LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad (más de 5.000) se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 (more than 5.000) are collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Agosto - Julio - Junio 2018 / August - July - June 2018

AGOSTO 2018 / AUGUST 2018

Freddie Pate “I Got The Blues” Sell Production 2018.
Nos llega el primer trabajo de un excelente cantante y guitarrista llamado Freddie Pate, un músico quizás poco conocido hasta el momento pero con una amplia experiencia a sus espaldas. En 1975 viajó desde Los Angeles a Houston donde se convirtió en un músico imprescindible tanto de acompañamiento como de sesión para las bandas mas importantes de la zona, grabando sobre todo con artistas de renombre que se movían a lo largo y ancho de Houston. En 1990 se trasladó a Louisiana donde ha desarrollado una carrera musical de treinta años trabajando con algunos de los mejores artistas y grupos de la Louisiana. Su buen amigo y compañero Mike Zito le animó a llevar a cabo este proyecto y Freddie puso como condición que el disco fuera lo más auténtico posible para  mostrar así su respeto y pasión por el género. El resultado es un disco honesto y bien trabajado, donde el blues brota a borbotones, dando como resultado un cd rocoso dotado de excelente pulso y buena producción que responde perfectamente a las expectativas que pueda hacerse cualquier aficionado al blues. Un total de nueve versiones y dos temas propios componen este “I Got The Blues” donde, además de Freddie Pate a la voz y la guitarra, también se encuentran Mike Zito a la guitarra rítmica y producción, Lewis Stephens a los teclados, Terry Dry al bajo y Matt Johnson a la batería. MUY BUENO. Here comes the first release by an excellent singer and guitar player named Freddie Pate, a musician who perhaps has not been well known so far but who has a wide experience behind him. In 1975 he travelled from Los Angeles to Houston where he became an essential backing and recording session musician for the most important bands of that area, recording with the top artists who played in Houston. In 1990 he moved to Louisiana where he has developed a musical career for about thirty years, working with some of the best Louisiana artists and groups. His good friend and colleague Mike Zito encouraged him to carry out this project. The only condition Fred asked for was the album had to be authentic to show his respect and passion for the genre. The result is a honest well developed recording, where the blues rolls out with force, to round up a rocky album displayed with a firm hand as well as a tasteful production that will satisfy the expectations of any blues lover. Nine versions and two Freddie’s own songs can be found in this "I Got The Blues" where, besides Freddie Pate on vocals and guitar, also presents Mike Zito on rhythm guitar and production, Lewis Stephens on keyboards, Terry Dry on bass and Matt Johnson on  drums. GREAT.

Steve Hill “One Man Blues Rock Band”. Manhaton / Sarah French 2018.
Al escuchar este álbum nadie diría que está interpretado por un solo músico, pues suena como si este estuviera acompañado por una banda. Steve Hill canta y toca la guitarra y algunos instrumentos de percusión que cuelgan de ella erguido ante su audiencia, mientras sus pies se mueven a las mil maravillas entre el bombo, la caja o el charles, que, en este caso, podríamos decir que controla con pies de hierro. El álbum fue grabado en directo desde La Chapelle en Quebec, Canadá y captura fielmente toda la energía que este multiinstrumentista canadiense desprende en todos sus conciertos. La grabación se compone de doce temas propios más dos versiones en las que Steve demuestra ser un músico estratosférico y espectacular con un recorrido musical brutal, un completo dominio del tempo, del escenario, de la técnica y del show. El disco se convierte en un concierto de rock-blues de alta gama, expuesto con vehemencia y rigor, donde la trampa y el cartón no tienen cabida. Steve Hill es un músico honesto, garante del poderío de la escena de los nuevos y vigentes hombres orquesta del siglo XXI, aunque por supuesto muy alejado de sus precursores como pudo ser el legendario Dr. Ross por citar uno de los pioneros del blues de este estilo. MUY BUENO. If you listen to this album without looking at its cover you would never imagine there is a single musician who plays in it, as it sounds as if he was backed by a whole band. Steve Hill stands in front of the audience, he sings and plays guitar and some percussion instruments that hang from his guitar with his hands, while his feet skilfully move among bass drum, snare drum or hi-hats that, in this case, could be said he controls with iron feet. The album was recorded live from La Chapelle in Quebec, Canada, and faithfully captures all the energy this Canadian multi-instrumentalist brings in all his live shows. The recording gathers twelve own songs and two versions where Steve proves he is an stratospheric spectacular musician with a terrific musical approach, a real master of tempo, stage control, technique as well as an amazing showman. The album becomes a real rock-blues concert, displayed with a rigorous vehemence where affectation has no place. Steve Hill is an honest musician who guarantees the power and value of the one man band musicians in XXI century, although, naturally, he is far really away of his precedents, as could be legendary Dr. Ross. to only mention one of the pioneers of this kind of blues. VERY GOOD.

Big Daddy Wilson “Songs From The Road”. Ruf Records 2018. (CD + DVD).
El espíritu del viejo sur está presente en todas y cada una de las canciones de Big Daddy Wilson. Sus letras y su voz ronca, profunda y cavernosa nos evocan imágenes de viejas e interminables carreteras polvorientas y solitarias, donde menudean los juke joints repletos de un público negro dispuesto a pasárselo en grande un sábado por la noche o incluso fiestas familiares campestres donde los niños juegan y corretean cualquier mañana de domingo a la salida de la iglesia. Una visión nostálgica y poética de la América sureña rural, que Wilson y su banda transforman en sonidos vigentes y de rabiosa actualidad. Este álbum se grabó durante un concierto en directo en Alemania y muestra a las claras la habilidad de este cantante para conectar con las audiencias. En el cd se incluyen doce canciones y, como obsequio adicional, se adjunta un dvd filmado esa misma noche con quince de los temas que se interpretaron en aquel memorable concierto. En ambos casos podemos escuchar y ver a nuestro hombre a la voz, el dobro y el ‘diddley bow’, junto a su banda formada por Cesare Nolli a la guitarra, Enzo Messina a los teclados, Paolo Legramandi al bajo y Nik Taccori a la batería. Todos ellos derrochan en el escenario buenas dosis de energía y mucha entrega para disfrutar con ellos. MUY BUENO. The spirit of deep old south is present in each and every one of Big Daddy Wilson’s songs. All lyrics and the power of his raw, hoarse and grave voice evoke images of endless back lonely dusty roads, where here and there appear old juke joints full of Saturday night black audience ready to have fun, or even countryside Sunday morning family parties with children  playing here and there after church services. This is a nostalgic poetical vision of rural southern America that Wilson and his band change into the most actual sounds. The album was recorded from a live show in Germany and clearly shows Wilson’s skills to connect with the audience. The cd gathers twelve songs and, as an additional gift, you will also find a dvd with fifteen songs he performed in that really special night. Not only in the cd but also in the dvd we can listen and see Big Daddy Wilson on vocals, dobro and 'diddley bow', together with his band including Cesare Nolli on guitar, Enzo Messina on keyboards, Paolo Legramandi on bass and Nik Taccori on drums. All they give on stage an amazing good dose of energy and commitment to be largely enjoyed. GREAT.

Mike Zito “First Class Life”. Ruf Records 2018.
En cada nueva entrega el cantante, guitarrista, productor y compositor Mike Zito se muestra mas intenso y crecido, pero a la vez más maduro, asentado y, sobre todo, con mayor capacidad creativa. Atrás quedaron los tiempos en que el alcohol y las drogas estuvieron a punto de destrozar, no solamente su vida personal sino también y por extensión su prometedora carrera. Hoy en día Mike disfruta de una vida tranquila, dedicándose por completo a la música y a su familia, como refleja el título de su nuevo trabajo, en el que ha dejado de lado el rock-blues más agresivo para sumergirse en las raíces del blues tradicional y la música americana, y lo hace con la convicción y la pasión de quien disfruta con lo que hace, además de tener mucho que aportar al género. Pese a la aparente simplicidad del nuevo repertorio, el álbum está construido sobre bases sólidas que denotan buen gusto, experiencia y maestría. La labor de los músicos que le acompañan es más que destacable influyendo favorablemente en el resultado final, por lo que hay que mencionar a Lewis Stephens al piano, Fender Rhodes, B-3 y Wurlitzer, Terry Dry al bajo, Matthew Johnson a la batería y la colaboración de Bernard Allison a la guitarra en el tema “Mama Don’t Like No Wah Wah” en recuerdo a Koko Taylor, que no quería que sus guitarristas usaran pedales o efectos como Bernard quería hacer. BUENISIMO. In each new release, singer, guitar player, producer and composer Mike Zito becomes more intense and self-assured but, at the same time, more mature, well settled and, over all, with a more creative skills. Far away are the days when alcohol and drugs almost destroyed, not only his personal life but also and by extension, his promising career. Today, Mike enjoys a calm life and devotes his time to music and his family, which is reflected in the new album title, where he has left the most aggressive rock-blues to explore the roots of traditional blues and Americana music with conviction and the passion of a man who enjoys what he is doing and still has much to give. Despite the apparent simplicity of the new repertoire, the album has been built on solid foundations that show good taste, experience and knowledge. The contribution of the musicians who back him is more than remarkable and add a favourable stamp to the album final result. These musicians are Lewis Stephens on piano, Fender Rhodes, B3 and Wurlitzer, Terry Dry on bass, Matthew Johnson on drums and the special collaboration of Bernard Allison on guitar in the song "Mama Don't Like Not Wah Wah" remembering Koko Taylor, who did not want her band guitar players used pedals or other effects as Bernard liked to do. GREAT.

Travellin’ Brothers “13 th Avenue South”. Magnolia 2018.
Quince años en la carretera, ocho discos y mas de mil conciertos hasta el día de hoy avalan a los Travellin’ Brothers, una banda que proviene del norte de España, como un grupo que ha trascendido nuestras fronteras alcanzando un enorme reconocimiento internacional. Para celebrar este hito publican un nuevo álbum grabado y producido por Brad Jones en los estudios Alex The Great Recording en Nashville. El disco contiene nueve canciones originales que continúan el estilo de sus anteriores trabajos más una versión de un tema de Robert Johnson, “Last Fair Deal Going Down”. La grabación se realizó en vivo, tocando todos los músicos a la vez para, de este modo, capturar sin trampa ni cartón el poderoso, vibrante y brillante sonido que la banda ofrece en sus actuaciones en directo. Los Travellin’ cuentan también con la colaboración del guitarrista Alex Schultz, el cantante Earl Thomas y el propio Brad Jones a la armónica, mas una sección de metales, acordeón y voces a cargo de músicos de la zona de Nashville que dan empaque a este excelente trabajo. Una vez mas los Travellin’ Brothers han conseguido un enorme grado de madurez sonora que les hace triunfar por donde quiera que vayan, dejando en la audiencia una huella imborrable en todos los espectadores que acuden a sus conciertos, que son siempre una auténtica fiesta de la que estos buenos músicos nos hacen participes. MUY BUENO. Fifteen years on the road, eight albums and more than a thousand shows till now confirm The Travellin' Brothers, a northern Spain band, as a group which has already overcome our country borders to reach a huge international recognition. To celebrate it, they publish a new album, recorded and produced by Brad Jones at the Alex The Great Recording studios in Nashville. The cd gathers nine original songs that follow the path of their previous ones, plus a version of a Robert Johnson’s song, "Last Fair Deal Going Down". The recording was done live, playing all musicians at the same time to, in this way, capture the powerful, bright and vibrant sound the band communicate in their live performances. They have also counted with the collaboration of guitar player Alex Schultz, singer Earl Thomas and Brad Jones on harmonica, together with a horn section, accordion and backing vocals performed by Nashville local musicians, who contribute to enhance and round up this excellent work. Once again The Travellin' Brothers get a mature sound which makes them have a big success wherever they go, amazing the most varied audiences which crowd their shows, which always end in a joyful party, these good musicians share with us. GREAT.

Duke Robillard And His Dames Of Rhythm “Duke Robillard And His Dames Of Rhythm” M.C. Records / Karonte 2018.
Con esta nueva entrega Duke Robillard ha hecho realidad uno de sus mas ansiados proyectos, poder grabar un disco presentando algunas voces femeninas, en una selección de canciones de los años veinte y treinta donde el swing está presente en todo momento, acompañadas por él mismo a la guitarra acústica, una sencilla y maravillosa sección de vientos que suenan de maravilla y una sección rítmica sólida y competente. Todos ellos dignifican y engrandecen un repertorio elegante y muy bien seleccionado. Para escoger las canciones que se incluyen en el álbum Robillard se sumergió de lleno en el ‘American songbook’ y en las viejas melodías del Tin Pan Alley,  buscando como un avispado detective canciones que no fueran excesivamente conocidas ni muy populares, pero que comunicaran swing y pudieran ser fácilmente blueseadas. Las damas escogidas para poner todo su arte en este álbum han sido Catherine Russell, Elizabeth McGovern, Kelley Hunt, Madeleine Peyroux, Maria Muldaur y Sunny Crownover. Un disco elegante, melodioso y muy entrañable del que difícilmente uno puede prescindir. BUENISIMO. With this new release Duke Robillard has made true one of his most ambitious projects, to record an album featuring some female voices in a selection of songs coming from the 20’s and 30’s, where swing can be found in every single note, backed by Duke’s himself on acoustic guitar, a simple but wonderful horn section with a superb sound and a solid able rhythm section. All of them dignify and magnify an elegant well selected repertoire. To find the songs that have been included in the album Robillard dived into the 'American songbook' and the old Tin Pan Alley melodies, looking for songs that were not popular or well known ones but that could communicate a good dose of swing and a bluesy atmosphere. The ladies chosen to give their singing art to this album are Catherine Russell, Elizabeth McGovern, Kelley Hunt, Madeleine Peyroux, Maria Muldaur and Sunny Crownover. This is a tasteful, melodic and lovely recording you can hardly ignore. GREAT.

Marie Knight “The Gospel Truth Live”. M.C. Records / Karonte 2018.
Con el fallecimiento de Marie Knight en el año 2009 desapareció una de las últimas grandes voces del gospel tradicional. Afortunadamente Mark Carpentieri de la compañía M.C. Records ha recuperado, en una grabación inédita, uno de sus últimos conciertos realizado en un festival de gospel en Massachusetts. A pesar de que contaba con ochenta y siete años cuando se realizo este concierto y su voz no tenía aquella frescura que antaño cautivaba a las masas, su voz todavía sonaba con la fuerza y la expresividad suficientes como para emocionar a todo el público asistente. Después de una pequeña introducción, Marie desgrana diecinueve canciones, algunas de ellas del Reverendo Gary Davis, Sister Rosetta Tharpe o Anna Warner entre otros y, entre canción y canción, nuestra diva va intercalando un discurso hablado, a modo de sermón, unas veces en tono humorístico y otras lleno de seriedad e incluso dolor. Marie Knight está acompañada únicamente por el pianista Dave Keyes, quien se canta también el tema tradicional “Closer Walk With Thee”. Dave Keyes proporciona la energía suficiente para que la mágica voz de nuestra estrella aparezca con la suficiente fuerza, poder y convicción para que todo el público caiga rendido a sus pies. MUY BUENO. With the passing of Marie Knight in year 2009, we lost one of the last greatest voices of the gospel tradition. Fortunately Mark Carpentieri of M.C. Records has taken back a new recording with one of her last shows she performed in a gospel festival in Massachusetts. Despite she was eighty-seven years old and her voice was not so cool as the one once captivated huge audiences, she still sounded with force and expressiveness enough to impress and move the whole audience. After a brief introduction, Marie gives us nineteen songs, some of them coming from Reverend Gary Davis, Sister Rosetta Tharpe or Anna Warner among others. Between song and song, our diva did a spoken speech, in a path of a short sermon, sometimes in s humoristic tone and other times full of a serious or even painful message. Marie Knight is only backed by piano player Dave Keyes, who also sings the traditional song "Closer Walk With Thee". He provides energy enough to make Marie’s magic voice appear with the energy, power and conviction to captivate the audience who respectfully listen to her. VERY GOOD. 

Sr. Blues “Del Guadalssissippi”. Self Production 2018.
Andalucía ha sido siempre cuna y crisol de grandes músicos españoles de blues. Nuevas formaciones se dan la mano con nombres legendarios como Mingo Balaguer, Lolo Ortega, Quique Bonal, Lito Blues Band, La Blues Band de Granada… Este es el caso del Sr. Blues, una formación que incluye a Antonio Osuna a la guitarra y voz, Cristóbal Oteros “Pobas” a la armónica, Rafael Lara “Popez” al bajo y voces y Santiago Rodríguez a la batería. La banda se presenta con este trabajo que contiene cinco temas propios y tres versiones, entre ellas el clásico instrumental tejano “Hideaway”. Las canciones están cantadas siempre en castellano, lo que da originalidad y un aire diferente a estas grabaciones. Es encomiable la perseverancia y el esfuerzo, a veces poco reconocido, de estas nuevas formaciones por mantener vivo el blues mas ortodoxo, añadiendo sin embargo un sello propio a sus canciones para, de este modo, hacerse un hueco y aportar savia nueva al panorama del blues español. Larga vida a Sr. Blues para hacernos disfrutar con su festivo y cálido blues andaluz. BUENO. Andalucia has always given a good number of blues musicians to the Spanish scene. New bands go together with legendary names like Mingo Balaguer, Lolo Ortega, Quique Bonal, Lito Blues Band, La Blues Band de Granada… This is the case of Mr. Blues, a group that includes Antonio Osuna on guitar and vocals, Cristóbal Oteros "Pobas" on harmonica, Rafael Lara "Popez" on bass and vocals and Santiago Rodríguez on drums. The band comes with a new recording with five original songs and three versions, also including the classic Texas instrumental blues "Hideaway". The songs are sung in Spanish, which gives originality and a different air to the whole recording. It is praiseworthy the persistence and determination, sometimes not well recognized, of these new bands to keep alive genuine and real blues, adding their personal stamp to their songs to, in this way, reach a `place and bring new blood to the Spanish blues scene. Long life to Mr. Blues, to make us enjoy with their joyful atmosphere and warm Andalucia coming blues. GOOD.

John Clifton “Nightlife”. RipCat / Frank Roszak 2018.
El cantante, armonicista y ocasional guitarrista John Clifton y su banda preservan el auténtico sonido vintage del blues, el soul y el rock ‘n’ roll de los años cincuenta y sesenta. La banda se entrega a fondo en desarrollar e interpretar la música que más les gusta, además de montar un vistoso y atractivo espectáculo en el escenario, lo que hace que de inmediato el público conecte con ellos. Este álbum que ahora publican sigue las mismas directrices de cuanto acabamos de mencionar y es fácil cerciorarse de ello desde la primera vez que se escucha. El disco contiene doce temas de los que cinco son composiciones del propio John Clifton. En todas ellas Clifton nos demuestra su habilidad para interpretar los blues, así como su amplia gama de recursos vocales y su depurada y versátil manera de soplar la armónica, siempre con muy gusto, elegancia y buena técnica. John se encuentra bien secundado por Scott Abeyta a la guitarra, Bartek Szopinski al piano, Matt Moulton al bajo y John Shafer y Román Rivera a la batería. Si te gusta el clasicismo de los dorados años cincuenta y sesenta, interpretado con alma, inspiración y contenido, entonces este es un álbum que no debe faltar en tu colección. BUENISIMO. Together with his band, singer, harmonica and occasional guitar player John Clifton preserve the most genuine 50’s and 60’s blues, soul and rock & roll vintage sound. All musicians give their best to develop and perform the music they most like, besides doing an entertaining stage show that immediately connect with the most varied audiences. This album follows the same line of what I have just mentioned, something that can be easily realized from the first time you listen to it. The recording gathers twelve songs, five of them John Clifton’s original compositions. In every track Clifton shows his skills on blues, as well as his wide range of vocal resources and the fine versatile way to blow harp, he does it with a tasteful elegance and good technique. And if all that was not enough, John is perfectly supported by Scott Abeyta on guitar, Bartek Szopinski on piano, Matt Moulton on bass and John Shafer and Roman Rivera on drums. In short words, if you like the great tradition of the golden 50’s and 60’s, played with deep passion, inspiration and much content, then this is an album that should not miss in your record collection. GREAT.

Willie Jackson “Chosen By The Blues” Self Production / Frank Roszak 2018.
Wlliie Jackson era un prolífico artista de gospel con una prometedora carrera cuando un desgraciado accidente truncó sus expectativas. Eso le hizo dedicarse mas intensamente a componer, aprender a tocar el bajo y seguir cantando. Ahora nos presenta un EP con seis canciones originales que combinan elementos del blues tradicional con letras que hablan de los avatares de la vida. Willie se suele acompañar de una banda de tres o cuatro músicos que contribuyen con su buen hacer y su solvencia a dar empaque y sobriedad a la grave y profunda voz de este cantante y, por supuesto, a un repertorio cuyas directrices mas destacables, como ya he comentado al principio de estas líneas, son el blues en su línea mas tradicional sin ningún tipo de fisuras. Desde aquí agradecemos que Willie mantenga viva la llama del blues en su Florida natal y en especial en la zona de Savannah. Willie Jackson a la voz, está acompañado por Dillon Young a la guitarra, Ace Andersson a la armónica, Jon Willis al bajo y Paxton Eugene a la batería. MUY BUENO. Willie Jackson was a prolific gospel musician with a promising career when an unfortunate accident ended his expectations. Since that moment he devoted himself to song writing, learn to play bass and continue to sing. Now he presents an EP including six original songs that combine elements of traditional blues with lyrics that talk about the ups and downs of life. Willie is usually backed by a three or four musicians band who, with their good work, contribute to give credit to Willie’s low tone deep voice, on a repertoire whose most notable guideline as previously mentioned, is traditional solid blues. From these lines I feel grateful Willie keeps alive the flame of blues in his native Florida and especially in Savannah area. The musicians who support Willie Jackson’s voice are Dillon Young on guitar, Ace Andersson on harmonica, Jon Willis on bass and Paxton Eugene on drums. VERY GOOD.

