willie May’s career, who is one of the most active musicians of roots blues scene. In his recordings he often surrounds himself by the most reputed musicians of New York area and this helps him that his songs have the most varied colours, flavours and musical trends, including different rhythms all framed into the roots music. Blues, rock, cajun, honky tonk or groove are some of the musical styles that can be found in this album, which also has a faultless final production May has carefully supervised, besides excellent arrangement with an amazing swing that will certainly call listeners attention like it has attracted me More than fifteen musicians have been involved in the album, who give impact, strength and consistency to a very original and appealing project, together with a good dose of courage and originality. In short words, we are facing a well designed, attractive and enjoyable album, with an undeniable originality to please a wide range of listeners. VERY GOOD.

AJ Crawdaddy “Vaporized”. Renown 2015   ///   AJ Crawdaddy “Slow Cookin’”. Renown 2017.
Con su álbum de debut titulado “Vaporized” y publicado en el año 2015, el cantante y guitarrista Angelo J. Rossi, conocido en los circuitos como AJ Crawdady, se dio a conocer al gran público, revelándose también como un interprete singular de rock  blues de alto voltaje y buen calibre. Este primer álbum presentaba diez temas que le abrieron las puertas de la critica especializada y del público en general que fue suficiente para labrarse un nombre y gozar de una estela de fervorosos entusiastas y seguros admiradores, gracias a su poderoso y recio rockin’ blues de carretera con vistosas puestas en escena llenas de músculo y buena retórica. En sus actuaciones nuestro hombre sabe conseguir la atención del público con su excelente sonido y su colorido montaje escénico. Este disco fue un aperitivo de lo que el público saborearía en su segunda entrega con un disco mucho mas aposentado, trabajado y flexible.
Su segunda entrega que lleva por título “Slow Cookin’” confirma la imparable trayectoria de un artista que se ha afianzado por el área de la bahía de San Francisco, gracias a un repertorio en el que el west coast, el blues de Chicago, el jump y el Texas blues no cesan de sonar con naturalidad y buenas formas a lo largo de diez canciones que están impregnadas de una intensidad y una vitalidad enriquecedoras a mas no poder. Si el primer disco es un aperitivo, este segundo constituye el plato fuerte o principal de este apetitoso banquete donde el blues cobra fuerza y expresividad gracias a la buenas maneras y al portentoso buen hacer de un hombre que sabe lo que quiere conseguir, eso si, con el beneplácito de una banda que cuenta además con unos invitados como son Kid Andersen, Endre Tarczy, Jim Pugh, Nate Ginsberg y la sección de vientos AJ Crawdaddy Horns. A todos ellos AJ sabe sacarles el jugo necesario para que todo suene en su lugar con un terrible swing, groove y mucho, mucho feeling y nervio. Si te gusta el blues de verdad, estos dos discos colmarán tus expectativas. MUY BUENOS. With his debut album entitled "Vaporized" and published in year 2015, singer and guitar player Angelo J. Rossi, well known in music circles as AJ Crawdady, made his name popular among a wide audience, showing himself as a high voltage rock blues performer. That first album included ten songs that opened him the doors of specialized media and general public, that allowed him to build up a reputation and enjoy a crowd of fervent enthusiastic fans, thanks to his powerful and vigorous houserockin' blues spiced with a colourful solid stage display. In his live shows our man knows how call the audience attention, thanks to an excellent sound and his amazing stage presence. This album was a tasteful appetizer of what all listeners were able to savour in his second piece of work where he really shows all what he is able to do.
His second album entitled "Slow Cookin'" confirms the unstoppable progress of an artist who has got an outstanding place at San Francisco bay area, thanks to a repertoire where West Coast, Chicago blues, jump and Texas blues naturally and tastefully flow along ten superb songs full of a rich intensity and vitality. If the first album was a delicious appetizer, this second one is the main course of a magnificent banquet where the blues reaches a top strength and expressiveness, thanks to the talent an elegance of a man who knows what he wants to do. He has also counted with the priceless collaboration of a professional band who also are surrounded by some deluxe guests like Kid Andersen, Endre Tarczy, Jim Pugh, Nate Ginsberg and the AJ Crawdaddy Horns. And, if all that was not enough, AJ knows how to pull out the best of each musician, to make everything sound perfectly teamed, oozing a terrific swing, groove, and tons of feeling. If you like real blues, these two recordings will fulfil all your expectations. GREAT.

The Wild Ones “The Wild Ones”. Rootz Rumble / Donor Productions 2017.
La banda belga The Wild Ones no quiere encasillarse en ningún género musical. Pasan de la moda y de las corrientes musicales en boga. Lo único que les interesa es hacer la música que sienten y que les sale de lo más profundo de las entrañas. Dicho esto podríamos también afirmar que el hilo conductor del que parten es la roots music, en especial el blues y el rockabilly, estilo que se siente y se palpa no sólo en su música sino también en su actitud y presencia escénica. Después de escuchar sus dos anteriores álbumes se percibe que siempre han hecho la música que más les ha gustado. Si en los ochenta fueron pioneros, hoy en día son respetados por su genuina autenticidad y pragmatismo sin ningún otro aditivo que su estilo sincero y descarnado en el que no cabe ningún tipo de ambages ni ambigüedades. Doce canciones componen este disco en las que Wild One Dee a la voz, Vic Brett a las armónicas, Ricky Brewster a las guitarras, slide y steel guitar, Jack O Roonie al contrabajo y voces y Donald Steens a la batería y voces nos muestran que son pura dinamita para el cuerpo y la mente por lo que tendrás que estar bien atento y preparado para que cuando la banda visite tu ciudad puedas asimilar su música adrenalínica y poseer un buen control sobre ti mismo. MUY BUENO. Belgian band The Wild Ones doesn’t like to categorize themselves in any musical genre. They do not care about fashion or popular musical styles. The only thing they are interested about is to play the music they feel which comes out of the depths of their hearts. That being said, it should also be pointed out their main influence comes from roots music and especially blues and rockabilly, styles that can be immediately recognized, not only in the music but also in the band attitude and stage presence. After listening to their two previous albums, it becomes evident they have always done the music they most liked. If in the 80’s they were pioneers, now they are respected for their genuine attitude and pragmatism that comes from a repertoire with no other ingredients than their sincere raw straightforward and with no ambiguities style. Twelve songs round up an album where Wild One Dee on vocals, Vic Brett on harmonicas, Ricky Brewster on guitars, slide and steel guitar, Jack O Roonie on bass and vocals and Donald Steens on drums and vocals, show they are pure dynamite that will catch your body and soul. Pay attention and be ready if the band comes to your town, as you will have to assimilate their adrenalinic music and have a good control of yourself. VERY GOOD.

Ghalia & Mama’s Boys “Let The Demons Out”. Ruf 2017.
Si todavía no has oído hablar de Ghalia Vauthier, ten por seguro que cuando la escuches te va a impresionar por su enorme feeling y comunicación que inmediatamente establece con el oyente. Profundamente impresionada por la música americana con raíces, Ghalia empezó a curtirse tocando en las calles de Bruselas. Su primer viaje a Estados Unidos fue un auténtico peregrinaje por los lugares que tanto había soñado descubrir como Chicago, Memphis, Nashville o Mississippi. En su segundo viaje se dedicó por entero a absorber la música de los bares y las juke joints que iba visitando y en la Louisiana tuvo la oportunidad de conocer a Johnny Mastro & Mama’s Boys. Inmediatamente surgió una gran química entre ellos y este álbum es la confirmación de todo ello. En una época de música manufacturada, su repertorio suena auténtico, orgánico, espontáneo y de una sincera integridad que confiere al blues una nueva dimensión, que se mueve entre lo tradicional y lo progresivo. Ghalia Vauthier se encarga de cantar y tocar la guitarra, Johnny Mastro está a la armónica y voces, Smokehouse Brown a la guitarra y voces, Dean Zucchero al  bajo y voces y finalmente Rob Lee a la batería y percusión. MUY BUENO. If you still haven't heard about Ghalia Vauthier, be sure that when you listen to her you will immediately be touched by her amazing feeling and the communication she establishes with every listener. Deeply impressed by American roots music, Ghalia started to harden and get experience playing in Brussels streets. Her first journey to America was a true pilgrimage to the places she had always dreamed to discover like Chicago, Memphis, Nashville, Tennessee or Mississippi. Her second trip was devoted to absorb the music that was played in every bar or juke joint she could find. In Louisiana she had the chance to meet Johnny Mastro & Mama's Boys. Chemistry between them immediately appeared and this album confirms it. In the time of manufactured music, their repertoire sounds genuine, organic, totally spontaneous, with a sincere integrity that gives a new dimension to the blues, which always moves between the most traditional one and the most actual progressive rhythms. Besides Ghalia Vauthier on vocals and guitar, you will also find Johnny Mastro on harmonica and vocals, Smokehouse Brown on guitar and vocals, Dean Zucchero on bass and vocals and finally Rob Lee on drums and percussion. VERY GOOD.

Andrea Marr “Natural”. Only Blues Music / Frank Roszak 2017.
Andrea Marr es una extraordinaria vocalista que recrea con fidelidad las voces y el sonido de las legendarias Stax y Motown y también de aquellos míticos cantantes como fueron James Brown, Otis Redding, Etta James, Wilson Pickett o Sharon Jones. De todos ellos Andrea ha sabido asimilar diferentes cromatismos, sabores y colores que incorpora con elegancia, gusto e inteligencia a su modo de cantar funk y soul. Nacida en Sri-Lanka, ha desarrollado su carrera en Australia donde ha sido reconocida por su magnifica labor con innumerables premios otorgados por la escena del blues australiano. También ha participado en un par de ocasiones representando a su país en el International Blues Challenge de Memphis organizado por la Blues Foundation. Este es su séptimo trabajo en el que ha incluido once canciones de las que nueve son temas propios. Andrea Marr se mueve como pez en el agua dentro de la música soul, aportando aire fresco y sangre joven a un género en el que hoy día no es fácil encontrar nuevos valores que lo interpreten con gusto, garra, elegancia, habilidad y feeling, Por ello se puede afirmar que esta mujer y la banda de ocho músicos que la arropan llamados The Funky Hitmen, han sabido integrar en su repertorio todos estos enormes valores y virtudes que hemos mencionado. MUY BUENO. Andrea Marr is an superb singer who faithfully displays the sound and voices of legendary Stax and Motown, as well as the atmosphere created by those incredible singers like James Brown, Otis Redding, Wilson Pickett, Etta James or Sharon Jones. From them Andrea has assimilated different chromatic nuances, flavours and colours she adds to her music with a clever elegance and good taste that become a distinctive stamp to the way she sings funk and soul. Born in Sri Lanka, she has developed his career in Australia where she has been recognized with countless awards for her magnificent work by Australian blues scene. She has also participated a couple of times representing her country at the International Blues Challenge in Memphis that every year is organized by The Blues Foundation. This is her seventh work, where she has included eleven songs, nine of them own compositions. Andrea Marr feels really comfortable in soul music, providing fresh air and young blood to a genre where it is not easy to find new values who are able to perform it with taste, elegance, skill and feeling enough to convince listeners. But this woman together with her eight musicians band The Funky Hitmen, have managed to successfully fit in their repertoire all the just mentioned music values and qualities. GREAT.

Popa Chubby “Two Dogs”. PCP / Frank Roszak 2017.
La impresionante figura del enorme guitarrista y cantante Popa Chubby emerge de nuevo con fuerza inusitada en la escena del rock-blues neoyorquino. Este último trabajo refleja la cantidad de nuevas ideas que siempre le rondan por su cabeza para ofrecer a todos sus seguidores. Grabado en el estudio de su casa en Hudson Valley, New York, Chubby se ha encargado también de producirlo y mezclarlo, además de tocar batería, bajo y percusión en algunos temas. Para ello ha contado con la inestimable colaboración de su inseparable teclista Dave Keyes, su hija Tipitina Horowitz a la trompeta y los arreglos de la sección de vientos y Sam ‘Freightrain’ Bryant a la batería. En las notas que acompañan al álbum, Popa ha querido expresar sus sentimientos al grabar este disco. Para él, el ser humano está completamente polarizado y actualmente existe una batalla interior entre el bien y el mal, por lo que su propuesta es que tenemos que ser valerosos y escoger el camino adecuado. Es como si en nuestro interior coexistieran dos almas que él representa como dos perros, que nos llevan hacia direcciones opuestas y tenemos que saber alimentar al que mas nos convenga. Musicalmente Popa expresa toda esta filosofía en trece temas que siguen la línea de la mayoría de sus discursos anteriores. Canciones que se mueven entre el rock, el blues, el pop o el soul, dirigidas siempre bajo la poderosa batuta de su excelente guitarra y su bien timbrada voz. MUY BUENO. The impressive figure of big guitar player and singer Popa Chubby appears again with an unusual force in New York blues rock scene. His last work gathers the incredible amount of new ideas that come to mind to be given to his legion of followers. Recorded at his home recording studio in Hudson Valley, New York, Chubby has also done all final production, mixing and engineering, as well as playing drums, bass and percussion in some tunes. He has also counted with the valuable collaboration of his for years keyboard player Dave Keyes, his daughter Tipitina Horowitz on trumpet and horn section arrangements composition and Sam “Freightrain” Bryant on drums. In the album liner notes, Popa shares the feelings he wants to communicate to all his listeners in this new album. For him, human beings are completely polarized. Nowadays there is a battle between good and evil, so his proposal is we should be courageous and choose the right way. It is like we have two different souls that come together and he represents by two dogs which drive us to opposite directions, so we must decide to feed the one that better suits us. Musically speaking, Popa displays all these philosophical feelings along thirteen songs that follow the path of most of his previous projects. Songs that move between rock, blues, pop and soul, always under the leadership of this excellent guitar player and his well pitched voice. VERY GOOD.

Big Yuyu “Soulify Girl”. Rock+CD 2017.
Desde Mallorca nos llega el cuarto trabajo hasta el momento de los Big Yuyu, un grupo a medio camino entre el genuino blues, la música ‘americana’, el rock sureño y el power blues. Una larga trayectoria y un número incontable de conciertos avalan a esta banda formada en el año 2006. Para éste álbum han decidido volver a sus orígenes. dando todo el protagonismo al trío con el que iniciaron su aventura en el mundo de la música formado por Jordi Alvarez a las guitarras y voz, Juan Amaro al bajo y Esteve Huguet a la batería, además de incluir a algunos músicos invitados y seleccionar un repertorio de composiciones propias que muestran la creatividad de una banda que, aunque bien anclada en el blues, traspasan fronteras y se mueven con soltura en infinidad de ritmos, tempos y variedad de colores musicales. El álbum ha sido producido por Santiago Campillo y grabado en los estudios Sa Grava de Mallorca e incluye diez temas que son una buena muestra de su trabajado y sólido sonido, a veces oscuro y sudoroso, pero siempre dotado de una contundente puesta en escena que no deja a nadie indiferente y que seguro llamará poderosamente la atención de todos los que se hagan con una copia de su nuevo trabajo. En definitiva, un repertorio para oyentes curtidos a cargo de unos músicos bien asentados y con mucho que aportar al panorama musical español.  MUY BUENO. From Mallorca comes Big Yuyu fourth recording till now, a group half-way between genuine blues, Americana music, southern rock and power blues. A quite long career and countless shows confirm the quality of a band formed in 2006. For this album they have decided to come back to the origin. giving a main role to the trio which started their musical adventure, formed by Jordi Alvarez on guitars and vocals, Juan Amaro on bass and Esteve Huguet on drums, plus some guest musicians who enhance the whole recording. They have also selected a repertoire with own compositions, that show the creativity of a band which, although they are firmly anchored in the blues, they cross borders and move with ease along a wide variety of rhythms, tempos and musical colours. Santiago Campillo produced the album that was recorded at Sa Gravel studios in Mallorca. Ten songs that become a good example of the band dedicated work and solid sound, sometimes dark and sweaty, but always with an amazing stage presence that will not leave anyone indifferent that will surely call the attention of everyone who has got a cd copy. In short words, a repertoire for hardened listeners by a bunch of experienced musicians who have many things to say and give to the Spanish scene. VERY GOOD.

Shirley Jackson & Her Good Rockin’ Daddys “Things Keep Lookin’ Up”. Self Production 2017.
Shirley Jackson y su banda incendian todos sus conciertos y salas de baile con un repertorio que mezcla el ‘east coast blues’ y el primigenio rock and roll en el que las secciones de viento tenían un lugar preeminente durante aquellos años. Este es su cuarto álbum que se ha gestado en un período de dos años y que se convierte en una poderosa combinación de swing, baladas, rhythm and blues y algún que otro instrumental para satisfacer a un amplio espectro de oyentes. El disco incluye dieciséis temas de los que nueve son composiciones de la propia Shirley Jackson. La voz y el saxo tenor de Shirley están perfectamente arropados por su banda formada por su hijo Jef Wirchenko al bajo, quien además es el responsable de todos los arreglos del repertorio del grupo, Dawn Hatfield al saxo barítono, Dave Harrison a la trompeta, Tom Crilley a la guitarra y Ainslie Jardine a la batería. La banda encara con lucidez y energía un repertorio bien construido, dotado de buenos fundamentos y sugerentes arreglos armónicos. Después de bastantes años de firme andadura, Shirley Jackson y su banda continúan sembrando a su paso  buenas canciones con el impagable sello de los grandes ‘honkers’ de los años cincuenta a la manera de Wild Bill Moore, Eddie Chamblee o Red Prysock. MUY BUENO. Shirley Jackson and her band put on fire all concert halls and dance rooms with a repertoire that blends east coast blues with genuine old rock and roll, where horn sections had a prominent place. This is their fourth album which has been rounded up in a period of two years, that becomes a powerful combination of swing, rhythm and blues, ballads and some instrumental songs to satisfy a wide range of listeners. The recording includes sixteen tracks, nine of them Shirley Jackson’s own compositions. Shirley’s voice and tenor sax are perfectly framed by her band musicians, with her son Jef Wirchenko on bass, who is also responsible the whole band repertoire arrangements, Dawn Hatfield on baritone sax, Dave Harrison on trumpet, Tom Crilley on guitar and Ainslie Jardine on drums. The band cleverly displays an energetic repertoire, firmly based and full of suggestive harmonies. After many years of a firm progress, Shirley Jackson and her band follow on spreading in their shows a bunch of good songs with the priceless stamp of those 50’s great honkers like Wild Bill Moore, Eddie Chamblee or Red Prysock. VERY GOOD.

