LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad (más de 5.000) se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 (more than 5.000) are collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Diciembre - Noviembre - Octubre 2018 / December - November - October 2018


DICIEMBRE 2018 / DECEMBER 2018

Kara Grainger “Living With Your Ghost”. Station House / Frank Roszak 2018.
El panorama del la música americana con raíces y el blues rock está plagado de excelentes vocalistas femeninas que, con su buen hacer, conquistan el corazón de los buenos aficionados. Este es el caso de Kara Grainger, una excelente y soberbia vocalista que ha pasado prácticamente el último año dedicada a componer y grabar las doce canciones que forman parte de este novedoso y reciente trabajo. El álbum ha sido coproducido por Anders Osborne, quien también pone su guitarra y su voz al servicio de Kara Grainger. El resto del grupo está compuesto por Ivan Neville a los teclados, Dave Monsey al bajo, J.J. Johnson a la batería junto a dos secciones de metales. Por una parte encontramos a Mark Rudin a la trompeta y George Stanford al trombón y por otra la histórica sección de vientos llamada The Texas Horns formada por Mark “Kaz” Kazanoff al saxo tenor, John Mills al saxo barítono y Al Gomez a la trompeta. El álbum es un excelente y variado guiso con diferentes ingredientes musicales que permiten a Kara expresar un sinnúmero de emociones entre las que sobresalen el sentimiento de duelo por la pérdida de aquellas personas a las que se ha querido o respetado, aunque también nos obsequia con momentos de alegría y felicidad que le proporciona la música que la acompaña en todos los momentos de su vida cotidiana. MUY BUENO. American roots music and blues rock scene is now plenty of excellent female singers who, with their undeniable quality, will conquer all good fans hearts. Such is the case of Kara Grainger, an excellent and superb singer who has mainly spent last year writing, composing and recording the twelve songs that form her most recent work. The album has been co-produced by Anders Osborne, who also puts his guitar and voice to the service of Kara Grainger. The rest of the band musicians are Ivan Neville on keyboards, Dave Monsey on bass, J.J. Johnson on drums, together with two horn sections. On one hand we have Mark Rudin on trumpet and George Stanford on trombone and on the other hand we find the historical horn section The Texas Horns with Mark “Kaz” Kazanoff on tenor sax, John Mills on baritone sax and Al Gomez on trumpet. This album becomes an excellent and varied dish with different savoury musical ingredients, which allow Kara to express her countless emotional feelings, such as the terrible sadness for the loss of those most beloved or respected people, but she also delights us with joyful happy moments of the music that always surrounds her daily life provides her. VERY GOOD.

Barbara Blue “Fish In Dirty H2O”. Big Blue / KL Productions 2018.
Barbara Blue no concibe su vida sin poder cantar, tal y como lo ha hecho desde que tenía uso de razón. Desde prácticamente la fecha de su nacimiento en 1958, su único interés ha sido cantar para, de este modo, poder compartir con el público todo lo que lleva dentro que es mucho. Nacida en Pittsburgh, Pensilvania, su carrera se ha desarrollado mayoritariamente en Memphis y concretamente en Beale Street donde actúa con mucha frecuencia, lo que la ha llevado a ser conocida con el sobrenombre de ‘The Queen Of Beale Street’, Barbara también ha realizado giras por los Estados Unidos y Australia, consiguiendo notables éxitos y una buena reputación en todos los lugares por los que ha paseado sus artes vocales. Además de poseer una voz rugosa, profunda y a veces algo bronca pero de una innegable fuerza interpretativa, en este nuevo disco que acaba de publicar Barbara se muestra como una compositora hábil e interesante pues, de las trece canciones que ocupan este álbum, siete de ellas han sido escritas por la propia Barbara Blue y el resto son trabajos en colaboración con otros músicos. Un excelente elenco de buenos músicos, amigos y colaboradores dan con la fórmula ideal para arropar las cualidades vocales de Barbara y lo hacen con un consistente colchón musical que embellece un disco ya de por si de gran calidad artística. MUY BUENO. Barbara Blue does not conceive her life without singing, as she has done since the first moment she is able to remember. From practically the date she was born in 1958, her main interest has been to sing and, in this way, share with wide audiences all what she feels deep in her heart. Born in Pittsburgh, Pennsylvania, her career has mostly developed in Memphis and specifically in Beale Street, where she plays very often, which has led her to be known as 'The Queen Of Beale Street', Barbara has also toured around USA and Australia, reaching a remarkable success and a good reputation everywhere she has displayed her vocal skills. Besides a rough, deep and sometimes raw voice as well as an undeniable performing strength, this brand new album let us see Barbara’s abilities as a clever interesting composer because, of the thirteen album songs, seven are Barbara Blue’s own ones and the rest have been written by Barbara in collaboration with other colleagues. An excellent cast of good musicians, friends and collaborators have got the ideal formula to wrap her vocal qualities, playing with an extreme consistency, to give an additional beauty to an album with a more than interesting artistic quality. VERY GOOD.

Zed Mitchell “Wow”. Self Production / Timezone 2018.
Aunque originario de Belgrado, el cantante, guitarrista y compositor Zed Mitchel ha desarrollado una extensiva carrera por todo el continente europeo. En los años setenta fundó su propia banda taloneando a artistas como Deep Purple. Focus, Santana, Joe Cooker o BB King entre otros, además de crear una escuela de guitarra rock en Belgrado. A lo largo de los años ha colaborado en diversos proyectos con Tina Turner, Phil Collins, Pink Floyd, Eros Ramazzotti o Natalie Cole. Su buen gusto y conocimiento de la guitarra han hecho que muchas de las grandes figuras de la música confíen en él para acompañarles en sus giras o grabaciones. Para este trabajo Zed se ha rodeado de algunos de los mejores músicos de la escena del rock alemán, presentando trece temas basados en un intimista blues rock donde Mitchell muestra sus excelentes cualidades vocales junto a una gran variedad de recursos musicales, realizados con buen gusto y una notable técnica a la guitarra que hacen que Zed pueda ser comparado a artistas de la categoría de Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Mark Knopfler, Gary Moore, Robert Cray o incluso Peter Green. Un álbum no estrictamente de blues, pero que merece ser escuchado con detenimiento por las cualidades de este interesante artista. MUY BUENO. Although he originally comes from Belgrade, singer, guitarist and composer Zed Mitchel has developed an extensive career all over Europe. In the middle of the 70’s he founded his own band opening to artists like Deep Purple. Focus, Santana, Joe Cooker or BB King among others. At that time he also opened a guitar rock school in Belgrade. Over the years he has collaborated in several projects with Tina Turner, Phil Collins, Pink Floyd, Eros Ramazzotti or Natalie Cole. His guitar taste and knowledge have always been appreciated by big music names which have relied on him to back them on their tours and recordings. For this new work Zed has decided to be surrounded by some of the best musicians of German rock scene, featuring thirteen songs based on an intimate blues rock where Mitchell shows his excellent vocal qualities together with a wide range of musical resources, displayed with an extreme good taste and a remarkable guitar technique which has led Zed to be compared to such great artists like Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Gary Moore, Mark Knopfler, Robert Cray or even Peter Green. Although this is a not strictly blues album, it deserves to be carefully listened to realize the qualities of this interesting artist. VERY GOOD.

Paul Dougherty “Monumental – The Songs Of Tommy Dougherty”. Bake It Black 2018.
Con este álbum Paul Dougherty quiere rendir tributo a su padre, el compositor, cantante y organista de jazz Tommy Dougherty, fallecido el pasado 2017. Para ello ha escogido una selección de catorce canciones compuestas  todas ellas por su progenitor durante los años ochenta y noventa. Paul ha seleccionado un abanico de temas que abarcan diversos estilos que van desde las baladas con efluvios jazz hasta blues o incluso algún tema mas rockero junto a otras composiciones en las que no faltan las influencias de Ray Charles o de Billie Holiday. La carrera de su padre se desarrolló principalmente en Nashville, ciudad en la que adquirió una cierta notoriedad y popularidad y donde Paul hizo sus primeras incursiones musicales, aunque ahora vive en Munich, Alemania y es en esta ciudad europea donde ha grabado este nuevo disco en el que, además de cantar, se encarga de tocar todos los instrumentos que se han utilizado, excepto en el tema “Cowgirl Song” en el que también se encuentra Paul Hilton tocando el pedal steel guitar. Este álbum nos permite descubrir, o bien recordar, la figura de un músico que no merecería quedar en el olvido. Paul Dougherty ha sabido corresponder a su padre ofreciéndole lo mejor y más sentido de si mismo en este disco, un trabajo en el que, además de un merecido homenaje, es un fiel reflejo de sus buenas maneras de hacer música. MUY BUENO. With this album Paul Dougherty pays tribute to his father, jazz singer, composer, and organ player Tommy Dougherty, who passed away in 2017. He has chosen a selection of fourteen songs, all them composed by his father during the 80’s and 90’s. Paul has selected a wide range of songs that cover various styles, from jazzy ballads to blues or even a more rocky tunes, together with other compositions where you will find some Ray Charles’ and Billie Holiday’s influences. His father career was mainly developed in Nashville, where he got a certain notoriety and popularity and where Paul made his first musical attempts, although he now lives in Munich, Germany and it has been in this European city where he has recorded this album where, besides singing, he also plays all the instruments with the exception of "Cowgirl Song" where you will also find Paul Hilton on pedal steel guitar. This album lets us either discover or remember a musician who does not deserve to be forgotten. Paul Dougherty has been able to return his love to an important person In his life, giving the best of himself in each of the album songs, to round up a recording that becomes a well deserved tribute as well as a good musical experience. VERY GOOD.  