Little Boys Blue “Hard Blue Space”. Vizztone 2018.
Cuando dos buenos músicos como son el guitarrista John Holiday (conocido como Kid Memphis), quien interpretó el papel de Carl Perkins en la película “Walk The Line” y el armonicista y cantante JD Taylor unen sus fuerzas para grabar un álbum, el resultado no puede ser otro que un disco más que interesante. Si a ellos se les unen los guitarras Alex Taylor, Andrew White, Brad Webb y Wes Henley, los bajistas Dave Mallard y James Buster Cherry, el pianista Dave Thomas y el batería Mark Brooks, uno puede imaginarse que va a disfrutar de lo lindo escuchando estos diez temas que se incluyen en el disco, un trabajo excepcional que va a dejar atónito al personal por la frescura y la pasión con que abordan estos blues, todos ellos compuestos por el propio cantante y armonicista JD Taylor. Enhorabuena a la compañía Vizztone por apostar por los Little Boys Blue, que saben y conocen bien lo que se llevan entre manos, cocinando unos platos jugosos, refrescantes y condimentados con el mejor blues que se interpreta hoy en día. BUENISIMO. When two good musicians such as guitar player John Holiday (aka Kid Memphis), who played the role of Carl Perkins in the movie "Walk The Line" and harmonica player and singer JD Taylor join forces to release an album, the result can be nothing more that a really interesting album. And if they are joined by guitar players Alex Taylor, Andrew White, Brad Webb and Wes Henley, bass players Dave Mallard and James Buster Cherry, piano player Dave Thomas and drummer Mark Brooks, one can easily imagine he will totally enjoy listening to the ten songs which have been included in the recording, an outstanding work that will stun listeners by the cool fresh air and passion how they approach these blues, all them JD Taylor’s own compositions. Congratulations to Vizztone for betting on Little Boys Blue, a band which really knows what they are doing to cook some juicy, refreshing well seasoned dishes with the best blues that can be found nowadays. GREAT.

Too Slim And The Taildraggers “High Desert Heat”. Vizztone 2018.
En los últimos tiempos Tim “Too Slim” Langford y su grupo The Taildraggers han adquirido una gran notoriedad por sus explosivas actuaciones en vivo que atraen a una gran legión de seguidores. Ahora nos presentan su último trabajo en el que se incluyen nueve temas propios mas la versión del clásico de los Chambers Brothers titulada “Time Has Come Today”, tema con el que abren el disco a modo de potente aperitivo de lo que va a venir a continuación. Too Slim es, no sólo un buen y capacitado compositor sino también un maestro de la guitarra slide, técnica con la que en más de una ocasión recorre el mástil de su guitarra cual entusiasta maestro lo haría ante sus alumnos. Este es su séptimo trabajo discográfico con el que nos permite apreciar las múltiples posibilidades de este músico, tanto cuando transita por los caminos del rock mas agresivo, como cuando se adentra en el rockin’ boogie o en el blues más tradicional. Junto a la guitarra y la voz de Too Slim Langford se encuentran Jeff ‘Shakey’ Fowlkes a la batería y voces y Zach Kasik al bajo y voces, mas la colaboración especial de Sheldon “Bent Reed” Ziro a la armónica. MUY BUENO. In recent times Tim "Too Slim" Langford and his group The Taildraggers have got a name for their explosive live performances that attract a large number of followers. Now they come with their last release, which includes nine original songs and a version a classic song coming from The Chambers Brothers "Time Has Come Today" that opens the album as a powerful appetizer of what will come next. Not only Too Slim is a good able composer but he also is a master of the slide guitar. a technique he employs quite often sliding the bottleneck over the guitar strings like an enthusiastic teacher would do in front of their students. This is their seventh album which lets us enjoy and appreciate the wide possibilities of this musician and his band, both when they walk along the paths of the most aggressive rock,as well as when he goes along the winding roads of rockin' boogie or into a more traditional blues. Together with Too Slim Langford’s guitar and vocals, you will find Jeff “Shakey” Fowlkes on drums and vocals and Zach Kasik on bass and vocals, plus the special collaboration of Sheldon "Bent Reed" Ziro on harmonica. VERY GOOD.

Crystal Shawanda “Voodoo Woman”. New Sun / Sarah French 2018.
Después de trabajar duro realizando cientos de conciertos, grabando diferentes discos y consiguiendo una fiel audiencia, Crystal Shawanda ha encontrado su sitio en el competitivo mundo de la industria musical. Proveniente de un entorno aborigen, Crystal se ha sentido en ocasiones marginada en este mundo, pero su tenacidad y sus increíbles recursos vocales han hecho que experimentara una auténtica catarsis que la ha hecho brillar a gran altura. Este nuevo disco que acaba de publicarse nos muestra las inmensas posibilidades y recursos vocales de esta mujer que posee una enorme riqueza y poderío vocal pero que a la vez está dotada de un tremendo encanto y gran expresividad. El repertorio escogido se compone de versiones de conocidos standars del blues que, en muchos casos, han sido interpretados por mujeres como pueden ser “Ball And Chain” de Big Mama Thornton, “Voodoo Woman” de Koko Taylor o “Hound Dog” de Leiber & Stoller, pero también “Wang Dang Doodle” de Willie Dixon, junto a un par de temas propios. Si os gustan las emociones fuertes que se encuentran en la voz, la energía, la vitalidad y la fuerza desatada de la naturaleza que Crystal posee, entonces has encontrado tu disco. MUY BUENO. After working hard playing hundreds of shows, recording various albums and getting a faithful audience, Crystal Shawanda has already got her place in the competitive music industry world. With an aboriginal cultural background, sometimes Crystal felt like an outsider in our world, but her persistence and incredible vocal resources have made her to experience a real catharsis that makes her shine at a very high level. This just released new album shows the endless possibilities and vocal resources Crystal gathers, together with an incredible rich vocal power with a terrific charm and expressiveness. The chosen repertoire includes versions of well known blues standards that, in some cases, have become popular performed by women like “Ball And Chain” by Big Mama Thornton, "Voodoo Woman" by Koko Taylor or Leiber and Stoller’s song "Hound Dog" but also "Wang Dang Doodle" by Willie Dixon, together with a couple Crystal’s own songs. If you like strong emotions you will find in the voice, the vital energy and the unleashed force of nature this woman gives in every song she plays, then this is your album, do not miss it!!. GREAT.

Memphis Minnie “Killer Diller Blues”. Wolf Records 2018.
Una de las grandes referencias del blues rural de preguerra fue sin duda la excepcional Memphis Minnie. Cantante y guitarrista de enorme talento, fuerza y sensibilidad, esta mujer nos dejó un legado musical inigualable. Memphis Minnie tocó y grabó en solitario, así como acompañando o siendo acompañada de algunos de los referentes históricos de este estilo de blues rural de los años treinta y cuarenta. Algunos de estos músicos fueron los guitarristas y cantantes Casey Bill Weldon, Little Son Joe o Kansas Joe McCoy o los pianistas Black Bob, Little Brother Montgomery o Sunnyland Slim entre muchos otros. No nos cansaremos nunca de alabar la encomiable labor de Hannes Folterbauer, propietario y director de la compañía austriaca Wolf Records, en recuperar viejas e históricas grabaciones de legendarios artistas de blues, como es el caso de estas veinticuatro canciones de Memphis Minnie que cubren el período que va desde 1929 hasta 1953 y que nos permiten disfrutar y deleitarnos con el arte con el que esta artista supo expresar la alegría, el dolor, la felicidad, la desdicha o las vicisitudes que Memphis Minnie pasó a lo largo de su vida. Es un deber y una obligación que esta pequeña joya tenga un lugar en tu colección. IMPRESCINDIBLE. Undoubtedly one of the major references of pre-war rural blues was the superb Memphis Minnie. Singer and guitar player of enormous talent, strength and sensitivity, this woman gave us an unmatched musical legacy. She played and recorded solo, but she also backed or was supported by some of the greatest historical 30’s and 40’s rural blues artists. Some of them were guitar players and singers Casey Bill Weldon, Little Son Joe or Kansas Joe McCoy or piano players Black Bob, Little Brother Montgomery or Sunnyland Slim to mention only a few of them. I will never be tired to praise the impressive work of Hannes Folterbauer, owner of Austrian label Wolf Records, to preserve and take back old historical recordings by legendary blues artists, as is the case of these twenty-four songs coming from Memphis Minnie that cover the period that runs from 1929 to 1953 and, in this way, allow blues lovers to enjoy and delight with the musical art this woman gave in her songs to express feelings like joy, pain, happiness, misery or the different problems she suffered during her life. It is your duty and your responsibility to find a place of this small treasure in your record collection. ESSENTIAL.

Michael Kaeshammer “Something New”. Linus Entertainmen 2018.
Para quienes no conozcan al cantante, pianista, compositor y productor Michael Kaeshammer este álbum será todo un hallazgo y, para aquellos que ya lo conozcan, vendrá a confirmar la inigualable calidad de este artista. Rodeado de un impresionante elenco de músicos entre los que destacan Cyril Neville, George Porter Jr., Johnny Vidacovich, Mike Dillon, David Piltch o The New Orleans Nightcrawlers Brass Band, además de unos invitados de lujo como Colin James, Curtis Salgado, Amos Garrett o Chuck Leavall entre otros, Michael nos presenta un álbum en el que el blues, el jazz y el boogie woogie y se combinan con enorme acierto y esmerada elegancia a lo largo de once buenas composiciones que, sin duda, cumplirán con las expectativas de un amplio sector del público consumidor de buena música ya que, no sólo poseen una intrínseca calidad, sino que también traspasan las fronteras del género para adentrarse por caminos de una belleza musical digna de respeto y admiración. MUY BUENO. For those who do not yet know singer, piano player, composer and producer Michael Kaeshammer, this album will be a real lucky discovery and, for those who already know him, it will confirm his undeniable quality. Surrounded by an impressive cast of musicians that includes names like Cyril Neville, George Porter Jr., Johnny Vidacovich, Mike Dillon, David Piltch and The New Orleans Nightcrawlers Brass Band, as well as a deluxe guests such as Colin James, Curtis Salgado, Garrett Amos or Chuck Leavall among others, Michael comes with an album where blues, jazz and boogie woogie combine with a clever and careful elegance along eleven good compositions that undoubtedly will satisfy the expectations of a broad audience looking for good music. Not only do they gather a natural quality, but also the band cross the borders of the specific genre they `play to go deep into beautiful musical ways that deserve respect and admiration. VERY GOOD.

Bridget Kelly Band “Bone Rattler”. Alpha Sun Records 2018 (2 CD’s).
Inspirados en el clásico blues electrificado de Texas y Memphis junto a la tradición del blues sureño, además de algunos detalles de duro y atenazante rock-blues, The Bridget Kelly Band conquistan el corazón del público tanto en sus shows en directo como con unos discos llenos de  desbordante y atractiva energía. Para ello cuentan con la sugerente voz de la cantante Bridget Kelly, la explosiva guitarra y voz en algún que otro tema de Tim Fik y la engrasada y bien conjuntada sección rítmica formada por Mark Armbrecht al bajo y Alex Klausner a la batería. El grupo construye un sonido musculoso y contundente en el que la vocalista Bridget Kelly se asienta con fuerza y seguridad, moviéndose con enorme solvencia a lo largo de unas composiciones llenas de intención, poderío y buen gusto. Ahora Bridget Kelly y su banda nos presentan un trabajo ambicioso formado por dos cds. El primero de ellos contiene trece canciones y el segundo nueve, lo que da un total de veintiún temas, donde muestran al oyente toda la energía, el sabor y lo mucho que esta interesante banda es capaz de ofrecer al oyente para hacerle disfrutar con su enorme fuerza expresiva. MUY BUENO. Inspired by classic Texas and Memphis electrified blues as well as by the southern blues tradition, without forgetting some details of hard gripping rock-blues, The Bridget Kelly Band conquer the heart of all listeners both in their live shows or in their recordings, always full of an overflowing attractive energy. To do so, they count with the suggestive voice of singer Bridget Kelly, the explosive guitar and occasional voice in some cuts of Tim Fik and the greasy well teamed rhythm section with Mark Armbrecht on bass and Alex Klausner on drums. The group builds a muscular fierce sound, where singer Bridget Kelly walks with an amazing self assurance, moving with credit along a bunch of powerful really tasteful compositions. Now Bridget Kelly and her band come back with an ambitious recording that includes two CDs, the first one with thirteen songs and the second one with nine more, which gives a total of twenty-one songs, which clearly show all listeners the energy, good taste and how many good things this interesting band is able to offer to different audiences to make them enjoy with the huge expressive force they always communicate. VERY GOOD.

Willie May “New County Blues”. Self Production 2018.
Este es el disco número diecinueve que publica el cantante y guitarrista Willie May. En esta ocasión el álbum presenta una recopilación de canciones nuevas junto a otras ya publicadas en anteriores trabajos, todas ellas especialmente dedicadas a los amantes del blues con influencias de la música country y la conocida como ‘americana’. A lo largo de los diez temas que dan forma a este álbum, Willie May nos invita a un sugestivo viaje, atravesando paisajes musicales sembrados de honky-tonk blues, rockin’ blues, country santificado o Louisiana bayou ritmos, de un modo que solamente Willie sabe presentar y aderezar con su brillante paleta de colores y matices muy especiales. Toda la frescura de su música queda reflejada en este trabajo, gracias también al acompañamiento de unos músicos que dominan instrumentos como la guitarra, el pedal steel, el contrabajo, el acordeón, el banjo, el dobro, la armónica, el violín, la viola o la batería. Un disco amable, de fácil y agradable escucha que nos transporta al corazón de la música auténticamente americana. MUY BUENO. This is the release number nineteen coming from singer and guitar player Willie May. This time the album is a compilation of new songs together with other previously released material, all of them especially devoted to those people who love blues with deep influences of country and Americana music. Along the ten songs that give shape to this new album, Willie May invites us to a suggestive journey, crossing musical landscapes garnished with honky-tonk blues, rockin' blues, sanctified country or Louisiana bayou rhythms, in a way only Willie knows how to display, beautifully seasoned with his bright palette of colours and very special nuances. All the fresh air that comes in his music is perfectly reflected in this work, with the valuable collaboration of some able musicians performing instruments like such guitar, pedal steel pedal, double bass, accordion, banjo, dobro, harmonica, violin, viola or drums. This is a friendly, easygoing, pleasant record that drives us to the heart of the most genuine American music. GREAT.

Sean Poluk “No More Hate”. Self Production 2018.
Sean Poluk es un músico muy interesado en la investigación para, de este modo, dar una nueva dimensión al blues. En esta ocasión se ha trasladado a España para grabar éste disco en el que se ha rodeado de músicos españoles, venezolanos y de su propio país, Canadá. Aunque la base de sus canciones se encuentra en el blues, cada músico aporta su propia experiencia para de esta forma crear algo nuevo y diferente a lo que el aficionado está acostumbrado a escuchar. El álbum recoge doce canciones en las que, además de la voz y la guitarra resonator de Sean Poluk, se encuentran David Moreira al violín y la viola, Daniel “Melón” Jiménez a la guitarra española, Osi Martínez a la armónica, Edith Salazar a los teclados, José Vicente Muñoz al bajo y contrabajo, David De La Fuente batería y percusión y las voces de Edith Salazar y David De La Fuente. Un disco intimista, onírico, bucólico y misterioso, eso si, para paladares atrevidos y exigentes que quieran ir mas allá de lo que habitualmente tenemos la oportunidad de escuchar. MUY BUENO. Sean Poluk is a musician deeply interested in musical research and, in this way, be able to give a new dimension to the blues. This time he has travelled to Spain to record this album, where he has been surrounded by some Spanish, Venezuelans musicians, as well as some ones coming from his own country, Canada. Although the basis of the songs can be found in the blues, each musician contributes with his own experience to create something new and different from what blues lovers are used to listen to. The album includes twelve songs where, besides Sean Poluk on vocals and acoustic resonator guitar, you will also find David Moreira on violin and viola, Daniel "Melón" Jiménez on Spanish guitar, Osi Martínez on harmonica, Edith Salazar on keyboards, José Vicente Muñoz on bass and double bass, David De La Fuente on drums and percussion and the backing voices of Edith Salazar and David De La Fuente. This is an intimate dreamlike, bucolic and mysterious album, specially devoted to daring and demanding palates who want to go beyond what we normally have the opportunity to listen to, VERY GOOD.

Blind Lemon Pledge “Evangeline”. Ofeh Records / Blind Raccoon 2018.
Desde la bella ciudad de San Francisco el cantante, compositor, productor y multi-instrumentista Blind Lemon Ledge nos hace partícipes de una de sus facetas como artista en solitario, interpretando todos los instrumentos y dando a su música un mensaje y un toque intimista que quiere compartir con todos los oyentes que se acerquen a escuchar su último trabajo. Sin embargo Blind Lemon Pledge es un músico sumamente ecléctico, capaz de traspasar todos los límites y dispuesto a sorprendernos, tanto tocando bien en solitario o bien con banda,  como moviéndose y transitando a sus anchas por estilos como las baladas, los sonidos de New Orleans, el house rockin’ blues, el jump jive de los cincuenta, el jazz o hasta incluso la salsa. Con este nuevo álbum en solitario Blind Lemon Pledge nos descubre su amplitud de miras y sus muchas facetas, en unas grabaciones sorprendentes e inspiradas que muestran a las claras la imaginación y el buen hacer de un músico prolífico y dotado, que está siempre dispuesto a dar la campanada. MUY BUENO. From the beautiful city of San Francisco, singer, song writer, producer and multi-instrumentalist Blind Lemon Ledge wants to share with us one of his facets as a solo artist, playing all the instruments and giving to his music a message and an intimate touch to delight all music lovers who come to listen to his latest work. However Blind Lemon Pledge is an extremely eclectic musician, able to cross all boundaries and ready to surprise us, both playing solo, with a complete band or comfortably moving along styles like ballads, New Orleans sounds, houserockin' blues, 50’s jump jive, jazz or even salsa. With this new solo album Blind Lemon Pledge makes us discover his wide musical vision and his many facets, along a repertoire with really surprising inspired songs that clearly show the imagination and the good work of a prolific gifted musician, who is always ready to cause a stir. VERY GOOD.

Grand Marquis “Brighter Days”. Grand Marquis Music / Blind Raccoon 2018.
Desde 1998 el grupo Grand Marquis se ha consolidado como una de las formaciones mas destacadas del área de Kansas City. Más de cien conciertos anuales y siete álbumes a sus espaldas avalan la trayectoria de este atractivo grupo con un sonido original y distintivo, cuyo estilo se encuentra a medio camino entre el blues, la American roots music y el jazz tradicional. Con un directo lleno de fuerza y expresividad que bordea incluso lo teatral, la banda consiguió llegar a la final del International Blues Challenge del año 2011 y su anterior trabajo (“Blues And Trouble”) fue uno de los tres primeros clasificados como Mejor Album Autoproducido del año 2013 por la Blues Foundation. Esta nueva entrega se compone de nueve canciones que siguen la línea habitual de esta banda y donde encontramos a Bryan Redmond a la voz y saxos soprano, alto, tenor y barítono, Trevor Turla al trombón y voces, Chad Boydston a la trompeta y voces, Ryan Wurtz a las guitarras, Ben Ruth al contrabajo y voces y Fritz Hutchison a la batería y voces. Como se puede fácilmente deducir esta es una banda donde los juegos, las florituras, los arreglos, las armonías y la vistosidad musical corren a cargo de los metales, unos metales trabajados y exquisitamente dosificados, expuestos con claridad, contundencia y muy buen gusto. MUY BUENO. Since 1998 Grand Marquis band has established as one of the most prominent ones in Kansas City area. More than a hundred concerts per year and seven albums on their back confirm the successful career of this attractive group, gifted with an original distinctive sound, whose style is halfway among blues, American roots music and traditional jazz. With a direct straightforward expressive style, that sometimes is developed in a really theatrical show, the band reached the final of the International Blues Challenge in 2011 and his previous release ("Blues And Trouble") was one of the top three Best Self-Produced Recordings of year 2013 by the Blues Foundation. This new album includes nine songs that follow the band path, with the amazing work of Bryan Redmond on vocals and soprano, alto, tenor and baritone saxophones, Trevor Turla on trombone and vocals, Chad Boydston on trumpet and voices, Ryan Wurtz on guitars, Ben Ruth on double bass and vocals and Fritz Hutchison on drums and vocals. As you can easily imagine, this is a band where arrangements, harmonies, musical word painting and other spectacular games are basically carried out by horns, which display an exquisitely measured work, expressed with clarity, force and very good taste. GREAT.

Eric Corne “Happy Songs For The Apocalypse”. Forty Below / Rick Lusher 2018.
Fundador y presidente de la compañía Forty Below Records, Eric Corne es también muy conocido en sus facetas de productor, ingeniero de sonido y compositor. Eric ha trabajado para artistas como Walter Trout, John Mayall, Edgar Winter, C.J. Chenier, Glen Campbell, Lucinda Williams, Joe Bonamassa, Guitar Shorty o Coco Montoya entre otros. Para este nuevo álbum se ha rodeado de un buen número de músicos y amigos invitados para de este modo formar una banda consistente que respalda con profesionalidad y esmero cada una de las canciones del álbum. En todas ellas Eric Corne confronta con pericia la complejidad social de nuestro tiempo de manera crítica pero a la vez con moderado optimismo, dentro de una fusión musical e irreverente donde predomina el rock, el country, el blues y el folk. Por si todo lo dicho no fuera suficiente, Eric nos muestra también sus dotes como multi-instrumentista, siempre con soltura y mucha confianza en sí mismo pues, además de cantar, toca la guitarra acústica y eléctrica, el bajo, el ukelele, la armónica y la percusión. MUY BUENO. Founder and President of Forty Below Records, Eric Corne is also well known as producer, sound engineer and composer. Among other musicians Eric has worked for artists such as Walter Trout, John Mayall, Edgar Winter, C.J. Chenier, Glen Campbell, Lucinda Williams, Joe Bonamassa, Guitar Shorty or Coco Montoya. For this new album he has chosen to be surrounded by a number of musicians and friends to, in this way, give shape to a solid band which backs him with a professional attitude and commitment, along each one of the album songs. In every tune Eric Corne confronts with a huge experience the complexity of our time social issues in a critical way but, at the same time, with a moderate optimism, in a musical irreverent fusion of rock, country, blues and folk. And If all this was not enough, Eric also shows his skills as multi-instrumentalist on an easy self assured way as, besides singing, he also plays acoustic and electric guitar, bass, ukulele, harmonica and percussion. VERY GOOD.