Downchild “Something I’ve Done”. Linus / True North 2017.
Prepárate a disfrutar de verdad con el nuevo álbum de los legendarios Downchild, una gran banda de blues de culto en Canadá y otros muchos países. Durante casi cincuenta años su música ha hecho disfrutar a diferentes generaciones de aficionados al rockin’ blues. Dan Aykroyd y John Belushi buscaron inspiración en esta banda e incluso versionaron un par de sus temas “Shotgun Blues” y “(I Got Everything I Need) Almost”. A pesar de su veterania y del tiempo transcurrido siguen sonando tan frescos, engrasados y naturales como en sus primeros años, así que siempre es un placer tener la oportunidad de volverlos a escuchar en cada nueva entrega discográfica con las que obsequian a todos los aficionados y seguidores de la banda. Diez canciones impregnadas de ese rocoso y grasiento blues de carretera tan habitual en su repertorio en los que Donnie ‘Mr. Downchild’ Walsh a la guitarra y armónica, Chuck Jackson a la voz y armónica, Pat Carey al saxo tenor y barítono, Michael Fontana al piano, órgano y dobro, Gary Kendall al bajo y Mike Fitzpatrick a la batería se conjuran para ofrecer un nuevo trabajo competente y musculoso para maravillar de nuevo a sus seguidores de hace cuarenta años, pero también a loa hijos de estos seguidores e incluso a sus nietos para, de este modo, mantener viva la llama del blues en las generaciones más jóvenes. MUY BUENO. Get ready to really enjoy with the new album of legendary Downchild, a cult blues band in Canada and in many other countries too. For about fifty years, the band great music has given joy to different generations of rockin’ blues fans. Dan Aykroyd and John Belushi looked for inspiration in his music and they even did a couple of versions of Downchild songs "Shotgun Blues" and "(I Got Everything I Need) Almost". Despite they are now veterans and a long time has gone by, they still sound fresh, greased and as natural as in the early years, so it is always a pleasure to have the opportunity to listen to every new album they regularly bring to all their fans and followers. Ten songs full of those rocky and greasy roadhouse blues so common in their repertoire, where Donnie 'Mr. Downchild' Walsh on guitar and harmonica, Chuck Jackson on vocals and harmonica, Pat Carey on tenor and baritone sax, Michael Fontana on piano, organ and dobro, Gary Kendall on bass and Mike Fitzpatrick on drums get together to give us an able vigorous new work that will delight their faithful fans who have followed them for more that forty years, but also to all those followers sons and even their grandchildren to, in this way. keep alive the blues flame among the younger generations. VERY GOOD.

Casey James “Strip It Down”. Self Production / Mark Pucci 2017.
Después de quedar finalista del concurso ‘American Idol’ que le llevó a firmar un sustancioso contrato con una discográfica y acercarse a un repertorio mucho más comercial, el cantante, compositor y guitarrista Casey James ha querido volver a sus orígenes con este disco que refleja una madurez y una competencia completamente determinantes en este artista que se alza con una valoración superior. Producido por el reputado Tom Hambridge, ganador de un Grammy, el álbum también incluye un sensacional dueto junto a Delbert McClinton. Como acabamos de mencionar, este disco supone la vuelta de Casey al blues y la roots music, pues no en vano este artista creció en Texas y estos estilos ejercieron en él una gran y temprana influencia. El álbum es sustancioso, fresco, trepidante, enérgico y bien construido, concebido para ser degustado de principio a fin pues, en sus trece composiciones, Casey James no ha dejado nada al azar ni a la improvisación, todo está perfectamente resuelto y cada nota se encuentra en el lugar que le corresponde. Su profesionalidad y calidad como guitarrista, cantante y compositor están fuera de toda duda y, si escuchas el disco, quedarás inmediatamente atrapado por este soberbio músico. MUY BUENO. After reaching the final of 'American Idol' contest, which led him to sign a juicy contract with a recording company and direct his music to a more commercial repertoire, now singer, songwriter and guitar player Casey James comes back to his origins with an album that reflects the determinant skills and maturity of an artist who stands out as a high value of musical scene. Produced by reputed Grammy winner Tom Hambridge, the album also includes an unbelievable duet with Delbert McClinton. As just mentioned, this recording is Casey’s comeback to blues and roots music as, not in vain, this Casey James grew up in Texas and both styles had a great influence in his younger days. This is a rich, cool, intense, energetic well built album, conceived to give pleasure from beginning to end, because Casey James has not leave anything to chance or improvisation in any of the thirteen album songs, as everything has been perfectly solved to get each note is the right place. His professionalism and quality as a guitar player, singer and composer is undeniable so if you listen to the cd, you will be immediately caught by this superb musician. GREAT.

Lightnin’ Rod & The Thunderbolts “Delta Time”. Memphis Blues Records 2017.
Nuevo trabajo del cantante y guitarrista Lightnin’ Rod, en cuyo ADN se encuentran influencias tan dispares como las de Muddy Waters, Bob Seger o Eric Clapton por citar algunos de los mas conocidos y familiares por el público, sin dejar en ningún caso de lado el pop británico de los años setenta del que también se nutre aunque, sin embargo, todas esas influencias se mantienen en su música de una forma mas espiritual que auditiva. En este nuevo trabajo Rod conserva su sello propio y personal que siempre le ha caracterizado, tanto en su forma de cantar, como en el modo de componer o de tocar la guitarra. Como instrumentista Rod posee una técnica, un fraseo y una pulsación muy efectivas pero a la vez de gran suavidad, su sonido convence por la eficacia con la que aborda los temas que interpreta. Una vez mas su grupo los Thunderbolds están a la altura de las exigencias requeridas, dando el sustento y la base más adecuadas para que Lightnin’ se encuentre cómodo. De este modo la banda facilita los recursos y los resortes para que la belleza de las canciones resulten fáciles de asimilar. Un disco sobrio, natural y dinámico, con el que puedo asegurar que el oyente se sentirá a gusto y dispuesto a disfrutarlo en todos los aspectos. MUY BUENO. Here comes the new piece of work by singer and guitar player Lightnin' Rod, an artist who has in his DNA such varied influences like Muddy Waters, Bob Seger or Eric Clapton to only mention some of the most popular and familiar to general audiences, without forgetting 70’s British pop which also feeds his music, although all these influences can be found in a more spiritual than practical way. In this new work Rod keeps the personal seal which has always been a differential element, both in his singing than in composing or guitar playing. As instrumentalist Rod has got a really effective but at the same time soft phrasing technique, which makes as a result a convincing effective sound that can be immediately enjoyed in every song he plays. Once again The Thunderbolds exceed the musical requirements expected, giving the firm basis and substance to make Lightnin' feel totally comfortable. In this way, the band provides all the needed resources to ensure the songs beauty, that will be easily savoured by all listeners. This is a restrained but at the same time natural and dynamic album, I dare say listeners will immediately enjoy in every aspect. VERY GOOD.
 

ENERO 2018 / JANUARY 2018

Stew Cutler & Friends “Every Sunday Night”. Cogna 2017.
El guitarrista neoyorkino Stew Cutler nunca se ha sentido interesado por limitar sus horizontes musicales. En sus múltiples facetas como guitarrista, productor, compositor o músico de sesión, Cutler siempre se ha movido a sus anchas por el vasto y ancho mundo del jazz, el soul, el funk y el blues, abarcando todos estos estilos desde una visión contemporánea y asequible a los diferentes gustos del público actual. En este su sexto álbum nuestro hombre continua la misma línea de creación musical con total libertad, despojándose de este modo de todas aquellas aristas artificiosas que puedan llevarle a un encorsetamiento musical, reflejando siempre y en todo momento la misma variedad colorista y sonora que incluye en todas sus actuaciones en directo. Para ello Stew Cutler ha contado con un excelente plantel de buenos músicos y amigos como son Bobby Harden a la voz, Nick Semrad y Jullian Pollack al organo, éste último en un par de grooves, Chulo Gatewood al bajo en cuatro canciones, Bill McClellan a la batería y JT Bowen voz en un tema. Un disco sugestivo a descubrir, muy en sintonía con las nuevas generaciones. MUY BUENO. New York guitar player Stew Cutler has never been interested in limiting his musical horizons. In his many facets as guitar player, producer, composer or session player, Cutler has always moved along the wide world of jazz, soul, funk and blues, covering all these styles from a very contemporary vision, affordable to different audience tastes. In this sixth album, our man follows the same line of musical creation, and he does it with total freedom, giving up all these artificial edges that could lead him to a limited musical background, to display in every moment the same colourful variety of sounds he normally gives to all his live shows. For the album Stew Cutler has counted with an excellent bunch of good musicians and friends such as Bobby Harden on vocals, Nick Semrad and Jullian Pollack on organ, this last one in a couple of grooves, Chulo Gatewood on bass in four songs, Bill McClellan on drums and JT Bowen on vocals in one song. This is a suggestive album to discover, totally in accordance with the new generations of music lovers. VERY GOOD.

Terry Robb “Cool On The Bloom”. NiaSounds 2017.
Sin ningún género de dudas Terry Robb es un verdadero y genuino maestro empleando la técnica ‘fingerpicking’, algo que de un tiempo a esta parte le ha llevado a ganarse el respeto y la admiración del público en general y una buena parte de la critica especializada, en especial la del blues y la del folk. Todo esto se hace evidente en este nuevo trabajo, el primero para el sello NiaSounds, donde Robb combina con acierto y enorme buen gusto toda la magia y el encanto de la guitarra acústica y la técnica del bottleneck, en diferentes temas vocales e instrumentales, a lo largo de diez melódicas composiciones propias, además de dos covers, uno de Rube Lacy y el otro de The Turtles. Canciones todas que Terry combina, aborda e interpreta con mucha soltura, dulzura y una fragancia exquisita. Este es un disco que sin duda maravillará a todos los públicos entusiastas de la guitarra más clásica, gracias una técnica depurada, aderezada además con un sonido limpio, nítido, vistoso y brillante. MUY BUENO. Undoubtedly Terry Robb is a true genuine master of the fingerpicking technique, something that has gradually led him to gain respect and admiration among general audiences and a good number of specialized media, especially of blues and folk connoisseurs. His skills become evident in his new piece of work, the first one for NiaSounds label, where Robb cleverly and tastefully combines all the magic and charm of acoustic guitar and bottleneck technique, in a variety of vocal and instrumental songs, on a total of ten melodic own compositions plus two covers, one coming from Rube Lacy and another by The Turtles. Terry’s approach is always done from an easy sweet way full of an exquisite fragrance. This is an album that will certainly marvel all classic guitar enthusiasts, thanks to a polished technique, brighten up with a clean, crystal and colourful delicious sound. VERY GOOD.

Joel DaSilva “Everywhere From Here”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Joel DaSilva es uno de los cantantes y guitarristas emergentes en los circuitos del rock blues. A partir del año 2017 Joel dio un giro a su repertorio dedicándose a profundizar en el Chicago blues roots, siempre desde una perspectiva propia y muy visceral. Fruto de ello es este nuevo álbum que estamos comentando, en el que presenta de forma altamente aleccionadora diez canciones escritas por él mismo. Originario de Brasil e hijo de una familia de músicos itinerantes, Joel perdió a su padre cuando solamente contaba tres años. Eso le hizo refugiarse en la música para canalizar sus sentimientos de rabia, tristeza e impotencia, lo que le condujo a la decisión definitiva de dedicarse por completo a la música. Influenciado por Jimmie Vaughan, Joe Bonamassa, Reverend Horton Heat, Ray Charles, Edgar Winter o The White Stripes, Joel ha sabido fusionar los diversos conceptos de todos estos personajes para desarrollar un estilo de amplia capacidad de miras, realizado siempre con honestidad, pasión y un trabajo duro y persistente que en la actualidad le ha llevado a convertirse en un mas que interesante artista. MUY BUENO. Joel DaSilva has become one of the most outstanding emerging singers and guitar players in rock blues circles. In year 2017 Joel decided to give a turn to his repertoire, to go in depth to Chicago blues roots, but always from his own really visceral point of view. The result is this new album where he gives us on an enlightening way ten original own songs. Born in Brazil and son of an itinerant musician family, Joel lost his father when he was only three years old. That sad experience made him to take shelter in music to discharge all his anger, sadness and helplessness feelings, which led him to the final decision of completely devoting himself to music. Influenced by Jimmie Vaughan, Joe Bonamassa, Reverend Horton Heat, Ray Charles, Edgar Winter or The White Stripes, Joel has tastefully mixed the various concepts of all these musicians to develop a wide musical style, he always performs with honesty and passion, on a hard tenacious work that has led him to become a more than interesting artist. VERY GOOD.

Tommy Castro And The Painkillers “Stompin’ Ground”. Alligator 2017.
El excelente cantante y guitarrista Tommy Castro creció y se formó en San José, California. Su infancia se desarrolló en plena efervescencia musical de los años sesenta y setenta expuesto a la cultura del ‘flower power’ del movimiento hippie, la influencia mexicana o la plena efervescencia de la ‘soul music’. Esta amplitud musical le ha llevado a ser un músico ecléctico pero sin abandonar jamás los vericuetos e intrincados caminos del blues. Ahora nos presenta un nuevo trabajo repleto del blues con sonido West Coast, tratado de una forma única como solamente él sabe hacerlo con un derroche de facultades vocales y guitarreras y donde el funk, el rock y el groove sobresalen de una forma directa y contundente. Acompañado por sus fieles Painkillers con Michael Emerson a los teclados, Randy McDonald al bajo y Bowen Brown a la batería y unos invitados correosos y solventes como son Charlie Musselwhite armónica y voz, Mike Zito guitarra y voz, Danielle Nicole voz y David Hidalgo de Los Lobos guitarra y voz, cada uno en un tema, Tommy Castro ha conseguido plasmar un trabajo redondo con el que nuevamente da en la diana. MUY BUENO. Excellent singer and guitar player Tommy Castro grew up in San Jose, California. During his childhood he received a wide musical input of the effervescing 60’s and 70’s scene and was exposed to the flower power culture of the hippie movement, but also to Mexican influences or the soul music explosion. This wide range of musical cultures has led him to become an eclectic musician, but never leaving aside the long and winding blues roads. Now he comes back with his last work, an album full of blues with a West Coast sound, he develops in an unique way he really knows with a waste of vocal and guitar skills, where funky rocky blues and groove stand out on a straightforward powerful way. Backed by his faithful Painkillers with Michael Emerson on keyboards, Randy McDonald on bass and Bowen Brown on drums and a few tough really able amazing guests like Charlie Musselwhite harmonica and vocals, Mike Zito guitar and vocals, Danielle Nicole vocals and Los Lobos band member David Hidalgo guitar and vocals, each one in a song, Tommy Castro has managed to round up a magnificent work that again hits the bull’s eye. GREAT.

Jack Tempchin “The Songs Of Jack Tempchin”. Blue Élan / Frank Roszak 2017.
Ganador de un buen número de discos de platino como compositor de muchos de los grandes éxitos de los Eagles, Jack Tempchin presenta ahora un álbum grabado bajo su propio nombre que contiene algunos de estos éxitos escritos en solitario o bien en colaboración con Glenn Frey. Este disco que ahora comentamos, se nutre básicamente de música ‘americana’, folk-rock y bonitas baladas, ha sido producido por Joel Piper e incluye las colaboraciones de Rita Coolidge, Janiva Magness, Chris Hillman y Herb Pedersen, todos ellos interviniendo como vocalistas. Unos cantantes ya de por si excelentes y exclusivos que contribuyen a llenar de calidad y calidez a un disco hogareño para saborear en un ambiente propicio. El álbum contiene diez temas en los que predomina una visión cosmopolita e intimista perfecta para el descanso. Una llamada a la relajación y a la lectura poética para abstraerse de las tensiones que hoy en día predominan en nuestras vidas. Un disco que sin duda te hará soñar y te transportará a esos paraísos sonoros paraísos donde el hombre puede todavía descansar por tiempo indefinido. MUY BUENO. Winner of a good number of platinum records as composer of many of The Eagles greatest hits, now Jack Tempchin comes back with an album recorded under his own name, that includes some of those hits he has written alone or in collaboration with Glenn Frey. The recording is basically devoted to Americana music, folk-rock and beautiful ballads and has been produced by Joel Piper. It also ncludes the valuable collaboration of Rita Coolidge, Janiva Magness, Chris Hillman and Herb Pedersen, all of them as excellent and exclusive singers, who contribute to fill it with a warm quality and create a home like atmosphere to enjoy in a suitable environment. Ten songs where you will find a cosmopolitan vision that will help to create a delightful background perfect to relax yourself. It is a call to be calm reading poetry and in this way forget the stress of our daily lives. Undoubtedly it is an album that will make you dream and will drive you to those sound paradises where you will be able to rest for a very long time, GREAT.