Midnite Johnny “Long Road Home”. Mosher St. 2018.
Después de crecer y consolidarse como guitarrista y cantante en el sur de Florida, Midnite Johnny Morana reside actualmente en Reino Unido, donde está desarrollando una interesante carrera musical con una excelente acogida por parte del público que le sigue con fidelidad y entusiasmo, no en vano Johnny es un versátil guitarrista que se mueve con soltura por estilos tales como el blues, el rock-blues, el rhythm and blues o el rock clásico. Todo ello lo hace con un impresionante toque de guitarra que nos trae a la memoria a tipos tan geniales como Buddy Guy, Carlos Santana, Duane Allman, Eric Clapton, Otis Rush o incluso Freddie King, siempre con un tono distintivo, atrevido y audaz, lo que le reporta un plus de originalidad muy particular. Actualmente Midnite Johnny está trabajando y desarrollando su faceta de compositor como se muestra en diez de los quince temas que componen este atractivo disco, algunos de ellos escritos en colaboración con su teclista Steve Zoyes, quien también aporta dos temas propios a la selección de canciones de este trabajo. El disco se completa con las versiones de “Crazy Mama” de JJ Cale, “Baby Batter” de Harvey Mandel y “Key To The Highway” atribuida a Big Bill Broonzy o a Jazz Gillum según algunos otros autores entre los que me encuentro. Un artista a tener muy en cuenta, con un buen futuro por delante y muchas buenas cosas que ofrecer. MUY BUENO. After growing and getting a solid reputation as guitar player and singer in South Florida, Midnite Johnny Moraña has now settled in United Kingdom, where he is developing an interesting musical career which has been enthusiastically received by his many fans who faithfully follow him. Not in vain Johnny is a versatile guitar player who easily moves among styles like blues, rock-blues, rhythm and blues and classic rock and he does it with an stunning guitar technique, which brings to our minds such great guitar players like Buddy Guy, Carlos Santana, Duane Allman, Eric Clapton, Otis Rush, or even Freddie King, who make him found his inspiration but always with a distinctive, daring, brave tone, which gives to his music a plus of personal originality. Midnite Johnny is now working to develop his composer facet, you will discover in ten of the fifteen songs that round up this attractive album, some of them in collaboration with his keyboard player Steve Zoyes, who also contributes with two original songs. Yow will also find some versions like "Crazy Mama" coming from JJ Cale, "Baby Batter" by Harvey Mandel and "Key To The Highway" attributed to Big Bill Broonzy or, according to other specialized researchers among them I find myself, to Jazz Gillum. Midnite Johnny is an artist to be taken into account, with a good future ahead and a lot of good things to give us. VERY GOOD.  

Joanne Shaw Taylor “Wild”. Silvertone / Sony Music / Rick Lusher 2018.
La cantante y guitarrista Joanne Shaw Taylor acaba de firmar un suculento contrato con la multinacional Sony. A través del sello Silvertone, Sony Music va a reeditar sus dos anteriores trabajos que son los discos “Wild” aparecido en el año 2016 y “The Dirty Truth” del 2014, además de publicar un nuevo álbum el próximo año 2019. Este contrato le ha permitido también preparar una extensa gira por todos los Estados Unidos acompañada del bajista italiano Luigi Casanova y el batería inglés Oliver Perry. Aunque Joanne ya tenía una buena reputación en el Reino Unido y había aparecido en el programa de Jools Holland en la BBC, con la publicación de estos tres discos por la compañía Sony Music su nombre alcanzará sin duda una amplia difusión a nivel internacional. En estos momentos tenemos ya la reedición de este “Wild” producido por Kevin Shirley (Aerosmith, Joe Bonamassa, Iron Maiden). El disco es un compendio de música y canciones de corte ‘americana’ y toques de rock, interpretadas con un gusto excelente y unos arreglos musicales que no le van a la zaga. Un total de once temas perfectamente construidos sobre unas armonías elegantes y vitalistas, llenas de poesía y entusiasmo. MUY BUENO. Singer and guitar player Joanne Shaw Taylor has just signed a succulent contract with Sony Music. Through Silvertone label, Sony Music will reissue her two previous records, "Wild" that was released in 2016 and "The Dirty Truth" in 2014, besides a new album at the beginning of 2019. This contract has also allowed her to settle an extensive tour around United States backed by Italian bass player Luigi Casanova and the English drummer Oliver Perry. Although Joanne had already reached a good reputation in the United Kingdom and she was invited to Jools Holland’s BBC program, with these three albums released by Sony Music, her name will certainly get a wide international publicity. Right now we have the "Wild" album produced by Kevin Shirley (Aerosmith, Joe Bonamassa, Iron Maiden). It is a collection of Americana music with a touch of rock, displayed with an excellent taste and good musical arrangements too. Eleven songs perfectly built on solid basis full of elegant and vital harmonies and lots of poetry and enthusiasm. VERY GOOD.   

Mark Hummel “Harpbreaker”. Electro-Fi 2018.
Mark Hummel ha sido siempre un apasionado y enamorado de la armónica. De niño era un mal estudiante, sin ningún interés en la vida y su vida parecía tener un futuro bastante negro e incierto. Sin embargo la armónica fue su tabla de salvación por la motivación, la pasión y el empeño que puso en ella, aprendiendo a soplar con frescura, técnica y acierto este pequeño y a la vez gran instrumento fundamental en el género clásico del blues. Este es un álbum totalmente instrumental en el que la voz desaparece de todas las canciones. Con él Hummel quiere rendir homenaje a su madre recientemente fallecida que siempre lo animó a seguir adelante y a este instrumento que le ha acompañado a lo largo de su vida dándole inmensas alegrías y satisfacciones, sin olvidarnos del dinero que le ha permitido vivir con una cierta comodidad y garantías. A lo largo de los trece temas que se incluyen en este “Harpbreaker”, Mark repasa con solvencia y acierto diferentes caminos, estilos y sonidos del blues y nos ofrece un recital de cómo interpretar los blues con la armónica, recreándose en la tercera posición que es una en las que se siente mas cómodo. Además de mostrar toda su técnica, ricos fraseos e inmensas posibilidades, Hummel está acompañado por unos guitarristas de lujo como son Anson Funderburgh, Kid Andersen, Billy Flynn, Charles Wheal, Rusty Zinn o Little Charlie Baty, amén del pianista Bob Welsh, el bajista Steve Wolf o el batería Marty Dodson entre otros. Un disco imprescindible para todos aquellos que aman con locura y pasión, no sólo el blues sino también la armónica y todas sus magníficas posibilidades cuando está tan maravillosamente bien ‘soplada’ como es el caso del disco y el artista que nos ocupa. BUENISIMO. Mark Hummel has always been a passionate harmonica lover. As a child he was a really bad student, he has no interest in learning and his life seemed that will have a rather uncertain future. But the harmonica saved him, for the incredible motivation, passion and commitment it gave to him, until he learned to blow with a cool technique and skill this small and, at the same time, great and essential instrument in classic blues. This is a totally instrumental album where the voice has disappeared in all songs. With this recording Hummel wants to pay homage to his mother who recently passed away, as she always encouraged him In all his projects, and also to the instrument that has been with him for almost all his life, bringing him joy, satisfaction and, of course, the necessary money to live with s certain ease. Along the thirteen selected songs that complete this "Harpbreaker", Mark gives us a successful and reliable review of many different blues ways, styles and sounds, producing a unique master-class of how to perform blues with the harmonica, especially with the third position where he feels really comfortable. Besides showing an amazing technique, a rich phrasing and an unbelievable tone, Hummel is backed by some deluxe guitar players like Anson Funderburgh, Kid Andersen, Billy Flynn, Charles Wheal, Rusty Zinn or Little Charlie Baty, together with piano player Bob Welsh, bass player Steve Wolf or drummer Marty Dodson among others. An essential album for all those who deep and passionate love not only blues but also harmonica and all its magnificent possibilities when it is so wonderfully blown, as is the case of this Mark Hummel’s new album. GREAT.

Alastair Greene “Live From The 805” Rip Cat 2018.
Para celebrar sus veinte años en activo en la escena musical, el trío de Alastair Greene nos obsequia con este doble cd que contiene veinte canciones, una por cada año de carrera, en el que se incluyen diversos temas originales ya publicados en cinco de sus anteriores álbumes, pero que ahora están interpretados en ‘vivo’ desde el 805 Club de Santa Bárbara, California. El trío también ha seleccionado algunas versiones de Jimmy Reed o Albert Collins entre otros. Son muchas las veces en las que Alastair Green ha sido comparado con Gov’t Mule, Cream o ZZ Top, sin embargo en la ocasión que nos ocupa esto no es del todo cierto ya que, aunque tampoco se aleje demasiado de ellos, esta vez su música puede encontrarse más cerca de Albert Collins, Albert King o incluso de Howlin’ Wolf. Ello no impide que estemos ante un doble álbum en el que el elemento predominante es el rockin’ blues mas corrosivo, brutal e incendiario que uno pueda imaginar. A medida que van transcurriendo las canciones los tres músicos desarrollan una energía y una fortaleza desbordante y demoledora. Alastair Greene a la guitarra y voz, Jim Rankin bajo y voces y Austin Beede a la batería celebran este veinte aniversario con la fuerza y el ímpetu de una banda novel, pero con la profesionalidad y solidez que les brinda su gran experiencia en la escena musical. MUY BUENO. To celebrate his twenty years active in music scene, Alastair Greene’s trio bring us a double cd with twenty songs, one for each year of career, presenting various original songs which were already released in five of his previous albums, but that are now performed live from the 805 Club in Santa Barbara, California. The trio has also selected some versions of songs coming from Jimmy Reed or Albert Collins among others. Many times Alastair Green has been compared with Gov't Mule, Cream or ZZ Top but, this time, it is not entirely true because, although he is not far away from those artists, the selected songs are a little bit closer to Albert Collins, Albert King or even Howlin' Wolf. This does not mean we are facing a double album where the most caustic wild and incendiary rockin’ blues you can imagine prevail and has an outstanding role. As songs are going by, the three musicians develop an overwhelming devastating energy. Alastair Greene on guitar and vocals, Jim Rankin bass and vocals and Austin Beede on drums celebrate their twentieth anniversary with the strength and vehemence of a young new band, but with the professionalism and experience they have gathered during their long successful career. VERY GOOD.

Terry Blersh “Play It All Day”. Self Production / Sarah French 2018.
Para quienes no conozcan a Terry Blersh, este disco supondrá un atractivo descubrimiento, no solo por el repertorio en el que se combina con gusto el rhythm and blues, el rock ‘n’ roll, el blues, el tex-mex o el reggae junto a algunos toques de jazz, sino también porque Terry es un guitarrista con un cálido fraseo y un tono sabroso y apetecible fácil de escuchar y de digerir. Proveniente de Canadá, Terry Blersh nos presenta su nuevo disco en el que ha contado con la colaboración de un amplio elenco de músicos canadienses, todos ellos dotados de gran enjundia y solera que se han unido para participar en las once canciones que se incluyen en el álbum. El resultado es un disco mas que apetecible y realmente muy atractivo. Por si fuera poco, Terry ha producido y escrito todos los arreglos y, para la grabación del mismo, ha escogido a Jeremy Darby (Eric Clapton, Lou Reed), quien consigue que este álbum disponga de un sonido francamente excepcional. Con una dilatada experiencia a sus espaldas Terry ha realizado un trabajo único, expresivo y dinámico que seguramente el aficionado sabrá apreciar en toda su valía. MUY BUENO. For those who are not familiar with Terry Blersh, this album will be an attractive discovery, not only for its repertoire that tastefully combines rhythm and blues, rock ‘n' roll, blues, tex-mex or reggae, as well as a touch of jazz, but also because Terry is a guitar player gifted with a warm phrasing and a tasty appetizing tone, easy to listen to and assimilate. Terry Blersh comes from Canada and now he presents his new album where he has counted with the collaboration of a wide range of top quality Canadian musicians, who have joined forces to give an outstanding performing along the eleven album songs. The result is a more than appetizing very attractive recording. And if this was not enough, Terry has produced and written all the arrangements and, for the recording, has also chosen Jeremy Darby (Eric Clapton, Lou Reed), who has managed to get a really exceptional sound. With an extensive experience behind him, Terry has done a unique, very expressive and dynamic work that music lovers will surely appreciate. GREAT.