Tim Lothar “More Stories”. Self Production 2018.
La escena de blues europea está plagada de buenos artistas que, en formato de músicos solistas o dúos, recrean con fidelidad y buen gusto los añejos sonidos del blues del Delta, del Piedmont blues o el blues de los pantanos. Este es el caso de Tim Lothar, un músico nacido en Dinamarca que, después de trabajar durante años como batería, un día decidió dedicarse a tocar la guitarra acústica y a cultivar sus recursos vocales. A partir de aquel momento, sus cualidades musicales empezaron a ser reconocidas, ganando diversos premios en su país y participando en diversos festivales de blues europeos. Este último trabajo presenta quince composiciones propias más la versión del tema tradicional “Goodnight Irene”. Todos ellos se grabaron en directo, de una sola toma, únicamente con la ayuda de dos micrófonos junto a la voz y la guitarra de Lothar. Todas las canciones muestran de forma intimista las vivencias personales de este artista, haciendo patente la madurez y la seguridad con la que este músico aborda un repertorio que deja a las claras que lo único que pretende es mostrar su propio estilo a través de unas composiciones inteligentes y en muchos casos tremendamente poéticas. BUENO. European blues scene presents a variety of good artists who faithfully and tastefully perform those vintage sounds of Delta blues, Piedmont blues or swamp blues. in solo or duo format. This is the case of Tim Lothar, a musician born in Denmark who, after working for years as a drummer, one day decided to devote himself to play acoustic guitar and cultivate his vocal qualities. From that moment, his musical skills began to be recognized, winning several awards in his own country and participating in various European blues festivals. This last work includes fifteen own compositions plus a version of the traditional song "Goodnight Irene". All tracks were recorded live in one take, only with two microphones and Lothar’s voice and guitar. All the songs show Tim’s personal experiences in an intimate way, to give evidence about the maturity and self assurance how this musician approaches a repertoire that makes clear his aim is to show his personal style through a clever and, in many cases, extremely poetical compositions. GOOD.

Artur Menezes “Keep Pushing”. Self Production / Frank Roszak 2018.
En Brasil, su país natal, Artur Menezes es toda una institución. Activista del blues, Artur ha dado clases de esta música, ha sido cofundador de la sociedad Casa De Blues, también ha realizado conferencias y ha participado en la organización de conciertos y festivales de blues. Además ha viajado en diversas ocasiones a Chicago donde ha tocado con grandes maestros del blues los cuales le han aportado un gran conocimiento y experiencia. En la actualidad Menezes reside la mayor parte del tiempo en Los Angeles donde ha publicado este nuevo trabajo. Artur interpreta blues tradicional con una depurada técnica y un enorme respeto, al tiempo que también se decanta a veces por un estilo de blues más moderno y contemporáneo donde los fraseos de guitarra se hacen demoledores gracias al uso de pedales y otros recursos que domina con habilidad. En todas estas facetas Menezes muestra sus buenas dotes como cantante y guitarrista que le han hecho merecedor del premio Gibson / Albert King Award. El blues cálido e intenso de Brasil se enorgullece de tener a un músico con estas cualidades y características. MUY BUENO. In Brazil, his native country, Artur Menezes has already become an institution. Blues activist, Artur has taught music classes, has been co-founder of the blues society Casa de Blues, he has also given lectures and has helped in the organization of blues concerts and festivals. Besides, he has travelled several times to Chicago where he has played with great blues masters, which have given him a wide blues knowledge and experience. Now Menezes lives most of the time in Los Angeles where he has released this last work. Artur performs traditional blues with a fine technique and respect but, sometimes, he also gives us some modern and contemporary blues, where his guitar playing is totally crushing, thanks to the use of pedals and other devices he controls with an amazing skill. In all these facets Menezes shows his good technique as a singer and guitar player which made him be honoured with the Gibson/Albert King Award. The warm and intense Brazilian blues can feel proud to have a musician like him. GREAT.

Ryan Lamb “Magic”. Self Production 2018.
No es corriente encontrar un disco de blues totalmente instrumental en el que sólo fig
uren guitarra y batería. De esta rareza se encargan el versátil guitarrista Ryan Lamb y el batería Mike Thorne, con la colaboración del padre de Ryan, el reputado armonicista Paul Lamb, en algunos pequeños pasajes. A lo largo de las nueve canciones que se incluyen asistimos a un recital de guitarra en el que predominan los solos bien trabajados, cultivados todos ellos con oficio y buen hacer. Lamb se caracteriza por poseer una sonoridad y un fraseo limpio y cristalino, gracias al profundo conocimiento y estudio del género que posee, probablemente ello se debe a haber crecido escuchando los diversos estilos de blues tanto de Texas, como de Chicago y California. En Ryan Lamb se nota la impronta que han dejado en su vida músicos como Clarence “Gatemouth” Brown, Albert Collins, T-Bone Walker, Pee Wee Crayton, Otis Rush, Magic Sam, Luther Johnson, Eddie Clearwater, B.B. King, Freddie King, Albert King y tantos otros. Con estas nueva canciones, nuestro hombre refleja su gusto por un elenco de grandes nombres del blues, pero con la inmejorable particularidad de que todos los temas llevan su propia firma, lo que confieren un valor añadido a estas nueve canciones originales. GREAT. It is rather unusual to find a totally instrumental blues album, only performed with guitar and drums. The two responsibles of this rarity are versatile guitar player Ryan Lamb and drummer Mike Thorne, with the collaboration of Ryan’s father, well known and reputed harmonica player Paul Lamb, in some small passages. Along the nine album songs you will be able to discover a guitar virtuoso performer, with a good number of well displayed solos, presented with an extreme knowledge and taste. Lamb has developed a clean crystal sound and phrasing, thanks to his deep blues knowledge and the long days of study that probably come from the time he grew up listening to different blues styles, from Texas to Chicago or California blues. You will immediately discover in Ryan’s music the influences of artists like Clarence "Gatemouth" Brown, Albert Collins, T-Bone Walker, Pee Wee Crayton, Otis Rush, Magic Sam, Luther Johnson, Eddie Clearwater, B.B. King, Freddie King, Albert King and many others. With these new songs, he shows his tastes for a cast of big blues names, with the special feature all tracks are Ryan’s own compositions, which gives an additional value to these nine original songs. GREAT.

Keeshea Pratt Band “Believe”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Afortunadamente todavía quedan formaciones que se dedican en cuerpo y alma a recrear el auténtico sonido Motown, pero confiriéndole un aire nuevo y renovado. Este es el caso de Keeshea Pratt Band, un grupo de ocho músicos que ejecutan y abordan con pericia, buen gusto y precisión, no solamente el mencionado sonido Motown, sino que también realizan incursiones en el blues, el soul, el gospel y el rock, estilos que en sus manos suenan con una increíble fuerza y contundencia, además de con enorme convicción y acierto. En los doce temas que dan forma a este disco la siempre sugestiva voz de Keeshea Pratt emerge con una potencia inusitada y desgarradora, perfectamente respaldada por una banda de excelentes músicos que brillan a gran altura y todo ello bien ensamblado por una sección de vientos  increíblemente bien empastada que da vida y motivación al resto de los músicos, entre los que merecen una mención especial la elegancia de las guitarras de Kid Andersen  y Brian Sowell, junto al contundente y preciso bajo de Shawn Alley quien además se encarga de componer todos los temas además de correr con la dirección musical. BUENISIMO. Fortunately one can still find bands which are devoted to develop the genuine Motown sound, but that also give to that music a new renewed air. This is the case of Keeshea Pratt Band, a group of eight musicians who approach and precisely display with experience and good taste, not only the already mentioned Motown sound, but that also move easily into blues, soul, gospel and rock, styles that in their hands sound with an incredible strength and energy, as they are played with an enormous and clever conviction. Along the twelve album songs, the suggestive voice of Keeshea Pratt appears with an unusual heartbreaking power, perfectly supported by the excellent high quality band musicians, with a special mention to an incredibly well teamed horn section that give life and inspiration to the rest of musicians, where you will enjoy with the elegance of Kid Andersen and Brian Sowell guitar playing, together with the precise and powerful Shawn Alley’s bass, who is also responsible of song writing and musical direction. GREAT.

Willie Mabon & Jean-Paul Amouroux “Boogie For 2 Pianos Vol.1”. Swing Land.
A principios de los años setenta Memphis Slim era ya bien conocido en la escena de blues en Francia y, en especial, en Paris. Eso le permitió poder presentar a un pianista que, por aquel entonces todavía no era muy conocido por los circuitos habituales del blues pero que, sin embargo, pronto se convirtió en un artista muy apreciado por los aficionados al blues franceses. Se trataba de Willie Mabon, un cantante, armonicista y pianista proveniente de los círculos del blues de Chicago. En 1979 se organizaron un par de conciertos en Paris presentando a los pianistas Willie Mabon y Jean-Paul Amouroux frente a frente en el escenario en dos pianos y con el único acompañamiento de Gilles Chevaucherie al contrabajo. Se cuenta que aquella sesión fue inolvidable, algo que quienes lo vivieron todavía lo tienen presente y lo recuerdan con una emoción muy especial. Aunque el sonido no es todo lo perfecto que nos gustaría y no refleja lo que fueron aquellos dos memorables conciertos, una selección de lo que ocurrió aquellas dos noches se conservan en este álbum titulado “Boogie For 2 Pianos” en el que la eterna y vigorosa magia del blues y del boogie woogie nos atrapan con inusitada fuerza desde las primeras notas del disco. MUY BUENO. At the beginning of the 70’s Memphis Slim was well known in France blues scene and especially in Paris area. That allowed him to introduce a new piano player who, at that time, was not very popular in regular blues scene but that soon became a really appreciated artist by French blues fans. He was Willie Mabon, a singer, harmonica and piano player coming from Chicago blues circles. In 1979 two dates were arranged in Paris featuring piano players Willie Mabon and Jean-Paul Amouroux, facing on stage with two pianos with the only support of Gilles Chevaucherie on double bass. People said those two sessions were unforgettable, and those who were there still remember them with a very special feeling. Although the sound is not as good as we would have loved and does not faithfully reflect what happened during those memorable shows, a selection of songs performed those nights can be found in this album entitled "Boogie For 2 Pianos", where the vigorous and eternal magic of blues and boogie woogie will catch us with an unusual strength since the first album notes. GREAT.

Jeff Jensen “Wisdom & Decay”. Swingsuit / Rick Lusher 2018.
Con este nuevo álbum se evidencia cada vez más la evolución de este innovador músico llamado Jeff Jensen. Siete temas originales y tres versiones dan forma a este disco, que está perfectamente ensamblado e interpretado, donde se muestra y se valida sin tapujos y a las claras la creatividad, la vulnerabilidad emocional y el significado de las letras de unas canciones construidas sobre las raíces del blues y de la poesía del soul, curiosidades que no se suelen encontrar actualmente en los nuevos músicos y bandas que aparecen en el espectro musical del momento. Gracias a la colaboración de un plantel de músicos de buena factura y del trabajo de Jeff Jensen a la voz y la guitarra, podemos disfrutar de un disco repleto de buena música y de una inmejorable calidad compositiva y sonora, construido con firmeza sobre unos cimientos sólidos y potentes. Todo ello redunda en un proyecto sumamente interesante y repleto de momentos insuperables. Con esta grabación Jeff Jensen se consagra como uno de los intérpretes más interesantes y atractivos del panorama actual. MUY BUENO. This new album totally proves and confirms the evolution of this innovative musician called Jeff Jensen. Seven original songs and three versions give shape to this well developed and good performed recording, that clearly shows the huge creativity, emotional vulnerability, as well as the lyrics significance of songs built on the basis of blues roots and soul poetry, something quite difficult to find in new bands and musicians who appear and are now in fashion among the actual music scene. Thanks to the collaboration of a high class roster of musicians and Jeff Jensen’s good work on vocals and guitar, all listeners will enjoy an album full of great music and unbeatable compositional cleverness and sound quality, firmly built over solid foundations. All these hallmarks round up a very interesting project full of amazing musical moments. With this recording Jeff Jensen becomes one of the most interesting and attractive musician of actual blues scene. GREAT.

Dustin Douglas & The Electric Gentlemen “Break It Down”. Quad-D Records 2018.
Basados en el rock blues de los años setenta, Dus
tin Douglas & The Electric Gentlemen mezclan con habilidad e inusitado acierto el groove de artistas tan diferentes como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Joe Bonamassa o ZZ Top. Todo ello lo cocinan con un estilo vintage y a la vez vibrante, al que impregnan de un toque muy personal y a veces algo estrafalario, que no deja de sorprender por la personal aportación de su líder, el cantante, guitarrista y compositor, Dustin Douglas. El resto de la banda que acompaña a este personal e innovador músico son simplemente un par de músicos, como Matt “The Dane” Gabriel al bajo y Tommy Smallcomb a la batería, a los que se les añaden como invitados Paul Smith a los sintetizadores y voces y Joe Tosolt al B-3. Desde su presentación en el año 2006 numerosos conciertos y una buena legión de seguidores avalan la trayectoria de este contundente trío que no dejará a nadie indiferente. El álbum contiene trece canciones que llevan la impronta en sus genes de este original grupo llamado Dustin Douglas & The Electric Gentlemen. MUY BUENO. Based on 70’s blues rock, Dustin Douglas & The Electric Gentlemen mix with an extreme skill and an unusual cleverness the groove of such different artists like Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Joe Bonamassa or ZZ Top. The band cooks all these influences with a vintage vibrant style, giving a personal touch that sometimes looks a little bit extravagant, that will surprise listeners, thanks to the personal contribution of the band leader, singer, guitar player and songwriter Dustin Douglas. You will only find two band musician who surround this original innovative musician, Matt "The Dane" Gabriel on bass and Tommy Smallcomb on drums, with the special collaboration in the recording of Paul Smith on synthesizers and vocals and Joe Tosolt on B-3. Since their debut 2006, a wide list of shows and a good legion of followers confirm the growing career of this powerful trio that will not leave anyone indifferent. The album gathers thirteen songs that carry on the innate stamp of this special group called Dustin Douglas & The Electric Gentlemen. VERY GOOD.

Spencer Mackenzie “Cold November”. Gypsy Soul / Sarah French 2018.
Siempre proporciona una gran satisfacción encontrar a un joven valor que dedica su juventud y su energía a diseminar con pasión el blues en todas partes a la que le llaman para actuar. Este es el caso del cantante y guitarrista Spencer Mackenzie que, con solo dieciocho años, está destacando con fuerza en la escena musical canadiense, gracias a la intensidad de su voz y al electrizante feeling de su guitarra. Desde que en el año 2016 publicó su primer álbum su cotización no ha dejado de subir y ganar enteros. Además Spencer ha sido ganador de los prestigiosos premios Maple Blues Award como mejor artista revelación del año y ha participado asimismo en varios festivales de blues canadienses. Con todos estos créditos a sus jóvenes espaldas Spencer presenta ahora su nuevo disco titulado “Cold November”, en el que la canción que lleva el mismo nombre es un homenaje a los trágicos sucesos acaecidos por un ataque terrorista en Paris en noviembre del 2015. El disco incluye diez canciones que vienen a confirmar la clase y el buen hacer de este joven dotado de un gran talento, pues posee la calidad y los recursos necesarios para convertirse en un excelente profesional con un prometedor futuro por delante. MUY BUENO. it is always gratifying to find a young talented musician who devotes all his young energy to passionately spread the blues in every place he is requested to play. This is the case of singer and guitar player Spencer Mackenzie who, only aged eighteen, has firmly appeared in Canadian music scene, thanks to his intense voice and the electrifying feeling of his guitar. After releasing his first album in 2016 he has not stopped to grow and get a good reputation among blues circles. He has also won the prestigious Maple Blues Awards as Best New Artist of the Year and has also performed in several Canadian blues festivals. With all these credits in his young backs, Spencer comes now with his new album entitled "Cold November", where the song with the same title is a tribute to the tragic events that happened in Paris during a terrorist attack in November 2015. The album includes ten songs that confirm the class and the good work of this able young musician, as he is gifted with the quality and skills needed to become an excellent professional with a promising future ahead. GREAT.

Samantha Martin & Delta Sugar “Run To Me”. Gypsy Soul / Sarah French 2018.
Canadá posee una rica escena de músicos de blues y de rock-blues, además de una gran cantera en la que no paran de aparecer nuevos valores. la mayoría de ellos de una calidad envidiable. Este es el caso de la cantante Samantha Martin, una vocalista llena de ricos y amplios matices, así como de un timbre realmente seductor y muy atractivo. Gracias a su participación en 2017 en el International Blues Challenge de Memphis, Samantha Martin ha empezado a darse a conocer fuera de su país, lo que le ha permitido poder organizar algunas giras por Europa durante el próximo año 2019. Rodeada de una banda de diez músicos, todos ellos muy jóvenes y competentes, Samantha presenta ahora su último disco en el que incluye diez temas que se mueven entre el rhythm and blues contemporáneo y el soul, aderezados con unas gotas de pop. Letras incisivas, melodías sugerentes junto a armonías y arreglos que nos transportan a los mejores sonidos del legendario soul de la Stax Records y a músicos más contemporáneos como pueden ser Leon Bridges, Sharon Jones o Lee Fields, hacen de este álbum una pieza mas que interesante para el aficionado actual. MUY BUENO. Canada has a rich scene of blues and rock blues musicians, as well as a growing number or emerging new values, most of them gifted with an amazing quality. This is the case of singer Samantha Martin, a vocalist full of rich wide nuances, with a really seductive and attractive tone. Thanks to her participation in 2017 at the International Blues Challenge in Memphis, Samantha Martin has started to be well known outside her country, which has allowed her to sign some tours in Europe during year 2019. Surrounded by a ten musicians band, all of them very young and able ones, Samantha now presents her last release which includes ten songs that move between contemporary rhythm and blues and soul, seasoned with a few drops of pop music. Incisive lyrics, suggestive melodies together with harmonies and arrangements that drive us to the best sounds of legendary Stax Records soul and more contemporary musicians like Leon Bridges, Sharon Jones or Lee Fields, make this album become a more than interesting one for the most demanding fans. GREAT.


JULIO 2018 / JULY 2018

Breezy Rodio “Sometimes The Blues Got Me”. Delmark / Blind Raccoon 2018.
Nadie conocía a Breezy Rodio cuando aterrizó en Chicago hace ya más de ocho años con su guitarra colgada al hombro. Gracias al veterano bluesman Linsey Alexander quien confió en sus posibilidades y en su buen hacer,  dándole un lugar de relevancia en su banda y lo que le permitió grabar tres álbumes junto a este legendario bluesman, Breezy fue poco a poco haciéndose un nombre entre el público habitual de los garitos del blues de la ciudad del viento. Hoy en día Breezy se ha convertido en uno de los músicos de blues mas solicitados tanto en Chicago como en innumerables giras a nivel internacional. Este es su primer disco en solitario grabado para el legendario sello discográfico Delmark y en él Breezy Rodio nos presenta diecisiete temas impregnados del auténtico sabor y sonido Chicago west side en el que no le faltan influencias de T-Bone Walker y B.B. King, dos de sus mas admirados guitarristas. Las canciones que se incluyen combinan con acierto el jump blues, los Chicago shuffles, las baladas, e incluso en algunos momentos desprenden matices funky. Celebramos la llegada de este álbum de Breezy Rodio que certifica que estamos ante una nueva revelación que ha pasado de ser de un simple músico de acompañamiento a un consolidado cantante y guitarrista de blues de la más pura estirpe. BUENISIMO. Nobody knew a single word about Breezy Rodio when he landed in Chicago with his guitar on his back about eight years ago. Thanks to veteran bluesman Linsey Alexander who trusted in his musical possibilities and skills, giving him an outstanding place in his band that allowed Breezy to record three albums together with this legendary bluesman, Rodio gradually got a name among Windy City blues club audiences. Today Breezy has become one of the most demanded blues musicians both in Chicago and in countless international tours. This is his first solo album recorded for legendary Delmark record label, where Breezy Rodio has included seventeen songs, all them full of the genuine flavour and sound of Chicago west side blues, but also with some influences coming from T-Bone Walker and B.B. King, two of Breezy’s most admired guitarists. Songs that combine jump blues, Chicago shuffles, ballads and even some drops of funky music. We welcome this Breezy Rodio’s new album which proves we are facing a new blues revelation, which has gone from a simple backing musician to an accomplished relevant blues singer and guitar player. GREAT.

Rockwell Avenue Blues Band “Back To Chicago”. Delmark 2018.
Ken Saydak, el verdadero referente después del fallecimiento del gran Barrelhouse Chuck, no solo es un pianista y cantante con muchos años de experiencia y curtido en mil y una batallas en cuanto a blues se refiere, sino que también escribe y conduce un programa de radio, además de haber participado en mas de sesenta discos. A él se le ocurrió la idea de volver a reunir a la Rockwell Avenue Blues Band, que integraba a algunos de los músicos mas activos y apasionados del panorama del blues de Chicago, para grabar un álbum que reflejara toda la intensidad que este estilo vive noche tras noche en los clubs de la ciudad del viento. Junto a Ken se encuentran el cantante y guitarrista Steve Freund quien, durante muchos años estuvo en la banda del legendario Sunnyland Slim, el contumaz armonicista y cantante Tad Robinson, el bajista Harlan Terson y el batería Marty Binder. Todos ellos poseen una dilatada carrera y experiencia y han tocado junto a todos los grandes del género. Con todos estos ingredientes el resultado no puede ser otro que puro y genuino blues de Chicago del más alto nivel. Un disco entrañable de alto nivel cualitativo que debe ser escuchado con reverencia y devoción, pues nadie que se precie de ser amante de este estilo puede pasar por alto. BUENISIMO. Ken Saydak, the true reference after the sad lost of the great Barrelhouse Chuck, is not only an experienced battle hardened blues piano player and singer, but he also writes and hosts a blues radio show, and he has put his skills in more than sixty albums. He has been responsible of gathering again The Rockwell Avenue Blues Band with some of the most active and passionate musicians of Chicago blues scene, to record an album that faithfully reflects the intense feeling this style gives to all people who go every night to Windy City clubs. Together with Ken you will find singer and guitar player Steve Freund who, for many years was member of legendary Sunnyland Slim’s band, self-willed harmonica player and singer Tad Robinson, bass player Harlan Terson and drummer Marty Binder. All of them have a wide career and experience and have played with most of the legendary blues names. With all these ingredients, the result can’t be other than the most genuine first class Chicago blues. This is a soulfully high quality recording that should be listened with reverence and devotion that should not be ignored by anyone who really loves blues. ESSENTIAL.