The Milligan Vaughan Project “MVP”. Mark One Records / Mark Pucci Media 2017.
Con este su primer álbum se hace realidad el proyecto de estos dos músicos de Austin, el cantante Malford Milligan y el guitarrista Tyrone Vaughan (hijo del legendario Jimmy Vaughan), ambos con una gran experiencia en el campo del blues y del rock blues. El disco presenta nueve temas grabados en estudio y dos extraídos de su primer concierto en directo desde el prestigioso club One 2 One de Austin. Su música es una absorbente y capacitada mezcla de blues, soul, rock y funk, estilos en los que ambos músicos se sienten cómodos y destinados a interpretarlos durante largo tiempo. En un momento en el que los dos artistas estaban buscando nuevos horizontes a sus respectivas carreras, el hecho de que casualmente el destino les uniese, hizo que surgiera la idea de poner sus conocimientos en común y formar este excelente dúo. En estas grabaciones están respaldados por unos muy buenos profesionales que dan empaque y contundencia a una selección de temas llenos de coraje, energía y mucha fuerza. Además de Malford Milligan a la voz y Tyrone Vaughan a las guitarras, también se encuentran Chris Maresh al bajo, Brannen Temple a la batería y Michael Ramos a los teclados, amén de una serie de invitados que aportan solvencia y buenas hechuras. MUY BUENO. This first album makes true the project of these two Austin musicians, singer Malford Milligan and guitar player Tyrone Vaughan (son of legendary Jimmy Vaughan), both with great experience blues and rock blues fields. The album presents nine songs recorded in studio and two coming from their first live show at the prestigious One 2 One club in Austin. Their music is an appealing and tasteful mixture of blues, soul, rock and funk, styles where both musicians feel comfortable and intended to perform them for a long time. At a time when these two artists were looking for new horizons to their careers, the fact destiny accidentally connected them, made it possible to put their knowledge in common to form this excellent duo. In these recordings they are backed by some very good professional musicians who provide strength and power to a selection of energetic electrifying songs. Besides Malford Milligan on vocals and Tyrone Vaughan on guitars, you will also find Chris Maresh on bass, Brannen Temple on drums and Michael Ramos on keyboards, as well as a bunch of guests who bring a valuable credit and workmanship to the whole recording. VERY GOOD.

Mindi Abair And The Boneshakers “The Eastwest Sessions”. Pretty Good For A Girl / Blind Raccoon 2017.
La maravillosa Mindi Abair nos sorprende con su absoluto dominio de los saxos alto, tenor y barítono, además de poseer una voz sugestiva, agradable y muy sexy que, de inmediato, conquista a las más diversas audiencias que acudan a verla. Después de haber publicado ocho álbumes y haber sido nominada en dos ocasiones a los premios Grammy, Mindi nos presenta ahora un disco en el que se ha rodeado de la excelente banda de Detroit The Boneshakers liderada por el guitarrista Randy Jacobs, banda que también la acompaña en la gira de presentación del álbum. El cd es un compendio musical que va desde el groove al jazz moderno o el rhythm and blues, en diversas composiciones todas ellas a cargo de la propia Mindi Abair tanto en solitario como en compañía de algunos amigos suyos. Grandes músicos como Bobby Rush han hablado maravillas de esta mujer y la han comparado con los mejores saxofonistas de todos los tiempos y en especial Junior Walker como una de sus grandes influencias. Mujer llena de vitalidad y de enorme capacidad creativa, Mindi te hará vibrar y disfrutar con estos once electrizantes temas llenos de sabor y mucha enjundia. MUY BUENO. Wonderful Mindi Abair surprises us with her mastery knowledge of alto, tenor and baritone sax together with her suggestive, pleasant very sexy voice, that immediately catch the most diverse audiences who come to see her. After eight released albums and two nominations for Grammy awards, now Mindi presents a new album where she is surrounded by the excellent Detroit band The Boneshakers led by guitar player Randy Jacobs, a band which also backs her in the tour she has done to present the recording. The cd is a collection of different styles from grooves to modern jazz or rhythm and blues, in a variety of Mindi’s own compositions she has written, sometimes in collaboration with some good friends. Great musicians like Bobby Rush have said beautiful words about her, comparing her to the best sax players of all time and especially to Junior Walker as one of her major influences. Mindi is a vitalistic woman with enormous creative skills, so I am sure she will thrill and give you joy when you listen to these eleven electrifying consistent songs. VERY GOOD.

Benny Turner “My Brother’s Blues”. Nola Blue / Blind Raccoon 2017.
Es muy frecuente que un artista realice un álbum en donde rinda tributo a un legendario músico ya desaparecido. Lo que ya no suele ser tan frecuente es que un gran artista publique un disco de homenaje a otro nombre legendario y que este sea su hermano. Este es el caso del cantante y bajista Benny Turner que en estas grabaciones rinda una vez mas, como ya hiciera en otra ocasión, un tributo a su desaparecido hermano, compañero y amigo Freddie King. Tras unos inicios como bajista de acompañamiento, a mediados de los años sesenta Benny entró a formar parte de la banda de su hermano con la que se recorrió los escenarios de medio mundo. La muerte de Freddie en 1976 con sólo cuarenta y dos años le sumió en una gran tristeza, apartándose de la música durante dos años. Fue el guitarrista de blues de Chicago Mighty Joe Young quien le animó a volver de nuevo a los escenarios y, a partir de ese momento, su fama y su prestigio no han parado de crecer. Con este magnífico álbum Benny da forma a un gran trabajo en todos los aspectos, rodeado de unos músicos inmejorables con los que no deja de crear, canción tras canción, un climax brutal. Temas como “Big Legged Woman”, “Have You Ever Loved A Woman”, “I’m Tore Down”, “See See Baby” o “Mojo Boogie” se suceden de forma magistral imponiendo su clase y su buen hacer en todas y cada una de las canciones. Un álbum imprescindible para todos aquellos amantes del blues tejano. BUENISIMO. It is quite common that an artist publishes an album where he pays tribute to a legendary musician who has passed away. What is not so common is that a legendary artist publishes a recording as a tribute to another legendary name that moreover was his brother. This is the case of singer and bass player Benny Turner who, once again and as he has once previously done, pays tribute to his missing brother, band mate and friend Freddie King. Benny started to play as backing bass player and in the middle of the 60’s, he started to play in his brother's band, where he toured all over the world. The unexpected Freddie’s death in 1976 only aged forty two, produced a terribly sadness in Freddie and he retired from music for two years. It was Chicago blues guitar player Mighty Joe Young who encouraged him to come back to the stages and, since then on, his fame and prestige has not stopped to grow. With this magnificent album, Benny has given shape to a great work, surrounded by a faultless very professional musicians who create, song after song, an  amazing climax. Songs like "Big Legged Woman", "Have You Ever Loved A Woman", "I'm Tore Down", "See See Baby" or "Mojo Boogie" come in a masterful way, showing the undeniable class and the incredible good work of all the musicians involved in each and every one of the album songs. This is an incredible album, perfect for all those Texas blues lovers. ESSENTIAL.  

Jimmy Carpenter “Plays The Blues”. VizzTone 2017.
Jimmy Carpenter ha dedicado buena parte de su vida a trabajar por los blues en diferentes facetas y vertientes. Durante los últimos tiempos Jimmy ha reanudado una exitosa carrera como cantante y saxofonista que le ha llevado a trabajar por gran parte de los Estados Unidos y Europa. Este nativo de North Carolina ha compartido escenario con artistas como Tinsley Ellis, Jimmy Thackery, Walter Wolfman Washington, Eric Lindell o The Honey Island Swamp Band. Ahora deleita nuestros sentidos obsequiándonos con un disco para la compañía VizzTone que ha sido producido por Mike Zito y que ha contado con la colaboración de Tinsley Ellis, Anders Osborne o Jonn DelToro Richardson entre otros. Con un feroz dominio y control del sonido de los saxos alto y tenor, este hombre invade todo nuestro entorno y nuestros oídos con un repertorio tanto propio como con versiones extremas y poderosas de Little Walter, Sam Cook, Freddie King, Magic Sam, Willie Dixon, King Curtis y Otis Rush. Tanto Carpenter como Zito tenían claro que lo que querían para este disco es que fuera solo y únicamente de blues, por lo que el repertorio no es otro que diez maravillosas y genuinas perlas interpretadas con la capacidad, el buen gusto, la energía y el rigor suficientes como para atraparte de principio a fin. Excelente blues de alto voltaje. BUENÏSIMO. Jimmy Carpenter has devoted a good part of his life to work for blues from many different facets and aspects. In recent times Jimmy has followed on with a successful career as a singer and sax player, who has led him to work all around United States and Europe. This North Carolina coming musician has shared stage with artists like Tinsley Ellis, Jimmy Thackery, Walter Wolfman Washington, Eric Lindell or The Honey Island Swamp Band. Now he delights our senses with an album for VizzTone label produced by Mike Zito, where he has counted with the collaboration of Tinsley Ellis, Anders Osborne or Jonn DelToro Richardson among others. With a fierce and mastery control of alto and tenor sax, he conquers our ears and our souls with a repertoire filled with own songs and extreme powerful versions coming from Little Walter, Sam Cook, Freddie King, Magic Sam, Willie Dixon, King Curtis and Otis Rush. Both Carpenter and Zito really knew what they wanted for this album, that was nothing but only blues, so the repertoire could not be other than ten marvellous genuine pearls, performed with the skill, good taste, energy and commitment enough to catch you from the beginning to the end. In short words, excellent high voltage blues. GREAT.  

Ilana Katz Katz “Subway Stories”. VizzTone 2017.
La cantante y violinista Ilana Katz Katz empezó su andadura musical en el año 2008 tocando en los siempre repletos andenes del metro de Boston, Masachusetts. Un encuentro casual con Ronnie Earl en 2013 hizo que Ronnie se fijara en ella y le propusiera acompañarla en su primer álbum que se grabó en 2014, además de participar junto a ella como invitado especial en muchos de sus conciertos de aquel año. Hoy en día Ilana se ha consolidado como una intérprete versátil con un especial gusto, predisposición y énfasis en lo que a la improvisación se refiere. Este es su tercer disco que ha sido producido por Barry Levenson, ex miembro de los Canned Heat, y ha contado con la colaboración como invitados de Sugar Ray Norcia a la armónica y Anthony Geraci al piano. A lo largo de las trece canciones con las que nos encontramos en este su nuevo álbum Ilana Katz Katz demuestra que es una artista única y original en sus formas, maneras y espacios musicales que además sabe capturar la esencia del ‘deep south roots blues’ y la tradición del folk de las montañas, gracias a su dominio del violin y a una voz sencilla y sin pretensiones que son las que confieren su particular personalidad musical. BUENO. Singer and fiddle player Ilana Katz Katz began his musical career in year 2008 playing in the crowded Boston Massachusetts subway platforms. A casual meeting with Ronnie Earl in 2013 made possible Ronnie noticed her performing talent and offered her to play in her debut album which was recorded in 2014, besides performing as a special guest in most of her live shows of that year. Now, Ilana has gained reputation as a versatile artist with a special taste, good attitude, emphasis and good accent for improvisation. This is her third album which has been produced by Barry Levenson, Canned Heat former member, and has counted with the collaboration of Sugar Ray Norcia on harmonica and Anthony Geraci on piano as deluxe guest musicians. Along the thirteen album songs Ilana Katz Katz shows she is a unique and original artist in the form, way and musical spaces, who also knows how to capture the essence of deep south roots blues and the country hills folk tradition, thanks to her mastery at fiddle and a simple unpretentious voice, which give her a particular musical personality. GOOD.

Johnny Rawls “Waiting For The Train”. Catfood / Blind Raccoon / Mark Pucci 2017.
Oriundo de Columbia, Mississippi, el incendiario y veterano vocalista de northsoul, gospel, soul-blues y rhythm and blues Johnny Rawls nos confirma nuevamente que, a pesar de su edad, sigue estando en plena forma y actual vigencia. Dotado de una calidad y unas cualidades vocales de un gran calado artístico, Rawls cuenta además con una banda de músicos impecables que confieren a los temas una riqueza armónica y un timbre sonoro y cristalino que encajan a la perfección con el envolvente y meloso timbre vocal de nuestro hombre. Arropando la reverente y entusiasta voz de Johnny Rawls, se encuentra el grupo The Rays formados por Johnny McGhee a la guitarra, Bob Trenchard al bajo y co autor junto a Rawls de la mayoría de las canciones del disco, Richy Puga a la batería, Dan Ferguson a los teclados, Andy Roman saxos alto y tenor, Mike Middleton a la trompeta, Nick Flood al saxo barítono y tenor y Joe Chavarria al trombón, mas la colaboración en los coros de Janelle Thompson y Shakara Weston y de Jon Olazabal a la percusión. Si os gusta el soul dulce y jugoso, este álbum entrara en vuestros cuerpos como sabrosa fruta madura. MUY BUENO. Born in Columbia, Mississippi, the incendiary veteran singer of northsoul, gospel, soul-blues and rhythm and blues Johnny Rawls confirms again that, despite his age, he still is totally effective and in full form. Gifted with an innate quality and a high range of artistic vocal abilities, Rawls is also surrounded by an excellent band of musicians, which give to every song a harmonic richness and a crystal tone that perfectly fit with Rawls’ wrapping mellow vocal tone. Backing Johnny Rawls’ majestic enthusiastic fierce voice you will find The Rays with Johnny McGhee on guitar, Bob Trenchard on bass who has also co-written with Rawls most of the album songs, Richy Puga on drums, Dan Ferguson on keyboards, Andy Roman alto and tenor sax, Mike Middleton on trumpet, Nick Flood on baritone and tenor sax and Joe Chavarria on trombone, plus the collaboration of Janelle Thompson and Shakara Weston on backing vocals and Jon Olazabal on percussion. If you like sweet and juicy soul, this album will feed your bodies like the best tasty fruit you can imagine. GREAT.

Leonard Griffie “Better Late Than No Time Soon” Pangoboy Productions / Frank Roszak 2017.
Para poder destacar en la competitiva escena del blues se necesitan una serie de cualidades como ser un prolífico compositor, un maestro de la guitarra, un convincente cantante y, finalmente, saber desarrollar un repertorio propio, original y variado en el que el blues tradicional, el ‘old school rhythm and blues’, el soul y algunos ingredientes de jazz, consigan dar un excelente sabor a todo este guiso. Estas buenas cualidades están presentes en la música del nuevo álbum de Leonard Griffie, que ha sabido captar la atención de los consumidores de buena música. Por si ello no fuera suficiente, Leonard se acompaña de una banda que da vistosidad, calidad y alegría a todas y cada una de las catorce canciones del disco. El grupo está formado por Michael Vannice al piano y órgano, Gordon Greenley a los saxos, Randy Scherer a la trompeta, Doug McAlister al bajo y Mark Stever a la batería. Entre todos han perfilado un álbum generoso y amable, lleno de buena música y gran vitalidad, que gustará y sorprenderá a todos aquellos que todavía no conozcan a este músico convincente y lleno de desbordante pasión. MUY BUENO. To excel in the competitive blues scene there are required a set of qualities as to be a prolific songwriter, a guitar master, a convincing singer and, finally, to have skills enough to develop an own, original and varied repertoire where traditional blues, old school' rhythm and blues, soul and some jazz ingredients can give an excellent taste to savoury musical dish. All these good qualities are present in the music of Leonard Griffie’s new album, where he has been able to catch the interest of good music consumers. And if this was not enough, Leonard is backed by a group of musician who give a colourful fine quality and a joyful atmosphere to each and every one of the fourteen album songs. The band includes Michael Vannice on piano and organ, Gordon Greenley on saxes, Randy Scherer on trumpet, Doug McAlister on bass and Mark Stever on drums. All together have given shape to a rich pleasant work, overwhelming with good music and vitality, which will surprise and convince those of you who still are not familiar with this convincing passionate musician. GREAT.

Katie Kern “Blues For The Highway”. Wolf 1999.
Katie Kern nació en Viena. Sus progenitores eran profesores de arte y música. Pronto descubrieron que su hija tenía un talento innato para la música y comenzaron a darle clases de piano clásico. Su padre le enseñó la técnica y la improvisación en este instrumento. En la época de su graduación Katie descubrió la guitarra y dejó atrás el mundo de la música clásica para adentrarse por los vericuetos caminos del pop, aprendiendo por si misma copiando las canciones de los Beatles. En 1994 nuestra protagonista descubrió los blues escuchando a Ry Cooder en el film “Crossroads”. A partir de ese momento Katie se dedicó con intensidad a aprender de los grandes maestros como Robert Johnson, B.B. King, Bonnie Raitt o Mississippi John Hurt, empezando su andadura en el mundo del blues actuando en bares y locales. En 1999 Hannes Folterbauer de la compañía Wolf Records descubrió su talento y la hizo debutar en su sello, con este disco que aquí comentamos. Katie Kern se revela como una excepcional y poderosa cantante, además de una guitarrista que posee el twist y el groove del blues eléctrico mas tradicional y genuino, exponiéndolo con gusto, buen criterio y especial pasión y entrega. La banda está formada por Katie Kern voz y guitarra, Peter Kern guitarra en cinco temas, Hannes Kasehs guitarra, Chista Kasehs bajo y Reinhard Dlapa batería. Un estupendo disco de Chicago blues tocado con desenvoltura, gran frescura y mucha sinceridad. MUY BUENO. Katie Kern was born in Vienna. Her parents were art and music teachers. Soon they discovered her daughter had an innate talent for music so they began to teach her classical piano. His father taught her to control technique and improvisation in this instrument. At the time of her school graduation Katie discovered the guitar and left behind the world of classical music to explore the varied roads of pop, learning by herself copying The Beatles songs. In 1994 her life totally changed when she discovered the blues listening to Ry Cooder in the film "Crossroads". From that moment on, Katie has totally devoted herself to learn from the great blues masters like Robert Johnson, B.B. King, Bonnie Raitt or Mississippi John Hurt, starting his blues music career playing in bars and clubs. In 1999 Hannes Folterbauer from Wolf Records discovered her talent and produced this recording for his label. Not only Katie Kern reveals herself as a unique powerful singer but she also shows she is a guitar player who has got the twist and groove of the most traditional genuine electric blues, she displays with taste, cleverness and an special passion and commitment. The band includes Katie Kern on vocals and guitar, Peter Kern, guitar on five tracks, Hannes Kasehs, guitar, Chista Kasehs bass and Reinhard Dlapa drums. This is an album of genuine Chicago blues played with self confidence, cool grace and honesty. GREAT.