Lee Palmer “Horns & Harps”. An On The Fly Music / Sarah French 2018.
Además de actuar en solitario, el cantante y guitarrista Lee Palmer gusta de grabar discos en diferentes estudios y con diversos formatos, siempre rodeado por los músicos que trabajan en cada uno de los estudios que pisa. Después de nueve meses componiendo y dando forma a un puñado de temas, en esta ocasión Lee Palmer se ha dirigido a los estudios Jukasa en Caledonia, Ontario, Canadá. Allí se ha encontrado con un plantel de músicos de estudio que le han impresionado enormemente por la calidad y la formación musical de todos ellos. En estos estudios ha grabado sus canciones junto a seis músicos tocando todos a la vez para, de este modo, reflejar la atmósfera, interacción y complicidad que se crea cuando unos artistas comparten y ponen al servicio del oyente toda la creatividad que llevan dentro. Son un total de ocho composiciones propias y dos versiones las que redondean un álbum intimista y exquisito en cuanto a concepción y puesta a punto, donde la sensibilidad y el buen hacer se encuentran en todo momento al servicio del oyente. MUY BUENO. Besides performing alone, singer and guitar player Lee Palmer likes to record his albums in different studios and in a variety of formats, but always surrounded by the musicians who usually work in each one of the studios he goes. After nine months writing and composing a handful of songs, this time Lee Palmer has addressed himself to Jukasa studios in Caledonia, Ontario, Canada. There he has found a staff of studio musicians who have deeply impressed him by their quality and musical skills. In Jukasa studios he has recorded his new songs with six musicians playing at once, which have enabled them to reflect the atmosphere, interaction and complicity that arises when some good artists share all the creativity they gather and put it at the service of all listeners. Eight own compositions and two versions round up an intimate exquisite album in terms of conception and display, where the sensitivity and the good work of all musicians come together to satisfy most listeners. GREAT.

Frank Bey “Back In Business”. Nola Blue / Blind Raccoon 2018.
Nacido en Georgia, con sólo cuatro años Frank Bey empezó su andadura musical cantando en el coro de gospel local. Junto a su hermano y dos primos formaron el grupo The Rising Sons actuando regularmente a lo largo y ancho de los estados sureños. A los diecisiete años se unió como telonero durante varios años al espectáculo que llevaba por entonces el gran cantante de soul Otis Redding. A principio de los años setenta Frank formó un grupo de funk, pero la suerte no le acompañó, pues una serie de problemas con James Brown hicieron que muchos de los amigos con los que se rodeaba, le dejaran de lado por lo que asqueado y desengañado, abandonó la música por espacio de diecisiete años. Actualmente y tras haber superado unos problemas de salud relacionados con su riñón, Frank Bey ha decidido volver de nuevo a la escena musical para deleitarnos con su sensacional voz, arropado por una serie de músicos de escrupulosa profesionalidad y altura. El soul que emana de este disco, grabado y producido por el reputado Tom Hambrige, ganador de dos premios Grammy y que también interviene en el mismo a la batería y componiendo seis de los temas, es soberbio, consiguiendo un climax brutal a la vez que exquisito y de un alto nivel. Un álbum con una calidad a prueba de bombas, repleto de soul y blues que despertará en el oyente su vena más bailable y dinámica. Después de tantas vicisitudes, el sueño de Frank Bey se ha cumplido con este excelente álbum. MUY BUENO. Born in Georgia, only aged four Frank Bey started his musical skills singing in the local gospel choir. With his brother and two cousins, he formed a band called The Rising Sons, touring regularly around the southern states. At seventeen he joined for several years the show of great soul singer Otis Redding as the opening act. At the beginning of the seventies Frank formed a funk band, but good luck was not with him, as a series of problems with James Brown made him to be forgotten and abandoned by most of his friends. He was so disappointed and upset that he left music for seventeen years. After winning a battle with a serious kidney failure, Frank Bey has decided to come back to the music scene to delight us with his incredible superb voice, surrounded by a bunch of high quality musicians, all them with an enormous professionalism. The soul you will find in this album, recorded and produced by two times Grammy winner Tom Hambridge, who is also on drums and as composer in six of the cd songs, is superb, creating a terrific but, at the same time, exquisite climax. This is a recording with an undeniable quality that will certainly awake in listeners their most dancing vein. After so many life troubles, Frank Bey's dream has become true with this excellent album. GREAT. 

Scott Sharrard “Saving Grace”. We Save Music / Blind Raccoon 2018.
La legendaria banda Allman Brothers crearon en su momento un sonido único y distintivo en lo que al rock blanco se refiere, siendo asimismo pioneros de lo que fue conocido como ‘American southern rock’, y que en España se denominó rock sureño. Durante una larga década Scott Sharrard fue director musical de la banda de Gregg Allman, emprendiendo después una exitosa carrera musical en solitario para, de este modo, continuar con la misma misión de expandir este género musical del que los Allman Brothers fueron pioneros y llevaron a cabo desde su fundación hacia finales de los años sesenta. Este es el quinto álbum de Scott Sharrard y las once canciones que se encuentran en el mismo son un compendio de excelente roots rock, blues, soul y americana, estilos que constituyen el eje vertebrador del auténtico sonido blanco sureño en el que Scott se mueve cómodamente, realizando también un notable trabajo, tanto a la guitarra eléctrica como cuando emplea la técnica del slide, además de deleitarnos con un poderoso trabajo vocal idóneo para el estilo que practica. Como no podía ser de otra manera, el álbum se grabó en los estudios FAME de Muscle Shoals en Alabama, con la valiosa colaboración de The Hi Rhythm Section junto a otros grandes músicos de la zona. MUY BUENO. Legendary Allman Brothers Band created and developed a unique distinctive sound among white rock bands of their time. They were also pioneers in a kind of music which was known as 'American southern rock'. For a decade Scott Sharrard was musical director in Gregg Allman’s band, which led him to start a successful solo musical career with the mission to follow on, preserve and give visibility to the musical genre The Allman Brothers were pioneers and carried on since they started to play until the end of the sixties. This is the fifth Scott Sharrard’s album that includes eleven songs that become a compendium of excellent roots rock, blues, soul and Americana, styles that are the backbone of the most genuine white southern sound, where Scott comfortably moves. And if that was not enough, Scott does a remarkable work both in electric guitar and with the slide, but he also delights us with a powerful vocal singing, perfect for the style he plays. As it could not be otherwise the album was recorded at the reputed FAME studios in Muscle Shoals, Alabama, with the valuable collaboration of The Hi Rhythm Section and other great local musicians. GREAT.

JW-Jones “Live”. Solid Blues / Sarah French 2018.
JW-Jones es uno de los músicos jóvenes que está dando una enorme vitalidad a la escena y al panorama del blues actual. En poco tiempo ha conseguido hacerse un nombre no solamente entre el público sino también entre la prensa especializada y sus compañeros músicos de blues. Básicamente ha logrado una enorme credibilidad gracias a su tecnicismo instrumental y unas cualidades vocales que encandilan a su audiencia, especialmente a la femenina. En esta ocasión JW-Jones nos presenta once canciones que no se habían publicado anteriormente y que formaron parte del repertorio de los dos conciertos que ofreció en directo y en formato de trío en el Gatineau QC Theatre, que han sido recogidas en este disco para mayor gloria del propio JW-Jones, quien pone su alma y su pasión en todas y cada una de las canciones seleccionadas para este álbum. Además de interpretar algunos blues de doce compases, dos de las canciones del disco como son “I Don’t Believe A Word You Say” y “Moanin’ At Midnight” nos permiten descubrir inusitadas facetas en su forma de tocar la guitarra. Con una duración de 5’59 y 9’37 minutos respectivamente, estas dos canciones son un verdadero ejemplo y fiel reflejo de la experimentación que JW-Jones puede desplegar cuando se propone alejarse de los caminos del blues tradicional y adentrarse en otras dimensiones musicales más psicodélicas. MUY BUENO. JW-Jones is one of the young musicians who is now giving an amazing vitality to actual blues scene. In a short time he has managed to get a name, not only among music lovers but also among specialized media and his blues music colleagues. Basically he has got an undeniable credibility thanks to his instrumental technique and vocal qualities that dazzle audiences, especially women ones. This time, JW-Jones presents eleven previously unreleased songs that were in the repertoire of the two successful shows he performed live on a trio format at the Gatineau QC Theatre, which have been collected in this album to enhance JW-Jones’ skills, but that also show the passion, soul, energy and commitment he gives to each and every one of the tracks. Besides playing some twelve bar blues, two of the album songs "I Don't Believe A Word You Say" and "Moanin’ at Midnight" let us discover a wide range of unusual facets in his guitar playing. With 5'59” and 9’37” minutes length, these two songs become a true example and of the guitar experimentation JW-Jones is able to do when he decides to move away from traditional blues roads and goes deep into other more psychedelic musical dimensions, VERY GOOD.  