Kid Ramos “Old School”. Rip Cat / Frank Roszak 2018.
Muchas cosas le han sucedido a Kid Ramos y no todas buenas desde la publicación de su anterior trabajo “Greasy Kid’s Stuff” en el año 2001. Ha superado un cáncer, sus dos hijos se han hecho ya mayores y uno de ellos, concretamente Johnny Ramos, ha entrado a formar parte de la familia del blues de la costa oeste e interviene también como cantante en este disco en un par de temas “All Your Love” de Magic Sam y “Anna (Go To Him)” de Arthur Alexander, canción que fue popularizada por los Beatles. Los otros vocalistas que ejercen su liderazgo en el álbum son Johnny Tucker, Big Jon Atkinson y Kim Wilson. El disco se grabó en un par de días de forma completamente analógica en el estudio de la casa de Big Jon Atkinson y, además de Kid Ramos a la guitarra y voz en un par de cotes, también intervienen Danny Michal como segundo guitarra, Bob Welsh al piano y teclados, Kendar Roy al bajo y Marty Dodtson a la batería. Como no podía ser de otro modo estando liderado por Kid Ramos, el álbum es una auténtica gozada, un lujo extremo, un enorme placer y un auténtico festival, donde los todos los músicos se pasean por el jump blues de la costa oeste con una desenvoltura y un conocimiento del género y una elegancia fuera de toda duda. BUENISIMO. A lot of things have happened to Kid Ramos, not all good ones, since the release in 2001 of his previous album "Greasy Kid's Stuff". He has overcome a cancer, his two sons have already become young men and his youngest one, Johnny Ramos, has just joined the family of west coast blues and sings in two album cuts "All Your Love" coming from Magic Sam and "Anna (Go To Him)" by Arthur Alexander, which was popularized by The Beatles. The other singers involved in the album who show their leadership are Johnny Tucker, Big Jon Atkinson and Kim Wilson. The album was recorded in a couple of days on a completely analogue way at Big Jon Atkinson’s home studio and, besides Kid Ramos on guitar and vocals in a couple of songs, the other musicians involved are Danny Michal as second guitar, Bob Welsh on piano and keyboards, Kendar Roy on bass and Marty Dodtson on drums. As it could not be otherwise on a project led by Kid Ramos, the album is a true delight, a luxury, a complete pleasure and a real festival, where all the musicians walk along West Coast jump-blues with a total self-confidence, an undeniable knowledge and an extreme elegance. ESSENTIAL.

Jordan Officer “Three Rivers”. Spectra Musique / Sarah French 2018.
Jordan Officer presenta su cuarto álbum producido por Charley Drayton (batería de Keith Richards entre otros músicos). El disco recoge los géneros en los que Jordan se siente cómodo como son blues, jazz, country, rock ‘n’ roll e incluso gospel y espirituales. Ocho composiciones propias y tres versiones configuran el repertorio de este álbum, canciones que por otra parte fueron concebidas durante una gira por el sur de los Estados Unidos. Visitando los lugares donde se originaron estos géneros musicales, Jordan Officer se sintió conectado e imbuido del espíritu, los espacios, los sabores, el ambiente y el lenguaje musical de aquellos parajes, haciendo que sintiera que estaba en otro mundo, donde la inspiración y la creación musical fluyeron con improvisada y espontánea facilidad. Jordan se encuentra a la voz, guitarra eléctrica, acústica, lap steel y violín en tres temas, Zev Katz está al bajo, contrabajo y voz en un tema y Charley Drayton a la batería, percusión y voz en un par de cortes. Un disco lleno de intimidad con mas de una sorpresas para desconectar de la realidad. MUY BUENO. Jordan Officer comes with his fourth album that has been produced by Charley Drayton (drummer with Keith Richards among other musicians). The recording includes the musical genres Jordan feels comfortable with, like blues, jazz, country, rock 'n' roll and even gospel and spirituals. Eight own compositions and three versions round up the repertoire, songs conceived and developed while he was on the road along the southern USA. Visiting the places where these musical genres were born, Jordan Officer felt connected and filled with the spirit, the places, the flavours, the environment and the musical language of that part of the country, which make him feel he was in another world, where the inspiration and musical creativity easily flew with an improvised spontaneity. Jordan is on vocals, electric and acoustic guitars, lap steel and violin in three songs, Zev Katz is on bass, double bass and vocals in one track and Charley Drayton is on drums, percussion and vocals in a couple of cuts. This is an intimist album with more than one surprise, perfect to disconnect from reality. VERY GOOD.

Ally Venable Band “Puppet Show”. Connor Ray Music / Mark Pucci 2018.
La poderosa y estratosférica cantante y guitarrista Ally V
enable incendia noche tras noche los escenarios de los clubs que se dedican a programar bandas de rock-blues en la zona de Texas. A pesar de su estilo actual, Ally empezó cantando en la iglesia. En los últimos años ha descubierto su pasión por la guitarra y es a partir de ese momento y bajo la tutela de Lance López que Ally ha iniciado una espectacular carrera, decantándose hacia un estilo casi mas duro que el rock-blues, lo que la posicionaría en un lugar cercano a los postulados del heavy-blues. Su nuevo disco incluye ocho canciones propias más dos versiones, una de Bessie Smith y otra de Taj Mahal, ambos temas interpretados bajo su personal forma de concebir la música y el blues. Junto a la sección rítmica formada por Bobby Wallace al bajo y Elijah Owings a la batería, se encuentran asimismo algunos músicos invitados como los guitarristas Gary Hoey y Lance López en una canción cada uno, el teclista Eric Steckel en tres temas y el armonicista Steve Krase en un par de cortes. Ally ha trabajado duro y este álbum confirma su talento y evolución. MUY BUENO. Powerful and incredible singer and guitar player Ally Venable burns night after night the stages of Texas clubs that schedule blues-rock music. Despite her actual style, Ally began singing in church. In recent years she has discovered her passion and skills for guitar and, since then on and under the guidance of her mentor Lance Lopez, Ally has started an impressive career, giving shape to a style almost harder than rock-blues, what has put her in a place close to heavy-blues postulates. This new album includes eight own songs plus two versions, one coming from Bessie Smith and another by Taj Mahal, both performed with the personal way she has to conceive music and blues. Surrounded by a rhythm section with Bobby Wallace on bass and Elijah Owings on drums, you will also find some guest musicians like guitar players Gary Hoey and Lance Lopez each one in a song, keyboard player Eric Steckel in three tracks and harmonica player Steve Krase in a couple of cuts. Ally has worked hard and this album confirms her talent and evolution. VERY GOOD.

Meg Williams “Maybe Someday”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Desde Nashville, Meg Williams se va dando a conocer en el resto de su país, captando la atención del oyente tanto por sus cualidades vocales como por su técnica y forma de tocar la guitarra. Memphis, California y New York saben ya del talento de esta artista que ahora publica su primer EP compuesto por seis canciones basadas en poderoso rock-blues y soul en shuffles llenos de swing donde no falta un toque de slide guitar. Arropada por una banda competente y bien ensamblada, Meg Williams ha sido a veces comparada con Susan Tedeschi o Bonnie Raitt. Esperamos que con este lanzamiento en formato de EP Meg consiga alcanzar el reconocimiento del público y la prensa especializada y podamos en un futuro no muy lejano seguir disfrutando de la música y el talento de esta mujer que está llamada a conseguir todo lo que se proponga. MUY BUENO. From Nashville, Meg Williams is gradually becoming popular around her country, catching the attention of most listeners by her vocal skills and her potential and technique as guitar player. Memphis, California and New York already know the talent of an artist who now publishes her first EP with six songs based on powerful rock-blues and soul, with swingin’ shuffles spices with a touch of slide guitar. Wrapped up by an able well assembled band, Meg Williams has sometimes been compared to Susan Tedeschi or Bonnie Raitt. Let’s hope this EP release will help Meg to gain more recognition of wide audiences and specialized media so, in a not too distant future, we can again enjoy the music and talent of this woman who is called to achieve all her musical goals. VERY GOOD.

J.J. Vicars “Irreverent Dissident”. Annie Gator / Blind Raccoon 2017.
Después de diez años viajando por el mundo, el cantante y guitarrista J.J. Vicars vuelve a los Estados Unidos donde ha grabado su sexto trabajo que ahora tenemos en nuestras manos, un álbum que, en todo momento, muestra su dominio del lenguaje del blues con un sello personal y un humor irreverente que le hacen un artista único. El disco está dividido en tres partes bien diferenciadas entre si. Los primeros tres temas son un tributo al blues de carretera concebidos en el lenguaje del Texas shuffle. El segundo bloque se mueve por un recorrido que va en una línea de blues a lo Kansas City con un toque jazzy de los años cincuenta y que nos retrotrae a las épocas de artistas como Jimmy Whiterspoon, Eddie Vinson o Big Jay McNeely (quien toca en un tema). El tercer segmento nos presenta su faceta más personal como instrumentista, donde aborda el western swing, la balada y el country. Arropado de una banda competente y muy correcta, J.J. Vicars da rienda suelta a su conocimiento de las diferentes facetas de una música siempre bien entrelazada, gracias a su personal forma de hacer y de entenderla. MUY BUENO. After ten years travelling abroad, singer and guitar player J.J. Vicars comes back to the United States, where he has recorded his sixth album we have now on hands, an album that shows his mastery in blues language he performs with a personal stamp and an irreverent sense of humour that make him to be a unique artist. The album is divided into three distinctive parts. The first three songs become a tribute to roadhouse blues, developed with the always effective language of Texas shuffles. The second block moves along the way of Kansas City blues with a 50’s jazzy touch that drives us back to those times where artists like Jimmy Whiterspoon, Eddie Vinson pr Big Jay McNeely (who plays in one song) were the kings. The third segment presents Vicars’ most personal facet as instrumentalist, with an approach to western swing, ballads and country. Surrounded by and able professional bunch of musicians, J.J. Vicars gives free rein to his knowledge of the different faces of a well connected music, thanks to his personal way of displaying and conceiving these styles. VERY GOOD.

Kathy And The Kilowatts “Premonition Of Love”. Nola Blue / Blind Raccoon 2018.
Kathy & The Kilowatts contribuyen noche tras noche a mantener la reputación de la ciudad de Austin en Texas como la capital de la música en directo. La banda se inició a principios de los años noventa aunque, de hecho, Kathy Murray ya frecuentaba desde su adolescencia clubs como el legendario Antone’s y se había empapado de los grandes nombres del blues blanco tejano como Jimmie Vaughan, Lou Ann Barton o Angela Strehli. Con el paso de los años el grupo ha conseguido un sonido que recoge, no sólo las influencias del Texas blues sino también del swamp pop, el zydeco, el soul o el rockabilly. Este es su cuarto álbum que contiene diez temas originales y tres versiones, donde explora con asombrosa habilidad todos los caminos del blues y la roots music que han hecho famosa a la ciudad de Austin. La banda la forman Kathy Murray a la voz, Bill “Monster” Jones a la guitarra, acordeón y percusión, Nina Singh a la batería y percusión y Jeff Botta al bajo. Además de estos músicos el álbum se completa con las colaboraciones en distintas canciones de Dylan Cavaliere al contrabajo, Benny Turner (hermano pequeño de Freddie King) al bajo, Floyd Domino y Matt Farrell al piano, Eric Johnson a la trompeta, Dan Torosian al saxo y el armonicista Kim Field. MUY BUENO. Night after night Kathy & The Kilowatts contribute to keep the reputation of Austin in Texas as the live music capital of the world. The band was formed at the beginning of the 90’s although, since her teenager days, Kathy Murray used to go to clubs like legendary Antone's to immerse herself and learn from white Texas blues stars like Jimmie Vaughan, Lou Ann Barton or Angela Strehli. As years have gone passing by the group has got their own sound that, not only gathers Texas blues influences, but also styles like swamp pop, zydeco, soul or rockabilly. This is their fourth album with ten original songs and three versions, where the band skilfully explores all the corners of blues and roots music that have made Austin so famous. The group members are Kathy Murray on vocals, Bill “Monster” Jones on guitar, accordion and percussion, Nina Singh on drums and percussion and Jeff Botta on bass. Apart from these musicians, you will also find in some songs the tasteful collaboration of other musicians like Dylan Cavaliere on double bass, Benny Turner (Freddie King’s younger brother) on bass, Floyd Domino and Matt Farrell on piano, Eric Johnson, on trumpet, Dan Torosian on sax and finally harmonica player Kim Field. VERY GOOD.

Emilia Sisco & Helge Tallqvist Band “You Ain’t Heard”. Self Production 2018.
Helge Tallqvist es un reputado armonicista finlandés con una dilatada carrera musical y una incuestionable experiencia en el campo del blues, deudor de la estela dejada por el gran George “Harmónica” Smith. En esta ocasión nos presenta una nueva formación liderada por la cantante Emilia Sisco a la que ha apadrinado en los últimos tiempos y en la que también destaca la incorporación de una joven promesa de la guitarra, Konsta Kovalev. Junto a ellos se encuentran Tom Nyman al bajo y Juha Litmanen a la batería, mas un par de invitados. Ahora presentan un álbum con once temas donde el soul, el blues, el rhythm and blues y el jazz predominan sobremanera en un completo ejercicio de ritmo y groove. Influenciada por cantantes como Dinah Washington y Sugar Pie Desanto, Emilia Sisco combina con gusto y acierto la tradición de la música afroamericana con modernos arreglos, que encajan perfectamente con su estilo de vocalizar que aparece de forma instintiva, creando un swing muy natural desprovisto de afectaciones artificiales y recursos postizos. En definitiva, un disco para disfrutar y descubrir los cálidos sonidos negroides que llegan desde un país tan lejano para nosotros como es Finlandia. MUY BUENO. Helge Tallqvist is a renowned Finnish harmonica player with an extensive musical career and an unquestionable experience in blues, greatly indebted to the legacy of legendary George "Harmonica" Smith. This time he comes back with a new project led by singer Emilia Sisco he has mentored in recent times, where you will also find a young guitar promise, Konsta Kovalev. The other band members are Tom Nyman on bass and Juha Litmanen on drums. The album also includes a couple of guest musicians, who round up the eleven selected tracks, where soul, blues, rhythm and blues and jazz prevail, displaying an interesting exercise of attracting rhythm and groove. Influenced by singers such as Dinah Washington and Sugar Pie Desanto, Emilia Sisco combines with tasteful skill the deep tradition of Afro-American music with really actual arrangements, that fit perfectly with her vocal style, which always appears in an instinctive way, creating a very natural swing, far away of artificial affectations and false musical resources. In short words, this is an album to discover and enjoy the black warm sounds coming from such a distant country Finland is for us. VERY GOOD.

Dom Flemons “Black Cowboys”. Smithsonian Folkways 2018.
Estamos ante una de esas rarezas que de vez en cuando llegan a nuestras
manos. En este caso se trata de la música de la edad dorada del legendario oeste americano, con la particularidad de estar interpretada por Dom Flemons, un hombre de color enamorado de la música tradicional blanca como son el country and western, hillbilly, honky tonk, bluegrass o bien la old time music. Con la abolición de la esclavitud muchos negros se trasladaron al oeste americano donde empezaron a trabajar como granjeros, rancheros o ganaderos. Según el libro “The Negro Cowboys” mas de cinco mil negros se convirtieron en originarios y auténticos ‘vaqueros’, además de trabajar en el ferrocarril que unía el este con el oeste, contribuyendo de este modo a cambiar la visión de la sociedad que aquellas gentes tenían. El bueno de Alan Lomax recogió algunas de las canciones interpretadas por aquellos hombres de color que supieron integrarse en la cultura de la música tradicional de los colonos blancos que habían llegado al legendario oeste provenientes del continente europeo. Ahora Dom Flemons ha recuperado dieciocho canciones tradicionales para explorar y dar a conocer una parte importante de la identidad de la música blanca de aquellos años, convirtiendo este álbum en una excelente muestra de la huella que dejaron miles de afroamericanos que ayudaron a construir la historia musical de los Estados Unidos. BUENISIMO. We are now facing one of those rarities that, from time to time, come into our hands. This time it is an album about the music of the golden age of legendary American far west, with the particularity it is performed by Dom Flemons, a black man who fell in love with white traditional music like country and western, hillbilly, honky-tonk, bluegrass or old time music. With the abolition of slavery many black people moved to the far west, where they started to work as farmers, ranchers or cowboys. According to the book "The Black Cowboys" more than five thousand black people became real cowboys or worked in the railway that would communicate east to west America and, in this way, they contributed to change the vision of society those western people had. Alan Lomax gathered a variety of songs performed by those coloured men who integrated themselves into the cultural background of traditional music coming from white people who settled in legendary far west coming from European continent. Now Dom Flemons has rescued eighteen traditional songs originally sung by those coloured cowboys to let us know an important part of the white music identity of those years. In this way the album becomes an excellent example of the footprint left by thousands of Afroamerican cowboys who helped to build up an important part of American musical history. ESSENTIAL.

Dany Franchi “Problem Child”. Station House / Frank Roszak 2018.
Dany Franchi es un joven guitarrista y cantante italiano nacido en 1990. En poco tiempo Dany ha pasado de ser un desconocido a consolidarse como uno de los músicos de blues mas completos de la escena actual, gracias a su personal voz y a una forma de tocar la guitarra sencilla pero a la vez contundente y respetuosa con la tradición. Franchi ha cimentado su carrera en los Estados Unidos grabando su primer álbum en el 2014 junto a Sean Carney y también actuando por los festivales mas prestigiosos de aquel pais. Este último trabajo ha sido producido por Anson Funderburgh y Don Ritter y se ha grabado en los prestigiosos estudios Wire de Austin, Texas. De las trece canciones diez son originales del propio Franchi junto a tres magnificas versiones como son “Big Town Playboy” de Eddie Taylor, “Sen-Sa-Shun” de Freddie King y “Everything Gonna Be Alright” de Willie Dixon, donde impone su sello personal y su especial gusto en los arreglos. Junto a un puñado de excelentes músicos Dany Franchi demuestra las razones por las que su nombre sigue escalando puestos destacados entre los músicos de su generación. MUY BUENO. Dany Franchi is an Italian singer and guitar player born in 1990. In a short time Dany has walked from starting as an unknown musician to consolidate himself as one of the most complete blues musicians of actual blues scene, thanks to his personal voice and his special guitar playing, quite simple but, at the same time, strong and respectful with tradition. Franchi has built his career in the United States, recording his first album in 2014 together with Sean Carney, as well as playing at the most prestigious festivals all over the country. This last album has been produced by Anson Funderburgh and Don Ritter and recorded at the prestigious Wire Studios in Austin, Texas. Ten of the thirteen album songs are Franchi’s own songs, combines with three magnificent versions, "Big Town Playboy" coming from Eddie Taylor, "Sen-Sa-Shun" by Freddie King and "Everything Gonna Be Alright" by Willie Dixon, where he displays his personal stamp and special tasteful arrangements. Together with a handful of excellent musicians, Dany Franchi shows why his name is climbing to prominent positions among the musicians of his generation. GREAT.

The Lucky Losers With Cathy Lemons & Phil Berkowitz “Blind Spot”. Dirty Cat / Mark Pucci Media 2018.
Liderados por las cálidas voces de Cathy Lemons y Phil Berkowitz, este último también a la armónica, The Lucky Losers nos transportan sin acortar su camino por atajos peligrosos, hacia aquellos apasionados sonidos de los años sesenta donde el soul, el blues y el rock sureño se imponían entre las jóvenes generaciones tanto de Europa como de los Estados Unidos. Es por esa vía por la que The Lucky Losers exponen a través de sus letras lo mejor y lo peor de la actual América, abordando esos parajes a través de su simple e hipnótico blues, soul y rhythm and blues. Once canciones propias dan forma a un álbum atractivo en el que, además de los ya mencionados Cathy Lemons y Phil Berkowitz que combinan y se alternan en los vocales, se encuentran también Ian Lamson a las guitarras, Chris Burns a los teclados, Endre Tarczy al bajo y Robi Bean a la batería, junto a un puñado de invitados entre los que destacan Kid Andersen y Laura Chávez a las guitarras, Annie Staninec al violín y una poderosa y compenetrada sección de metales que ayudan a dar empaque y fuerza a unas canciones ya de por si brillantes y fogosas. MUY BUENO. Led by the warm voices of Cathy Lemons and Phil Berkowitz, this last one also playing harmonica, The Lucky Losers drive us without dangerous shortcuts towards those passionate sounds of the 60’s where soul music, blues and southern rock were popular among the younger generations both in Europe and in United States. Following this line The Lucky Losers show in their lyrics the good and the bad things of contemporary America, drawing these spots with a simple hypnotic blues, soul and rhythm and blues. Eleven songs give shape to an appealing album where, besides the just mentioned Cathy Lemons and Phil Berkowitz who combine and alternate on vocals, you will also find Ian Lamson on guitars, Chris Burns on keyboards, Endre Tarczy on bass and Robi Bean in drums, along with a handful of guest musicians like Kid Andersen and Laura Chavez on guitar, Annie Staninec on violin plus a powerful and well matched horn section which help to give an undeniable strength and force to an already bright warm repertoire. GREAT.