Lloyd Spiegel “This Time Tomorrow”. Self Production / Sarah French 2017.
El cantante, guitarrista y compositor australiano Lloyd Spiegel ha presentado su noveno disco durante su larga y extensa gira que le ha llevado por diferentes países y ciudades. De hecho muchas de las canciones que forman este álbum fueron escritas durante sus viajes por Europa, USA y América Central y son el reflejo del retorno de este artista a la música con raíces. Oscuros y a la vez coloristas ritmos y melodías nos conducen a lugares inhóspitos y desconocidos al tiempo que también suenan familiares y en los que nos muestra con toda su plenitud, la inspiración y la capacidad creativa de un artista que está volcado en su trabajo, una labor con la que consigue plasmar su mundo interior que se hace patente en las canciones que compone en la soledad y el silencio de la habitación de un hotel, o en la bulliciosa sala de espera de un aeropuerto cualquiera o el asiento de un autocar en un largo trayecto. Viajero infatigable, es en esos lugares donde Lloyd consigue abstraerse para crear las canciones intimistas reunidas en este álbum. Lloyd Spiegel a la guitarra y voz, Tim Burnham a la batería, ‘Arunachala’ a la percusión junto con la colaboración de Dog White mandolina, Lisa Sutton trombón, Marty Spiegel guitarra y Riley Spiegel guitarra, cada uno en un tema componen un disco especial, muy atractivo, tranquilo y solvente. MUY BUENO. Australian singer, guitar player and songwriter Lloyd Spiegel has done a long extensive tour to present his ninth recording, which has made him travel to different countries and cities. In fact, most of the songs included in this album were written during his trips in Europe, USA and Central America, and reflect his comeback to roots music. Dark but at the same time colourful rhythms and melodies drive us to stark unknown places that become familiar to us and fully show us the inspiration and creative skills of an artist who is totally devoted to his job, working hard to give shape to his inner world. All that becomes evident in the songs he normally writes in the silent quiet moments in an hotel room or in the crowded lounge of an airport or sitting in a long bus ride. A tireless traveller, it is in these places where Lloyd founds inspiration to create the intimate songs which have been included in this album. Lloyd Spiegel on guitar and vocals, Tim Burnham on drums, “Arunachala' on percussion, together with the special collaboration of Dog White on mandolin, Lisa Sutton on trombone, Marty Spiegel on guitar and Riley Spiegel on guitar, each one in one song, round up a very special, really attractive and totally relaxing reliable album. GREAT.

J.M. Baule “Baule’s Blues”. Self Production 2017.
Músico, poeta, autor, cantautor… todo esto y mucho mas es este hombre llamado J.M. Baule que ahora acaba de autoeditar este nuevo cd, el que hace el número veinticinco de los que tiene colgados en la red. La verdad es que resulta harto difícil hacer un extenso trabajo y no repetirse en el intento, pero Baule es un músico prolífico y muy trabajador que siempre sabe reinventarse. Ha versionado en castellano canciones de Bob Dylan, que han dado como resultado cuatro cds. También ha grabado otros cuatro cds de folk y blues. Ahora nos presenta un disco con dieciséis canciones propias cantadas en catalán con alguna incursión al inglés, casi todas ellas en tiempo de blues y en las que Baule toca todos los instrumentos y donde además nos desvela algunos de sus sentimientos mas íntimos y las preocupaciones que rodean su vida. Un disco curioso, que nos muestra el trabajo de un músico diferente, original e irreverente, deudor de la obra de músicos tan distintos como Bob Dylan, Muddy Waters o Pere Tapies entre otros músicos y grupos diversos. BUENO. Musician, writer, poet, songwriter… all these things and more ones form the personality of a mal called J.M. Baule who has just self produced this new cd, which rounds up the twenty five ones he has uploaded in the net. It becomes really difficult to do an extensive work and not become repetitive in the attempt, but Baule is a prolific hard working musician, who always knows how to reinvent himself. He has done versions in Spanish language of Bob Dylan’s songs, which have been gathered in four cds and he has also recorded four folk and blues cds. Now he comes with an album including sixteen songs sung in Catalan and exceptionally in English, all them in a blues tempo, where Baule plays all instruments and shares some of its most intimate feelings and life concerns. A curious album, that presents the work of a different, original irreverent musician, who owes a lot to the work of so different musicians like Bob Dylan, Muddy Waters or Pere Tapies, among other diverse artists and groups. GOOD. 

Albert Castiglia “Up All Night”. Ruf / Karonte / Rick Lusher 2017.
Séptimo álbum de Albert Castiglia en el que nuevamente vuelve a demostrar todo su poderío y el la razón por la que se ha convertido en uno de los guitarristas mas solicitados para actuar en festivales tanto en Europa como en Estados Unidos. Este nuevo trabajo ha sido producido por Mike Zito en los estudios Dockside de Louisiana y publicado por el sello alemán Ruf Records. Durante los años noventa Albert se dio a conocer como guitarrista en la banda de Junior Wells. A la muerte de éste último, empezó una carrera en solitario que ha dado sus frutos en estos últimos años, y su trabajo es ya reconocido en todo el mundo y todos sus discos han sido aclamados tanto por la crítica como por el público que se rinde a él en todas sus actuaciones. Este nuevo álbum sigue los pasos de sus anteriores trabajos, y de nuevo vuelve a ser un excelente escaparate de rock-blues y hard-blues en estado puro que hará las delicias de sus seguidores. Albert Castiglia está perfectamente secundado y arropado por un puñado de excelentes músicos como son Jimmy Pritchard al bajo y Brian Meméndez a la batería, más la colaboración de Mike Zito a la guitarra y voz, Lewis Stephens a los teclados, Sonny Landreth a la guitarra slide y Johnny Sansone a la armónica. MUY BUENO. Seventh album by Albert Castiglia who comes back to show all his powerful performing and the reason why he has become one of the most demanded guitar players to perform at festivals both in Europe and the United States. This new recording has been produced by Mike Zito, recorded at Dockside studios in Louisiana and published by German label Ruf Records. During the 1990’s Albert got a name as guitar player in Junior Wells’ band. When Junior passed away, he started a solo career that has grown in recent years, so his work is now recognized all over the world and his albums have also been acclaimed by specialized media and general audiences which come to his live shows. This new album follows the steps of the previous ones. Once again it becomes an excellent example of genuine rock and hard blues, that will delight all his followers. Albert Castiglia is perfectly supported by a handful of excellent musicians. like Jimmy Pritchard on bass and Brian Memendez on drums, plus the special collaboration of Mike Zito on guitar and vocals, Lewis Stephens on keyboards, Sonny Landreth on slide guitar and Johnny Sansone on harmonica. VERY GOOD.

Layla Zoe “Songs From The Road”. Ruf Records 2017 (CD+DVD).
Según palabras de la propia Layla Zoe, lo que mas le motiva de toda su carrera musical es estar en un escenario dando todo lo que lleva dentro sin descanso ni cuartel. Allí es donde Layla se realiza en toda su plenitud y bravura, entregándose por completo a comunicar y ofrecer al espectador toda esa salvaje energía y poderío que derrocha a manos llenas y que le sobran a raudales. Gracias a Ruf Records, ahora Layla nos presenta un cd que se acompaña de un dvd grabados en vivo, para que aquellos que no hayan podido tener la experiencia de verla en directo puedan disfrutar de su increíble presencia escénica. Muchos de las canciones que se incluyen en este cd aparecen también en el dvd. Ambos (cd + dvd) fueron grabados en un excelente e histórico concierto el 21 de marzo de 2017 en el Hirsch Club de Nuernberg de Alemania. Con una efectiva y electrizante banda de respaldo formada por Jan Laacks a la guitarra, Christoph Hübner al bajo y Claus Schulte a la batería, Layla Zoe despliega toda su fuerza interpretativa mediante su increíble voz, manteniendo en vilo al oyente durante todo el concierto. MUY BUENO. According Layla Zoe’s own words, what makes her happiest in her musical career is to be on stage and tirelessly give always the best of herself. On stage is where Layla feels totally free and bravely surrenders to communicate all her exceeding powerful wild energy. Thanks to Ruf Records, now Layla Zoe comes with a new cd that is completed by a DVD, both recorded live, so those who have not been able to see her live, can now enjoy her incredible stage presence. Many of the songs included in the cd are also included in the dvd. Both (cd + dvd) were recorded during an amazing incredible show she performed on 21 March 2017 at Hirsch Club in Nuernberg, Germany. With an effective electrifying backing band formed by Jan Laacks on guitar, Christoph Hübner on bass and Claus Schulte on drums, Layla Zoe displays all the wild force of her unbelievable voice, keeping the audience on pins and needles along the whole show. VERY GOOD.

Savoy Brown “Witchy Feelin’”. Ruf Records 2017.
El blues tiene a veces una cara oculta que nos dirige de forma inexorable hacia la oscuridad, la brujería, la magia, el diablo o el voodoo. Así nos lo transmite y confirma Kim Simmonds, guitarrista, cantante y fundador de los legendarios Savoy Brown, grupo pionero del rock-blues británico de finales de los años sesenta, que ahora acaba de publicar este nuevo álbum para el sello alemán Ruf Records. Algunos de estos temas que acabo de mencionar están presentes en el álbum, siempre a través de un hilo conductor que lo relaciona todo de una forma excelentemente bien hilvanada. Simmonds no deja por ello de incluir otras influencias musicales como son las de Otis Rush o Buddy Guy, músicos que se reconocen en las estructuras básicas de estas grabaciones o, como también el propio Kim Simmonds reconoce, unas líneas vocales que beben de las fuentes de JJ Cale, Mark Knopfler, Tony Joe White o Tom Rush. Aunque Savoy Brown y Kim Simmonds están actualmente en semi retiro, siempre es gratificante poder disfrutar de cualquier novedad discográfica que nos acerque a su música. MUY BUENO. Sometimes blues has a hidden side that leads us towards darkness, witchcraft, magic, devil or voodoo. Guitar¡ player, singer and founder of legendary Savoy Brown band, a pioneer British blues-rock band of the late 600s, confirms it with his just published new album for German label Ruf Records. Some of the just mentioned topics can be found in the album, always through a firm thread that joins everything to round up an excellent well done work. But Simmonds also includes other musical influences like Otis Rush or Buddy Guy, musicians who can be easily recognized in the basic structures of these recordings and, as Kim Simmonds also says, one can also find some vocal lines that come from JJ Cale, Mark Knopfler, Tony Joe White or Tom Rush. Although Savoy Brown and Kim Simmonds are now in a semi-retirement, it is always rewarding to enjoy any new recording they publish, which give us the opportunity to come back closer to their excellent music. VERY GOOD.

Wee Willie Walker And The Anthony Paule Soul Orchestra “After A While”. Blue Dot / Christine Vitale 2017.
Después de su encuentro en el Festival de Soul de Porretta en Italia, Wee Willie Walker y The Anthony Paule Soul Orchestra decidieron que por razones obvias, tenían que colaborar juntos en un próximo futuro. De ahí surgió la idea de grabar un álbum que ahora se ha visto materializado y que no es otro que este del que estás leyendo su reseña. El cantante Wee Willie Walker co-escribió ocho de los temas, algunos de ellos con la maravillosa colaboración de la publicista Christine Vitale quien, para mi sorpresa, se revela como una excelente compositora en varias de las canciones del disco. Walker también incluye cinco espléndidas versiones del cancionero del soul americano, además de coproducir el cd. Junto a la orquesta de Anthony Paule, nos transportan a la era dorada del soul, deleitándonos con todas y cada una de estas magníficas trece canciones interpretadas y arregladas con enorme elegancia, excelente criterio y buen gusto. Tanto Wee Willie como el resto de la orquesta de Anthony Paule lucen sobremanera en la ejecución de todas las canciones que conforman esta soberbia aportación al soul de ayer de hoy y de siempre. Un trabajo que deja constancia de que la música soul goza de una robusta y saludable vida. MUY BUENO. After they met at Porretta Soul Festival in Italy, Wee Willie Walker and The Anthony Paule Soul Orchestra decided that, due to the chemistry that arouse among them, it was obvious and a real need to work together in the near future. They finally decided to record an album has now come true and is the one you are reading this review. Singer Wee Willie Walker co-wrote eight of the album songs, some of them with the wonderful collaboration of publicist Christine Vitale who, to my surprise, reveals herself as an excellent composer in several album tracks. Walker also includes five splendid versions of the soul American songbook, besides co-producing the whole recording. Together with Anthony Paule’s Soul Orchestra, they drive us to the golden age of soul, to give us pleasure and joy with each and every one of these magnificent thirteen tunes, performed and arranged with a superb elegance, good judgement and amazing taste. Both Wee Willie and all musicians of Anthony Paule’s Orchestra shine at a very high level in the way to deliver songs and round up an album that becomes a superb contribution to yesterday today and forevermore soul music. This is a recording that proves soul music is totally strong and in good health, GREAT.

Chickenbone Slim “The Big Beat”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Después de muchos años de cantar y tocar el bajo en diversas formaciones del área de San Diego en California, en 2011 Chickenbone Slim decidió entrar a formar parte de los guitarristas que menudean en el mundo del blues y lo cierto es que se mueve y se desenvuelve francamente bien con su nuevo y flamante instrumento. En el 2013 fundó su propia banda Chickenbone Slim & The Biscuits y en el año 2016 grabó su primer cd, con el que se dio a conocer entre los aficionados. Este segundo álbum que ahora nos presenta fue fruto del destino y de la buena suerte que en los últimos tiempos le acompaña. Durante unos días libres en mitad de una gira por California contactó con Kid Andersen para explorar las posibilidades de grabar algo en su estudio. Casualmente el estudio de Kid estaba libre durante esos cuatro días. Deprisa y corriendo, sin apenas ensayos y sin saber si tendría material suficiente para completar un larga duración, se dirigió al estudio. Fue gracias a la colaboración del propio Andersen que Chickenbone Slim consiguió realizar este álbum que contiene nueve más que notables canciones en las que cuenta con músicos de la talla de Jon Atkinson, Marty Dodson, Scot Smart y el propio Kid Andersen. El resultado es un trabajo recio y robusto, con un blues con estilo propio y mucho talento. MUY BUENO. After many years of singing and playing bass in various groups of San Diego and California areas, in 2011 Chickenbone Slim decided to become part of guitar players world who move around blues music and, the true thing is he is doing really well with his brand new instrument. In 2013 he founded his own band, Chickenbone Slim & The Biscuits and, in year 2016, he recorded his first cd, that made him gain popularity among fans. This second album he now presents was the result of destiny and good luck he is recently enjoying. During a few days off in the middle of a tour in California, he contacted Kid Andersen to explore recording possibilities. Kid told him the studio was free just those four days. With no rehearsal and thinking may be he would not have material enough to complete an album, Slim immediately travelled to the studio. Thanks to the collaboration of Kid Andersen himself, Chickenbone Slim managed to round up this recording that includes nine more than good and interesting songs, where he has counted with the collaboration of Jon Atkinson, Marty Dodson, Scot Smart and Kid Andersen. The result is a strong vigorous work, with blues developed in a clever personal own style. GREAT.

The McKee Brothers “Moon Over Montgomery”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Para la realización de su segundo álbum los hermanos Denis McKee guitarrista, ocasional teclista y bajista y Ralph McKee bajista y ocasional cantante y guitarra lap steel, han conseguido reunir y rodearse de más de treinta músicos, que son la salsa de este disco, y que se van repartiendo como un enjambre de abejas que en un  panal a lo largo de las dieciséis canciones del disco. El resultado son unas grabaciones bien compuestas, estructuradas con gracia y mucho esmero, donde se mezclan  con buen gusto y mejor criterio diversos estilos que van desde el gospel hasta el funk, el soul, el jazz, el country, el blues o incluso el rock mas contundente y energético. Con todos estos ingredientes los hermanos McKee han confeccionado un trabajo digno, con una calidad musical e interpretativa fuera de toda duda. Ambos músicos han sabido liderar con excelente criterio un proyecto ambicioso, conduciendo con gran habilidad toda esta amalgama de grandes y profesionales músicos, para redondear un disco brillante, con un perfecto y muy sustancioso acabado. Una pequeña joya que resultará admirable para el oído de cualquier aficionado con un gusto y sensibilidad musical. BUENISIMO. To record their second album brothers Denis McKee, guitar player and occasional keyboard and bass player and Ralph McKee, bass player and occasional singer and lap steel guitar player, have managed to bring together and surround themselves with more than thirty musicians, who become the album good sauce, and distribute themselves along the sixteen album songs like a swarm in a bee. The result is a well composed recording, structured with grace and an extreme care, where you will find a tasteful clever mixture of various styles from gospel to funk, soul, jazz, country, blues or even the more energetic strong rock. With all these ingredients, McKee brothers have rounded up a really interesting work, with an exceeding musical display and performing quality. Both musicians have been able to lead an ambitious project, firmly and tastefully driving all these variety of big and professional musicians to produce a bright, rich and full of nuances album. This is a little gem that will surely become essential for a large amount of people with a musical sensitivity. GREAT.

Alastair Greene “Dream Train”. Rip Cat / Frank Roszak 2017.
Durante casi dos décadas, la guitarra y la voz de Alastair Greene han cautivado y enfebrecido a las más diversas audiencias que uno pueda imaginar, desde heavies hasta garajeros, rockeros o blueseros de la más diversa índole. Sus apariciones junto a Eric Burdon, Walter Trout, Coco Montoya, Savoy Brown, John Németh o Debbie Davies, asi como sus conciertos en el Festival de Blues de Chicago o en el Big Blues Bender de Las Vegas, Nevada, así lo confirman. Durante siete años Greene ha sido guitarrista de la Alan Parsons Project y últimamente ha decidido emprender una carrera en solitario para mostrar todo su potencial artístico, sobre unas premisas que le puedan catapultar mas alto si cabe, una meta difícil de conseguir hoy en día debido a la enorme competencia que existe en este duro mundo del rock y el rock blues. A lo largo de estas trece canciones propias que dan contenido y forma a su nuevo trabajo, Alastair Greene se muestra como un interprete versátil que se mueve con soltura y facilidad en el rock y en el blues más actual. Para ello Greene ha contado con Jim Rankin al bajo y Austin Beede a la batería, junto a la colaboración de Walter Trout, Mike Finnigan, Dennis Gruenling, Debbie Davies y Mike Zito en algunos temas. MUY BUENO. For about two decades, Alastar Greene’s voice and guitar playing have captivated and fevered the most diverse audiences you could imagine, from heavies to garage fans, as well as the most diverse rockers or blues lovers. His appearances with Eric Burdon, Walter Trout, Coco Montoya, Savoy Brown, John Nemeth or Debbie Davies, together with his successful shows at the Chicago Blues Festival or The Big Blues Bender in Las Vegas, Nevada, confirm it. For seven years, Greene was guitar player in The Alan Parsons Project band and recently he has decided to start a solo career to show all his artistic potential, always based on firm musical roots that will catapult him to remarkable position, a difficult goal to reach due to the big competition he will find in rock and rock blues fields, but he really deserves and I am certainly he will get it. Along the thirteen songs that give shape and content to this new album, Alastair Greene shows himself as a versatile performer who easily moves in rock and blues music. To do so Greene has been perfectly supported by Jim Rankin on bass and Austin Beede on drums, plus the valuable collaboration of Walter Trout, Mike Finnigan, Dennis Gruenling, Debbie Davies and Mike Zito in some tunes. GREAT.