Bob Lanza Blues Band “Kids, Dogs & Krazy Women”. Connor Ray Music / Mark Pucci 2018.
El guitarrista y cantante de New Jersey Bob Lanza presenta ahora su quinto trabajo. Para ello ha contado con la inestimable colaboración del prestigioso productor y guitarrista Anthony Krizan, quien también colabora en el disco tocando la guitarra. Ambos son buenos amigos y sin embargo daba la casualidad de que nunca habían pensado en colaborar juntos. Sin embargo, a raíz de coincidir en una jam sesíón para recaudar fondos para The Jersey Shore Jazz & Blues Foundation y de poder comprobar la química que surgió entre ambos, decidieron ponerse manos a la obra para llevar a término este excelente proyecto, contando también con la valiosa colaboración de John Ginty al piano y Hammond B-3, Dave Lockhart al bajo y Vin Mott a la batería y armónica. La grabación combina acertadamente canciones propias y algunas versiones e incluye también un tributo al gran armonicista James Cotton. Son once canciones de genuino y progresivo blues, la mayoría interpretados a la manera de los años setenta, con la pasión, las ganas, el sentimiento y el feeling de unos músicos que se desenvuelven con un extraordinario conocimiento del género, además de percibirse y sentirse en todo momento su abnegada devoción y profundo amor por el blues. MUY BUENO. New Jersey guitar player and singer Bob Lanza comes now with his fifth recording. To do so he has counted with the valuable collaboration of reputed producer and guitar player Anthony Krizan, who also plays guitar in the album. Both are good friends but they had never thought to work together. But, after meeting in a jam session to raise funds for The Jersey Shore Jazz & Blues Foundation and realize the chemistry that immediately arose between them, they decided to get to work and give shape to this excellent project, counting with the valuable collaboration of John Ginty on piano and Hammond B-3, Dave Lockhart on bass and Vin Mott on drums and harmonica. The recording cleverly mixes own songs with some versions and it also includes a moving tribute to great harmonica player James Cotton. Eleven songs of the most genuine but, at the same time, progressive blues, performed following the path of seventies blues, always with the passion, eagerness and feeling of a group of musicians who move among the songs with an extraordinary knowledge of genre and, in addition, let us feel their respect, devotion and deep love for the blues. GREAT.

Tas Cru “Memphis Song”. Subcat / Rick Lusher 2018.
Con este último trabajo Tas Cru quiere rendir homenaje a uno de los lugares de más relevancia y significado para cualquier músico de blues, tanto del pasado como del tiempo presente. Este lugar no es otro que el de la ciudad de Memphis y en especial Beale Street. El disco está dedicado a todos los músicos que, como él mismo, encontraron y siguen encontrando la inspiración en la ciudad de Memphis y que, sin duda, llevan marcada su impronta en su música y también en lo mas profundo de su alma y de su espíritu. Diez temas propios mas un par de canciones en las que interviene Mary Ann Casale quien también colabora en el álbum haciendo coros y tocando la guitarra acústica en la canción que lleva por titulo “Memphis Song” y que da nombre al álbum. Además de Tas Cru a la voz y la guitarra, otros músicos que también han participado y colaborado son Victor Wainright al piano, Pat Harrington a la guitarra slide, Bob Purdy al bajo, Dick Earl Ericksen a la armónica, Andy Rudy al piano y clavicémbalo, Guy Nirelli y Bill Barry al órgano y los baterías Ron Keck, Sonny Rock y Andy Hearn. Un trabajo que nos permite descubrir y saborear la originalidad de un músico no solo en su faceta de cantante y guitarrista sino también como un compositor versátil y ecléctico. MUY BUENO. With this last recording Tas Cru wants to pay homage to one of the most relevant and meaningful places for any blues musician, not only from past times but also from present ones. This place could not be other than Memphis city and especially Beale Street. Tas has dedicated the album to all musicians who, like himself, have found and continue finding inspiration in Memphis, a city that undoubtedly has given a distinctive stamp in their music but also has and outstanding place in their minds and souls. Th cd includes ten original songs and a couple of tracks with the collaboration of Mary Ann Casale. She also gives her personal acoustic guitar touch and backing vocals in the song that gives title to the album "Memphis Song". Besides Tas Cru on vocals and guitar, the other musicians who have also participated in the recording are Victor Wainright on piano, Pat Harrington on slide guitar, Bob Purdy on bass, Dick Earl Ericksen on harmonica, Andy Rudy on piano and harpsichord, Guy Nirelli and Bill Barry on organ and drummers Ron Keck, Sonny Rock and Andy Hearn. This is an album that allows us discover and appreciate the originality of a musician, not only in his singer and guitar player facets, but also as a versatile and eclectic composer. VERY GOOD.

Eric Lindell “Revolution In Your Heart”. Alligator 2018.
Nacido en San Mateo, California en 1969, Eric Lindell atesora todas las mágicas influencias de la música californiana y, en general, de toda la costa oeste, aunque también la música de New Orleans ha jugado un papel preponderante en su vida y en su manera de hacer música, por lo tanto es innegable que vamos a encontrar todo esto y mucho más reflejado en este nuevo álbum grabado para el sello Alligator y que cuenta con este artista en su catálogo desde hace ya algún tiempo. Para este nuevo disco de Eric Lindell ha decidido seleccionar doce temas propios en los que prácticamente se encarga de tocar todos los instrumentos (guitarra, bajo, teclados, órgano, armónica y, por supuesto, su envolvente y melodiosa voz de la que siempre hace gala), con la excepción de la batería que corre a cargo de Willie McMains y del pianista Kevin McKendree que interviene en la canción “Millie Kay”. En definitiva, un álbum jugoso y apetecible que se convierte en una deliciosa y apasionante mezcla de música americana con west coast rock, pantanoso rhythm and blues de New Orleans y honky tonk country Memphis soul. MUY BUENO. Born in 1969 in San Mateo, California, Eric Lindell gathers all the magical influences of Californian music and, most generally speaking, of the whole West Coast area, but he still has reserved some space for New Orleans music, which has a special place in his life and in the way of making music. Undoubtedly we will find these styles and other new things reflected in this last album recorded for Alligator Records, which included him in their artist catalogue some time ago. For this new album Eric Lindell has decided to select twelve own compositions where he practically plays all the instruments (guitar, bass, keyboards, organ, harmonica and, of course, his wrapping melodic voice he has been gifted qith), with the exception of drums which are tastefully played by Willie McMains and piano player Kevin McKendree who puts his piano in the song "Millie Kay". In short words, a juicy appetizing recording that becomes a delicious exciting mixture of Americana music with West Coast rock, swampy New Orleans rhythm and blues and honky tonk country Memphis soul. GREAT.

RC And The Moonpie Band “All This” Self Production. 2018.
Desde las pantanosas y fangosas tierras de Carolina del Norte, rodeados de caimanes, musgo y plantas carnívoras, RC & The Moonpie Band presentan su nuevo disco “All This” para deleite de todos cuantos quieran acercarse a conocer a este original grupo. Hasta el momento RC & The Moonpies se habían dedicado mayoritariamente a recuperar e reinterpretar oscuras canciones de artistas como Rufus Thomas o Jimmy Vaughan pero, para este nuevo trabajo, han preferido dar mas relevancia a sus propio temas incluyendo ocho de ellos en el total de los doce que conforman este álbum. El grupo posee un sonido cálido, particular, difícil de describir en pocas palabras, aunque podría definirse como una banda que interpreta música con raíces con influencias diversas de rhythm and blues, soul y swamp blues. Robert ‘RC’ Christian a la voz, Robert Marlowe a la guitarra, Mike Logiovino al bajo, T-Bone Betourney a la batería y Russell Pleasants a las voces saben bien como conducir al oyente a un universo personal de sensaciones placenteras, agradables y tremendamente sugerentes. En el disco también han intervenido algunos invitados como el pianista Bruce Katz entre otros. MUY BUENO. From the swampy muddy North Carolina landscapes, surrounded by alligators, moss and carnivorous plants, RC & The Moonpie Band present his new album "All This" to delight all those people who are willing to discover this original group. So far RC & The Moonpies had mostly devoted themselves to rediscover and perform obscure songs coming from artists like Rufus Thomas or Jimmy Vaughan but, for this new album, they have decided to give more relevance to their own songs, including eight of them in the total of the twelve tracks that round up the album. The group has a warm very particular sound, difficult to describe in a few words, although they could be defined as a band which performs roots music with diverse influences coming from rhythm and blues, soul and swamp blues. Robert ' RC ' Christian on vocals, Robert Marlowe on guitar, Mike Logiovino on bass, T-Bone Betourney on drums and Russell Pleasants on backing vocals know well how to drive listeners to a personal universe of pleasant, gratifying ant totally suggestive feelings. Some guest musicians have also participated in the album, like piano player Bruce Katz among others. VERY GOOD.

Mick Kolassa And The Taylor Made Blues Band “149 Delta Avenue” Endless Blues / Frank Roszak 2018.
Después de sus dos anteriores discos en los que Mick Kolassa había incluido versiones de otros compositores, en esta ocasión Mick ha querido mostrarnos su faceta de compositor seleccionando nueve temas propios y tres versiones. Estas doce canciones cubren una amplia variedad de ritmos, sonidos y estilos de blues y nos muestran a un Kolassa pletórico, dicharachero y en plenas facultades vocales capaces de enganchar al oyente gracias a esa poderosa y atractiva voz dotada de un timbre sugestivo pero a la vez extremadamente rocoso. El personal que contribuye a dar forma y sustancia a este sabroso cóctel de blues es el formado por el propio Mick Kolassa a la voz, David Dunavent a la guitarra, Leo Goff al bajo, Chris Stephenson a los teclados, Lee Andrew Williams a la batería y Susan Marshal y Daunielle Gill a las armonías vocales, además de una serie de invitados que ayudan a dar vistosidad y realzar un disco ya de por si atractivo e interesante. como son entre otros Jeff Jensen, Eric Hughes, Toronzo Cannon o Marty Sammon. Mark Franklin. Kirk Smothers o Suavo Jones. MUY BUENO. After his two previous recordings where Mick Kolassa included versions of songs coming for other composers, this time Mick decided to show us a kitkke bit more of his facet as a song writer, selecting nine own songs and three versions. These twelve songs cover a wide variety of blues rhythms, sounds and styles that clearly show Kolassa is in top form, high spirits and full vocal faculties, able to catch most listeners with his powerful attractive voice, gifted with a suggestive but at the same time, extremely rocky tone. The musicians who contribute to round up and give substance to this tasty blues cocktail include Mick Kolassa on vocals, David Dunavent on guitar, Leo Goff on bass, Chris Stephenson on keyboards, Lee Andrew Williams on drums and Susan Marshal and Gill Daunielle on backing vocal harmonies, as well as a handful of guests who help to enhance an already attractive and interesting album, such as eff Jensen, Eric Hughes, Toronzo Cannon or Marty Sammon. Mark Franklin, Kirk Smothers or Suavo Jones. VERY GOOD.