Joe Goldmark “Blue Steel”. Lo-Ball / Mark Pucci 2018.
Joe Goldmark es un virtuoso del pedal steel guitar. Para dar a conocer y explorar las posibilidades de este instrumento ha publicado un álbum dando protagonismo a la pedal steel guitar, donde combina con gusto y acierto la música con raíces, el blues y la ‘Americana’ de tintes sureños. Para ello ha contado con un grupo de buenos y curtidos músicos entre los que sobresalen los cantantes Glenn Walters y Dallis Craft o el guitarrista Jim Campilongo, además de una buena sección de metales. El disco se compone de temas escritos por el propio Joe Goldmark mas algunos covers poco conocidos de Jimmy McCracklin, Graham Parker, B.B. King, Jeff Lynne, Lefty Frizzell, Rufus Thomas y Dallas Frazier. Aunque la pedal steel guitar es mayoritariamente considerada como un instrumento especifico de la música country, Joe Goldmark ha sabido sacarle el máximo partido, incluyéndolo con un excelente resultado en estilos que no son tan habituales como son el blues o el honky-tonk o el soul. A pesar de que algunas de las canciones del álbum son instrumentales, lo que da pie a que Joe se descare y obtenga un amplio protagonismo con la pedal steel guitar, el álbum es variado, diáfano y siempre agradable de escuchar. MUY BUENO. Joe Goldmark is a pedal steel guitar virtuoso. To give relevance and explore the possibilities of this instrument, he has just published an album where the main role is devoted to pedal steel guitar. In this new recording he tasteful combines roots music, blues and southern Americana. To do so he has counted with a group of good professional musicians, where we could mention singers Glenn Walters and Dallis Craft or guitar player Jim Campilongo among others, together with a remarkable horn section. The album mixes Joe Goldmark’s own compositions with some rather unknown covers coming from Jimmy McCracklin, Graham Parker, B.B. King, Jeff Lynne, Lefty Frizzell, Rufus Thomas and Dallas Frazier. Although pedal steel guitar is mostly considered as a specific country music instrument, Joe Goldmark manages to get the most out of it, by including it. Always with an excellent result, in styles you will not often find it like blues, honky-tonk or soul. Despite some of the album songs are instrumentals, which give Goldmark the opportunity to give free rein to his playing skills, leaving the main role to pedal steel guitar, the final result is a varied, natural and pleasant album to be often listened. VERY GOOD.

Victoria Ginty “Unfinished Business”. Self Production / Doug Deustch / Richard L’Hommedieu 2018.
Intenso, atrevido, intuitivo y fogoso es este álbum de la sorprendente cantante Victoria Ginty, que se revela como una vocalista de enjundia, atractiva y llena de swing. Rhythm and blues, soul, blues, y Americana aparecen y acaban dándose la mano en esta grabación de calidad sobresaliente para satisfacer las necesidades de un amplio sector de público. Acompañada por un buen grupo de músicos bien conjuntados, Victoria va desvelando gradualmente todo el magnetismo de su propuesta y sus dotes como vocalista en antiguos blues como “Unfinished Business”, “Every Night “Every Day” o “Do Me Right”, pero también demuestra su pericia en temas de corte más funky como es el caso de “Take Me Down”, o hace patente su buen gusto interpretando baladas como “Hard To Move On” y  “Water”. No contenta con ello Victoria también se atreve con los ritmos latinos como es el caso de “Sign Your Name” el rhythm & blues en “Give It Up” o incluso el soul con la canción “The Blues Found Me”. En pocas palabras, Victoria Ginty es una vocalista que ha sabido empaparse de la música negra, asimilándola como si fuera parte de su propia identidad y esencia natural. MUY BUENO. Intense, daring, intuitive and hot are some words that could define the new release of amazing singer Victoria Ginty, who reveals herself as an attractive hearty singer with an amazing swing. Rhythm and blues, soul, blues and Americana appear and tastefully combine in this recording, rounding up an album with an outstanding quality to satisfy the most demanding audiences. Backed by a remarkable group of well teamed musicians, Victoria gradually makes us discover the magnetism of her musical proposal together with her vocal skills in old blues like "Unfinished Business", "Every Night "Every Day" or "Do Me Right", but she also shows her undeniable possibilities in more funky cuts like "Take Me Down", or makes evident her tasteful singing in ballads like "Hard To Move On" and "Water". And if this was not enough, she dares with Latin rhythms like in the song "Sign Your Name" or shows her rhythm & blues knowledge in "Give It Up" and even walks in soul music with "The Blues Found Me". In few words, Victoria Ginty reveals us as a singer who has immersed her soul in black music, getting the feel as if it was part of her natural own identity. GREAT.

David Vest “David Vest”. Cordova Bay / Sarah French 2018.
Afincado actualmente en Canadá, David Vest es un verdadero artífice del piano, especializado en interpretar blues, rock ‘n’ roll y boogie woogie, además de ser también un buen cantante de estilo shouter y un destacable entertainer siempre que sube a un escenario. Nacido en Alabama en 1943, tuvo la oportunidad de compartir escenario con Roy Orbison, Ace Cannon, Bill Black, Jimmy Dorsey o Big Joe Turner, por el que tiene una gran predilección. Este álbum se grabó en Vancouver y en él todos los músicos tocaron al unísono y sin apenas añadir ningún efecto posterior o tomas alternativas. Para este proyecto David contó con su viejo amigo Peter Dammann y Tom Bowler a las guitarras, Ryan Tandy al contrabajo y Billy Hicks a la batería, que arroparon con gusto y solvencia la voz y el piano del propio David Vest. A lo largo de las diez canciones propias que comprende este álbum, David nos propone un viaje por el rock de New Orleans, los viejos y arcaicos blues, el boogie woogie salvaje y otros estilos afines, interpretados con el corazón, la alegría, la pasión y el desenfreno de todos los participantes en este interesante proyecto. MUY BUENO. Settled In Canada, David Vest is a real creative force at piano, specialized in blues, rock 'n' roll and boogie woogie, as well as a good blues shouter and a remarkable entertainer on stage. Born in Alabama in 1943, he had the chance to share stage with Roy Orbison, Ace Cannon, Bill Black, Jimmy Dorsey or Big Joe Turner, one of his most admired musicians. This album was recorded in Vancouver where all musicians involved played altogether with few overdubs or retakes. For this project David counted with his old friend Peter Dammann and Tom Bowler on guitars, Ryan Tandy on bass and Billy Hicks on drums, who wrapped with commitment, taste and credit David Vest’s piano and vocals. Walking along the ten own songs included in this album, David invites us to a journey to rockin’ New Orleans, vintage blues or inspired and wild boogie woogie, as well as to other similar styles, performed with joyful passion and wild energy by all the participants in this interesting project. VERY GOOD.

Johnny And The MoTones “Highway 51”. Altenburgh 2018.
Aunque Johnny And The MoTones son unos apasionados del viejo sonido pastoso y pantanoso de Memphis y también del blues mas original y primigenio, este quinto disco que ahora publican y que presentamos aquí suena completamente actual y con plena vigencia, gracias al excelente trabajo de esta banda, a la buena selección de canciones originales y dinámicas y a la contribución de la atractiva voz de su cantante y pianista John Altenburgh quien, además, ensancha los caminos de la música negra con indudable carisma, buena disposición y mucha personalidad. Este es un álbum tremendamente atractivo para todos aquellos aficionados que busquen alegría, ritmo y diversión a raudales. Ello no es óbice para que toda la grabación mantenga una buena dosis de calidad en cada una de las diez canciones que se incluyen. Además de John Altenburgh al piano y voz, también se encuentran Mitch Viegut a la guitarra, Bruce Lammers al bajo, Ryan Korb a la batería, John Greiner al saxo tenor y Pat Phalen a la trompeta mas algunos músicos invitados. Un álbum con deliciosa sustancia y una completa paleta de colores y sabores. MUY BUENO. Although Johnny And The MoTones passionately love old swamp Memphis sound and vintage original blues, this fifth album they now publish sounds totally powerful and actual, thanks to the excellent work of every band member, the clever selection of original dynamic and appealing songs and the good contribution of the attractive voice of singer and piano player John Altenburgh who also manages to widen black music roads with an undeniable charisma, good disposition and a lot of personality. This is an album that will completely satisfy all those fans who look for joy, rhythm and fun. But if that is not enough, the recording gives a good dose of quality along the ten songs included. Besides John Altenburgh on piano and vocals, the other musicians involved are Mitch Viegut on guitar, Bruce Lammers on bass, Ryan Korb on drums, John Greiner on tenor sax and Pat Phalen on trumpet plus some guest musicians. This is an album with a delicious substance and a full palette of colours and flavours. GREAT.

J.T. Lauritsen & The Buckshots Hunters “Blue Eyed Soul Volume 1”. Hunters 2018.
J.T. Lauritsen es un músico de lo más completo que se puede encontrar actualmente en el norte de Europa pues, no solamente canta con convicción,  sino que también toca con gusto y mucho oficio el acordeón, la armónica, los teclados y el Hammond. Junto a su banda The Buckshot Hunters está alcanzando gran notoriedad por toda Europa, siendo requerido en muchos de los festivales de blues del viejo continente. Este es el primer volumen de los dos que forman este nuevo proyecto titulado “Blue Eyed Soul” que ha decidido publicar en dos entregas distintas. Como su titulo indica estos dos álbumes están mayormente dirigidos hacia el soul, género del que es un enamorado y que sin embargo nunca se había decidido a adentrarse por dicho terreno, aunque ello no es óbice para que se encuentre cómodo y relajado y nos ofrezca, en este primer volumen, un auténtico recital de como se debe abordar e interpretar este estilo de forma gratificante para el oyente. Por si esto no fuera suficiente, en el álbum Lauritsen también hace guiños a los ritmos de New Orleans, Chicago y Mississippi además de contar contar con la colaboración de Mike Zito y Dave Fields en un tema. Un disco de gran calibre para saborearlo con gusto y fruición un montón de veces sin llegar nunca a cansarse. MUY BUENO. J.T. Lauritsen is one of the most complete musicians who can be now found in northern Europe as, not only he sings with conviction but he also he is an experienced and tasteful accordion, harmonica, keyboards and Hammond player. Together with his band The Buckshot Hunters he is getting a good recognition all over Europe and they are now required in most blues festivals all over the old continent. This is the first volume of the two that round up his new project, entitled "Blue Eyed Soul" he has decided to publish in two different deliveries. As its title says the two albums are mainly devoted to soul music, an style he really loves although he never decided until now to approach, but this does not mean he does not feel relaxed and comfortable with it and, in this first volume, he gives us an unique lesson about how to deal with a so rewarding style for most listeners. And if that was not enough, Lauritsen also includes references to New Orleans, Chicago and Mississippi rhythms, besides counting with the collaboration of Mike Zito and Dave fields in one song. This is an ambitious album to be tastefully savoured many, many times without getting tired. GREAT.

Gennaro Carrillo “Il Blues Del Brigante”. Self Production 2018.
Después de cuatro discos publicados con su banda Black Cat Bone Blues Band, el compositor, cantante y armonicista italiano Gennaro Carrillo nos presenta ahora un ambicioso proyecto por lo que tiene de investigación. Se trata de un disco conceptual con doce canciones que, en su mayoría, presentan una temática que gira en torno a la unificación de Italia y aquellos bandoleros de la época. Para ello se ha rodeado de una serie de buenos músicos provenientes de diversos campos y culturas musicales todos ellos interesados en el blues aunque este no sea el estilo que interpretan normalmente. Otra de las peculiaridades de este proyecto es que  todas las canciones están cantadas en italiano y en algunos dialectos que todavía son utilizados en el sur de este país, lo que confiere una riqueza adicional de exploración, investigación y originalidad a esta singular grabación. El disco se adentra por unos vericuetos caminos entroncados, no sólo en la tradición de las raíces del blues sino también en la historia y la tradición musical italiana. Un álbum interesante que aporta nuevos conceptos e ideas y que abre unos caminos que hasta el momento no habían sido nunca explorados. MUY BUENO. After four albums released with his band Black Cat Bone Blues Band, Italian singer, harmonica player and composer Gennaro Carrillo comes back with an ambitious research project. It is a conceptual album with twelve songs, most of them with a common subject related with the Italian unification and the bandits of that particular time. For the recording he has surrounded by a bunch of good musicians coming from a variety of musical cultures and fields, all they interested in blues, although this is not the style they usually play. Another peculiarity of this unusual project is all cuts are sung in Italian and some other dialects still used in the south of that country, which gives an additional research and original richness to this singular recording. The album drives us along winding roads, not only based in blues roots tradition but also in the Italian history and musical background. This is an interesting recording that brings new concepts and ideas, opening new roads that up to date have never been explored. VERY GOOD.

Starblues “Gu Geu”. Gaztelupeko Hotsak 2018.
Formados en el año 2010 en Euskadi, los Starblues han ido adquiriendo experiencia como banda en diversos conciertos y actuaciones en pequeños garitos y bares del norte de España. Eso les ha llevado a animarse a componer sus propias canciones e ir dejando poco a poco las versiones de standards de blues. Algunas de estas nuevas composiciones se incluyen en este disco, siete de ellas cantadas en euskera más un tema instrumental. Una banda joven y con nuevas ideas que aportar al mundo del blues, el rhythm and blues o incluso el pop, que buscan sobre todo alejarse de estereotipos o de copiar los clichés propios del blues, para, de este modo, dar a sus canciones un aire personal con una calidad e identidad muy particular. Eso no quita para que diversas influencias de Otis Rush, Sonny Boy Williamsom, ritmos de New Orleans, el boogie de carretera o el country blues estén presentes en sus influencias cuando se trata de componer material original. La banda está formada por Jon Barreros a la guitarra y voz, Urko Ruiz De Apodaka al bajo y voces, Yon Lavaien a los teclados y Fermín Etxeberría a la batería y percusión. MUY BUENO. Formed in year 2010 in Basque Country, Spain, Starblues has gradually gained experience as a band, performing in a variety of shows in bars and clubs of the north of Spain. This has led them to decide to start writing their own compositions and gradually put aside blues standards versions. Some of these new own songs have been included in this album, seven sung in basque language plus an instrumental song. This is a young band with new ideas to bring to blues, rhythm and blues or even pop fields, whose aim is to move aside from copying blues clichés and stereotypes and, in this way, give a personal touch and a particular quality and identity to all their songs. This does not mean that deep influences coming from Otis Rush, Sonny Boy Williamsom, New Orleans rhythms, roadhouse boogie or country blues rhythms cannot be found in their music and original material. The band musicians are Jon Barreros on guitar and vocals, Urko Ruiz of Apodaka on bass and backing vocals, Yon Lavaien on keyboards and Fermin Etxeberria on drums and percussion. VERY GOOD.

Blues Desfass “Take It Easy”. Self Production 2018.
Siempre es un placer volver a encontrar a los entrañables y viejos amigos de Fastard, uno de los grupos de blues pioneros de la escena de Barcelona, embarcados ahora en un nuevo proyecto. Después de largos años de silencio, reaparecen con el nuevo nombre de Blues Desfass y, por si esto no fuera suficiente, publican un álbum para deleite de sus seguidores. Todos ellos han madurado musicalmente y se han asentado para imponer una nueva marca y un repertorio compuesto a partes iguales por temas propios y algunos covers en diez temas interpretados con pasión y buenas dosis de intensidad y feeling. Flavio Castiglione está a la armónica, la voz y la guitarra, alternándose con Leo Carreras a la voz y la guitarra. La banda se completa con Albert Guitart al bajo y voces y Fernando Cuervo a la batería y voces. Se suele decir a menudo que segundas partes nunca fueron buenas pero, en esta ocasión, Blues Desfass desmiente esta afirmación y confirman que el blues y el rock corren por sus venas y que van dar muchas satisfacciones a sus seguidores o, al menos, así lo esperamos. MUY BUENO. It is always a pleasure to rejoin the lovely old friends of Fastard band, one of the pioneer blues groups of Barcelona scene, who are now facing a new project. After long years of silence, they come back with a new name, Blues Desfass and, if this was not enough, they also publish an album to delight all their followers. All them have musically matured and settled down to give a new stamp to their music and build up repertoire that combines own songs and some covers in ten tracks performed with passion and a good dose of intensity and feeling. Flavio Castiglione is on harmonica, vocals and guitar, alternating with Leo Carreras on vocals and guitar too. The rest of the band are Albert Guitart on bass and backing vocals and Fernando Cuervo on drums and backing vocals. You may often hear second parts are no good but, this time, Blues Desfass denies this statement and confirms blues and rock run through their veins to give big satisfaction to all his followers or, at least, we hope so. VERY GOOD.

Dana Fuchs “Love Lives On” Get Along / Rick Lusher 2018.
Desde New York la cantante Dana Fuchs se ha trasladado a Memphis para grabar éste álbum con trece robustos y sugestivos temas donde nos muestra todo su poderío que no es poco. Dana es una artista de pies a cabeza que se ha hecho a si misma trabajando muy duro para conseguir hacerse un nombre en la competitiva escena del blues actual y llegar en poco tiempo hasta donde ha llegado. Gracias al éxito conseguido interpretando el papel de Janis Joplin en la obra musical “Love, Janis” en Broadway se le han abierto muchas puertas y ha podido fundar su propio sello discográfico. Este es su séptimo larga duración que ha grabado después del fallecimiento de sus padres, su hermana y dos hermanos y del nacimiento de su primer hijo. Todos estos acontecimientos han propiciado que Dana Fuchs se emplee mas a fondo y mejor que nunca dando todo lo que lleva dentro con un repertorio perfectamente compuesto a su medida y respaldada por un elenco de músicos impecables y unos arreglos de primera magnitud que conforman un excelente álbum, por no mencionar la producción exquisita que corre a cargo de Gren Schoch, Kevin Mackall y Sam Green. MUY BUENO. From New York, singer Dana Fuchs has travelled to Memphis to record this album with thirteen robust suggestive songs, where she shows all her amazing strength, which is not small. Dana is a complete self made artist who has worked very hard to get a name in the competitive actual blues scene and has reached in a very short time an outstanding place in blues and rock circles. Thanks to the success she got playing the role of Janis Joplin in the musical tribute "Love, Janis" in Broadway, many doors opened to her and she has been able to create her own record label. This is her seventh album, which was recorded after the death of her parents, her sister, two brothers and the happy birth of her baby boy. All these touching circumstances have given Dana a new force to sing better than ever to give the best of herself along a tailor made repertoire, backed by a faultless musicians, as well as magnificent arrangements which round up an excellent album, not to mention the exquisite final production by Gren Schoch, Kevin Mackall and Sam Green. GREAT.

Heigh Chief “II”. Cracker Factory Music 2018.
Noruega ha dado siempre excelentes artistas y bandas de blues y estilos afines como la música americana con raíces. Este es el caso de Heigh Chief, un grupo que nos transporta a aquellas bandas de rock sureño y californiano de principios de los años 70, aunque en su música tampoco faltan incursiones en el blues, el jazz o el country rock. Poco a poco se han ido haciendo un nombre no sólo en su país sino también en muchos de los países del norte de Europa, siendo también unos habituales en actuar en Alemania. El disco nos presenta diez temas propios y una versión de la canción de Bob Dylan “Shall Be Released” profundamente enraizados en la música americana, interpretados con convicción, energía y enorme musicalidad, canciones con grandes dosis de guitarras y buenos arreglos vocales. Entre las muchas influencias que planean a lo largo de sus composiciones musicales se encuentran The Allman Brothers, Eagles, Poco, Lynyrd Skynyrd, Crosby, Still, Nash & Young, Mountain, Comander Cody o Flaying Burritos por citar unos pocos. De cualquier forma Heigh Chief tienen personalidad, sonido y buena resolución, aportando excelentes dosis de sabor y un aire nuevo al rock que se hace hoy día en los países del norte de Europa. MUY BUENO. Norway has always given excellent blues and other related styles like American roots music artists and bands. This is the case of Heigh Chief, a group which drives us to those southern rock and California bands of the early 70’s, although in his music there is also blues, jazz or rock. Little by little the group has been well known, not only in his country but also in many north European countries, and they can be usually seen playing in Germany. The album gathers ten songs and a version of Bob Dylan’s song "Shall Be Released", all deeply rooted in Americana music, played with conviction, energy and musicality, as well as with large doses of guitars and good vocal arrangements. Among the many influences that can be found in their musical compositions you will find The Allman Brothers, Eagles, Poco, Lynyrd Skynyrd, Crosby, Still, Nash & Young, Mountain, Comander Cody or Flaying Burritos to name a few. Anyway Heigh Chief has personality, nice sound and a good approach, providing an excellent flavour and a new air to the rock that is now played in the north of Europe. VERY GOOD.

Wiley Cousins “Rock & Roll”. Midnight Rock 2018.
Wiley Cousins es un apasionado del rock & roll y de la cultura rockera, además de ser un espíritu inquieto que no deja de investigar y encontrar nuevos recursos para su música, siempre inspirada en el rockabilly, el blues o los ritmos de New Orleans. Siendo un adolescente, a mediados de loa 80, dejó su California natal y viajó en su Harley hasta Austin para vivir in situ los estilos que más le gustaban. Allí entró en contacto con músicos como Gatemouth Brown,, The Fabulous Thunderbirds, Pinetop Perkins, Albert Collins, Hank Thompson, Johnny Bush, Santiago Jimenez, Bobby Keys, Lazy Lester o Clifton Chenier. Pero su alma inquieta le hizo viajar a Europa y establecerse en Finlandia donde reside actualmente. El disco nos presenta a un artista que, partiendo del rockabilly, se adentra y experimenta en otros campos, siempre desde una perspectiva llena de una aparente simplicidad pero que rebosa autenticidad, sentido del humor y naturalidad en una constante evolución de ideas, ritmos, y estilos, junto al mensaje de sus canciones. En definitiva, un disco variado, diferente, vital y cien por cien original. MUY BUENO. Wiley Cousins is a real and passionate lover of rock & roll and rock culture, besides a restless spirit who does not stop to investigate and find new `paths and resources for his music, always inspired by rockabilly, blues or New Orleans rhythms. When he was only a teenager, in middle 80’s, he left his native California and travelled on his Harley to Austin to live and enjoy in person the music he most liked. There he was in touch with musicians like Gatemouth Brown, The Fabulous Thunderbirds, Pinetop Perkins, Albert Collins, Hank Thompson, Johnny Bush, Santiago Jimenez, Bobby Keys, Lazy Lester or Clifton Chenier. But his restless personality made him travel to Europe and settle in Finland, where he lives now. The album introduces us an artist who, having rockabilly as a starting point, goes a step ahead and investigates in other fields, always from a perspective full of an apparent simplicity but that communicates a genuine spontaneity and sense of humour in a continuous evolution of ideas, rhythms and styles, together with the special message of his song lyrics. In short words, this is a varied, different, vital and hundred percent original recording. VERY GOOD.
 