Tom Savage “Everything Intertwined” Rabid Earl Music / Sarah French 2017.
Músico de grandes aptitudes y enorme sensibilidad Tom Savage se nos revela como una persona de gran capacidad para experimentar con la poesía y la filosofía. Tanto en su faceta de trovador y ‘story teller’, como en la de guitarrista o intérprete de rockin’ blues, Tom demuestra ser un músico sincero y honesto que cree profundamente en su propio trabajo que articula siempre con unos mecanismos muy personales, frescos y relajantes. Sus canciones beben de las fuentes de diversos músicos tan dispares entre sí como Townes Van Zandt, Bruce Springsteen, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Wes Montgomery o Freddie Robinson. Con todas estas influencias no es extraño que su música comunique distintos sabores, y produzca reacciones y sensaciones cálidas e realmente interesantes de descubrir por cualquier amante de la música americana con raíces. Tom Savage a la guitarra acústica, eléctrica y voz, Tony Silvestri a los teclados, Seamus Cowan al bajo y voces y Bonz Bowering a la batería son el cuarteto que han llevado a cabo esta obra que aquí comentamos. MUY BUENO. Musician of great skill and enormous sensitivity, Tom Savage reveals himself as a person gifted with a huge ability to experiment with poetry and philosophy. Not only in his troubadour and 'story teller' facet, but also as guitar player and rockin’ blues performer, Tom proves he is a sincere honest musician who deeply believes in the music he plays and he always displays on a very personal, cool relaxing way. His songs drink from the sources of such diverse and varied musicians like Townes Van Zandt, Bruce Springsteen, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Wes Montgomery or Freddie Robinson among others. With all these influences, it is not strange his music always communicates different flavours and warm feelings really interesting to be discovered by all American roots music lovers. Tom Savage on electric and acoustic guitars and vocals, Tony Silvestri on keyboards, Seamus Cowan on bass and backing vocals and Bonz Bowering on drums are the four musicians who have carried out this interesting album. VERY GOOD.

Catfish Keith “Mississippi River Blues”, Fish Tail 2017.
Apasionado del Delta y el Piedmont blues desde hace décadas. Catfish Keith siempre se ha sentido atraído por rescatar las leyendas y las historias acerca de los viejos bluesmen de preguerra que se contaban en las orillas del rio Mississippi y que formaron parte del legado, la cultura musical y la tradición de aquella gente. Para celebrar las cuatro décadas que lleva investigando en este género de blues, ahora nos ofrece un nuevo trabajo en el que desgrana un repertorio de catorce temas basados en antiguos temas de artistas como Frank Stokes, Blind Willie Johnson, The Mississippi Sheiks o Jimmie Rodgers entre otros. Hay también otra serie de blues propios inspirados también en la vieja tradición sureña de los años veinte del siglo pasado. Catfish Keith canta con pasión y aborda todas las canciones con amor, respeto y sensibilidad, gracias a sus guitarras de seis o doce cuerdas o también interpretadas con sus National Steel. Más de veinte discos a sus espaldas hacen de este músico uno de los mas prolíficos artistas que han grabado en formato acústico. Si te gustan los viejos blues del Delta, el gospel a lo Mississippi John Hurt o Gary Davis o bien los blues interpretados con la técnica ‘fingerpicking’ y el ‘foot–stomping rhythm’, entonces te aseguro que quedarás atrapado de nuevo con este disco de un artista intenso, profundo y virtuoso que conoce muy bien el terreno que pisa. MUY BUENO. Passionate of Delta and Piedmont blues from decades ago, Catfish Keith has devoted himself to rescue those old legends and stories about pre-war old bluesmen who lived near Mississippi banks, that now belong to their legacy, musical culture and tradition. To celebrate his four decades of musical research in old country blues, now he brings us a new piece of work where he develops fourteen songs based in old tunes of artists like Frank Stokes, Blind Willie Johnson, The Mississippi Sheiks or Jimmie Rodgers among others. You will also find some own blues compositions inspired in the old last century twenties southern tradition. Catfish Keith sings with passion and performs every song with love, respect and sensitivity, thanks to his six and twelve strings guitars and his National Steel guitars. More than twenty albums on his back confirm him as one of the most creative and productive artists who have recorded in acoustic format. If you like old Delta blues, Mississippi John Hurt or Gary Davis gospel or the blues played with fingerpicking technique and foot-stomping rhythm, then I am sure you immediately will be caught with this album by an intense, deep virtuoso musician who knows very well the style he plays. GREAT.
 

DICIEMBRE 2017 / DECEMBER 2017

Scott Ellison “Good Morning Midnight”. Red Parlor / Frank Roszak 2017.
El cantante y guitarrista de Tulsa, Oklahoma Scott Ellison lleva más de treinta años moviéndose por los escenarios y los circuitos del rock y del blues de su país con un éxito bastante efectivo. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con artists como Joe Cocker, B. B. King, Levon Helm (The Band), The Fabulous Thunderbirds o Buddy Guy. Este nuevo trabajo nos presenta trece canciones en las que el blues se muestra omnipresente de una forma u otra en sus más variados modos y matices. Dotado de una voz perfectamente modulada para cantar el género que nos ocupa y una forma de tocar la guitarra elegante y distinguida limada de asperezas y defectos, Scott se pasea con soltura y desparpajo por el soul-blues en el tema “Gone For Good”, al country blues eléctrico de “Last Breath”, el reggae de “Hope And Faith”, hasta una canción de corte mas jazzy como es el instrumental “Wheelhouse”. Arropado por una banda competente y un excelente plantel de invitados como Jimmy Junior Markham, Chris Campbell, Mike Bennett o Steve Ham, Scott Ellison comparte con el oyente una experiencia inolvidable donde se hace patente todo su inigualable talento. MUY BUENO. Singer and guitar player Scott Ellison comes from Tulsa, Oklahoma. For thirty years he has been active around rock and blues stages and national circuits with a remarkable success. Along his career, he has shared stage with artists like Joe Cocker, B. B. King, Levon Helm (The Band), The Fabulous Thunderbirds or Buddy Guy. This new piece of work brings us thirteen songs where, in one way or another, the blues is omnipresent in the most varied ways and nuances. With a perfectly modulated voice to sing blues and an elegant tasteful guitar playing with no roughness or mistakes, Scott walks with an extreme self-confidence along soul-blues in the song "Gone For Good", to the country electric blues of "Last Breath", the reggae of "Hope and Faith" or the more jazzy instrumental song "Wheelhouse". Surrounded by an able band and an excellent roster of guests like Jimmy Junior Markham, Chris Campbell, Mike Bennet or Steve Ham, Scott Ellison shares with the listener an unforgettable experience that clearly show his unique talent. GREAT.

Ed Maly “Middle Child Goes Wild!” Hot Texas Tunes 2017.
Nuevo disco del siempre bienvenido y entrañable cantante y compositor Ed Maly, quien se luce una vez mas en los dieciséis temas de este disco y lo hace provisto de su mejor arma que, sin duda, es esa voz potente, impagable, llena de matices y bien timbrada que el buen Señor le ha concedido. Son canciones impregnadas de estupendo rockin’ blues, rock ‘n’ roll, swamp rock y rhythm and blues de la Louisiana. Su repertorio es variado, sencillo, jugoso, visceral, emotivo, arrogante y rugiente. Su vena de ‘story teller’ va recorriendo cada una de las canciones del disco, contándonos su particular visión de la vida de forma amena y llena de singularidades. De las dieciséis canciones del álbum, doce son del propio Maly y, de las que no son suyas, destacar en especial “Can’t Always Get What You Want” de Jagger y Richards y “You Can’t Judge A Book” de Willie Dixon. Además de cantar y tocar guitarra acústica y la rítmica en algunos cortes, Ed Maly está acompañado por el bajista Don Irby, los guitarristas Keith Cannon, Larry Scott y Mike Coston, los baterías Mike Snelling y Greg Partyka, el teclista John Blau, el pianista Scott Graham y la sección de vientos a cargo de Eric Demmer y Bryan Baker. Sin duda este es un disco mágico, fuerte y lleno de energía. que impactará favorablemente en cualquiera de los oyentes dispuestos a apostar por la buena música. MUY BUENO. New recording by the always welcomed and beloved singer and songwriter Ed Maly who, once again, shines at a very high level along the sixteen album songs, thanks to his most remarkable quality that undoubtedly is his priceless, powerful well pitched and full of nuances voice God has given him. All tracks ooze great rockin' blues, rock 'n' roll, swamp rock and Louisiana rhythm and blues. His repertoire is varied, cool, juicy, passionate, emotional, and overconfident as a roaring wild lion. His story teller vein is also present along each album song, showing with a joyful pleasant way his particular vision of life. Of the sixteen cd songs, twelve are Maly’s own compositions and, among those that come from other song writers, mention "Can't Always Get What You Want" by Jagger and Richards and "You Can't Judge A Book" by Willie Dixon. Besides singing all tracks and playing acoustic and rhythm guitar in some cuts, Ed Maly is backed by bass player Don Irby, guitar players Keith Cannon, Larry Scott and Mike Coston, drummers Mike Snelling and Greg Partyka, keyboard player John Blau, piano player Scott Graham and a horn section with Eric Demmer and Bryan Baker. This is a strong, energetic and magic album that will deeply impact in those listeners who bet for good music. GREAT.  

Andrew Chapman “Well, It’s About Time!”. Select-O-Hits / Frank Roszak 2017.
Mucho es el tiempo que ha transcurrido desde que el cantante Andrew Chapman decidió unir sus fuerzas con el bajista, guitarrista y teclista Terry Wilson y el batería Tony Braunagel para compartir gustos musicales y pasear sus propuestas musicales allí donde los quisieran contratar. Juntos formaron la banda The Bloontz y durante años se dedicaron en cuerpo y alma al negocio de la música. Desde entonces no pararon de moverse y trabajar duro, saliendo siempre indemnes y reforzados de todos los avatares y obstáculos que les fueron surgiendo a lo largo de su carrera. Aunque seguía disfrutando de la música, durante los últimos años Andrew Chapman se sentía cansado y hastiado de todo lo que le acarreaba el negocio musical, Andrew decidió por tanto retirarse y dedicarse a la hostelería. Sin embargo, hace un par de años, sintió de nuevo que todavía le quedaba mucho por hacer y decir en la música, así que reunió de nuevo a su banda para volver a los escenarios de un modo mucho mas relajado que les permitiera disfrutar cada instante, además de grabar este álbum en el que el grupo se ha sabido rodear de excelentes invitados a lo largo de trece temas en los que el rock, la música ‘americana’, el blues y el soul permanecen firmes y están presentes para despertar al oyente de su letargo y llevarlo por el camino de la alegría y quizás la perdición. MUY BUENO. Much time has gone by since singer Andrew Chapman decided to join forces with bass, guitar and keyboard player Terry Wilson and drummer Tony Braunagel to share their musical tastes and give music to any place where they were booked. Together they created the band The Bloontz and for years they completely devoted themselves to the music business. Since then on they did not stop playing and working hard, leaving always undamaged and reinforced from all problems and difficulties of their music career. Although he was still enjoying music, in the last years Andrew Chapman felt tired of everything that surrounds music business, so he decided to retire from music and devote himself to hotel industry. But a couple of years ago, he felt again he still had something to say and share in music, so he met again with his band mates and came back on stage in a more relaxed way that will allow them to enjoy every single moment, and record this album, where the group is surrounded by excellent guest musicians along the thirteen album songs, where rock, Americana, blues and soul remain firm and always present to awaken listeners from their sleepiness and drive them along joy and even perdition ways. GREAT.

Jason Buie “Driftin’ Heart”. Self Production 2017.
El prestigio del cantante, guitarrista y compositor canadiense Jason Buie no deja de crecer entre los aficionados al blues y al rock blues de Vancouver, donde Jason se ha convertido en los últimos tiempos en toda una institución del blues gracias a su intrínseca e inherente calidad profesional y el mucho feeling que desprenden sus actuaciones. Su música está impregnada de las mejores materias primas como son el blues, el funk, el rock y el soul, músicas todas ellas de las que Jason ha bebido y sigue bebiendo con una sed insaciable, que se hace evidente en este nuevo trabajo que contiene siete temas originales de propio Jason junto al batería John Hunter y cuatro espléndidas versiones como son “House Party” de Amos Milburn, “Driftin’ Heart” de Sue Foley, “You’re Sweet” de Jimmy Rogers y “Cold Cold Feeling” de Jesse Mae Robinson. La excelente banda que da soporte a nuestra estrella está formada por Dave Webb piano y Hammond B-3, George Fenn al bajo y John Hunter a la bateria. Estos cuatro músicos poseen una garra y una intensidad sorprendente y hacen que el disco no tenga desperdicio, por lo que recomiendo encarecidamente una escucha en profundidad para deleitarse con el increíble blues y rockin’ blues que practican estos magníficos músicos. BUENISIMO. Fame  and prestige of singer, guitar player and songwriter Jason Buie has not stop to grown among Vancouver blues and rock fans where, in recent times, Jason has become highly respected, thanks to his natural innate professional qualities and his amazing feeling he communicates in his live shows. His music is full of the best raw materials like blues, funk, rock and soul music Jason has drunk and is still drinking with an undeniable thirst. All this becomes evident along this new work that includes seven original songs by Jason Buie and band drummer John Hunter, together with four splendid versions like "House Party" coming from Amos Milburn, "Driftin' Heart" by Sue Foley, "You're Sweet" by Jimmy Rogers and "Cold Cold Feeling" by Jesse Mae Robinson. The excellent backing band which supports our star includes Dave Webb on piano and Hammond B-3, George Fenn on bass and John Hunter on drums. These four musicians sound energetic, really appealing and always give an extreme intensity. This is an album with not a single bad note on it, so I strongly recommend tp listen to it in depth to enjoy the incredible blues and rockin' blues played by these great musicians. GREAT.

Chris “Bad News” Barnes “Hokum Blues”. Vizztone 2017.
El cantante Chris “Bad News” Barnes nos presenta una exquisita selección de lo que en su tiempo se llamó ‘Hokum Blues’, un estilo que se hizo popular gracias a músicos como Tampa Red, Georgia Tom Dorsey, Big Bill Broonzy (estos tres conocidos como los Hokum Boys), Jazz Gillum o Washboard Sam entre otros grandes representantes de este viejo y maravilloso estilo de los años de la depresión y que eran bastante explícitos en temas como las prácticas sexuales, la prostitución, el juego, la homosexualidad, la droga y otros temas considerados como inmorales o incluso subversivos. En todo momento Barnes plasma con evidente solvencia, desenfado y respeto todo aquel ambiente de los años veinte y treinta, a la vez que recrear el viejo sonido festivo, la atmósfera y el pulso inherente a este estilo musical siempre desde una perspectiva muy actual. Para ello ha seleccionado a un grupo de músicos que han entendido con precisión el sentido, el ambiente y las buenas vibraciones que Barnes buscaba para este disco. Ellos son Jimmy Vivino a la guitarra, Bette Sussman al piano, Steve Guyger a la armónica, Will Lee al bajo y Shawn Pelton a la batería, más una sección de metales que intervienen en algunas canciones formada por Steve Bernstein trompeta, Charlie Pillow saxo y clarinete y Clark Gayton trombón junto a algunos coros vocales que impregnan el repertorio con elegancia y sutileza. MUY BUENO. Singer Chris "Bad News" Barnes comes with a fine selection of a kind of blues that in old times was called 'Hokum Blues', a style that became popular thanks to musicians like Tampa Red, Georgia Tom Dorsey, Big Bill Broonzy (these three ones known as  The Hokum Boys), Jazz Gillum or Washboard Sam among other great representatives of this old and wonderful style, popular during the depression years, that used to display on a quite explicit way topics like sex, prostitution, gambling, drugs, homosexuality and other issues considered as immoral or even subversive. Along the whole recording Barnes gives us with a huge reliability, free and easy but at the same time respectful way all that feeling and the image of 20’s and 30’s, with that old festive sound, as well as the atmosphere and the natural rhythm of those blues, but always from a very actual perspective. To do so he has selected a group of musicians who have accurately understood the sense, background and good vibrations Barnes was looking for this album, as Jimmy Vivino on guitar, Bette Sussman on piano, Steve Guyger on harmonica, Will Lee on bass and Shawn Pelton on drums, plus a horn section in some tracks with Steve Bernstein on trumpet, Charlie Pillow on sax and clarinet and Clark Gayton on trombone, as well as some backing vocals which fill the repertoire with a subtle elegance. GREAT.