Dennis Herrera “You Stole My Heart” Self Production / Frank Roszak 2018.
Prepárate para disfrutar y pasarlo bien con el nuevo trabajo del cantante, compositor y guitarrista Dennis Herrera que viene cargado de buena y divertida música, perfecta para que bailes, lo pases bien y olvides todo ese cargamento de penas y preocupaciones que la vida diaria nos suele deparar y, si afortunadamente este no es tu caso, entonces simplemente se feliz, goza y disfruta con su nuevo disco porque, al igual que el anterior, seguro que no te va a defraudar. Su forma de cantar es expresiva, coloquial y bien engrasada, y el vibrante y jugoso sonido de su guitarra se ven respaldados por el sobrio y a la vez excelente trabajo de Sid Morris al piano, Rich Wenzel a los teclados, Denis Depoitre a la armónica, Frank Dejose y Bill Stuve al bajo, Jack Sanford y Jeff Jorgenson a los saxos, Robi Bean y Lee Campbell a la batería y finalmente Gordon Peeke a la percusión. Entre todos dan forma y vida a once temas compuestos por Dennis Herrera que te cautivarán de principio a fin. En definitiva estamos ante un trabajo realmente honesto y totalmente satisfactorio para todos aquellos que gustan de escuchar buen blues y buen rock ‘n’ roll. Un álbum que desprende swing a raudales y comunica buenas vibraciones ¿Te lo vas a perder? MUY BUENO. Get ready to enjoy and have a good time with the new recording by singer, songwriter and guitar player Dennis Herrera, al album that comes full of good rockin0 funny music, perfect to make you dance, have a good time and forget all daily sorrows and worries life brings us- And if fortunately this is not your case, then just be happy and enjoy Dennis’ new album because, like his previous one, this one will not disappoint you at all. His singing is expressive, plain and greasy and his vibrant juicy guitar sound is backed by the restrained excellent work of Sid Morris on piano, Rich Wenzel on keyboards, Denis Depoitre on harmonica, Frank Dejose and Bill Stuve on bass, Jack Sanford and Jeff Jorgenson on sax, Robi Bean and Lee Campbell on drums and finally Gordon Peeke on percussion. All give shape to eleven Dennis Herrera’s lively own songs that will certainly captivate you from the beginning to the end. In short words, this is a really honest and totally satisfying recording, devoted to all those people who look for good blues and good rock 'n' roll. This is a totally swingin’ album that immediately communicates good vibrations to every listener. Are you going to miss it? GREAT

Amanda Fish “Free”. Vizztone 2018.
Amanda Fish se dio a conocer en el año 2012 como cantante solista. A principios del 2014 fundó su propia banda orientada hacia la música con raíces, el rock y el soul. En 2015 publicó su primer álbum para el sello Vizztone, un disco que fue aclamado y reconocido por la prensa internacional como una de las más prometedoras artista, consiguiendo llegar también a las semifinales del International Blues Challenge de Memphis, premios que otorga anualmente la Blues Foundation. Ahora publica un nuevo trabajo para el sello Vizztone con doce temas propios en los que Amanda Fish se decanta hacia el rock pero siempre dándole un aire bastante bluesy, con influencias que abarcan desde R.L. Burnside hasta incluso Nirvana. En todas las canciones que integran este nuevo álbum, la voz de Amanda aparece con una fuerza y expresividad que sobrepasa los limites razonables de lo que es el nivel medio de muchas de las vocalistas actuales, además de tocar un amplio abanico de instrumentos como el bajo, la guitarra acústica, la eléctrica, la guitarra de doce cuerdas, el piano y la mandolina. El excelente elenco de músicos que la acompañan ayudan a dar forma a un disco de una más que interesante calidad musical. MUY BUENO. In year 2012 Amanda Fish started her musical career as solo singer. At the beginning of 2014 she founded her band, mainly devoted to perform roots music, rock and soul. In 2015 she published her first album for Vizztone, a recording that received a good recognition by national and international media, considering her as one of the most promising actual artists. She also reached the semi-finals at the International Blues Challenge in Memphis that every year is organized by The Blues Foundation. Now she publishes a new album for Vizztone, including twelve own songs where Amanda Fish goes to rock music but always with a good bluesy air and influences ranging from R.L. Burnside to even Nirvana. In all songs that round up this new album, Amanda's voice appears with a strength and expressiveness that exceeds the reasonable limits of the standard average of many of the actual singers. Besides, she also plays a wide range of instruments like bass, acoustic and electric guitar, twelve-string guitar, piano and mandolin. The excellent line-up of backing musicians contribute to complete a more than interesting high musical quality recording. GREAT.

Hadden Sayers “Acoustic Dopamine”. Self Production / Frank Roszak 2018.
No hace demasiado tiempo Hadden Sayers publicó un disco titulado “Dopamine Machine”. Este álbum presentaba un estilo de rock blues duro donde se mostraba la faceta más eléctrica y poderosa de este veterano cantante, guitarrista y compositor tejano. Después de su publicación Hadden Sayers se dio cuenta rápidamente de que aquellas canciones que había incluido en el disco poseían también un profundo intimismo y tenían mucho que decir si se interpretaban de forma acústica en un contexto mucho más recogido. Para ello se encerró en su habitación, realizando todos los arreglos precisos y necesarios para conseguir el climax apropiado para ser grabados de forma acústica, lo que realizó en los Lounge Studios de Groove City, Ohio y, bajo la dirección del ingeniero Joe Viers, completó las once canciones de este disco que fue mezclado por Chad Carlson en los Cabana Sound Studios de Nashville. Además de Hadden Sayers a la guitarra acústica y voz, en este proyecto participó también Ruthie Foster en una canción y Jim Ed Cobbs a las percusiones varias. MUY BUENO. Not too long ago Hadden Sayers published an album entitled "Dopamine Machine". It featured a hard rock blues style, showing the most electric and powerful facet of this veteran Texan singer, guitar player and songwriter. After the album release Hadden Sayers immediately realized those songs he had included in the cd also had a deep intimacy and much to say if they were performed in an acoustic way and in a more relaxed atmosphere. To do so he locked himself in his room, making all the necessary arrangements to get the right songs climax to be recorded totally acoustic. He did it at Sonic Lounge Studios in Groove City, Ohio under the clever supervision of engineer Joe Viers, that made as a result eleven songs mixed by Chad Carlson at Nashville's Cabana Sound Studios. Besides Hadden Sayers on acoustic guitar and vocals, you will also find Ruthie Foster in one song and Jim Ed Cobbs on various percussions. VERY GOOD.

Rachelle Coba “Blink”: American Showplace Music / Rick Lusher  2018.
Rachelle Coba es una cantante, guitarrista y compositora de una gran honestidad dispuesta siempre a dar lo mejor de si misma. Rachelle es una mujer inquieta que en todo momento busca algo nuevo que ofrecer. Partiendo del blues tradicional su música presenta un rango amplio y muy completo de peculiaridades, formas y sonidos. En todas y cada una de las once piezas que se incluyen en el álbum el oyente irá descubriendo los diferentes modos y maneras con los que Rachelle Coba se vuelca de manera eficaz y reconfortante en la música que interpreta. Aunque empezó tocando el violín, no fue hasta el momento en que descubrió a artistas como Lonnie Mack, Stevie Ray Vaughan o Buddy Guy con quien le une una buena amistad, en que Rachelle decidió dedicarse por entero a la guitarra y desarrollar su excelente faceta de cantante. A partir de ese momento nuestra heroína ha construido un estilo propio y personal que estoy seguro satisfará a todos cuantos escuchen este ultimo trabajo. Además de Rachelle Coba a la voz, guitarra y composición, el resto de los músicos que la acompañan son Kohn Guinty, quien también se encarga de la producción, al Hammond B3, piano, teclados y percusión, Paul Kuzik al bajo, Andrei Koribanics a la batería y percusión y Jimmy Bennet al dobro en la canción titulada “River Of Blood”. MUY BUENO. Rachelle Coba is a totally honest singer, guitar player and composer, always willing to give the best of herself. Rachelle is a restless woman who always looks for something new to offer to her followers. Starting from traditional blues, her music presents a wide range of peculiar forms and sounds. So In every cut included in this new album, listeners will discover the different ways Rachelle Coba walks along the music she plays, always in a very effective way. Although she started playing violin, it was not until she discovered artists like Lonnie Mack, Stevie Ray Vaughan or Buddy Guy, whom she keeps a good friendship, when Rachelle decided to devote herself to the guitar and develop his excellent singer skills. From that moment on, this woman has built up a personal style I am sure will satisfy all those who listen to this last recording. Besides Rachelle Coba on vocals, guitar and song writing, the rest of the musicians who back  her are Kohn Guinty, who has also been in charge of the whole production, on Hammond B3, piano, keyboards and percussion, Paul Kuzik on bass, Andrei Koribanics on drums and percussion and Jimmy Bennet on dobro in the song "River Of Blood". VERY GOOD.

Ray Bonneville “At King Electric”. Stonefliy / Mark Pucci 2018.
“At King Electric” es el nuevo trabajo de este contador de historias, compositor, cantante y guitarrista Ray Bonneville, en el que se nos revela como un músico tremendamente sobrio que, en todo momento, sabe crear un ambiente relajado e intimista que, en ocasiones, nos puede recordar tanto a Bob Dylan como a Johnny Cash, Tony Joe White, Leonard Cohen, Lou Reed o JJ Cale. Su vida ha sido la de un trovador y un trotamundos que ha llevado sus canciones desde su Quebec natal a todos los rincones de los Estados Unidos. Para él sus canciones y su público son como sus propios hijos a los que hay que alimentar y cuidar, tanto física como espiritualmente. Ray siempre está dispuesto a complacer a todos cuantos le escuchen, no sólo en el escenario sino también en los discos que publica. En este nuevo álbum la voz, las guitarras y la armónica de Ray Bonneville están bien secundadas por unos músicos que contribuyen en gran medida a crear una música que podría calificarse como la pólvora de un arma de fuego o como el opio, ya que en ciertos momentos suena ardiente y explosiva y en otros lánguida y melodiosa, eso si, siempre bajo las premisas de un country folk elegante y distinguido del cual es un maestro consumado. MUY BUENO. "At King Electric" is the new recording of this storyteller, composer, singer and guitar player called Ray Bonneville, where he shows himself as a terrific but at the same time restrained musician who always knows how to create a relaxed intimate atmosphere that, sometimes, could make us remember such great musicians like Bob Dylan, Johnny Cash, Tony Joe White, Leonard Cohen, Lou Reed or JJ Cale. He has lived as a troubadour and a globetrotter and has taken his songs from his native Quebec to every corner of United States. For him the songs he writes and his audience are like his own children he needs to feed and take care, both physically and spiritually. Ray is always willing to please all those people who listen to him, not only when he is on stage but also in all the albums he releases. In this last recording, Ray Bonneville’s voice, guitars and harmonica are well supported by some good musicians who really contribute to create a music that could be described like gun powder or opium, because sometimes it sounds flaming and explosive and other times languid and melodic, but  always inside the frame of an elegant tasteful country folk he performs with a mastery technique. VERY GOOD.