JUNIO 2018 / JUNE 2018

Mud Morganfield “They Call Me Mud”. Severn / Mark Pucci 2018.
Hijo de una leyenda del blues como fue Muddy Waters, Mud Morganfield nos presenta su nuevo álbum que se convierte en un compendio del blues que se escucha actualmente en la ‘ciudad del viento’, sin perder su originalidad ni tampoco el añejo sabor del blues de su padre. Por si ello no fuera suficiente, Mud se ha rodeado de un puñado de excelentes músicos de Chicago conocedores todos ellos tanto del nuevo lenguaje como del inmortal blues de aquellos años gloriosos, como son Billy Flynn a la guitarra, Studebaker John a la armónica, el japònés Sumito Ariyo Ariyoshi al piano, E.G. McDaniel al bajo y Melvin “Pookie Stix” Carlisle a la batería, además de unos invitados muy especiales como son Billy Branch a la armónica, Mike Wheeler a la guitarra. la hija de Morganfield, Lashunda Williams, a la voz en una canción a dúo con su padre y una sección de vientos en algunos cortes. El disco contiene doce canciones, diez de ellas son composiciones del propio Mud y las otras dos “Howling Wolf” y “Can’t Get No Grinding” extraídas del repertorio de su padre. Con este álbum que Mud ha querido dedicar a su padrino James Cotton y al malogrado pianista Barrelhouse Chuck quien fue uno de los inspiradores de este proyecto, queda demostrado que el blues de Chicago sigue su propio e imparable camino. MUY BUENO. Son of a blues legend as was Muddy Waters, Mud Morganfield publishes a new album that becomes a summary of the blues that can now be heard in the “windy city”, that does not loose the originality and the vintage flavour of his father’s blues. And if this was not enough, Mud is surrounded by a handful of excellent Chicago musicians who really know. not only the new language of the genre but also the everlasting blues of those glorious years, like are Billy Flynn on guitar, Studebaker John on harmonica, Japanese Sumito Ariyo Ariyoshi on piano, E.G. McDaniel on bass and Melvin "Pookie Stix" Carlisle on drums, together with some very special guests such as Billy Branch on harmonica, Mike Wheeler on guitar, Morganfield’s daughter, Lashunda Williams, on vocals on a beautiful duet with his father and a horn section in some tracks. The album gathers twelve songs, ten Mud’s own compositions and two, "Howling Wolf" and "Can't Get No Grinding", coming from his father repertoire. With this album Mud has dedicated to the memory of his godfather James Cotton and the late piano player Barrelhouse Chuck who was one the project initiators, it becomes evident that Chicago blues follows on a healthy unstoppable way. VERY GOOD.

Long Tall Dev And Colin John “Dragonfly”. VizzTone 2017.
Long Tall Deb y Colin John son dos personas apasionadas por la música. A lo largo de sus muchos viajes por Europa, América, India o Nepal, han intentado siempre absorber influencias de la cultura y sobre todo de la música de los países que visitan. Gracias a ello este nuevo álbum se convierte en una amalgama de estilos, sonidos, colores y cromatismos sonoros que abarcan el blues, el soul, el rock, el surf, el spaghetti western, el jazz del cine ‘negro’, el pop, la música americana y la world roots. Todas estas influencias y sonoridades están integradas en una colección de once canciones originales con la excepción del tema “Lungs”  cuya autoría es de Townes Van Zandt. La voz de la vocalista Long Tall Dev combina con precisión y acierto con la de su partenaire Colin Jones quien está a las guitarras tanto acústicas como eléctricas, al sitar, al  lap steel y ocasionalmente al bajo y piano. En el disco cuentan también con un puñado de invitados que contribuyen a realzar la calidad de este álbum curioso y excitante. MUY BUENO. Long Tall Deb and Colin John are a couple of music passionate fellows. During their many travels in Europe, America, India or Nepal, they have always tried to accumulate many cultural influences but especially absorb most of the music of the countries they visit. This is the reason why this new album becomes a mixture of styles, sounds and vivid colours covering blues, soul, rock, surf, spaghetti western, noir jazz, pop, Americana and world roots. All these influences and sounds are completely integrated in a collection of eleven own compositions, with the exception of the song "Lungs" that comes from Townes Van Zandt. The suggestive voice of singer Long Tall Dev precisely and tastefully combines with the one of her partner Colin Jones, who also plays both acoustic and electric guitars, as well as sitar, lap steel and occasionally bass and piano. The recording also features a handful of guests who contribute to enhance the quality of this really special and exciting album. VERY GOOD.

Katy Guillen & The Girls “Remember What You Knew Before” VizzTone 2018.
De la zona del medio oeste norteamericano nos llega el nuevo trabajo de Katy Guillen & The Girls, un trío de féminas formado por la propia Katy Guillen a la voz, guitarras eléctricas, acústicas y resonator, Claire Adams al bajo y contrabajo y Stephanie Williams a la batería y percusión. En el disco el trío explora las raíces del blues, el country, o el folk, a través de nuevas, atrevidas, arriesgadas y originales ideas con las que desarrollan y aportan una nueva y contundente estructura, realizada con una instrumentación mucho mas acústica que en sus anteriores trabajos, lo que confiere una mayor frescura a estas grabaciones. De este modo el álbum se convierte en un disco bastante intimista, no exento de un cálido y suave sonido que permite saborear a esta formación en todo su sabor y sobre todo apreciar las dotes de Katy Guillen como compositora en todas y cada una de las once canciones que componen el álbum. Definitivamente estas tres mujeres han ganado en madurez, experiencia y conocimiento, cualidades con las que, a partir de ahora, pueden aspirar a conseguir con mayor facilidad sus ambiciones más inmediatas. BUENO. From thee Midwest of America comes the new work of Katy Guillen & The Girls, a women trio with Katy Guillen on vocals, acoustic, electric and resonator guitars, Claire Adams on bass and double bass and Stephanie Williams on drums and percussion. In this new album they explore the roots of blues, country or folk music and they do it trough a repertoire full of daring, original and new ideas, where they develop a new powerful structure, displayed with a more acoustic cool instrumentation than in their previous recordings. In this way the album becomes a quite intimate one, thanks to a warm gentle sound that allows you savour the group tasteful flavour and especially appreciate Katy Guille’s skills as songwriter in each one of the eleven cd songs. These three women have gained in maturity, experience and knowledge, qualities that will let them easily reach their most immediate musical wishes. GOOD.

Marshall Lawrence “Feeling Fine”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Desde Canadá Marshall Lawrence nos obsequia con su quinto disco con el que vuelve de nuevo al rock y al blues mas enérgico con reminiscencias de la aquellas bandas británicas y californianas de los años setenta y de principios de los años ochenta. Después de publicar sus trabajos anteriores, Marshall fue descrito por la crítica especializada como un ácido y tumultuoso visionario del neo-delta y fue comparado con tipos de la talla de Woody Guthrie, Taj Mahal, Roy Bookbinder o Corey Harris. No obstante, en esta ocasión su música rezuma rock progresivo y algunos blues a lo Rory Gallagher. Lawrence Marshall construye su discurso con un trabajo de guitarra efectivo y efectista, todo ello con el respaldo de una maquinaria perfectamente engrasada y estructurada gracias al buen servicio que le proporciona una sección rítmica eficaz, contundente y feroz, que saben en todo momento lo que tienen que hacer para realzar los temas que interpretan. Tanto el batería Allan Beveridge como el bajista Zach Daniel Robertson están dotados de un pulso y un beat  sobrio y efectivo a partes iguales, mientras el teclista Andrew Glover dibuja con habilidad y buen gusto, unas líneas armónicas muy bien dispuestas a lo largo de las diez composiciones del propio Lawrence Marshall. MUY BUENO. From Canada, Marshall Lawrence brings us his fifth album, which comes back to the most energetic rock and blues that could remind those British and California bands of the seventies and early eighties. After the release of his previous albums, Marshall was defined by specialized media as an acid Neo-Delta visionary and he was also compared with musicians like Woody Guthrie, Taj Mahal, Roy Bookbinder or Corey Harris. However, this time his music combines progressive rock and some blues in the path of Rory Gallagher. Lawrence Marshall builds his speech with an effective dramatic guitar work, perfectly backed by a well-oiled machinery, with the good work of an effective, strong powerful rhythm section, which perfectly know what they have to do to enhance every album song. Both drummer Allan Beveridge and bass player Zach Daniel Robertson are gifted with a restrained but effective beat, while keyboard player Andrew Glover skilfully draws tasteful lines and beautiful arrangements along the ten Lawrence Marshall's own compositions. VERY GOOD.

Gus Spenos “It’s Lovin’ I Guarantee”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Los amantes y buenos degustadores del jump, el swing y el boogie están de enhorabuena con la aparición de este soberbio álbum del cantante y saxofonista Gus Spenos, quien lidera y dirige con firme batuta, buen gusto y férrea mano una big band de doce músicos y dos coristas que con sus voces aportan enorme alegría, swing y variadas armonías a un repertorio entroncado en la tradición de los combos y las orquestas de jump, jive y rhythm and blues de los años cuarenta y cincuenta. Gus combina su trabajo como neurólogo con su pasión por este estilo de música que acabamos de mencionar y se afirma como un músico e interprete de indudable solera. Este es su segundo álbum y en el mismo se incluyen trece temas explosivos de autores bien conocidos entre los aficionados como por ejemplo Buddy Johnson, Jimmy Rushing, Billy Brooks, Lucky Carmichael, Eddie Boyd o Titus Turner entre otros, además de alguna que otra composición del propio Gus Spenos junto a Collin DeJoseph que es el pianista y arreglista del disco. Un disco fantástico para alegrar bailes, fiestas y todo tipo de eventos, pero que también es perfecto para disfrutarlo en el hogar, en un viaje en coche o en cualquier otro lugar que se tercie. BUENISIMO. All jump, swing and boogie lovers are really lucky with the release of this superb album by singer and sax player Gus Spenos, who strongly leads with and amazing good taste and an iron hand a big band of twelve musicians and two backing vocals who, with their teamed voices, bring an endless joy, swing and a variety of harmonies to a repertoire deeply rooted in the tradition of the 40’s and 50’s jump, jive and rhythm and blues orchestras and combos. Gus combines his day job as a neurologist with his passion for the just mentioned music styles, showing he is an artist of unquestionable quality. This is his second album that gathers thirteen explosive tracks coming from well known musicians and composers like Buddy Johnson, Jimmy Rushing, Billy Brooks, Lucky Carmichael, Eddie Boyd or Titus Turner among others, together with some Gus Spenos’ own compositions written in cooperation with the band piano player and cd arranger Collin DeJoseph. This is a fantastic album to enliven dances, parties and all kind of events but, on the other hand, it is also perfect to enjoy it calmly at home, on in a long car journey or in any other place. GREAT.

Tommy DarDar “Big Daddy Gumbo”. Tony Braunagel / Frank Roszak 2018.
El prematuro fallecimiento de Tommy DarDar dejó huérfanos a todos sus seguidores, fans y amigos del blues de la costa del Golfo. Tommy tenía un gran sentido del humor y era también muy apreciado como persona, al igual que por su innato talento como cantante, compositor y armonicista. Algunos de sus amigos y compañeros conocían la existencia de unas grabaciones suyas que no habían salido nunca a la luz y por ello decidieron trabajar en ellas para publicarlas como un homenaje póstumo, que ahora aparecen en el mercado para deleite y disfrute de los buenos aficionados. El batería Tony Braunagel tomó muy seriamente las riendas del asunto y junto a Hutch Hutchinson al bajo, Jon Cleary al piano, Johnny Lee Schell a la guitarra, Mike Finnigan y Barry Seelen ambos al Hammond, Joe Sublett al saxo, Jimmie Rose a la percusión y las voces de Teresa James, Tommie Lee Bradley, Larry Fullcher y Terry Wilson, dieron forma y sustancia a este espléndido álbum donde se recogen aquellas últimas nueve canciones en las que Tommy había trabajado y que ahora se convierten en un legado impagable y de enorme calidad de un excelente músico de blues. Un disco que no debe ser pasado por alto por nadie que se precie de amar los blues. BUENISIMO. The early death of Tommy DarDar let orphans all his followers, fans and friends of Gulf Coast blues scene. Tommy was a lovely friendly man, but he was also gifted with a natural talent as singer, songwriter and harmonica player. Some of his friends and colleagues were aware he had been working in some recordings that never had seen the light, so they decided to work on them and release them as a posthumous tribute to this great musician and good friend, they have now been published to the delight and joy of good blues lovers. Drummer Tony Braunagel took the project leadership and together with Hutch Hutchinson on bass, Jon Cleary on piano, Johnny Lee Schell on guitar, Mike Finnigan and Barry Seelen both on Hammond, Joe Sublett on sax, Jimmie Rose on percussion and backing voices of Teresa James, Tommie Lee Bradley, Larry Fullcher and Terry Wilson, gave shape and substance to this splendid album, with those nine songs Tommy had been working on, which now become a priceless high quality legacy of an amazing blues artist. This is an album that should not be overlooked by any blues lover. GREAT.

Steven Troch Band “Rhymes For Mellow Minds”. Sign My Tittle 2018.
Desde Bélgica nos llega el nuevo trabajo del cantante y armonicista Steven Troch que presenta una ecléctica y variada colección de canciones propias con las que refleja su personalidad y la amplia gama de matices que posee. El álbum incluye una amplia variedad de estilos musicales que van desde el swingin’ jazz a la rumba, los shufflés mas bailables, el country blues stomp, algo de rockin’ shuffle e incluso aborda el gospel con pericia y atrevimiento. Todo ello conforma un disco variado y atractivo pensado para agradar a un amplio sector del público y en el que Steven está acompañado por los excelentes músicos de su banda que son “Little Steve” Van Der Nat a la guitarra, Miss Liesbeth Sprangers al bajo y King Berik a la batería, además de algunos interesantes invitados. El disco se nutre de trece temas que nos hablan de la soledad, la invisibilidad, los perdedores de la vida o el alcohol, pero también de la alegría de una vida sencilla, todo ello construido sobre unos recursos sonoros muy bien concebidos y a la vez plasmados con mucho acierto y eficacia. MUY BUENO. From Belgium comes the new recording by good singer and fine harmonica player Steven Troch, which includes an eclectic varied collection of songs that reflect his outstanding personality and the wide range of nuances he can give to his music. The album gathers an interesting variety of musical styles, from the most swingin' jazz to rumba, dance shuffles, rollin’ country blues stomps, some hard rockin' rhythms and even he tastefully dares with gospel music. All that rounds up an attractive album ready to please the most wide audiences, where Steven is backed by his excellent  band musicians, "Little Steve" Van Der Nat on guitar, Miss Liesbeth Sprangers on bass and King Berik on drums, besides some interesting guests. Thirteen songs firmly built over a well conceived sound displayed on a clever and effective way that talk about loneliness, invisibility, life losers or drunken people, but also about the joy of living a natural simple life, GREAT. 

Guitar Jack Wargo “Keepin’ It Real”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Aunque el nombre de Guitar Jack Wargo no sea demasiado familiar para muchos de los aficionados al blues, lo cierto es que ha participado en giras a nivel internacional de artistas como Screamin’ Jay Hawkins, Billy Preston o Solomon Burke además de grabar con Ray Charles. Este nuevo álbum de Guitar Jack Wargo puede clasificarse como blues contemporáneo salpicado de buenas dosis de aquel soul y rhythm and blues de antaño en el que se Incluyen once temas originales mas una versión de una vieja canción de Woodie Guthrie titulada “Goin’ Down The Road Feeling Bad”. En este disco Jack suena realmente inspirado, con arreglos jugosos y unas composiciones repletas de grandes momentos musicales, junto a esa nostalgia o esa alegría que sólo el blues sabe proporcionar. Su guitarra y su voz encuentran en todo este nuevo trabajo el contrapunto ideal de A D Beal como cantante invitado en algunos temas, Arlan Oscar Shierbaum al Hammond, wurlitzer y piano eléctrico, Matt Bragg al bajo y Edoardo Tancredi a la batería junto a un puñado de músicos invitados que realzan la calidad de este disco ya de por si excelente. MUY BUENO. Although Guitar Jack Wargo may no be familiar to many blues lovers, he has toured at international level with such great artists like Screamin' Jay Hawkins, Billy Preston or Solomon Burke and he also recorded with Ray Charles. Guitar Jack Wargo new album could be defined as contemporary blues spiced with a good dose of amazing vintage soul and rhythm and blues. It includes eleven original compositions plus a version of an old Woodie Guthrie’s song entitled "Goin' Down The Road Feeling Bad". Guitar Jack sounds totally inspired, with juicy arrangements full of great musical moments as a good frame of the various sad or happy feelings of blues. His good guitar playing and vocals find the suitable counterpoint in A D Beal as guest singer in some tracks, Arian Oscar Shierbaum at Hammond, Wurlitzer and electric piano, Matt Bragg on bass and Edoardo Tancredi on drums, plus a handful of remarkable guest musicians who enhance the quality of an excellent recording. GREAT.

Ghost Town Blues Band “Backstage Pass”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Desde Memphis, Tennessee llega la Ghost Town Blues Band para poner orden y mostrar cómo llevan las riendas de la escena de su ciudad. Un grupo con un directo potente e increíble capaz de conseguir atrapar a todo el público que se da cita en sus conciertos. Toda la fuerza de su directo queda recogida en este nuevo trabajo grabado desde el histórico Lafayette Music Room en la ciudad de Memphis, extraído de un memorable e imponente concierto que tuvo lugar el 29 de julio del 2017. Son nueve canciones, cinco de ellas compuestas por el lider del grupo Matt Isbell, y el resto versiones de temas tan conocidos como “Come Together!” de Lennon y McCartney o “Whipping Post” de Greg Allman. La banda recoge toda la crudeza del sonido del rock y el blues sureño con una fidelidad y un registro auténticamente sucio y descarnado. Matt Isbell a la voz, guitarra, cigar box y armónica, Taylor Orr guitarra y voces, Tim Stanek al Hammond B-3, piano y teclados, Suavo Jones al trombón y voces, Kevin Houston al saxo y voces, Matt Karner al bajo y voces y Preston McEwen a la batería demuestran que, a pesar de su juventud, conocen todos los resortes del blues y la música sureña con un coeficiente musical de alto voltaje. MUY BUENO. From Memphis, Tennessee comes The Ghost Town Blues Band to put order and show how they take the reins of Memphis scene. The band has a powerful incredible live sound, able to catch all the audiences who crow their shows. All the intensity they communicate on stage has been gathered in this new work, which was recorded live from the historic Lafayette Music Room in Memphis during and unforgettable impressive show they performed on July 29, 2017. Nine songs, five of them coming from band leader Matt Isbell and the rest versions of popular songs like "Come Together" by Lennon and McCartney or "Whipping Post" by Greg Allman. The band faithfully collects all the essence of raw and rough southern rock and blues. Matt Isbell on vocals, guitar, cigar box and harmonica, Taylor Orr on guitar and vocals, Tim Stanek on Hammond B-3, piano and keyboards, Suavo Jones and trombone and vocals, Kevin Houston on sax and vocals, Matt Karner on bass and vocals and Preston McEwen on drums show that, in spite their youth age, they really know all blues and southern music resources to produce a high level recording. GREAT.

Schrammel & Slide “Best Of”. Acoustic Music 2017.
Este disco es una de esas rarezas que de vez en cuando aparecen en el mercado y que es de justicia dar a conocer. En 1993 el ecléctico guitarrista Hans Reffert y el multi-instrumentista de cuerda Adax Dörsam fundaron el dúo de música de vanguardia Schrammel & Slide. Publicaron nueve álbumes instrumentales de gran belleza plástica y conceptual. Hans Reffert nació en julio de 1946 y falleció en febrero del año 2016. A lo largo de su carrera colaboró con un montón de músicos de indudable calidad como Catherina Valente o Siegfried Schwab. Por su parte Adax Dórsam nació en agosto de 1955 y su carrera se ha cimentado básicamente en actuaciones en directo como músico de acompañamiento de artistas como Rolf Zuckowski o Tony Marshall. Ambos músicos coleccionan y mezclan sonoridades totalmente diferentes que, en sus manos, se convierten en improvisaciones llenas de sentimiento, gracias a un arsenal de guitarras y un estilo enfebrecido orquestado a base de cuerdas. El álbum contiene veinticuatro canciones de difícil clasificación aunque cercanas a la world music. This album is one of these rarities that from time to time appear in the music market to be known by general public. In 1993 eclectic guitar player Hans Reffert and strings multi-instrumentalist Adax Dörsam founded the avant-garde duo Schrammel & Slide. They published nine instrumental albums of a conceptual great artistic beauty. Hans Reffert was born in July of 1946 and unfortunately died in February 2016. Along his career he worked with many musicians of undeniable quality like Catherina Valente or Siegfried Schwab. On the other hand Addax Dorsam was born in August 1955 and his career has primarily taken place in live performances, as backing musician of great artists like Rolf Zuckowski or Tony Marshall. Both musicians collect and mix totally different sounds that, in their hands, become improvisations with an amazing feeling, thanks to an arsenal of guitars and a feverish orchestrated style based on strings. The album gathers twenty four songs rather difficult to classify but quite close to world music.