Dudley Taft “Summer Rain”. Taft Enterprises / Mark Pucci Media 2017.
Este es el quinto álbum del cantante, compositor y guitarrista de rock blues Dudley Taft con el que quiere rendir tributo a todos esos hombres y mujeres del ejército americano que aceptan marchar a lugares lejanos y separarse de sus familias para defender la libertad. La separación y la angustia de estas personas es lo que Dudley quiere reflejar a través de esos once temas que ha escrito para el álbum y con las que lo consigue al cien por cien. Cada una de estas canciones refleja una situación específica con lo que estos soldados tienen que enfrentarse en su quehacer diario y la última de ellas con la que se cierra el disco titulada “Find My Way Back Home” es especialmente emotiva pues relata la llegada de uno de estos hombres de nuevo a su hogar después de haber cumplido con su deber patriótico. El disco es puro y agresivo rock y country rock de buena factura, inteligente y bien resuelto, con unos músicos que hilvanan y resuelven su trabajo con plena satisfacción para el oyente, además de unas letras emocionantes y bien construidas que, sin duda, se entregará plenamente a él. El álbum contiene todas las letras de las canciones para poder seguirlas con atención y entender su significado. MUY BUENO. This is the fifth studio album by rock blues singer, guitar player and composer Dudley Taft, where he wants to pay homage to all those American Army men and women who decide to go to far away places and leave their families behind only to protect freedom. The separation from their loved ones and the anguish feelings of all these people are what Dudley wants to reflect along these eleven songs and, the true thing, is he has really got it. Each song shows a specific moment or situation these soldiers have to face and handle in their daily work and the last album song entitled "Find My Way Back Home" is especially moving, because it tells us the arrival of one of these men back home after a long separation from his family after having fulfilled his patriotic duties. The album is pure, good and aggressive rock and country rock, solved with intelligence by a bunch of musicians who develop their work with full satisfaction for the listener. A special mention to the moving written lyrics, I’m sure will satisfy most listeners. The album includes all song lyrics in order people can be able to attentively listen to them and understand their deep meaning. VERY GOOD

Rick Estrin And The Nightcats “Groovin’ In Greaseland”. Alligator / Discmedi 2017.
Incisivo blues y grasiento houserockin’ salpicado de rock and roll es la nueva propuesta del fabuloso armonicista y cantante Rick Estrin en este nuevo trabajo que ha grabado para el sello Alligator, compañía con la que tiene contrato desde hace años. Acompañado por sus incondicionales Nightcats formados por Kid Andersen a la guitarra y bajo en tres temas, Lorenzo Farrell al órgano, piano y wurtlitzer y Alex Pettersen a la batería, Rick despliega todo su arsenal de munición artística con un amplio registro que muestra las muchas posibilidades que posee para desarrollar su potencial creativo cuando sopla las armónicas ya sean diatónicas o cromáticas. Con ellas hace mil y una diabluras con las que consigue atraparte de principio a fin. Trece canciones conforman este nuevo álbum en los que la tradición se mezcla con la innovación dando continuidad a lo que fue la legendaria banda Little Charlie And The Nightcats. Además de los ya mencionados músicos se encuentran también los bajistas Jerry Jemmott, Joe Kyle Jr. y Robby Yamilov, Nancy Wright al saxo tenor, Terry Hanck y John Halbleib también a los vientos, Martin Windstad percusión y Jim Pugh al piano RMI Electra. Por si esto no fuera ya suficiente, Bruce Iglauer presidente de la compañía Alligator, ha colaborado y supervisado las mezclas. Estamos delante de uno de esos discos que podríamos considerar como totalmente antológico. IMPRESCINDIBLE. Incisive blues and greasy houserockin' spiced with rock and roll is the new proposal of fabulous harmonica player and singer Rick Estrin for the new work he has published for Alligator Records, where he signed contract years ago. Backed by his faithful and unconditional Nightcats with Kid Andersen on guitar and bass in three cuts, Lorenzo Farrell on organ, piano and wúrtlitzer and Alex Pettersen on drums, Rick displays all of his arsenal of artistic ammunition with a wide instrumental record that shows the many possibilities he has to develop his creative potential when he blows either chromatic or diatonic harmonica. With this small instrument he is able to do thousand and one tricks that will immediately catch you. The album gathers thirteen songs where tradition mixes with innovation and give continuity to the legendary Little Charlie And The Nightcats band. Besides the just mentioned musicians you will also find bass players Jerry Jemmott, Joe Kyle Jr. and Robby Yamilov, Nancy Wright on tenor sax, Terry Hank and John Halbleib on horns, Martin Windstad on percussion and Jim Pugh on piano RMI Electra. And, as if this was not enough, Alligator president Bruce Iglauer has worked and supervised the album mix. In short words, we are facing one of these albums that can be simply defined as anthological. ESSENTIAL.

The Nighthawks “All You Gotta Do”. EllerSoul / Mark Pucci Media 2017.
La legendaria banda de blues y roots del estado de Columbia, The Nighthawks, vuelve de nuevo a lo mas alto del panorama del blues con este nuevo trabajo bajo el brazo y en el que, en una primera escucha, ha despertado en mi una vieja sensación de nostalgia, de la que no sabría decir ni explicar el por qué ni el motivo. Después de aproximadamente cinco décadas de carrera y carretera, la banda ha acumulado una gran experiencia, además de desarrollar y recoger un sin fin de influencias, es por ello que este disco podría definirse en cierto punto como un tanto ecléctico por la variedad de pinceladas y colores musicales que posee, todos ellos enmarcadas por supuesto en el blues. La riqueza musical que se desprende a lo largo de todo el disco es enorme y su innegable atractivo está servido en cada una de las doce canciones que lo componen. La banda se presenta desnuda, sin colaboraciones ni artistas invitados, ellos solos se sobran y se bastan para llenar el disco con ese sonido fuerte, grasiento, punzante, caliente y electrizante a los que nos tienen acostumbrados las buenas bandas de club de sábado noche. Mark Wenner armónica y voz, Paul Bell guitarra y voz, Johnny Castle bajo y voz y Mark Stutso batería y voz redondean un disco de alto voltaje que no debe faltar en vuestra colección de discos. BUENISIMO. Legendary Columbia state blues and roots band The Nighthawks, comes back to the top of the blues scene with this new work that, on a first listening, has awakened in me wistfulness feelings I am not able to explain the reason. After approximately five decades of career and being on the road, the band has gathered a huge experience developing and collecting a lot of different influences, so that is the reason why this album could be defined to a certain extent as an eclectic one for the variety of musical brushstrokes and colours, all them framed in the blues. The musical richness that can be noticed along the whole recording is really amazing and the undeniable attraction it oozes is immediately felt in each an every one of the twelve songs included in the album. The band appears naked, without musical collaborations or guest artists, the four band musicians are more than enough to fill the album with that strong, greasy, straightforward, hot and electrifying sound of the good Saturday night club bands. Mark Wenner on harmonica and vocals, Paul Bell on guitar and vocals, Johnny Castle on bass and vocals and Mark Stutso on drums and vocals round up a high voltage recording that should not miss in your record collection. GREAT.

John Pagano Band One More Round”. Midnight Circus / Rick Lusher 2017.
John Pagano pertenece a esa nueva generación de músicos que combinan con acierto y buen criterio el blues con ritmos más innovadores y con un cierto aire de música de garaje y algo de pop. Junto a su banda ha taloneado a artistas como Joe Bonamassa, Johnny Winter, Chris Beard, Sam Taylor, Robben Ford o Todd Smallie por citar unos pocos en la categoría de los bien conocidos por el aficionado. Este es su quinto disco y en él se presenta en formato de trío junto a Tony Hossri al bajo y Shiloh Bloodworth a la batería. Junto a ellos la guitarra y la voz de John Pagano nos conduce por oscuros universos en los que se mueve como pez en el agua, firmando diez temas provistos de hipnóticas sugerencias, mas una canción original de un buen amigo suyo llamado Hugo. Con ellas el trío se adentra en los tortuosos y turbulentos caminos del rock blues de garaje, estilo del que Pagano es un verdadero estilista y un indudable deudor del rock blues más independiente. MUY BUENO. John Pagano belongs to the new generation of musicians who cleverly and tastefully combine blues with more innovative rhythms and a certain air of garage and pop music. Together with his band he has opened for artists like Joe Bonamassa, Johnny Winter, Chris Beard, Sam Taylor, Robben Ford or Todd Smallie to name a few in the category of well known artists for good fans. This is his fifth album he has recorded on a trio format together with Tony Hossri on bass and Shiloh Bloodworth on drums. With them John Pagano’s guitar and voice drives us to dark universes where he moves like a duck to water along ten original songs displayed with hypnotic suggestions, plus one song coming by a John’s good friend called Hugo. In all them the trio goes along long turbulent and winding roads of garage blues rock, a style where Pagano becomes a true stylist and a doubtless debtor of the most independent rock blues. VERY GOOD.

Lew Jetton & 61 South “Palestine Blues”. Coffee Street / Frank Roszak 2017.
Este nuevo álbum del cantante, guitarrista y compositor Lew Jetton nos ofrece la posibilidad de descubrir a través de su particular prisma, su propia visión personal, cruda y llena de dureza de diez años de su vida en los que problemas con el alcohol, las drogas, la depresión, el delirio, la frustración y el sentido espiritual de la guerra eran su modo de vida. Según sus propias palabras Palestina es el lugar donde reside en la actualidad y a la vez un lugar sagrado y espiritual con una gran significancia histórica pero, a la vez, una zona de mucho conflicto bélico. Jetton sabe que, en muchas ocasiones, el blues es alegre y festivo aunque sin embargo éste no es el caso que nos ocupa. El álbum es pura emoción, donde Lew refleja y transmite con fidelidad sus sentimientos mas primarios como son la ira, la tristeza, la soledad y el resentimiento, emociones que afloran de lo más hondo de su propio ser y que Lew sabe muy bien como canalizarlas y transmitirlas con total plenitud. Con el único acompañamiento de Otis Walker al bajo, Erik Eicholtz a la batería y J.D. Wilkes a la armónica en un par de temas, Lew Jetton muestra toda su desnudez de forma honesta y absoluta en todas las buenas canciones que componen el disco. MUY BUENO. This new album by singer, guitar player and songwriter Lew Jetton gives us the possibility to discover through his personal eyes, his own raw and hard vision of his life experiences during ten long years, where problems with alcohol, drugs, depression, madness, frustration and the spiritual meaning of the war were present in his life. According to his own words Palestine is the place he lives. It is a sacred place with a great spiritual and historical significance but, at the same time, an area of war and conflict. Jetton knows that, many times, blues is happy and festive, although this is not the case. The album is pure emotion where Lew reflects and faithfully communicates his most primary feelings such as anger, sadness, loneliness and resentment, feelings that blow up from the depths of his soul, Lew knows very well how to fully direct and give them to the audience. With the only help of Otis Walker on bass, Erik Eicholtz on drums and J.D. Wilkes on harmonica in a couple of songs, Lew Jetton shows all his nudity with an absolute honesty in all the good songs that round up the album. VERY GOOD.

Rob Lutes “Walk In The Dark”. Lucky Bear / Frank Roszak 2017.
Situado en la intersección del blues, el folk y la ‘roots music’, la sugestiva y cálida voz de Rob Lutes emerge con claridad y fuerza a través de un repertorio de canciones intimistas provistas todas ellas de variados y multicolores matices. Grabado durante tres días a finales de enero del 2017 en un pequeño y acogedor estudio de grabación, el disco captura con particular precisión toda la esencia de las cualidades que este artista aporta al mundo de la música y lo hace, tanto con su guitarra como con su voz o con sus propias y muy personales composiciones, todo ello bien secundado y arropado por un puñado de músicos fieles que comparten sus mismos gustos personales y participan con la misma ilusión con que Rob lo hace. A lo largo de los trece temas que componen esta grabación, Rob Lutes y los músicos del grupo nos conducen por un territorio, a veces desconocido y en ocasiones también agreste, donde afloran los sentimientos más profundos de la ‘roots music’, tanto de la americana como de la canadiense. MUY BUENO. Placed at the intersection of blues, folk and roots music, Ron Lutes’ suggestive and warm voice bursts with clarity and strength, through an intimistic repertoire of suggestive songs, which show a wide range of varied and colourful nuances. Recorded in three days at the end of January 2017 in a small cozy studio, the album captures with an  accurate precision the real essence of the qualities this artist brings to the music world, with his guitar, his voice and his very personal own compositions, well supported and surrounded by a handful of faithful musicians who share similar musical tastes and participate in the whole project with the same enthusiasm than Rob. Along the thirteen songs that have been included in this recording, Rob Lutes and the rest of band musicians drive us to a sometimes unknown sometimes wild territory, where the deepest feelings of both America and Canadian roots music emerge with force. VERY GOOD.

Tòfol Martínez Blues Band “No Panic!”. Self Production 2016.
Tòfol Martínez es un cantante y guitarrista bien conocido en la escena del blues catalana y en especial en la zona de Girona. Posee una depurada técnica a la guitarra y una voz rota que, a lo largo de los años, ha ido cultivando a través de infinidad de conciertos y actuaciones en un gran número de locales, bares y festivales. En octubre de 2016 Tófol decidió grabar en los estudios Soundclub y en un sólo día algunos de los blues que mas le gustan a nivel personal y que son los que habitualmente suenan en sus conciertos en directo para de este modo reflejar sin trampa ni cartón lo que es una auténtica banda de blues, de aquel blues que se tocaba en los sesenta y setenta con influencias que van desde Peter Green hasta B.B. King. Aparte del cd también se incluye un dvd en directo para que el personal pueda ver a Tófol en vivo ya que, tal como su título indica, no hay que tener miedo de ser auténtico y sincero y no esconder la esencia del blues bajo complicadas técnicas de estudio. El álbum incluye seis temas y otros tantos en el video. El conjunto de ambos repertorios nos da una buena idea de la calidad de la banda en la que, además de Tòfol Martínez a la guitarra, dobro y voz, se encuentran excelentes músicos como son Gerard Nieto al Hammond y voces, Cobre al bajo y voces y Agustí Borrell a la batería y voces. MUY BUENO. Tòfol Martínez is a well-known singer and guitar player in Catalan area blues scene and especially in Girona zone. He has a fine guitar technique and a raw broken voice that, over the years, have grown up, thanks to countless shows and gigs in clubs, bars and festivals. In October 2016 Tòfol decided to record only in one day at the Soundclub studios some of the blues he loves most that are usually present in his live concerts, to reflect the real deal of a genuine blues band which performs the blues that was played during the 60’s and 70’s, with different influences ranging from Peter Green to B.B. King. Besides the CD you will also find a live DVD that will allow you to see Tofol playing live. As the album title says, no need to be afraid of authenticity and sincerity and no need to hide the essence of the blues under complicated studio techniques. The cd includes six songs and six more can be seen in the video. Both repertoires give us a good idea of the band quality where, besides Tòfol Martínez on guitar, dobro and voice, you will also find excellent musicians like Gerard Nieto on Hammond and backing vocals, Cobre on bass and backing vocals and Agustí Borrell on drums and backing vocals. GREAT.

Flaco Barral “UyyyUyUy!!”. Youkali Music 2017.
Hablar de Flaco Barral es hablar de uno de los más interesantes y sugestivos músicos de la escena española y al que, desgraciadamente, ni el público ni los medios le han dado el reconocimiento, el valor y la relevancia que se merece. Jorge “Flaco” Barral lleva más de cuarenta y cinco años en el negocio de la música por lo que es un tipo curtido y experto en mas de mil batallas. Barral fue uno de los pioneros en esto del blues en su Uruguay natal. En 1972 grabó en Buenos Aires para una compañía uruguaya llamada ‘Delaplanta’ el LP ‘Dias de Blues’ con un diseño de portada basado en la carátula del álbum de los Beatles ‘Revolver’, cuando apenas había nada de blues por aquellos parajes, descontando por supuesto a Pappo. No menos importante fue su paso por bandas españolas como las de Azahar, las de Hilario Camacho o la de Azabache. Todas ellas dejaron marca entre el público minoritario y underground de la década comprendida entre 1975 y 1985 con gustos que por aquel entonces se movían entre el rock psicodélico, el flamenco rock y el rock argentino. Canciones antiguas como “Mis Pies Pisan La Roca, Mi Cabeza Sobre Nubes Va Faltando”, “La Casa Del Pozo”, “Soledad y Silencio” “Viaje A Marruecos”… etc, en las que la mano de Jorge Barral asoma siempre con acierto y distinción. Canciones todas ellas que resultan de un enorme calado estético y poético y en las que Flaco aparece ya sea tocando guitarra acústica o el bajo, pero eso si, siempre dotado de gran inspiración y acierto. Con este nuevo disco bajo su propio nombre que aquí presentamos, Barral deja constancia de su gran calidad como compositor con una colección de trece temas que se mueven entre la canción de autor, el blues o el folk, piezas que él desmenuza cual poeta urbano, aunque eso si, muy alejado de otro pòeta urbano llamado Sabina. En suma, estoy seguro de que este nuevo disco de Flaco Barral, dejará un grato sabor de oreja en cualquier oyente. MUY BUENO. To talk about Flaco Barral is to talk about one of the most interesting and suggestive musicians and multi-instrumentalists of Spanish scene who, unfortunately, neither the public nor specialized media have given the recognition, value and importance he deserves. For about forty years Jorge "Flaco" Barral has been active in music business, so he is an experienced, battle-hardened artist. He was one of the blues pioneers in his native Uruguay. In 1972 he recorded in Buenos Aires for a Uruguayan company called Delaplanta the LP 'Days Of Blues' with a cover design based on Beatles album cover 'Revolver', when practically anybody knew about blues there, except legendary Pappo. It was relevant his contribution to different Spanish bands like Azahar, Hilario Camacho or Azabache that left a deep mark on 70’s and 80’s scene and also among those minority underground music fans with tastes that moved into psychedelic rock, flamenco rock or Argentine rock. Old songs like "Mis Pies Pisan La Roca Mi Cabeza Sobre Nubes Va Faltando”, "La Casa Del Pozo", "Soledad y Silencio" "Viaje a Marruecos”… had a huge aesthetic poetical display, where Flaco played acoustic with a clever inspiration. With this album he has recorded under his own name, Barral proves his quality as composer with a collection of thirteen songs that move between a story teller musician, blues and folk, he crumbles into urban poetry pieces. In short words, I am sure Flaco Barral’s new work will give listeners a pleasant good taste. VERY GOOD.