NOVIEMBRE 2018 / NOVEMBER 2018

Bruce Katz Band “Get Your Groove!” American Showplace Music / Rick Lusher 2018.
Bruce Katz es un magnífico pianista y teclista que domina muchos palos y que además posee amplios registros sonoros. Con un dominio del teclado elegante, lleno de swing y mucho groove, lo demuestra una vez mas en esta nueva grabación que seguramente despertará interés en muchos de los oyentes, pues Bruce Katz se las ingenia para transportarnos a través de un recorrido por el soul-jazz-blues más infernal y auténtico que uno haya escuchado en mucho tiempo. Miembro de gripos como Greg Allman’s Band, Allman Brothers, Butch Truck’s Freight Train Band o de la Jaimoe’s Jassz Band, Bruce Katz es sobradamente conocido entre los aficionados al blues rock, el jazz o el blues. Además de Bruce, que está al bajo en cinco temas aparte por supuesto de deleitarnos al piano acústico y Hammond B-3, se encuentran Chris Vitarello, un dinámico guitarrista y cantante todo terreno, Ray Hangen es quien está detrás de la batería, mas un par de invitados como son Matt Raymond al bajo y contrabajo y Jaimoe, legendario batería de los Allman Brothers, en tres canciones. Un disco especialmente recomendable para todos aquellos amantes del jazz y del groove, tanto vocal como instrumental. MUY BUENO. Bruce Katz is a magnificent piano and keyboard player who feels comfortable in a variety of styles thanks to his wide sound registers. His mastery elegant knowledge of keyboards always full of swing and groove becomes evident in this new recording that will surely attract many listeners, as Bruce Katz manages to drive us along the most devilish and genuine soul-jazz-blues you could imagine. Member of bands like Greg Allman’s Band, Allman Brothers, Butch Truck’s Freight Train Band or Jaimoe’s Jassz Band, Bruce Katz is well known among fans of blues-rock, jazz or blues. Besides Bruce, who is on bass in five songs, as well as delighting us in acoustic piano and Hammond B-3, you will also find Chris Vitarello, a dynamic versatile guitar player and singer, Ray Hangen behind the drums, together with a couple of guest musicians like Matt Raymond on bass and double bass and legendary Allman Brothers drummer Jaimoe in three songs. This is an album especially recommended for both vocal and instrumental jazz and groove lovers. GREAT.  

JP Soars “Southbound I-95”. Soars High / Rick Lusher 2018.
Nacido en California en 1969 y residente en el sur de Florida desde 1985, JP Soars ha desarrollado su carrera trabajando en muchas bandas en las que la sección de vientos siempre tuvo un valor relevante donde se mezclaban el jazz, el blues y el r&b Esto explica que su estilo a la guitarra haya evolucionado por caminos diferentes a la de los guitarristas de blues y sus influencias puedan encontrarse tanto en Wes Montgomery o Louis Armstrong como en T-Bone Walker o Muddy Waters, sin olvidar a músicos como Willie Nelson, Tito Puente, Black Sabbath, Van Halen o Metallica. Todas esas influencias de estilos adornan su música, dando como resultado lo que se escucha en este nuevo álbum que tiene un gran poder de seducción como se puede comprobar de inmediato. Quince temas asombrosos en los que Soars despliega todo su abanico de posibilidades técnicas empleándose a fondo tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica, la slide, la cigar box de dos cuerdas, la viola caipira portuguesa y el bajo en tres canciones, además de cantar con convicción y de estar acompañado por un buen número de competentes músicos entre los que sobresalen Lee Oskar, Travis Colby, Paul DesLauries, Jimmy Thackery, Albert Castiglia o Sax Gordon. MUY BUENO. Born in California in 1969 and settled in South Florida since 1985, JP Soars has developed his career working in many jazz, blues and r&b bands where the horn section always had a relevant position. This is the reason why his guitar style has evolved on a different way as blues guitar players and his influences can be found either in Wes Montgomery or Louis Armstrong and T-Bone Walker or Muddy Waters, without forgetting musicians like Willie Nelson, Tito Puente, Black Sabbath, Van Halen or Metallica. All this variety of styles gives a fine beauty to his music, creating a particular style with a great power to seduce listeners, as you will immediately realize. Fifteen amazing songs where Soars displays all his wide range of technical resources, not only with electric and acoustic guitars but also with slide, two strings cigar box, Portuguese viola caipira guitar and even playing bass in three songs, besides singing with conviction, backed  by a good number of professional able musicians like Lee Oskar, Travis Colby, Paul DesLauries, Jimmy Thackery, Albert Castiglia or Sax Gordon among others. VERY GOOD.

Paul Winn Band “Live At Lacybones”. Hollow Tree 2017.
Desde Australia Paul Winn y su banda vuelven con un nuevo proyecto que sigue los pasos de su anterior cd, es decir, incluyendo siete temas originales, grabado en vivo y con el regalo de un dvd adicional para poder disfrutar de su directo fresco, sencillo y alborozado. Una vez mas el grupo recrea con fidelidad la música que les gusta, les acompaña y les anima a seguir haciendo disfrutar a las audiencias para las que tocan. En las siete canciones que esta vez ponen al descubierto hay un poquito de blues, de jazz y de funk, todo ello de cosecha propia realizado con encanto y bastante personalidad. Nuevamente Paul Winn demuestra que es un cantante y guitarrista versado y capaz, con un twist y un gusto muy medido, complementado por una banda eficaz formada por Rick Wilson a la armónica, Emile Nelson al bajo, Dom Robinson a la batería, Gary Honor al saxo y Johann Willenberg a los teclados. Todos ellos dan lo mejor de si mismos en este disco que queda bien plasmado tanto en el cd como en el dvd que lo acompaña, para poder escucharlo realizando las tareas cotidianas o visionarlo cómodamente sentado en tu sillón favorito. MUY BUENO. From Australia Paul Winn and his band come back with a new project that follows the footsteps of his previous cd, as it includes seven recorded live original songs, with the additional gift of a dvd, good to enjoy their lively, fresh, simple and joyful performing. Once again the group faithfully displays the music they like most, that has been always with them and encourages them to follow on giving happiness and joy to the audiences they play for. The seven own songs chosen for the cd gather a little bit of blues, jazz and funk, performed with personality and a good dose of charm. One more time Paul Winn shows he is a versatile able singer and guitar player, with a remarkable twist and a measured taste, that matches with an effective band with Rick Wilson on harmonica, Emile Nelson on bass, Dom Robinson on drums, Gary Honor on sax and Johann Willenberg on keyboards. All them give the best of themselves both in the cd and the additional dvd, which are perfect to listen to ithe cd while doing daily tasks or looking at the dvd comfortably sitting in your favourite armchair. VERY GOOD.

Shemekia Copeland “America’s Child”, Alligator / Discmedi 2018.
Indudablemente la carismática y agraciada voz de Shemekia Copeland ha alcanzado un punto de calidad y madurez realmente indiscutible. Su amplitud de registros le permite adentrarse con solidez y convicción, además del blues, en estilos como el gospel y la música americana con raíces. A partir del nacimiento de su hijo Johnny Lee Copeland en el año 2017, Shemekia ha empezado también a concienciarse sobre el mundo en el que vivimos, el futuro que dejaremos a nuestros hijos y qué podemos hacer para mejorarlo, por eso sus letras se han vuelto más reflexivas y profundas, casi alcanzando un punto filosófico. La compañía Alligator con la que tiene firmado contrato publica este nuevo trabajo de Mrs. Copeland en el que interpreta con pasión, fuerza y honestidad doce temas llenos de garra, intensidad y atractivo, en los que está rodeada de una pléyade de excelentes músicos e invitados como John Prine, Emmylou Harris, Mary Gauthier, Rhiannon Giddens, Steve Cropper, J.D. Wilkes o Al Perkins entre otros. Los arreglos de las canciones están sumamente cuidados, pensados y llevados a cabo con enorme profesionalidad y esmero, dando como resultado un álbum magnífico y de agradable escucha, donde Shemekia brilla con luz propia, además de transmitir una enorme fuerza y sensibilidad. MUY BUENO. Undoubtedly the charismatic, passionate but, at the same time, emotional voice of Shemekia Copeland has reached an undeniable quality and maturity. Her broad vocal range allows her to easily move with an amazing strength and conviction, not only in blues but also in other styles like gospel or American roots music. Since the birth of her son Johnny Lee Copeland in 2017, Shemekia has also started to be aware about the kind of world we are living on, the future we will leave to our children and what can be done to improve things, so her lyrics have become more deep and thoughtful and even with a philosophical point. She is one of the Alligator Records artists which now publishes a new Mrs. Copeland’s album, where she performs with passion, strength and honesty twelve attractive songs full of a punching intensity, surrounded by a distinguished bunch of excellent musicians and guests, such as John Prine, Emmylou Harris, Mary Gauthier, Rhiannon Giddens, Steve Cropper, J.D. Wilkes or Al Perkins among others. The song arrangements have been designed with an extreme care so all musicians carry them on with great professionalism and good taste, which gives as a result a magnificent pleasant album, where Shemekia shines at a very high level, communicating a terrific feeling and sensitivity. GREAT.

The Billy Jones Band “Funky Blues & Southern Soul Vol.1”. Self Production 2018.
Nacido en el profundo sur de los Estados Unidos donde la segregación estaba muy presente en todos los ámbitos de la vida, Billy Jones creció en el bar de su abuelo, escuchando blues en muchas de las juke joints de la zona. Elmore James, Big Joe Turner, Jackie Wilson, B. B. King, Muddy Waters, Sam Cooke y otros grandes del blues y el soul fueron sus influencias y, con sólo cinco años, ya tenía una guitarra en las manos. Pronto empezó a actuar para las tropas estadounidenses en el extranjero, lo que le permitió viajar por todo el mundo y adquirir una gran experiencia. Ahora nos presenta su último y excelente trabajo en el que combina con precisión, mucha clase y buen gusto el blues, el funk y el southern soul, consiguiendo un sonido actual y muy urbano, ideal para enganchar con su música a las nuevas generaciones amantes de los sonidos negroides. Diez poderosos temas llenos de punch y ritmo, en los que la bien timbrada voz y el excelente trabajo a la guitarra de Billy Jones brillan con rutilancia, perfectamente respaldadas por Corey Bray a los teclados, Rev. “Do Dirty” Kendrix al bajo y Mark Flinoil a la batería, además de algunos músicos de estudio que contribuyen a redondear un trabajo altamente recomendable. En definitiva, un disco soberbio por muchos conceptos. MUY BUENO. Born in the deep south of United States, where segregation was present in most aspects of daily life, Billy Jones grew up in his grandfather's bar, listening to blues in different juke joints and bars. Elmore James, Big Joe Turner, Jackie Wilson, B. B. King, Muddy Waters, Sam Cooke and other great blues and soul musicians were his influences and, when he was only five years old, he already had a guitar on his hands. Soon he started to perform for the American troops, which allowed him to travel all over the world and get a wide musical experience. Now he brings us his last and excellent recording, that accurately combines blues, funk and southern soul, always with an excellent taste and class, which makes as a result an actual urban sound, perfect to attract the new generations of black music lovers. Ten powerful songs with an amazing punch and good rhythm, where Billy Jones’ well pitched voice and excellent guitar work shine like a dazzling star, perfectly supported by Corey Bray on keyboards, Rev. "Do Dirty" Kendrix on bass and Mark Flinoil on drums, together with some studio musicians who contribute to round up a highly recommended work. In short words, this is a superb album in many concepts, GREAT.