The Bush League “James Rivan”. Self Production / Blind Raccoon 2018.
Semifinalistas en 2012 y 2017 en el IBC de Memphis, el grupo The Bush League se fundó en el 2007 en un viejo y destartalado porche de una casa campestre cercana a Richmond, Virginia, por dos buenos amigos como son el cantante John Jason ‘JohnJay’ y el bajista Royce Folks, aunque pronto se les unieron Wynton Davis a la batería y Brad Moss a la guitarra. La banda puede definirse como un grupo que combina detalles de funk, soul, gospel y rock con el blues mas grasiento de la zona del North Mississippi Hill Country. Este es su cuarto disco y fue grabado en los estudios Ardent de Memphis. El álbum incluye diez canciones originales y dos covers, “Kokomo Me Baby” de Mississippi Fred McDowell y “Catfish Blues” de Muddy Waters. Para esta grabación la banda contó con la colaboración de una buena selección de amigos como son el guitarrista Trenton Ayers de Cedric Burnside Project, Jeremy Powell del grupo Southern Avenue a la trompeta y teclados, Suavo Jones de Ghost Town Blues Band al trombón, Paul Biasca al saxo y Vince Johnson a la armónica. Conocidos por sus rocoso sonido y su enérgico directo, de nuevo en este trabajo The Bush League traspasan fronteras para conducirnos por tortuosos y agresivos caminos del viejo y sucio sonido del blues. MUY BUENO. Semi-finalists in 2012 and 2017 at the IBC in Memphis, The Bush League was founded in 2007 on an old back porch of a country house near Richmond, Virginia, by two good friends such singer John Jason 'JohnJay' and bass player Royce Folks. Soon they were joined by Wynton Davis on drums and Brad Moss on guitar. They can be defined as a band that combines funk, soul, gospel and rock influences with the greasy blues of North Mississippi Hill Country area. This is their fourth album which was recorded at Ardent studios in Memphis. The cd includes ten original songs and two covers, "Kokomo Me Baby" coming from Mississippi Fred McDowell and "Catfish Blues" by Muddy Waters. For the recording the band counted with the collaboration of a good selection of musicians and friends like guitar player Trenton Ayers of Cedric Burnside Project, Jeremy Powell of Southern Avenue on trumpet and keyboards, Suavo Jones of Ghost Town Blues Band on trombone, Paul Biasca on sax and Vince Johnson on harmonica. Well known by their rocky direct and energetic sound, once again The Bush League cross borders to drive us along the raw winding and aggressive roads of dirty old blues. GREAT.

Reverend Raven & The Chain Smokin’ Altar Boys “My Life”. Nevermore / Blind Raccoon 2018.
Reverend Raven y sus Chain Smoking Altar Boys vuelven nuevamente a la palestra con un álbum que deleitará y entusiasmará a la mayoría de oyentes, gracias a un blues de nueva factura y al tiempo tradicional, basado en un repertorio de temas propios profundamente influenciados por bluesmen de la categoría de Slim Harpo, Little Walter, Jimmy Rogers, Billy Boy Arnold, Junior Wells e incluso los tres Kings. Todas esas influencias están presentes a lo largo de dieciséis canciones que, como ya he mencionado, son del propio Raven, todas ellas rebosantes de swing, twist y ritmo que redondean un álbum de gran calidad y grata escucha. Para celebrar sus veinte años de carrera presentan este nuevo disco con canciones pertenecientes a su repertorio, pero que ahora han vuelto a grabar interpretadas junto a unos invitados de una enorme calidad como son Cadillac Pete Rahn, Madison Slim, Benny Rickun, Big Al Groth, Mickey Larson, Danny Moore o Westside Andy. El resultado es un álbum magnífico, con un enorme poderío, envergadura, solidez y mucho feeling, en el que todos los músicos sobresalen con inmensa madurez y pasión. Blues de Chicago, swing, rumba, roadhouse blues, delta, jump…. Todo esto y mucho más lo encontrareis aquí concentrado. ¡No lo dejéis escapar!. BUENISIMO. Reverend Raven and his Chain Smoking Altar Boys come back again to the front line with an album that will delight and enthusiasm most listeners, thanks to a new but at the same time traditional blues, based on a repertoire deeply influenced by such great bluesmen like Slim Harpo, Little Walter, Jimmy Rogers, Billy Boy Arnold, Junior Wells or even the three Kings. All these influences can be found along the sixteen songs that, as just mentioned, are Raven’s own compositions, all them filled with an amazing swing, rhythm and twist to round a high quality album to be pleasantly listened. To celebrate his twenty years of career they have published this new album with songs that come from their wide repertoire, they have recorded again together with excellent guest musicians such as Cadillac Pete Rahn, Madison Slim, Benny Rickun, Big Al Groth, Mickey Larson, Danny Moore or Westside Andy. The result is a magnificent ambitious album, with a terrific strength and an enormous feeling, where all the musicians stand out with an immense maturity and passion. Chicago blues, swing, rhumba, roadhouse blues, delta, jump… All this and many other good things can be found on it, so please do not miss it! ESSENTIAL.

Laurie Morvan “Gravity”. Screaming Lizard / Blind Raccoon 2018.
Finalmente Laurie Morvan, carismática cantante y guitarrista que, en ningún momento, pierde su natural frescura y su inmenso atractivo, publica ahora su sexto álbum. Muchos dicen de ella que posee el feeling de Bonnie Raitt y el toque de guitarra de Stevie Ray Vaughan. Estaba previsto que el disco se publicara en 2014 pero una desgraciada fractura de su muñeca que necesitó varias operaciones quirúrgicas, dieron al traste con sus expectativas y proyectos, apartándola del ‘show business’ durante dos largos años. Es por ello que este álbum refleja toda la energía contenida durante esos años, junto a la emoción de volver a sentirse activa, con todo su potencial y unas ganas inmensas de estar nuevamente en acción. La voz y la magnífica guitarra de Laura están perfectamente sostenidas y respaldadas por Mike Finigan al Hammond B3, Jim Pugh también al Hammond B-3, piano y wurlitzer, Barry Goldberg al piano, Bob Glaub al bajo y Tony Braunagel, quien también ha sido el productor de este proyecto, a la batería y percusión. Son un total de doce canciones compuestas por Laurie Morvan en las que muestra todo su increíble potencial a la guitarra, su interesante voz y su imaginativa puesta en escena. El álbum suena tremendamente robusto y formidable. Si todavía no la conocéis, Laurie Morvan es una artista a tener muy en cuenta. BUENISIMO. Laurie Morvan is a charismatic singer and guitar player who never loses her natural freshness and her magnificent charisma that now publishes her sixth album. Many people say she has the feeling of Bonnie Raitt and the guitar tone of Stevie Ray Vaughan. Originally scheduled for 2014, the album was delayed when Laure suffered a wrist fracture that needed two surgeries, so she had to cancel all her projects and leave aside stages and show business for two long years. So the album is very special for her, as all the restrained energy she kept during those years, together with the excitement of her comeback with all her potential intact and a huge desire to be again in action, can be found along the whole recording. Laura’s voice and her superb guitar playing are perfectly supported by Mike Finigan on Hammond B3, Jim Pugh also on Hammond B-3, piano and wurlitzer, Barry Goldberg on piano, Bob Glaub on bass and Tony Braunagel, who has also produced the album, on drums and percussion. Twelve own Laurie Morvan’s songs where she shows her unbelievable potential on guitar, her interesting voice and imaginative presence. The album sounds extremely robust and formidable. If you do not know Laurie Morvan, she is an artist to be taken into account. GREAT.

Suzie Vinnick “Shake The Love Around”. Self Production / Sarah French 2018.
Desde Ontario, Canadá, nos llega el sexto disco de la vocalista, compositora y guitarrista Suzie Vinnick, una de esas ‘raras avis’ que aparecen de vez en cuando en Canadá, dotada de una especial sensibilidad y finura tanto en sus directrices vocales como en la composición de sus letras. Suzie desprende ternura, sensibilidad y una enorme dulzura que la diferencia de otras cantantes más dispersas en su concepción musical. Suzie Vinnick posee diez premios Maple Blues Awards como Mejor Cantante Contemporánea en la categoría folk, uno de los galardones más reputados y consolidados en Canadá. Asimismo ha sido nominada en tres ocasiones para los premios JUNO e incluso en el año 2013 llegó a la final del International Blues Challenge organizado por la Blues Foundation de Memphis. En este álbum se recogen doce temas que demuestran el talento y la versatilidad de una artista que se mueve a sus anchas en el folk, la música americana y el blues. En el álbum hay una amplia gama de contrastes que van de la felicidad a la sorpresa, pasando por sombras lúgubres, pero también por la esperanza y la fe. Desde principio a fin la alegría y el poderío de la voz de Suzie se muestra y se revela en cada una de las canciones de este trabajo, fiel reflejo de su interesante personalidad. MUY BUENO. From Ontario, Canada, comes the sixth album of singer, songwriter and guitar player Suzie Vinnick, one of those 'rare avis' that from time to time appear in Canada that are gifted with a special fine sensitivity both in vocal standards and in the display or lyrics. Suzie shows an outstanding tenderness, sensitivity and a huge sweetness, which makes her different from other less focussed singers especially in their musical conception. Suzie Vinnick has received ten Maple Blues Awards, one of the most reputed awards in Canada, as Best Contemporary Singer in folk category. She has also been three times nominated for JUNO Awards and, in year 2013, she reached the final at The Blues Foundation International Blues Challenge in Memphis. The album gathers twelve songs that clearly show the talent and versatility of an artist that easily moves in Americana music, folk and blues. In the recording you will be able to find a wide range of contrasts, ranging from happiness to surprise, dark shadows, hope and faith. Suzie’s joyful powerful voice can be immediately discovered in each album song, a recording that becomes a true example of her interesting personality. VERY GOOD.

Victor Wainwright And The Train “Victor Wainwright And The Train”. Ruf 2018.
Aquí tenemos un tren que llega a toda velocidad para llevarnos a un viaje atravesando los más variados paisajes de la música negra en cuanto a sonidos del blues de New Orleans, el boogie, el gospel o incluso la psicodelía. Con este álbum Victor Wainwright confirma su madurez artística como cantante, pianista y compositor dando una soberana lección magistral de cómo bucear en los salvajes y sensuales ritmos de la ‘Crescent City’ y todo ello a lo largo de doce canciones de factura propia. Rodeado de excelentes músicos que conocen bien el leguaje del rhythm and blues, el rock and roll y el boogie, a los que Victor da una nueva dimensión con su particular y expresiva forma de tocar el piano. Wainwright se pasea y se desenvuelve majestuosamente a lo largo de unas canciones efervescentes, intuitivas, sensuales y atractivas, impregnadas todas ellas del magnífico talento que este hombre posee. Los músicos que le acompañan son Billy Dean a la batería y percusión, Terrence Grayson al bajo y voz en un par de cortes, Pat Harrison a la guitarra y voz en otros dos cortes, además de diez invitados especiales que se van alternado a lo largo del álbum y entre los que cabe destacar a los guitarristas Dave Gross, Jeff Jensen o Monster Mike Welch. Un gran disco, provisto de un material estilístico soberbio. MUY BUENO. Here comes a full speed train to drive us to an exciting journey through the most varied black music landscapes like New Orleans blues sounds, boogie, gospel or even psychedelic music. The album confirms Victor Wainwright’s maturity as singer, piano player and composer, as he gives us a masterclass about how to go deep inside the wild and sensual Crescent City rhythms and he does it along twelve own compositions. Surrounded by excellent musicians who know well the language of rhythm & blues, rock & roll and boogie, Victor gives a new dimension to these musical styles, thanks to his particular expressive way of playing piano. Wainwright majestically walks along the intuitive, sensual and attractive album songs, showing the magnificent talent he has been gifted with. The musicians who back him are Billy Dean on drums and percussion, Terrence Grayson on bass and vocals in a couple of tracks, Pat Harrison on guitar and vocals in two more songs, besides ten very special guest musicians who take turns in the recording, like the remarkable guitar players Dave Gross, Jeff Jensen or Monster Mike Welch. This is an amazing album, filled with a superb stylistic material. GREAT.

The Nick Moss Band feat. Dennis Gruenling “The High Cost Of Low Living”. Alligator 2018.
Nick Moss es un excelente cantante, guitarrista y compositor de Chicago. Durante treinta años ha pagado todas sus deudas con el blues, aportando todo su talento y su propia visión del género, refrendando siempre con su firma el tributo más honesto del que son merecedores todos los grandes maestros del género, desde John Littlejohn a Magic Sam, Otis Rush, John Embry, Eddie Taylor, Jimmy Dawkins o Mighty Joe Young entre muchos otros. A pesar de su innegable talento Nick todavía no había grabado para el sello Alligator. Ahora lo ha hecho acompañado del gran armonicista Dennis Gruenling, deudor del sonido y del fraseo de Little Walter, formando ambos un tándem de categoría superior. El disco es una auténtica delicia para todos aquellos aficionados que busquen alimentarse tanto del blues de Chicago como del jump de la costa oeste. Composiciones propias Nick Moss y Dennis Gruenling se alternan profundamente enraizadas en la tradición sin perder por ello ni un ápice de actualidad. La producción del álbum ha estado a cargo de Kid Andersen y del propio Nick Moss. Además de Nick Moss a la guitarra y voz y Dennis Gruenling a la armónica y a la voz en un tema, ambos músicos están perfectamente respaldados por Taylor Streiff al piano, Nick Fane al bajo y Patrick Seals a la batería, mas las colaboraciones de Jim Pugh al órgano y piano, Kid Andersen a la guitarra, Eric Spaulding al saxo tenor y Jack Sanford al saxo barítono. Un disco de enorme e indudable valor que ningún aficionado al auténtico blues debería pasar por alto. BUENISIMO. Nick Moss is an excellent Chicago blues singer, guitar player and songwriter. For thirty years he has paid his dues, showing his talent and his own blues vision in countless gigs, signing the most honest tribute that deserve those great blues like John Littlejohn, Magic Sam, Otis Rush, John Embry, Eddie Taylor, Jimmy Dawkins or Mighty Joe Young among others. Despite his undeniable talent, Nick had not yet recorded for Alligator label. Now the dream has come true and here is his new album, he has recorded together with great harmonica player and music partner Dennis Gruenling, debtor of Little Walter’s sound and phrasing, forming together a first class tandem. The album becomes a real treat for those fans who want to feed their souls both with Chicago blues and West Coast jump. Nick Moss’ and Dennis Gruenling’s own compositions alternate along the recording, song that are deeply rooted in the blues tradition without losing an inch of the most actual sound. The album has been produced by Kid Andersen and Nick Moss. Besides Nick Moss on guitar and vocals and Dennis Gruenling on harmonica and singing in one song, the rest of musicians who perfectly support them are Taylor Streiff on piano, Nick Fane on bass and Patrick Seals on drums, plus the valuable collaboration of Jim Pugh on organ and piano, Kid Andersen on guitar, Eric Spaulding on tenor sax and Jack Sanford on baritone sax. This is an album of great value any genuine blues lover should not miss. ESSENTIAL.

Jack Bon Trio “Standing Rock”. Starassoprod 2018.
El trío conocido hasta no hace mucho como Ganafoul se ha reestructurado, cambiando el nombre de la banda y también a su batería. Es por ello que, con el nuevo nombre de Jack Bon Trio y el joven Rudy Rosselli a la batería, la banda ha comenzado una nueva andadura en la que siguen destilando con la misma energía de siempre el rock blues más cruel y energético con el que han deleitado a sus seguidores. Jack Bon lidera a esta destacable banda con firmeza y mano de hierro, que ahora nos presentan su cuarto trabajo discográfico compuesto por doce composiciones propias trufadas de energizante rock, absorbente y sucio boogie y el blues más rocoso y extremadamente sustancioso que se pueda imaginar. Originario de la zona de Lyon, Jack ha sido a menudo calificado como “el Rory Gallagher francés” y este álbum confirma toda la fama que le precede. A todos los que gusten de emociones fuertes cimentadas en el rock blues atávico de proporciones contundentes, este álbum satisfará con creces todas las expectativas. MUY BUENO. The trio known since not long ago as Ganafoul has done some changes, choosing a different name and recruiting a new drummer. With the actual name of Jack Bon Trio and the young Rudy Rosselli on drums, the band has started a new way, but giving the same energy than ever to the most energetic harsh rock blues that has always delighted his many followers. Jack Bon leads this remarkable band with a determined iron hand, a band which now brings us their fourth album with twelve own compositions filled with strong rock, wrapping dirty boogie and the most substantial rocky blues one could imagine. Coming from Lyon area, Jack has often been described as "the French Rory Gallagher" and this album confirms the fame that precedes him. For all those people who love strong feelings based in atavistic rock blues of conclusive proportions, this album will totally exceed all their expectations. VERY GOOD.

Jimi Barbiani Band “Boogie Down The Road Live!”. Starassoprod 2018.
La Jimi Barbiani Band es la nueva formación del músico ital
iano Jimi Barbiani, uno de los mejores guitarristas de slide de Europa en lo que a tocar blues y rock se refiere. Esta banda italiana mezcla con gusto y criterio diferentes estilos musicales y está profundamente influenciada por Jimi Hendrix, Joe Bonamassa, Jeff Beck e incluso Gov’t Mule, aunque sus raíces musicales provienen de los músicos que todos los componentes de la banda escuchaban cuando empezaron a interesarse en la música y especialmente en el blues, como B.B. King, John Mayall, Robert Plant, Blues Brothers, Johnny Winter o Greg Allman. Desde hace unos diez años se prodigan por los más importantes festivales y clubs de Italia, Alemania, Austria, Bélgica y Reino Unido. Rodeado de Daniele Vicario al bajo y voces y Gianluca Zavan a la batería y desde hace poco Pietro Taucher a los teclados, Jimi se  pasea con la slide por algunos de los temas del disco, siempre con pasión, gusto y buen criterio, entregándose en cuerpo y alma para, de este modo, conducir a sus músicos y al público a una especie de trance colectivo del que difícilmente podrá sustraerse el oyente de este disco. MUY BUENO. The Jimi Barbiani Band is the new group of Italian musician Jimi Barbiani, one of the best slide blues and rock guitar players in Europe. This Italian band mixes with an extreme good taste different musical styles that are deeply influenced by Jimi Hendrix, Joe Bonamassa, Jeff Beck and even Gov't Mule, although their musical roots come from those musicians they used to listen when they first became interested in music and especially in the blues, such as B.B. King, John Mayall, Robert Plant, Blues Brothers, Johnny Winter or Greg Allman. From about ten years, they have been booked at the most important festivals and clubs of Italy, Germany, Austria, Belgium or United Kingdom. Surrounded by Daniele Vicar on bass and vocals, Gianluca Zavan on drums and most recently by Pietro Taucher on keyboards, Jimi easily displays his slide knowledge along some of the album songs, performing every tune with an extreme passion, good taste and cleverness, that make him engage body and soul to, in this way, drive his musicians and the whole audience to a collective trance that any listener could hardly escape. VERY GOOD.  

Reverend Freakchild “Dial It In”. Treated & Released / Frank Roszak 2018.
El Reverend Freakchild nos sorprende con un álbum irreverente y experimental, pero siempre con jugosas aportaciones que podríamos definir como blues, aunque no faltan el folk y el rock psicodélico. Para llevar a cabo sus fantasiosas elucubraciones ha contado con la colaboración de sus músicos habituales, además de diversos amigos como son Chris Parker a la batería, Hugh Pool a la armónica, Mark Karan a la guitarra y voces, Garrett Dutton a la armónica y voz, Hazel Miller a las voces, Brian Mitchell al piano y Jay Collins al saxo tenor y barítono. Este es un disco sorprendente e imaginativo, de indudable dureza tanto en sus planteamientos como en sus consecuencias finales. Estilos tan dispares como el hip-hop, el rock, el folk electrónico, el country o la psicodelia encuentran sus espacios en este singular álbum de sorprendentes amalgamas sonoras, gracias a un nexo común como es el blues que dirige, planea y distribuye al resto de sonoridades por lugares cósmico-musicales realizados con pericia técnica, buen gusto e indudable originalidad. MUY BUENO. Reverend Freakchild surprises us with an irreverent experimental recording, as ever with juicy contributions that could be defined as blues, although you will also find interesting folk and psychedelic rock. To carry out his imaginative speculation he has counted with the collaboration of his regular musicians, together with a number of friends such as Chris Parker on drums, Hugh Pool on harmonica, Mark Karan on guitar and vocals, Garrett Dutton on harmonica and vocals, Hazel Miller on vocals, Brian Mitchell on piano and Jay Collins on tenor and baritone sax. This is a surprising dreamy album with of unquestionable hardness both in the displaying and the final consequences. So different styles like hip-hop, rock, folk, country or psychedelia find their particular space in this singular album that brings us a surprising amalgam of sounds, thanks to a common link like blues is, that leads, overflies and distributes to the other sonorities along the cosmic-musical places, performed with an expertise technique, good taste and undeniable originality. VERY GOOD.

Blues By Chance “Temps De Gingebre”. Self Production 2018.
Damos la bienvenida a un nuevo dúo que ha aparecido en 2017 en la escena musical de blues española. Formados en Lleida, el dúo incluye al Eduard Escaño a la guitarra y voz y Josep Berenguel a la armónica y voz. El primero se ha curtido durante un montón de años tocando en clubs y bares de la zona de Cataluña, adentrándose poco a poco en los caminos del blues y desarrollando un estilo personal a la guitarra. Por su parte Josep Berenguel es un apasionado de la armónica y ha desarrollado su carrera musical especialmente en Australia, concretamente en Sidney, donde ha tocado durante los cinco últimos años con diversas bandas de blues de aquel lejano país. La conexión entre ambos músicos se hace evidente en este su primer álbum en el que incluyen siete temas propios, grabado solamente en seis meses, cinco de ellos cantados en español y catalán mas dos instrumentales. A través de sus canciones podemos inmediatamente apreciar que ambos músicos aportan una buena dosis de frescura y un estilo propio bien anclado en la música americana, el funky y especialmente el blues. BUENO. We really welcome a new duo which has just appeared in 2017 into the Spanish blues music scene. Formed in Lleida, the duo includes Eduard Escaño on guitar and vocals and Josep Berenguel on harmonica and vocals. The first one has hardened himself playing for many years in clubs and bars along Catalonia area and, little by little, he has come to explore the blues roads, which has led him to develop a personal style on guitar. On the other hand, Josep Berenguel is an harmonica passionate and has developed his music career in Australia, especially in Sydney, where he has performed during the past five years, playing on various blues bands of that distant country. The connection between both musicians is evident in this first album that includes seven songs, which were recorded in only six months, five of them sung in Spanish and Catalan plus two instrumentals. Listening to their songs, you will immediately appreciate that both musicians provide a good dose of fresh air to their music, developing a personal style, deeply based in American music, funk and especially blues. GOOD.