Krissy Matthews “Live At Freak Valley”: Proper 2017.
Cuando el chaval tenia sólo tres años, su padre Keith le hizo subir a un escenario donde para que empezara a foguearse tocando “Pretty Woman” junto al gran Roy Orbison y fue de este modo como todo comenzó para Krissy. En la actualidad este cantante, guitarrista y compositor arrasa todos aquellos escenarios donde pone los pies, gracias a su fuerza, su vigor y esa reputación que ha ido adquiriendo a pesar de su juventud, ya que sólo tiene 25 años. Aunque creció escuchando las canciones de Hank Marvin del que su padre era un acérrimo admirador, Krissy optó por los blues cuando a los once años de edad descubrió este género. Con su séptimo álbum grabado en directo, Krissy Matthews se consagra definitivamente como uno de los mejores guitarristas del panorama actual del rock-blues con claras influencias metal para dejar constancia de su valía como guitarrista y compositor. Interesantes y personales son las versiones que hace de “Searching The Desert  For The Blues” de Blind Willie McTell en formato metal blues y  de “Roadsick Blues” de Jimi Hendrix, bien secundado por Sam Weston y Max Maxwell bajo y batería respectivamente. MUY BUENO. When he was only a three years old little boy, his father Keith made him go up on stage to start getting some experience playing “Pretty Woman” together with Roy Orbison. This was how it all began for Krissy. Now this singer, guitar player and songwriter fires all stages, thanks to his powerful strength and the good reputation that, although his young age of 25, is daily increasing. Although he grew up listening to the songs of Hank Marvin his father deeply admired, Krissy decided for blues when he discovered it only aged eleven. With his seventh album recorded live, Krissy Matthews confirms he is one of the best guitar players of the actual rock-blues scene with clear metal influences too, that prove his worth as guitar player and composer. Very `personal and really interesting are the versions of "Searching The Desert For The Blues" coming from Blind Willie McTell, performed in an amazing metal blues format, and "Roadsick Blues" by Jimi Hendrix, well supported in the whole recording by Sam Weston on bass and Max Maxwell on drums. VERY GOOD.

John McNamara “Rollin’ With It”. Bahool / Frank Roszak 2017.
El cantante y guitarrista de blues y de soul australiano John McNamara ha viajado hasta Memphis para la grabación de este álbum. Lo ha hecho en los legendarios estudios Ardent y se ha sabido rodear de un grupo de notables músicos de la factoría Stax como son el batería Steve Potts (Booker T. & The MG’s), el bajista Michael Toles (Bobby Bland, The Bar-Kays), el pianista y organista Lester A. Snell (Albert King, Isaac Hayes), junto a una poderosa y apetitosa sección de vientos formada por Mark Franklin a la trompeta y flugelhorn, Lannie McMillan al saxo tenor, Jim Spake al saxo barítono, además del competente y enérgico respaldo de Michael Toles como segundo guitarra y Iseula Hingano y Nicole Nehemia a las voces. De las diez canciones de las que se nutre el disco, seis son composiciones del propio John McNamara, mientras el resto son covers de canciones de Otis Redding, Bobby “Blue” Bland o Little Willie John. El álbum es rico en matices y vigoroso, tanto en sonido como en arreglos. No cabe la menor duda de que con semejante elenco, el resultado no puede ser otro que un disco excepcional, donde la voz y la guitarra de McNamara sobresalen por derecho propio con un enorme pundonor y gran altura de miras. MUY BUENO. Australian blues and soul singer and guitar player John McNamara has travelled to Memphis to record this album. It was done at legendary Ardent studios where he was surrounded by a group of outstanding musicians coming from Stax factory as drummer Steve Potts (Booker T. & The MG's), bass player Michael Toles (Bobby Bland, The Bar-Kays), piano player and organist Lester A. Snell (Albert King, Isaac Hayes), together with a powerful and appetizing horn section with Mark Franklin on trumpet and flugelhorn, Lannie McMillan on tenor sax and Jim Spake on baritone sax, besides the able and strong support of Michael Toles as a second guitar and Iseula Hingano and Nicole Nehemiah on backing vocals. Six of the ten album songs are John McNamara’s own compositions, and the rest are covers of songs coming from Otis Redding, Bobby "Blue" Bland or Little Willie John. The album is powerful but at the same time rich in nuances, both on sound and arrangements. With such a line up, the esult can be no other than an exceptional album, where the voice and guitar of McNamara stand out with an undeniable quality, a respectful dedication and a broad mindedness. GREAT.

Richard Van Bergen & Rootbag “Walk On It”. Donor Productions 2017.
Después de la publicación en el año 2014 de su primer álbum titulado “Rootbag”, disco que recibió excelentes criticas y muy buenos comentarios, ahora es tiempo de que la banda holandesa Richard Van Bergen & Rootbag publiquen su segundo trabajo discográfico que, sin duda, dará mucho juego y mucho que hablar en los ambientes del blues europeo y en lo mas indie del mercado, ya que su música se inspira en el hipnótico Delta blues, los grooves de New Orleans y el más pantanoso blues de la Louisiana, todo ello cocinado con la rica salsa que estos músicos han sabido ligar para esta colección de once canciones originales más una versión de un tema tradicional de gospel titulado “I’m Willin’”, que son las que conforman un álbum áspero e intenso y al mismo tiempo lleno del mejor ritmo, sentimiento y pasión. Richard Van Bergen a la guitarra y voz, Roelof Klijn al bajo y voces y Jody Van Ooijen a la batería forman este trío que indudablemente avanza con paso firme por la escena de su país con un repertorio muy atrevido y buenas dosis de calidad. MUY BUENO. After publishing in 2014 his first album entitled "Rootbag" which received excellent reviews and very good comments, now time has come for Dutch band Richard Van Bergen & Rootbag to publish his second one, that undoubtedly will give lots of play and much to talk about in European blues circles and indie music market, as his music finds inspiration in hypnotic Delta blues, New Orleans grooves and deep Louisiana swamp blues, all cooked with the rich savoury and personal sauce these musicians are able to add to this collection of eleven original songs plus a version of a traditional gospel song entitled "I'm Willin'" that round up a raw intense album filled with an amazing groove, soulful feeling and passion. Richard Van Bergen on guitar and vocals, Roelof Klijn on bass and vocals and Jody Van Ooljen on drums are the musicians you will find in this trio which, undoubtedly, moves forward with a firm step along their country scene, thanks to a daring repertoire and a good dose of an undeniable quality. VERY GOOD.

Johnny Big Stone & Sweet Marta “Johnny Big Stone & Sweet Marta Vol. 1”. Self Production 2017.
Tanto Johnny Big Stone como Sweet
Marta lideran sendas bandas de blues eléctrico en las que rinden tributo al blues que mas les gusta como el de Chicago o el de Texas. En esta ocasión se presentan en formato de dúo en un álbum totalmente acústico, con el que quieren rendir tributo a aquellos legendarios blues que se interpretaban a finales de los años veinte del siglo pasado y durante buena parte de los treinta, en los que se describía con crudeza la vida y los problemas de la población de color de aquella época y que forjaron el blues como un estilo con vida propia. Para ello han recuperado con acierto viejos temas de Blind Blake, Floyd Council, Big Bill Broonzy, Jazz Gillum, Chuck Darling, Blind Lemon Jefferson o Reverend Gary Davis, aunque también se permiten alguna incursión en temas más actuales como “Thunder” de Steve Guyger y Paul Oscher, “That’s Allrigh” de Jimmy Rogers o “It’ll Be Me” de Jerry Lee Lewis. La desgarrada y a veces áspera voz de Johnny junto a su impecable toque de guitarra, bien apoyado por la  armónica de Marta y la colaboración de The Walking Stick Man al washboard en algunos temas, obran el milagro de trasladarnos a las riberas del Mississippi, a un viejo porche o a una fiesta campestre, donde el blues era la música por excelencia. Un viaje que os recomiendo hagáis con ellos. MUY BUENO. Both Johnny Big Stone and Sweet Marta lead a couple of electric blues bands where they pay tribute to the blues they like most, as are Chicago or Texas blues. This time they come on a duo format in a completely acoustic album, where they want to give homage to those legendary blues songs that used to be played at the end of last century twenties and most of the thirties, which described a true picture of daily life and hard problems of black people at that time, which forged blues music as a style with a life of its own. To do so they have successfully revived and recovered old songs coming from Blind Blake, Floyd Council, Big Bill Broonzy, Jazz Gillum, Chuck Darling, Blind Lemon Jefferson or Reverend Gary Davis, but they have also allowed themselves to cover some more recent songs like "Thunder" by Steve Guyger and Paul Oscher, "That's Allright” by Jimmy Rogers or "It'll Be Me" by Jerry Lee Lewis. Johnny’s heartbreaking and even rough voice together with his faultless guitar playing, well supported by Marta’s harmonica playing and the special collaboration of The Walking Stick Man at washboard in some tunes, get to work the miracle to make us move to Mississippi banks, to an old back porch or a country party, where blues was the main music you could listen to. An amazing trip I eagerly recommend you to do with them. VERY GOOD.

Johnny Oskam “In My Shadow”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
La escena del ‘power rock blues’ tiene ya un nuevo icono, Johnny Oskam que está sorprendiendo, no sólo por su técnica y juventud sino también por su clarividencia en la composición. Desde muy pequeño Johnny sintió una gran devoción por la música y empezó a interesarse por el canto coral, la música clásica y el piano. No fue hasta los diecisiete años cuando descubrió una música mas contemporánea y acorde con su edad de la que inmediatamente se sintió prendado. No fue hasta después de ver un concierto de Jonny Lang  cuando decidió que quería profundizar en el contexto y conocimiento del blues para de este modo poder expresar y dar rienda suelta a toda su calidad musical y su mundo interior. Para ello se dedicó a escuchar a artistas tan dispares como Son House, B.B. King, Albert King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Derek Trucks, Tab Benoit, Matt Schofield, Phillip Sayce, Doyle Bramhall II, Kenny Wayne Shepherd y, naturalmente, Jonny Lang. Con toda esta amalgama Johnny Oskam ha creado un estilo propio y alternativo que abarca desde los blues, al grunge o el jazz electrónico y de todo esto es de lo que va este disco. MUY BUENO. Power rock blues scene has a new icon, Johnny Oskam, who has surprised, not only for his technique and youth but also for his cleverness in composition. Since he was a very young boy, Johnny felt a great attraction for music, so he started to practice in choral singing, classical music and piano. It was not until he was seventeen that he discovered a more contemporary music much in line with his age, which immediately caught him. After seeing a Jonny Lang’s live show, he decided he wanted to go deep in the blues context and knowledge to be able to express and give free rein to all his musical quality and inner world. To do so, he fully devoted himself to listen to such varied artists like Son House, B.B. King, Albert King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Derek Trucks, Tab Benoit, Matt Schofield, Phillip Sayce, Doyle Bramhall II, Kenny Wayne Shepherd and, of course, Jonny Lang. With all this mixture of influences Johnny Oskam has build up an own alternative style that covers from blues to grunge or electronic jazz, so all that is what can be found in this album. VERY GOOD.

Webster Ave “Daylight”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Este es el primer álbum de Webster Avenue, un trío formado por tres veteranos de la escena del estado de Nebraska. Ellos son el cantante y guitarrista David Webster quien, a lo largo de su carrera, ha tocado con músicos como Chuck Berry, Bo Diddley And The Cadillacs, además de ser un reputado músico de sesión, el bajista Tony Mercadante quien, a su vez, ha tocado y grabado con músicos de altura tales como Otis Blackwell de quien Elvis grabó su “Rip It Up”, Otis Rush, Peter Crisps o Kendall Carson y el batería Andrew Caturano, quien ha acompañado a artistas como Otis Rush, Otis Blackwell y Bo Diddley. La buena química surgida entre estos tres músicos les ha llevado a reunirse para grabar este primer álbum en el que combinan el roots rock con el jazz, el reggae, la música americana, el soul, el rythm and blues y el blues. Catorce canciones componen este disco en el que han contado con la inestimable colaboración de los teclistas Benny Harrison y Matt Detroy, Joe Meo al saxo tenor y clarinete, Jammie Finegan a la trompeta y Lissie Newman a los coros. Un disco de amplias miras, que se reflejan en diferentes espejos con diversos caminos que se dan la mano para converger en un disco de indudable y singular calidad. MUY BUENO. Here comes the debut album of Webster Avenue, a trio formed by three veterans of Nebraska state scene. They are singer and guitar player David Webster who, along his career, has performed with musicians like Chuck Berry, Bo Diddley And The Cadillacs, besides working as a requested studio recording musician, bass player Tony Mercadante, who, in his turn, has played and recorded with such great musicians like Otis Blackwell, (his song "Rip It Up" was recorded by Elvis), Otis Rush, Peter Crisps or Kendall Carson and drummer Andrew Caturano, who has backed artists like Otis Rush, Otis Blackwell and Bo Diddley. The good chemistry that has always appeared among these three musicians, have led them to record this first album, where they combine roots rock with jazz, reggae, Americana music, soul, rhythm and blues and blues. Fourteen songs round up an album where they have counted with the valuable collaboration of keyboard players Benny Harrison and Matt Detroy, Joe Meo on tenor sax and clarinet, Jammie Finegan on trumpet and Lissie Newman on backing vocals. This is a broad-minded album, which reflect on different mirrors and a variety of paths that come together to meet in an album of an unquestionable and singular quality. GREAT.  

Steve Howell & Jason Weinheimer “A Hundred Years From Today”. Out Of The Past Music / Blind Raccoon 2017.
Pocos artistas consiguen recrear los viejos blues de Piedmont con un gusto tan exquisito y gracias a una técnica depurada y llena de matices como lo hace el cantante y guitarrista Steve Howell, un verdadero maestro empleando la técnica del ‘fingerpickin’ y, en el caso de estas grabaciones, secundado con mucha corrección por el bajo de Jason Weinheimer, quien también se ha encargado de todas las mezclas y la producción. Desde que en 1965 y siendo todavía muy joven Steve escuchó por vez primera a Mississippi John Hurt, quedó prendado por este viejo bluesman. profundizando de lleno en su estilo y estudiando también la técnica de otros guitarristas de blues de preguerra como Blind Willie McTell, Leadbelly, Robert Johnson, Son House, Reverendo Gary Davis, Blind Willie Johnson o Blind Blake. De ahí pasó a interesarse por aquellas big bands donde los vientos poseían una importancia capital en cuanto al sonido y los arreglos, el hot jazz y la música de New Orleans. Hoy en día Steve Howell es un experto en todos estos estilos aunque, en esta ocasión, nos obsequia con un buen puñado de más que acertadas canciones poéticas e intimistas, todas ellas de bello corte folk-blues. MUY BUENO. Few artists manage to capture old Piedmont blues with a so exquisite taste and a polished full of nuances technique like singer and guitar player Steve Howell, a true master of fingerpickin’ guitar playing and, in these particular recording, well supported by bass player Jason Weinheimer, who also is responsible of all mixing, mastering and final production. It was in 1965 and still very young when Steve heard for the first time Mississippi John Hurt and he was totally fascinated by this old bluesman, so he went deeper in the knowledge of his style but he also began to study the technique of other pre-war blues guitarists like Blind Willie McTell, Leadbelly, Robert Johnson, Son House, Reverend Gary Davis, Blind Willie Johnson or Blind Blake. Lateer on he was also interested on those big bands where horns had a capital importance in the sound and arrangements, hot jazz and New Orleans music. Today Steve Howell is an expert in all these styles although, this time, he gives us a good handful of poetical intimistic songs, all them following a beautiful folk-blues line. VERY GOOD.

Hamilton Loomis “Basics” Ham-Bone / Frank Roszak 2017.
Tal y como el título de este álbum indica, el multiinstrumentista Hamilton Loomis vuelve a los elementos básicos y primarios de su música, que pueden definirse como simples progresiones de acordes, melodías directas y sencillas junto a una instrumentación muy efectiva, con el añadido de unas letras inmediatas y personales que transitan mas allá de las fronteras del tiempo y el espacio. Con esta simplicidad Loomis construye un disco de básicos y apetecibles pilares donde el groove, el funk y el rock-blues se hacen presentes a lo largo de las trece canciones seleccionadas completar este nuevo trabajo. El resultado es un compendio de canciones con una gran dosis de dinamismo y comercialidad que serán bien asimiladas por el oyente de forma inmediata. Un disco que desprende carisma, profesionalidad y experiencia, gracias a una buena puesta en escena por parte de unos músicos competentes y conocedores del terreno que pisan como son Hamilton Loomis a la voz, guitarras, bajo, armónica y teclados, Armando Aussenac batería y voces, Fabián Hernández al saxo y voces, junto a las colaboraciones de Chris Eger a la slide en un tema, Sabrina LaField bajo y voces en un tema, Bo Jordan Loomis maracas y Alex McKown, Zach Person y Michael Bryan-Harris guitarras en la canción “Funky Little Brother”. MUY BUENO. As the title of this album suggests, multi-instrumentalist Hamilton Loomis comes back to the primary basic elements of his music, which could be defined as simple chord progressions, straightforward catching melodies and an effective instrumentation, in addition of some immediate personal lyrics that go beyond time and space boundaries. With an effective simplicity Loomis builds up an album with basic appetizing foundations where groove, funk and rock-blues are present along the selection of thirteen songs that complete his new work. The result is a collection of really dynamic commercial cuts that will immediately attract most listeners. This is an album that communicates a lot charisma and professionalism, thanks to the good display and knowledge of a group of experienced musicians like Hamilton Loomis on vocals, guitars, bass, harmonica and keyboards, Armando Aussenac on drums an vocals and Fabian Hernandez on sax and vocals, plus the efficient collaboration of Chris Eger on slide in one track, Sabrina LaField on bass and vocals on a song, Bo Jordan Loomis on maracas and Alex McKown, Zach Person and Michael Bryan-Harris on guitars in the song "Funky Little Brother". VERY GOOD.