Cootes Paradise Band “Cootes Paradise”, Self Production 2018.
Cootes Paradise es una colectivo de seis músicos de la zona de Ontario en Canadá, con muchas cosas en común entre ellos. Su fundadora Lily Sazz decidió un día unir su talento a la de otros músicos entusiastas y colaboradores para, no solamente tocar juntos sino también compartir sus ideas musicales y, de este modo, disfrutar viviendo conjuntamente las muchas y gratas experiencias que la música les podía aportar sin dejarse arrastrar por el competitivo camino del negocio musical. Todos ellos participan de gustos musicales similares que abarcan el blues, el funk, el soul, el rhythm and blues y la música con raíces, por lo que la mezcla de esos estilos que ellos fusionan con gusto y pericia, se convierten en la impronta musical que transmiten a las mentes de todos aquellos dispuestos a disfrutar y dejarse llevar por su música. Las voces de Sue Leonard y Wayne Krawchuk, ambas con registros muy diferentes pero llenas de fuerza, cromatismo y carisma, están respaldadas por Mark Volkov a la flauta, saxo y violín, Lily Sazz a los teclados y coros, Ian Taylor al bajo y coros y Amy Di Nino a la batería y coros. Diez composiciones propias y dos versiones completan un álbum en el que se aprecia el lirismo y la sintonía qua aportan cada uno de estos músicos a un proyecto común, en el que dan lo mejor de si mismos. MUY BUENO. Cootes Paradise is a collective of six musicians coming from Ontario area in Canada who have most things in common. One day band founder Lily Sazz decided to join her talent to other enthusiastic and collaborative musicians to, not only play together but also share their musical ideas and enjoy together the many pleasant experiences music could give them, without letting themselves be carried away by the competitive road of music business. These six fellows share similar musical tastes, like blues, funk, soul, rhythm and blues and roots music, so the tasteful and expertise mixture of those styles becomes the musical stamp they give to all those minds willing to enjoy and let themselves be carried by their music. The voices of Sue Leonard and Wayne Krawchuk, both with very different vocal ranges but full of strength and a colourful charisma, are backed by Mark Volkov on flute, sax and violin, Lily Sazz on keyboards and backing vocals, Ian Taylor on bass and backing vocals and Amy Di Nino on drums and backing vocals. Ten own compositions and two versions complete an album that shows the lyricism, good understanding and commitment each musician gives to a common very interesting and attractive project. VERY GOOD.

Bobby G “Ph. D In The Blues”- Third Street Cigar 2018.
Nacido en una plantación de Winterville en Mississippi, con sólo siete años Bobby G. ya tenía que trabajar recolectando algodón. Aparte del duro trabajo, Bobby se dedicaba a escuchar y aprender de músicos como BB King. Mississippi Slim o Bobby Bland. Su vida era triste y monótona, deseando siempre algo mejor, hasta que un día vinieron a visitarles unos tíos suyos y Bobby les pidió que le llevaran con ellos al norte. En la ciudad de Toledo, Bobby alternaba su trabajo diario cantando en los clubs locales, hasta que en los años 80 se retiró de la música para cuidar de su hijo, volviendo con fuerza a finales de los 90. Johnny Rawls se fijó en el y le ayudó a consolidar su carrera. Después del éxito de su primer trabajo “Still Standing”, la compañía Third Street Cigar Records publica ahora su segundo álbum con diez excelentes temas compuestos todos ello por Johnny Rawls, algunos en colaboración con L. Francis. Johnny Rawls y John Henry se han encargado también de la producción final. El resultado es un excelente disco donde se combinan con pericia y muy buen gusto el soul y el blues a partes iguales. Rodeado de un elenco de músicos muy profesionales que imprimen carácter a cada uno de los temas del disco, Bobby se revela como un muy interesante cantante a tener en cuenta. MUY BUENO. Born on a plantation in Winterville, Mississippi, when he was only seven years old Bobby G. worked in the cotton fields. After his daily hard work, Bobby devoted himself to listen and learn from musicians like BB King, Mississippi Slim or Bobby Bland. His life was sad and he wished for a better one until, one day, his uncles came to visit them and Bobby asked if he could go to the north with them, In Toledo, Bobby worked during the day and at night he sang in local clubs but in the 80’s he retired from music to take care of his son, coming back with renewed energies at the end of the 90’s. Johnny Rawls saw his possibilities and helped him to consolidate his career. After the success of his first recording "Still Standing", Third Street Cigar Records now publishes his second album with ten excellent songs coming from Johnny Rawls, some of them in collaboration with L. Francis. Johnny Rawls and John Henry have also been responsible of the whole final production. The result is an excellent album that cleverly and tastefully combines soul and blues in equal parts. Surrounded by very professional musicians who give a personal stamp and character to each of the album songs, Bobby reveals himself as a very interesting singer to be taken into account. GREAT.

Travis Bowlin “Secundus”. Moonbeam / Blind Raccoon 2018.
Nacido en 1988 cerca de Cincinnati, Ohio, Travis Bowlin tuvo su primer contacto con la música cantando en el Cincinnati Boy Choir donde se aficionó a la música con raíces involucrándose en los proyectos musicales de su escuela. A los quince años empezó a interesarse en tocar la guitarra y después de acabar sus estudios, comenzó a intentar labrarse una carrera como músico profesional. En el año 2012 se trasladó a Nashville, Tennessee, tocando y realizando algunas grabaciones con las que se inició en la industria musical. En el 2015 y 2016 algunas de sus canciones aparecieron en las listas de éxito y Travis empezó a recibir sus primeros premios y reconocimientos por parte de los medios especializados. Este es su segundo álbum grabado en estudio, con un repertorio repleto de rock, soul y blues. En palabras del propio Travis, el curioso título de “Secundus”, no sólo significa segundo en latín, sino que, además de inspirarse en la canción de John Lee Hooker “Mr. Lucky”, también quiere decir que la suerte es favorable y eso es lo que intenta expresar nuestro hombre como agradecimiento por poder tocar y ganarse la vida en el duro camino del negocio musical haciendo lo que más le gusta. Doce composiciones propias aparecen frescas, jugosas y lozanas en las manos de este cantante y guitarrista que emerge con fuerza y mucho futuro por delante. MUY BUENO. Born in 1988 near Cincinnati, Ohio, Travis Bowlin had his first contact with music singing in the Cincinnati Boy Choir where he became a deep lover of roots music, getting deeply involved in most school musical projects. At the age of fifteen he became interested in learning guitar and, after finishing his studies, he started to work hard to consolidate his career as a professional musician. In 2012 he moved to Nashville, Tennessee, where he regularly played and did his first recordings that helped him to learn about music industry. In 2015 and 2016 some of his songs reached the charts and Travis began to receive his first awards and recognitions from specialized media. This is his second studio album with a repertoire full of rock, soul and blues. In Travis own words, the curious title of "Secundus", not only means second in Latin but, besides saying he found inspiration by John Lee Hooker’s song "Mr. Lucky", the word also means being lucky or favourable, so this is what Travis wants to express, as his sincere thanks to play music and make a living doing what he most likes in the difficult music business. Twelve fresh, juicy and very attractive own compositions displayed with a singer and guitar player who appears with an amazing strength and a promising future ahead. VERY GOOD.

Errol Dixon “Midnight Train”. Wolf 2018.
La compañía austriaca Wolf Records nos sorprende una vez más con otro de sus documentos históricos de gran interés y valor para el aficionado. Su propietario Hannes Folterbauer dispone de un gran archivo de grabaciones de viejos bluesmen de los años sesenta, setenta y ochenta que dosifica a medida que va transcurriendo el tiempo, ofreciéndolas a los aficionados con cuentagotas para que, de este modo, puedan ser mas valoradas y apreciadas. En este caso se trata de unas grabaciones inéditas del cantante y pianista Errol Dixon realizadas en directo el 9 de septiembre de 1973 desde el club Jazzland de Viena, Austria. En ellas Errol se acompaña únicamente de su piano, interpretando algunos antiguos standards del blues como “Stormy Monday Blues”, “Kansas City”, “Next Time I See You”, “Rock Me Baby” o “Hey Bartender”, aunque también nos propone composiciones propias como “Pretty Baby”, “Foot Stompin’ Boogie” o uno de sus grandes éxitos “Midnight Train” entre otras. En total se recogen veintitrés canciones que seguramente harán las delicias de los admiradores de este artista y también de los coleccionistas, sobre todo porque no existen muchos discos publicados bajo su propio nombre por lo que siempre es de agradecer cuando se edita alguna grabación de un artista de las características de Errol Dixon. El disco contiene un libreto con una entrevista realizada a este artista el 19 de abril de 1974. Así pues, ¡a disfrutarlo amigos! MUY BUENO. Once again Austrian label Wolf Records surprises us with another of its historical documents of great interest and value for all blues lovers. Wolf owner Hannes Folterbauer has an amazing archive of recordings coming from sixties, seventies and eighties old bluesmen, he cleverly doses as time goes by, publishing them from time to time to, in this way, become more valued and appreciated by fans. In this case there are some unreleased recordings by singer and piano player Errol Dixon he performed live the 9 September 1973 at Jazzland Club in Vienna, Austria. You will discover Errol’s voice and piano playing some old blues standards as "Stormy Monday Blues", "Kansas City", "Next Time I See You", "Rock Me Baby" or "Hey Bartender", but also he gives us some own compositions like "Pretty Baby", "Foot Stompin' Boogie” or one of his greatest hits "Midnight Train" among others. Twenty-three songs that will surely delight his fans and collectors, mainly because you will not find many records published under his own name, so any recording coming from an artist like Errol Dixon is always welcomed. The album also includes a booklet with an interesting interview he did in Austria the 19 April 1974. So, enjoy it fellows! VERY GOOD.