Roughmax And The Steamrollers “Roots In The Blues, Crown Far Ahead”. Bufalo Bounce 2018.
El roots-funk, el rockin’ blues y hasta el blues-punk-gótico más arrastrado y garajero se dan la mano en la música de este grupo cuyo nombre es Roughmax And The Steamrollers. Es una banda italiana independiente liderada por el bajista, cantante, compositor y productor Rough Max (Max Pieri) quien, después de transitar durante un tiempo por los caminos del rock, ha decidido volver a los orígenes que le forjaron como bajista y compositor. Desde el año 2015 ha emprendido una carrera en solitarios rodeándose de unos músicos de mente abierta, sin prejuicios y dispuestos a todo como son Luciano Lucky Pesce al piano, teclado y voces y Corrado D’Amato a la batería, percusión y voces. El trío ha decidido poner toda la carne en el asador y arriesgar de todas todas con este álbum en el que también colaboran Martino Palmisano a la armónica en un tema y Sebastiano Lillo a la guitarra en otra canción. Nueve composiciones del propio Rough Max dan pie a un disco donde muestra su lado mas crudo y a la vez el mas lúcido, permitiendo al oyente comprobar la diversidad que ofrece hoy en día el panorama musical italiano. BUENO. Roots-funk, rockin' blues and dragged gothic garage blues-punk can be found in the music of this band called Roughmax And The Steamrollers, an Italian independent group led by bass player, singer, composer and producer Rough Max (Max Pieri) who, after going for some time through rock music, has decided to come back to the origins that forged him as bass player and composer. Since year 2015 he has started a solo career, surrounding himself by some open minded, unprejudiced, ready to do their best musicians, such as Luciano Lucky Pesce on piano, keyboard and vocals and Corrado D'Amato on drums, percussion and vocals. The trio has decided to work their heart out and risk themselves on an album where you will also find Martino Palmisano on harmonica in a song and Sebastiano Lillo on guitar in another cut. Nine Rough Max’ own compositions give shape to a different recording, where he shows his most raw but, at the same time, most clever facet, as well as making listeners discover the actual diversity of Italian scene. GOOD.

Gwyn Ashton “Solo Elektro”. Fab Tone 2017.
Aquí llega el nuevo disco del guitarrista, compositor y cantante Gwyn Ashton, para deleite de todos sus seguidores y amantes del sonido ‘garaje’ con grandes dosis de distorsión, fuzz y otras veleidades sonoras que tanto gustan prodigarse los guitarristas de una cierta generación. Gwyn no se conforma con tocar la guitarra sino que ha grabado también todos los instrumentos que se incluyen en este nuevo proyecto, sorprendiendo al personal con sus habilidades técnicas y su explosiva forma de tocar la batería. Basándose en la psicodelia del rock-blues británico de los sesenta y setenta, Ashton da un paso al frente y se adentra con garantía y solvencia en los sonidos más contemporáneos y vistosos de los guitarristas que recrean el sonido más ‘heavy’ con consumada pericia. Su habilidad, creatividad y originales maneras de tocar y componer dan como resultado un disco poderoso y cargado de electricidad y fantasía pero, sobre todo, trufado de momentos pirotécnicos y terriblemente arriesgados. BUENO. Here comes the last album of guitar player, singer and composer Gwyn Ashton, to delight all his followers and the most reluctant lovers of 'garage' sound with a large dose of distortion, fuzz and other sound devices that so much delight many guitar players of a certain generation. Gwyn does not feel completely satisfied only playing guitar so he has also recorded all the instruments that can be found in this new project, surprising listeners with his technical skills and his explosive drums playing as well. Based in classic 60’s and 70’s British psychedelia, Ashton takes a step forward and with an undeniable solvency goes deep into the most contemporary colourful sounds of those guitarists who skilfully display a heavy sound. His imaginative creativity, his original playing and the special way to create songs make as a result a powerful electrifying album, full of pyrotechnic fantasy and terrific risky moments. GOOD. 

Marcia Ball “Shine Bright”. Alligator 2018.
Si hay una artista que disfruta con lo que hace, ésta es Marcia Ball. Según ella sus casi cincuenta años de carrera han pasado en un abrir y cerrar de ojos, pues continúa con la misma ilusión de aquel primer día en el que pisó un escenario y sus conciertos siguen desprendiendo una enorme energía y una incesante diversión. Texas boogie, baladas a lo New Orleans y Gulf Coast blues constituyen la base del repertorio de esta mujer que ha paseado por el mundo esa maleta llena de tesoros musicales que sabe mezclar o tocar por separado, gracias a su peculiar manera hacer y su indudable buen gusto. Marcia Ball decidió dedicarse a la música a los trece años después de ver actuar a Irma Thomas en New Orleans. Casualmente llegó a Austin, Texas en 1970 donde estuvo tocando con la banda Freda And The Firedogs y no fue hasta 1974 en que dio comienzo a su carrera en solitario firmando para Antone’s Records y posteriormente para Alligator. Ahora nos presenta su último trabajo que, según sus propias palabras, es el mejor que ha grabado hasta el momento, lo que no pongo en duda, pues el álbum incluye un magnífico y elaborado repertorio, unos músicos de primera y una Marcia en plenitud de facultades tanto a la voz como al piano, por lo que recomiendo encarecidamente a los lectores que consigan una copia del mismo. BUENISIMO. If there is an artist who enjoys her job, there is Marcia Ball. According to her own words her almost fifty year of career have gone in a flash, so she follows on with the same enthusiasm like her very first day on stage and her shows communicate a terrific energy and an unbelievable party fun atmosphere. Texas boogie, New Orleans ballads and Gulf Coast blues are the basis of the repertoire chosen by a woman who has travelled all over the world with a suitcase full of musical treasures, she tastefully combines or plays separately, thanks to her original delivery and her unquestionable good taste. Marcia Ball decided to devote herself to music when she was only thirteen years old, when she saw Irma Thomas playing in New Orleans. By chance she came to Austin, Texas in 1970 where she played on a band called Freda And The Firedogs. It was not until 1974 when she started a solo career signing for Antone's Records and later on for Alligator. Now she comes with her last work, she says is the best she has recorded up to date, what I am sure is true, because the album includes a magnificent well elaborated repertoire, a first class line up of musicians and Marcia Ball in top form both in vocals and piano so, I highly recommend all readers to get a copy. GREAT.

Hot Hands “En Directo En El Corazón Verde”. Self Production 2017.
Este disco constituye una pequeña joya para los amantes de la
música americana con raíces, las guitarras acústicas, el blues y el folk. Hot Hands es un dúo acústico proveniente de Zaragoza formado por Joaquín Pardinilla a la guitarra acústica, eléctrica y slide y Ernesto Cossio a la guitarra acústica y voz. Ambos músicos se compenetran perfectamente y desgranan con muy buen gusto un repertorio ameno en el que incluyen versiones de temas de artistas como Mississippi John Hurt, Ida Cox & Papa Charlie, Willie Cobbs, Robert Johnson, Delmore Brothers, Tom Waits, Jim Campbell & Reg Connelly, Reverend Gary Davis o Johnny Cash, además de un par de canciones extraídas del folklore tradicional de los Estados Unidos. Una excelente selección musical la que han realizado estos dos estupendos músicos que, en algunos momentos. podrían recordarnos a Tony Joe White o incluso a JJ Cale, sin perder por ello el estilo tradicional de estas composiciones. Todo un lujo contar con Hot Hands en el panorama musical español y poder disfrutar de un álbum realizado con mucha elegancia y depurada técnica. Esperamos que este dúo siga deleitándonos con su buen hacer. MUY BUENO. This album becomes a small jewel for all those who love American roots music, acoustic guitars, blues and folk. Hot Hands is an acoustic duo coming from Zaragoza formed by Joaquín Pardinilla on acoustic, electric and slide guitars and Ernesto Cossio on acoustic guitar and vocals. Both musicians perfectly understand each other and give us a tasteful pleasant repertoire that includes versions of songs coming from artists like Mississippi John Hurt, Ida Cox & Papa Charlie, Willie Cobbs, Robert Johnson, Delmore Brothers, Tom Waits, Jim Campbell & Reg Connelly, Reverend Gary Davis or Johnny Cash, as well as a couple of songs from the traditional USA folk song book. Both players have done an excellent musical selection, they performs with great technique that, in some passages, could remind us Tony Joe White or JJ Cale, but that never loose the beautiful real traditional style. A luxury to have Hot Hands into the Spanish scene and have the pleasure to enjoy an album displayed with elegance and refined technique. Let’s hope this duo follows working on, to delight us with his undeniable quality. VERY GOOD.

Tim Woods “Human Race”. Self Production / Blind Raccoon 2018.
Con un repertorio de más de doscientas canciones, Tom Woods sobrepasa los límites de la imaginación y la creatividad que la composición musical requiere. Tim encuentra la inspiración en los más intrincados rincones, que plasma en este último álbum con once temas originales y uno de Perry Werner. En todos ellos Tim nos describe su amor por la vida y la tierra, convirtiendo las canciones en catalizadoras orales de su mensaje musical. Durante más de tres décadas Woods no ha parado de trabajar, adquiriendo con el paso de los años una gran madurez que comparte tanto cuando actúa en solitario, como en formato de trío o con su banda The Tim Woods Band. Asimismo con sus dos hijos Derek y Ryan ha formado un grupo llamado The Woods Family Band. En esta ocasión, además de Tim a la guitarra y a la voz nos encontramos con Bobby Lee Rodgers a la guitarra, bajo, batería y teclados junto a las colaboraciones de Pete Lavezzoli batería en cuatro cortes, Don Coffman contrabajo en un par de temas y William Newell Bate batería en una canción. Un reclamo de sonidos bien ensamblados dentro de un espíritu musical que bebe sobre todo de las fuentes del folk, la balada y el blues. MUY BUENO. With a repertoire of more than two hundred songs, Tom Woods exceeds the limits of imagination and creativity that musical composition requires. Tim finds inspiration in the most hidden corners, he presents in this last album along eleven own compositions plus one coming from Perry Werner. All songs describe his love for life and mother earth, making them as a sound catalytic of his musical message. For more than three decades Woods has done a non stop work so, over the years, he has gathered a great maturity that can be noticed either when he plays alone, in trio format or with his band The Tim Woods Band. Together with his two sons Derek and Ryan, he has formed a group called The Woods Family Band. Besides Tim on guitar and vocals, this time you will find Bobby Lee Rodgers on guitar, bass, drums and keyboards, as well as the collaborations of Pete Lavezzoli on drums in four cuts, Don Coffman on double bass in a couple of tracks and William Newell Bat on drums in a song. An album with a call of well assembled sounds and a musical spirit that drinks in the sources of folk, ballads and blues. VERY GOOD.

Peter V Blues Train “Running Out Of Time”. Self Production / Blind Raccoon 2018.
Después de iniciarse en el rock siendo todavía un adolescente, Peter V se decepcionó de la música y estuvo veinticinco años completamente alejado de los escenarios. En su madurez volvió a descubrir sus habilidades en el swing, el jive y el blues, estilos que habían influido en sus gustos musicales y que nunca habían desaparecido por completo de su mente, volviendo así a conectarse con la música y a sentir en lo mas profundo de su ser que tenía que volver de nuevo a los escenarios para interpretar esos géneros que hasta el momento no ha abandonado y de los que demuestra ser un excelente intérprete. Este es su tercer álbum desde su regreso y realmente ha valido la pena esperar tanto tiempo, pues Peter es un artista completo que ha desarrollado una imponente forma de cantar que inmediatamente conecta con el oyente. Asimismo su forma de tocar la guitarra es limpia, elegante e impoluta, lo que confiere a sus canciones un feeling y un swing impecables. Once canciones donde el blues, el swing, junto a algunas pinceladas de jump, rock y jazz fluyen con una innegable belleza estilística, perfectamente arropadas por una banda de gran calidad y enorme calibre. MUY BUENO. After starting to play rock when he was only a teenager, Peter V got totally disappointed about music business and for twenty-five years he has been totally retired from music. In his maturity he has rediscovered his skills in swing, jive and blues, styles that deeply influenced his musical tastes and had never completely disappeared of his mind, which have made him to connect himself back to the music and deeply feel he had to come back again on stage to perform what he really loves, what he has been doing so far to prove he is an excellent performer. This is his third album since his comeback and it was really worthwhile to wait for so long, because Peter is a complete artist who has developed an impressive singing which immediately connects with the listener. Also his guitar playing is fresh, elegant and polished, which gives an amazing swing and feeling to all the album songs. Eleven cuts where blues, swing, with a touch of jump, rock and jazz flow with an undeniable beauty, perfectly surrounded by a great quality first class band. GREAT.

Teresa James And The Rhythm Tramps “Here In Babylon”. Jest-Lu Records / Blind Raccoon 2018.
Hija y nieta de guitarristas provenientes de la vieja tradición del blues, Teresa James creció en Houston, Texas donde, desde ya muy pequeña, estuvo en contacto con la música. A partir de los cinco años empezó a tocar el piano, instrumento que desde entonces no ha abandonado. Además ha desarrollado un estilo vocal que en ocasiones ha sido comparado con el de Bonnie Raitt o Lou Ann Burton. Actualmente Teresa lidera con acierto y convicción la banda The Rhythm Tramps, banda con la que habitualmente toca por la zona de Los Angeles en California. Con ellos realiza un repertorio alejado de los clichés habituales aunque moviéndose con soltura y habilidad en la diversidad y rica esfera del grasiento blues tejano, el Memphis soul o los grooves de New Orleans. Este es su décimo álbum, lo cual no es poco, en el que ha incluido doce temas propios y con el que ha conseguido nuevamente deslumbrar a sus fieles seguidores y fans que han quedado atónitos ante la calidad musical de este excelente trabajo que lleva por título “Here In Babylon”. MUY BUENO. Daughter and granddaughter of two guitar players coming from the old tradition, Teresa James grew up in Houston, Texas where, since she was a child, was in contact with music. When she was five years old she started to play piano, an instrument that has always been with her. Besides playing piano, she has developed a vocal style that sometimes has been compared with the one of Bonnie Raitt or Lou Ann Burton. Now Teresa leads with clever mind and a good dose of conviction the band The Rhythm Tramps, which usually play in Los Angeles area and California. With them she performs a repertoire quite distant of the usual clichés, although the group easily and tastefully moves along the diverse and rich fields of greasy Texas blues, Memphis soul or New Orleans grooves. This is her tenth album, which is not bad, where she has included twelve own songs with quality enough to, once again, dazzle her faithful followers and fans who will be astonished by the musical quality of this excellent recording entitled "Here In Babylon". GREAT.

Kris Lager Band “Love Songs & Life Lines”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Kris Lager es uno de esos artistas originales, raros, dinámicos e irrepetibles con el que uno se cruza de vez en cuando, pues sabe combinar su habilidad musical con grandes dotes de carisma y ganas de disfrutar de la vida. Sus conciertos son divertidos y llenos de optimismo, en los que interactúa con el público lo que hace que inmediatamente la audiencia se sienta a sus anchas y se identifique con nuestro hombre, conectando desde el momento en que aparece en escena. Junto a su banda no para de tocar noche tras noche, participando activamente en jams y, a la vez, sobrellevando la vida y las obligaciones de un hombre casado con hijos, siempre mirando el lado bueno de la vida. Ahora nos presenta su nuevo disco, que él mismo se ha encargado de producir, y que esta enfocado hacia una vertiente más tradicional de la música con raíces. La música ‘americana, el country, el folk, la balada y el blues son la inspiración de la que se nutre su música, siempre agradable, intimista y amena, para expresar su visión de la vida, a lo largo de catorce temas propios en los que Kris Lager está a la voz, las guitarras y el piano en cuatro temas, Aaron Underwood al bajo y voces, Scooby Sha Bo Bo a la batería y Lefever al saxo. MUY BUENO. Kris Lager is one of those original, rare, dynamic and unique artists one finds from time to time. He really knows how to combine his musical ability with a charismatic personality and a wish to enjoy every single day. His shows are funny and communicate a good dose of optimism, he always interacts with the audience which immediately feels comfortable establishing a connection with him from the first minute he appears on stage. He and his band play night after night, participating actively in jams and, at the same time, he does not forget the duties of a married man with children, always looking for the bright side of life. Now he presents his new self produced album, he has focused into a more traditional roots music style. Americana music, country, folk, ballads and blues become the inspiration that feed his always nice, intimate and enjoyable fourteen album songs, as a way to express his vision of life. Besides Kris Lager on vocals, guitar and piano in four tracks, you will also find Aaron Underwood on bass and vocals, Scooby Sha Bo Bo on drums and Lefever on sax. VERY GOOD.

Roger “Hurricane” Wilson & The Hurricane Homeboys “Live At Madlife”. Bluestorm 2018.
No está de más repetir de nuevo que Roger “Hurricane” Wilson es un cantante, guitarrista y compositor norteamericano que también ha trabajado como profesor de música, presentador de radio, periodista musical y promotor, además de participar como jurado en el International Blues Challenge en Memphis. Hasta el momento Roger ha publicado veinte discos y este último es muy especial para él, ya que coincide con los veinte años en que él, el bajista Marvin Mahamay y el batería Billy Jeansonne coincidieron por primera vez en un escenario, tocando juntos en una jam, formando a partir de entonces una asociación que ha perdurado hasta la actualidad. Para celebrarlo los tres músicos dan lo mejor de si mismos en este álbum grabado en vivo, que contiene doce blues desgarrados y descarnados tocados con pasión y todo el corazón. Blues natural y sin sofisticaciones que gustará a todos aquellos a los que les impacta el blues emocional desprovisto de efectos y de aditivos. MUY BUENO. It never hurts to mention again Roger “Hurricane” Wilson is an American singer, guitar and songwriter who has also worked as music teacher, radio dj, music journalist and broadcaster, as well as jury at the International Blues Challenge in Memphis. Up to date Roger has published twenty albums and this last one is very special for him, as it coincides with the twenty anniversary of the date when Roger, bass player Mahamay Marvin and drummer Billy Jeansonne were for the first time together on stage playing in a jam, which led them to a partnership that has lasted until now. The three musicians give the best of themselves in this live recorded album, along twelve straightforward passionate blues songs performed with an extreme feeling from the deepest part of their hearts. Here comes real natural not sophisticated blues that will appeal all those people especially attracted by emotional blues with no extra effects and additives. VERY GOOD.

Stefano Ronchi “In Close Embrace”. Gaztelupeko Hotsak 2018.
Si en su anterior trabajo grabado junto al armonicista Marcos Coll, el guitarrista y cantante Stefano Ronchi ya dejaba claro su calidad como compositor y arreglista, tanto en el campo del viejo blues como en el mas acorde a los nuevos tiempos, con este nuevo álbum Ronchi confirma la trayectoria ascendente y el conocimiento del campo musical por el que se mueve este artista italiano que, como acabo de decir, camina con paso firme entre la tradición y la vanguardia. Este es un disco no solo para escuchar sino también para disfrutar y bailar, puesto que incluye un repertorio variado y bien seleccionado. A mi modo de ver la única objeción que le pondría es que, en ocasiones, da la impresión de que Stefano pretende dar una lección y una demostración de sus conocimientos y de su técnica mas que de interpretar la música con el corazón, la pasión, la entrega y la sinceridad que el blues requiere. Todo ello sin querer quitar méritos a un álbum bien grabado, brillante y con una excelente producción final. MUY BUENO. If in his previous album recorded together with harmonica player Marcos Coll, singer and guitar player Stefano Ronchi clearly showed his quality as composer and arranger, both in fields of the old blues tradition and the most actual one in accordance to the new times, with this new recording Ronchi confirms his upward career and the knowledge of the musical landscapes this Italian artist is moving on. As I have just said, he walks with a firm step between tradition and avant-garde. This is an album to listen attentively, but also perfect to enjoy and dance, because it includes a varied well selected repertoire. My only objection would be it sometimes seems Stefano is more willing to give a lesson and show his knowledge and personal technique rather than playing music with the feeling, passion, devotion and sincerity the blues requires. Anyway, this will not prevent to recognize the merits of a well recorded bright album with an excellent final production. VERY GOOD.

Micke Bjorklof & Blue Strip “Twentyfive Live At Baltica Blues”. HokaHey (Double  CD) 2018.
Después de seis álbumes grabados en estudio, el cantante, guitarrista y ocasional armonicista Micke Bjorklof ha decidido publicar un doble disco con diecinueve canciones extraídas todas ellas de su concierto en el Blues Báltica Festival de Eutin, Alemania, el pasado mayo del 2017. La actuación se realizó frente una audiencia de mas de mil personas ante los que Micke Bjorklof y su grupo Blue Strip pusieron de manifiesto toda su calidad, la excelencia de las composiciones y el contagioso entusiasmo de la banda por satisfacer a todos los presentes que disfrutaron de lo lindo con cada canción del repertorio que interpretaron. Todo ello queda perfectamente recogido en este doble disco en el que, además de Micke Bjorklof, se encuentran también como integrantes del grupo Blue Strip, Lefty Leppänen a la guitarra eléctrica, slide y voces, Seppo Nuolikoski al bajo y voces, Teemu Vuorela a la batería y Timo Roiko-Jokela a la percusión. Después de disfrutar de aquella reconfortante experiencia, esta banda finlandesa planea proyectarse a nivel internacional para seguir expandiendo su particular rock-blues. Seguro que si siguen por este camino estos entregados músicos conseguirán su propósito. MUY BUENO. After publishing six studio albums, singer, guitar player and occasional harmonica player Micke Bjorklof decided to publish a double album with nineteen songs coming from a live show at Baltica Blues Festival of Eutin, Germany In May 2017. The show took place in front of an audience of more than a thousand people and that night Micke Bjorklof and his group Blue Strip made evident their full quality, the excellence of their compositions and the communicative enthusiasm on stage to satisfy a such crowded audience who really enjoyed each song they played. All that is perfectly reflected in this double cd where, besides Bjorklof Micke, you will also find the other Blue Strip members Lefty Leppänen on electric guitar, slide and vocals, Seppo Nuolikoski on bass and vocals, Teemu Vuorela on drums and Timo Roiko-Jokela on percussion. After enjoying such gratifying experience, this Finnish band plans tp promote themselves at an international level and continue to expand their particular rock-blues style. Undoubtedly, if they follow this way these really committed musicians will reach all their goals. VERY GOOD.

 

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