Cassie Keenum & Rick Randlett “Hauntings”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Dos músicos que aman su trabajo como son Cassie Keenum y Rick Randlett han decidido poner en común su conocimiento musical para dar forma a este proyecto dentro de un contexto musical que se ha consolidado  en este álbum donde predominan el folk blues acústico, la roots music y otras sugerentes melodías que se deslizan de un modo coherente y con muy buen criterio. Cassie creció en una familia de profundas convicciones religiosas pues su padre era pastor de una iglesia baptista, aunque su carácter rebelde e independiente la hizo saltarse las normas convencionales de su entorno para empezar a frecuentar oscuros bares y clubs donde los blues sonaban durante toda la noche. Por su parte Rick descubrió los blues en los años setenta siguiendo la estela de Eric Clapton y otros pioneros del rock-blues. La voz y la guitarra acústica de Cassie Keenum se complementan muy adecuadamente con los matices de la guitarra acústica, eléctrica y slap de Rick. El dúo también cuenta con la colaboración de Nicole Wagner al bajo, Rusty Valentine a la batería, Little Mike a la armónica en un par de temas y Mitch Rogers a los teclados en una canción. BUENO. Two musicians who really love their work like Cassie Keenum and Rick Reed have decided to put in common their musical knowledge and give shape to this project in a musical context that is reflected in this album where acoustic folk blues, roots music and other suggestive melodies prevail, displayed in a consistent and clever way. Cassie grew up in a family of deep religious convictions as her father was a Baptist church preacher, but her rebel independent personality made her to skip the conventional rules of her community and devote her time to go to dark bars and clubs where the blues could be heard all night long. On the other hand Rick discovered the blues in the 70’, following artist like Eric Clapton and other rock-blues pioneers. The voice and acoustic guitar of Cassie Keenum easily combine with the nuances of Rick’s acoustic, electric and slap guitar. The duo has also counted with the collaboration of Nicole Wagner on bass, Rusty Valentine on drums, Little Mike on harmonica in a couple of songs and Mitch Rogers on keyboards in another cut. GOOD.

Chino Swingslide “Sacred Cat Session”. Swingslide Productions 2017.
El cantante y guitarrista argentino afincado en Barcelona conocido con el simple nombre de Chino aprovechó una visita a Estados Unidos para grabar este álbum con algunos de los actuales músicos blancos de referencia en la escena del blues de California como Junior Watson a la guitarra en seis de los diez temas que componen el álbum, Nathan James contrabajo, guitarra barítono, guitarra de doce cuerdas, guitarra Resophonic, además de voz en un tema, Marty Dodson batería en seis canciones, Marcus Milius armónica en tres cortes y, naturalmente, la voz y la Resophonic de Chino Swingslide que suena a lo largo del disco con su habitual destreza y desparpajo. El resultado es un álbum fresco y efectivo, donde se dan cita una variedad de estilos de blues pertenecientes a diferentes décadas y regiones, que son abordados con swing, twist y mucho groove. Cuando tengas la oportunidad de asistir a un concierto de Chino, no te olvides de adquirir una copia de este álbum, ya que estoy seguro colmará y satisfará no sólo tu hambre de blues sino también tus más profundas expectativas. MUY BUENO. Argentinian singer and guitar player now living in Barcelona, Spain and simply known as Chino, took advantage of a visit to USA to record this album together with some of the actual best known white musicians of California blues scene like Junior Watson on guitar in six of the ten album songs, Nathan James on bass, baritone guitar, twelve-string guitar, Resophonic, and vocals in one cut, Marty Dodson drums in six songs, Marcus Milius harmonica in three tracks and, of course, Chino’s voice and Resophonic guitar that sound along the album with his usual skill and self confidence. The result is a cool effective recording that presents a variety of blues styles coming from different decades and places, performed with swing, twist and much groove. If you have the chance to see Chino live, do not leave the opportunity to get a cd copy, as I am sure it will fulfil and satisfy not only your blues hunger but also all your biggest expectations. GREAT.

Chino Swingslide & Victor Puertas “Goin’ Away”. Swingslide Productions 2017.
El armonicista barcelonés Víctor Puertas une sus fuerzas y pone toda su musculosa y a la vez depurada técnica junto a uno de los más carismáticos músicos afincados en la ciudad condal como es Chino Swingslide para juntos ofrecernos un álbum realmente interesante y muy intenso, donde básicamente los blues suenan en un derroche de pasión, entrega y naturalidad. Nada es falso en estos dos músicos, nada es negativo en ellos, su autenticidad y su vitalidad se rejuvenecen en todas y cada una de las catorce canciones que integran el disco, desde el primer tema de Jimmy Rogers “Goin’ Away Baby” hasta el último corte composición del propio Chino titulado “The Rain Is Over”. Chino se encarga de la voz y la guitarra Resophonic, mientras Víctor Puertas le da la réplica con la armónica, aplicando con precisión y enorme pericia lo que demanda cada una de las canciones, gracias a su poderoso sonido y fraseo a la armónica y en alguna ocasión también como cantante. Un álbum sugestivo y rico en matices, tanto en el sonido como en la creatividad y calidad de ambos músicos que desgranan un repertorio muy adecuado y de bella factura. MUY BUENO. Barcelona harmonica player Victor Puertas joins forces and gives all his powerful but, at the same time, fine technique with one of the most charismatic musicians settled in the same town, Chino Swingslide. Together, they round up a really interesting and very intense album where, basically, blues sounds with an enormous waste of natural passion, skill and experience. Nothing is false in these two musicians, nothing is negative in them, their genuine vitality is able to give a new youth to each and every one of the fourteen album songs, from the first one "Goin' Away Baby" coming from Jimmy Rogers to the last one, an own Chino’s composition entitled "The Rain Is Over". Chino deals with Resophonic guitar and vocals, while Victor Puertas accurately and mastery replies with his harmonica, applying what each song demands, thanks to his powerful sound, his harmonica deep fat tone and occasionally showing his skills as singer too. This is a suggestive rich in nuances album, both in sound and in the two musicians creativity and quality, which becomes evident along a beautiful convincing repertoire. GREAT.

Dennis Johnson & The Mississippi Ramblers “Rythmland”. Root Tone / Mark Pucci 2017.
El cantante y guitarrista del área de la bahía de San Francisco Dennis Johnson presenta su último álbum en el que ha querido incluir una amplia variedad de estilos, músicas y sonidos con todas sus luces, unas luces que van desde la música americana hasta la roots music, el blues, la música latina, el rock, el folk y también una controlada improvisación. Todo este material lo ha sabido ligar con una extraordinaria técnica a la guitarra slide de la que es un consumado intérprete y en la que nos presenta algunas innovadoras armonías completamente diferentes a las que estamos acostumbrados a degustar. Con todo cuanto hemos mencionado es fácil deducir que este disco posee una rica variedad de estilos y ritmos perfectamente ensamblados de los que ha sabido extraer con precisión todo el jugo que puede dar de sí este experimento. Este experimentado músico llamada Dennis Johnson está bien respaldado por Craig Long a los teclados y voces, Jonathan Stoyanoff al bajo y Tim Metz a la batería. Un disco curioso y atractivo que hará pasar un rato agradable y sosegado a todos los que lo escuchen. MUY BUENO. San Francisco Bay area singer and guitar player Dennis Johnson brings us his last album, where his purpose has been to include a bright variety of styles, music and sounds, a brightness combination that goes from American music to roots music, blues, Latin, rock, folk and even a controlled improvisation. He has connected all this material with an amazing technique on slide guitar he is an accomplished performer and surprises us with some innovative harmonies quite different to what we are used to taste. With all these just mentioned resources, it is easy to conclude this album has a rich variety of perfectly assembled styles and rhythms he has managed to squeeze all the juice of this attractive proposal. This experienced musician called Dennis Johnson has been well supported by Craig Long on keyboards and backing vocals, Jonathan Stoyanoff on bass and Tim Metz on drums. This is a curious attractive album that will give a good relaxing time to everyone who listens to it. VERY GOOD.

The Norman Jackson Band “It’s The Drummer Fault!”. Self Production 2017.
Norman Jackson creció entre Detroit, en Michigan, y el south side de Chicago, ciudad esta última donde aprendió a sentir el blues y el soul de manera apasionada y de la mano de todos aquellos nombres legendarios del género que supieron construir un lenguaje inédito en unas nuevas estructuras que moverían los cimientos de la música tradicional negra que hasta entonces se conocía. Junto al joven saxofonista Rick Shortt al que descubrió cuando solamente tenía doce años, lideran esta banda a la que ellos mismos de forma humorista llaman ‘la peor banda de soul de la tierra’. Danny Williams al bajo y el sobrino de Jackson conocido como The Boogieman a la batería forman una engrasada sección rítmica de una banda que se sienten como una auténtica familia y cuyo principal cometido es transmitir a la gente el genuino blues y rhythm & blues para, de este modo, proporcionar diversión y hacernos olvidar los problemas del día a día. Clasificados en tercera posición en el International Blues Challenge del año 2017, en este ultimo disco nos invitan a un viaje a través de once temas de alta calidad musical, salpicados de unas letras divertidas y una presencia escénica que no dejara a nadie indiferente. ¿Te apuntas a este viaje?... Yo ya lo he hecho. MUY BUENO. Norman Jackson grew up in Detroit, Michigan and the south side of Chicago, where he learned to passionately feel blues and soul music, thanks to all those legendary names of the genre who were able to build up an unheard language in the new structures that shook the foundations of the traditional black music that were known till that moment. Together with the young sax player Rick Shortt he discovered when he was only twelve years old, they lead this band they ironically call 'the baddest soul band in the land'. Danny Williams on bass and Jackson’s nephew known as The Boogieman on drums form a greasy rhythm section on a band which consider themselves as a real family and whose main goals are to communicate people the genuine blues and rhythm & blues, give fun and make us forget the day-to-day problems. Named in third position at the International Blues Challenge of year 2017, with this last album they invite us to an exciting journey along eleven high quality songs, spiced with some funny lyrics and a stage presence that will not leave anyone indifferent. Do you like to join this journey?... I have just done it. VERY GOOD.

Sunday Wilde & Reno Jack “Two”. Hwy 11 Records 2017.
Sunday Wilde y Reno Jack nos ofrecen un álbum con mas versiones que temas originales. Tanto el repertorio de ‘covers’ como las canciones propias escogidas para formar parte del disco han sido tratados desde la perspectiva de una mujer, siempre desde un punto de vista muy femenino. Sunday y Reno se conocen desde hace décadas y la compenetración y el respeto entre ambos músicos es más que evidente. Los devaneos musicales que surgen entre ambos intérpretes en la mayoría de esta grabación tiene mucho de divertido y ameno. Una instrumentación sencilla y sin tremendismos a la vez que efectiva, a base de piano, bajo, batería, armónica y guitarra nos dan un sonido limpio y brillante con muchas referencias a las bandas de los pasados años sesenta. Todo ello da como resultado una mezcla interesante de blues, folk o country and western con un cierto aire añadido de gospel y pop. Hasta el momento el dúo ha grabado ocho discos que han tenido el respaldo de sus seguidores, amigos y diversos medios especializados. BUENO. Sunday Wilde and Reno Jack give us an album with more versions than original songs. Both the repertoire of covers as well as the own songs chosen for the album are displayed from a woman perspective, always with a very feminine point of view. Sunday and Reno know themselves for decades and the chemistry and respect between them becomes more than evident. The musical games that arise between the two musicians along this recording are really funny and joyful. A simple unaffected instrumentation but at the same time really effective, based on piano, bass, drums, harmonica and guitar, give us a clean bright sound with many references to those blues bands of the sixties. All these things give as a result and interesting mixture of blues, folk or country and western with a certain air of gospel and pop. Up to the now the duo has recorded eight albums that have always received the support of their followers, friends and various specialized media. GOOD.

Christian Rannenberg “Old School Blues Piano Stylings”. Acoustic Music 2017.
Piano blues de la vieja escuela y tradición es lo que encontrareis en este trabajo del pianista alemán Christian Rannenberg quien lleva mas de cuarenta años en el negocio del blues y cuyas artimañas con las 88 describen con todo su rigor la razón por la que el blues al piano es crudo y descarnado cuando está interpretado desde lo mas profundo del alma. Quince años han transcurrido desde que Christian realizó su última grabación para este magnífico sello discográfico que es Acoustic Music, pero ahora vuelve con mas fuerza y ganas que nunca con este disco que contiene dieciocho temas que nos transportan a aquellos clubs de Chicago de los años cuarenta, cincuenta y sesenta en los que un hombre al piano conseguía crear una atmósfera tan sugerente, en ocasiones en solitario y otras veces respaldado por un par o tres de músicos, pero donde el feeling, la emoción y la pasión estaban siempre presentes y contagiaban a todo el público. Con este nuevo álbum Christian Rannenberg ha querido rendir homenaje a algunos de sus héroes como Blind John Davis, Sunnyland Slim, Little Brother Montgomery, Curtis Jones, Walter Davis o Big Maceo. El disco se acompaña con un libreto donde se explica el origen y la creación de cada canción. En algunos temas intervienen también Angela Brown voz, Paul Palizzolo armónica y voz, Kai Strauss guitarra eléctrica, Matthias Itzenplitz guitarra acústica y Alex Lex batería. Blues genuino, del bueno, de ese que no puedes perderte MUY BUENO. Genuine old school piano blues is what you will find in this album by German piano player Christian Rannenberg, a musician with more than 40 years in the blues business, whose tricky ability with the 88 perfectly describe the reason why the blues on piano is raw and heartbreaking when it is performed from the deepest part of the soul. Fifteen years have gone since Christian did his last recording for the excellent label Acoustic Music, but now he comes back with more strength and force than ever, on an album that includes 18 songs that drive us to those Chicago clubs of the 40`s, 50´s and 60’s where a man with a piano created a suggestive atmosphere, sometimes alone, sometimes together with two or three musicians, but always with an incredible feeling and emotional passion that immediately caught the audience. With this new album Christian Rannenberg wants to pay tribute to some of his heroes like Blind John Davis, Plano Slim, Little Brother Montgomery, Curtis Jones, Walter Davis or Big Maceo. You will also find an interesting booklet explaining each song origin and creation. Some songs also include the valuable collaboration of Angela Brown on vocals, Paul Palizzolo on harmonica and vocals, Kai Strauss on electric gutar, Matthias Itzenplitz on acoustic guitar and Alex Lex on drums. Genuine and really good blues you should not miss. GREAT.

Trevor Sewell “Calling Nashville”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Durante sus cinco años de carrera el cantante, guitarrista, compositor, bajista, teclista y mandolinista, al menos es lo que hace en este álbum, Trevor Sewell, ha grabado cinco álbums, ha realizado cinco giras por Estados Unidos y ha ganado diecisiete premios. Esto da idea de la fuerza y la originalidad con la que este músico ha irrumpido en el mercado musical, especialmente en el europeo. Después de trabajar muchos años como músico de sesión, Trevor decidió iniciar su propia carrera en solitario. Su primer disco llegó al número uno en las listas de ‘roots music’ estadounidenses. En Reino Unido, su tierra natal, es uno de los músicos mas solicitados para tocar en cafés, bares o festivales y artistas como Janis Ian o Tracy Nelson, quienes también intervienen en el disco, han reconocido su innegable calidad artística. El álbum que comentamos nos ofrece once temas de su propia autoría en la que se ha sabido rodear de diez músicos que realzan y embellecen sus sugestivas canciones. MUY BUENO. Along his five-year career, singer, composer, guitar, bass and keyboards player and mandolinist, at least in this last recording, Trevor Sewell has recorded five albums, done five tours in America and received seventeen awards. This gives us an idea of the strength this original musician has appeared in the music market, especially at an European level. After working for many years as a session musician, Trevor decided to start his own solo career. His first album climbed to number one in USA roots music charts. In United Kingdom, his native country, he is one of the most popular musicians to play at cafes, bars or festivals and artists like Janis Ian or Tracy Nelson, who have also participated in the album, have recognized his undeniable quality. This last album gives us eleven own songs where he is surrounded by ten excellent musicians who enhance and brighten up Trevor’s always suggestive songs. VERY GOOD.

Al Basile “Quiet Money”. Sweetspot / Mark Pucci Media 2017.
Muchos años han transcurrido desde que Al Basile entró a formar parte como trompetista en la banda Roomful Of Blues. En la actualidad sus grabaciones en solitario siguen despertando el interés de los aficionados y sus seguidores, imprimiendo el mismo sello característico que tenía el grupo, es decir, jump blues, Texas blues, swing y ryhthm and blues de los años cincuenta. Las canciones de este álbum están musicalmente inspiradas e impregnadas del sabor de músicos de la talla de Buddy Johnson, Lowell Fulson, Jimmy McCracklin, Saunders King o Charlie Rich, pero todas ellas aderezadas con el excelente gusto musical del propio Al Basile, junto a unas letras muy personales que pueden seguirse en el libreto que acompaña al cd. Duke Robillard ha producido este álbum en el que también interviene a la guitarra, Al Basile se encarga de la voz, corneta y arreglos y junto a ellos se encuentran Doug James al saxo tenor y barítono, Rich Lataille al saxo tenor, Jeff “Doc” Chanonhouse a la trompeta, Bruce Bears al piano, Brad Hallen al bajo y Mark Teixeira a la batería. Esta excelente formación redondea un ya de por si fantástico disco que dejará en el aficionado una profunda huella difícil de olvidar. BUENÏSIMO. Many years have gone since Al Basile joined as trumpet player the band Roomful Of Blues. Now his solo recordings still catch the attention and interest of blues fans and all his followers, because they keep the same musical stamp of that legendary band, that is to say, jump blues, Texas blues, swing and 50’s ryhthm and blues. The album songs are musically inspired and display all the flavour of those great musicians like Buddy Johnson, Lowell Fulson, Jimmy McCracklin, Saunders King or Charlie Rich, but always dressed up with Basile’s excellent musical taste, together with very personal lyrics that can be read in the cd booklet. Duke Robillard has produced the album as well as playing all guitars, Al Basile is on vocals, cornet and has done the whole arrangements. Together with them Doug James is on tenor and baritone sax, Rich Lataille on tenor sax, Jeff "Doc" Chanonhouse on trumpet, Bruce Bears on piano, Brad Hallen on bass and Mark Teixeira on drums. This excellent line-up rounds up a fantastic album, which will leave among most listeners a deep difficult to forget mark. . GREAT.
 

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