Will “One Click Away”. Self Production 2018.
Nacido en 1976 en Marseille, Francia, William Salesne, conocido en el mundo artístico como Will, empezó a interesarse por aprender el órgano eléctrico cuando solamente contaba once años de edad. Fue en 1991 cuando descubrió su pasión por la guitarra eléctrica escuchando los discos de Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix o Deerp Purple. Autodidacta de este instrumento, Will pronto aprendió todos los recursos de la guitarra siguiendo la estela de los guitarristas antes mencionados. En 1992 comenzó a tocar con varios grupos por diferentes locales y clubs. En el 2003 formó su propia banda junto a Jean Paul Daydé al bajo y Eric Flandrin a la batería. El trío concede gran importancia a la improvisación en lo que a los solos se refiere y juntos muestran un gran nivel de compenetración, lo que se refleja y transmite con absoluta fidelidad en los once temas que componen este nuevo trabajo en el que, además de poder disfrutar de un power blues contundente y muy perfeccionista también podemos escuchar intensas baladas y canciones con algunas pinceladas pop para atraer a un público joven, que Will adorna con buen gusto, gracias a su nítido, potente y cristalino sonido de guitarra. MUY BUENO. Born in 1976 in Marseille, France, William Salesne, known in the music world as Will, became interested in learning electric organ when he was only eleven years old. It was in 1991 when he discovered his passion for electric guitar through the records of Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix or Deerp Purple. Self-taught in this instrument, he soon learned the guitar secrets following the path of the just mentioned guitar players. In 1992 he started to play with some groups in different bars and clubs. In 2003 he formed his own band with Jean Paul Daydé on bass and Eric Flandrin on drums. The trio gives great importance to improvisation specially in solos, also showing a real understanding among them, which is perfectly reflected and faithfully communicated along the eleven songs that round up this new album where, besides give listeners the opportunity to enjoy a hard-hitting perfect power blues music, you will also be able to savour intense ballads and some songs with some pop influences to attract a young audience, Will always decorates with an extreme good taste, thanks to his sharp, powerful and crystalline guitar sound. VERY GOOD.

The Sharpeez “Wild One”. 3Ms Music Ltd. / GFI-Promotions 2018.
The Sharpeez es una banda formada por músicos curtidos y de reconocido prestigio que comparten los mismos gustos musicales y una gran química entre ellos. Con este proyecto que acaban de llevar a cabo intentan emular a algunos de sus ídolos que mas han influido en su música como son Rory Gallagher, Dr. Feelgood, The Stranglers, Tom Petty, Rolling Stones, George Thorogood, Paul Kossoff, Paul Rodgers o Andy Fraser. Este es su quinto disco que han titulado “Wild One” en recuerdo a la película con el mismo titulo protagonizada por Marlon Brando. En España este film se estrenó comercialmente en las salas como “Salvaje”, como salvaje y agresivo es el sonido y el estilo del grupo. William Mead se encarga de tocar la guitarra y cantar, Loz Netto toca con apasionado fervor la guitarra slide, Baz Payne controla el bajo, Brendan O’Neill golpea con precisión y contundencia los tambores, mientras Teresa Revill se encarga de hacer coros cuando las canciones lo requieren. En definitiva, un disco de rock de garaje haciendo guiños al pop alternativo con alguna pequeña pincelada de blues, tal y como se cuece hoy día. MUY BUENO. The Sharpeez is a band formed by tanned well known musicians who share the same musical tastes and a good chemistry among them. With this project they have just released, the group tries to emulate some of their musical icons who have more influenced in their musical conception such as Rory Gallagher, Dr. Feelgood, The Stranglers, Tom Petty, Rolling Stones, George Thorogood, Paul Kossoff, Paul Rodgers and Andy Fraser. This is their fifth album, they have entitled "Wild One" remembering the legendary Marlon Brandon’s film “Wild One”, and wild, aggressive and cutting is the band sound and music. William Mead is responsible of guitar and vocals, while Loz Netto plays slide guitar with a passionate intensity, Baz Payne controls bass, Brendan O'Neill precisely beats drums and Teresa Revill provides backing vocals when the songs require it. In short words, this is a garage rock album with drops of alternative pop and a small touch of blues, as it is performed in actual days. VERY GGOD.

Budda Power Blues “Back To Roots”. Mobydick Records 2018.
Liderados por el polifacético Budda Guedes, la banda portuguesa Budda
Power Blues nos presenta su último trabajo “Back To Roots”. La banda se creó en 2005 con el propósito de servir como fuente de expresión de sus integrantes, sin estar al servicio de los intereses de la industria musical. Sin embargo pronto se dieron cuenta de su potencial y de la creciente demanda del público, evolucionando hacia una propuesta más profesional. A partir de ese momento empezaron a tocar con mayor regularidad, además de grabar diversos álbums y ser la banda de acompañamiento en sus giras por Europa de Shirley King (hija de BB King). Hoy día actúan en todo Portugal además de realizar giras a nivel internacional. En este su ultimo trabajo, el grupo se ha decantado por un repertorio ecléctico que incluye en su mayoría power rock blues, sin olvidar algun tema de blues clásico e incluso de folk con aires portugueses, que nos hacen ver la variedad y la proyección de este grupo. Budda Guedes realiza un excelente trabajo a la voz, guitarra, bajo, mandolina ukelele, Fender Rhodes y percusión, bien secundado por Nico Guedes a la batería, congas, percusión y voces y Carl Minnemann al bajo, contrabajo y voces, contando con la colaboración de Dani del Toro a la armónica, Wolfram Minnermann al piano y Glandum Galundaina a la voz, percusión y flauta, en un tema cada uno. Un álbum que combina a partes iguales y con un buen nivel cualitativo la experimentación, la técnica y la tradición. MUY BUENO. Led by versatile musician Budda Guedes, the Portuguese group Budda Power Blues Band brings us his last work "Back To Roots". The band was formed in 2005 with the only purpose to serve as a source of expression for their members, getting far away of the musical industry interests. However, they soon realized their potential and the growing demand of public, so they evolved to a more professional proposal. They started to play more regularly, as well as recording several albums and also became the backing band of Shirley King’s European tours (BB King’s daughter). Today they are requested all over Portugal as well as touring internationally. In this last work, the band has decided to display an eclectic repertoire that mostly includes power rock blues, together with some classic blues and folk with Portuguese influences, which make us realize the variety and impact of this group. Budda Guedes does an excellent work on vocals, guitar, bass, mandolin, ukelele, Fender Rhodes and percussion, well surrounded by Nico Guedes on drums, congas, percussion and backing vocals and Carl Minnemann on bass, double bass and backing vocals, with the special collaboration of Dani del Toro on harmonica, Wolfram Minnermann on piano and Glandum Galundaina on vocals, percussion and flute, each in one song. This is an album that combines with good quality and in equal parts experimentation, technique and tradition. VERY GOOD.

Vitor Bacalhau “Cosmic Attraction”. Mobydick 2017.
Representante de Portugal en el pasado European Blues Challenge celebrado en Hell (Noruega), donde alcanzó un meritorio tercer puesto compitiendo junto a veinte formaciones venidas de sus respectivos países europeos, Vitor Bacalhau dejó constancia de su técnica como cantante y guitarrista de power blues. Ahora nos presenta su último trabajo grabado en directo en los estudios Mobydick, utilizando al mínimo las técnicas de estudio como overdubs, tomas alternativas o cascos de sonido, para de este modo reflejar con la mayor autenticidad el sonido de esta poderosa banda. El más agreste y agresivo blues rock se da la mano con el blues genuino y alguna balada a lo largo de las nueve canciones, todas propias o en colaboración con otros músicos, que dan forma a este álbum en el que Vitor nos sorprende por su técnica a la guitarra y su feeling a la voz junto a Luís Trindade al bajo y Fender Rhodes en un tema y Joao Ventura a la batería, contando asimismo con la colaboración de Budda Guedes a las guitarras, teclado, percusión y voz en un tema, además de Helder Faisca a los coros. Al igual que sucedió el pasado año con el excelente músico de blues Messias, este disco nos da la oportunidad de descubrir a un artista con mucho que aportar, no solo a la escena del blues portuguesa, sino también a los circuitos de rock blues europeos. MUY BUENO. Representing Portugal at the last European Blues Challenge in Hell (Norway), where he got a remarkable third place competing with twenty acts coming from their European countries, Vitor Bacalhau showed his technique as a power blues guitarist and singer. Now he presents his last work recorded live at Mobydick studios, employing the minimum studio devices as overdubs, alternative takes or sound earphones to, in this way, faithfully reflect the band powerful sound. The wildest most aggressive blues rock comes together with some genuine blues and even a couple of ballads along the nine cd songs, all them Vitor’s own compositions he has written alone or in collaboration with other musicians, that give shape to an album where Vitor surprises us by his guitar technique and his vocal feeling supported by Luis Trindade on bass and Fender Rhodes in one song and João Ventura on drums, with the special collaboration of Budda Guedes on guitars, keyboard, percussion and singing in one cut, and Helder Faisca on backing vocals. As happened the previous year with the amazing blues musician Messias, this album gives us the opportunity to discover an artist with something to say, not only in Portuguese blues scene, but also in European blues rock circuits. VERY GOOD.

Carolyn Fe “Sugat Ko”. Self Production / Sarah French. 2018.
Después de tomarse un tiempo de descanso y silencio musical, Carolyn Fe vuelve de nuevo a la escena con más ganas que nunca y un trabajo titulado “Sugat Ko” que nos muestra la faceta mas experimental y sofisticada de esta artista. Carolyn se aventura con atrevimiento y sin ningún temor en unos nuevos territorios musicales, imprimiendo carácter y dando un giro casi completo a los ritmos más tradicionales y al concepto del blues que muchos tenían hasta el momento. Sus letras se han vuelto también más hirientes y comprometidas con su entorno mas inmediato, sacando al exterior las heridas que la vida le ha deparado. En estas grabaciones Carolyn aparece como una artista visionaria, camaleónica y a veces profética que lucha contra las reglas establecidas a través de una música que sobrepasa las fronteras del blues y que en ocasiones puede resultar extraña y difícil de comprender y asimilar, excepto para todos aquellos que estén dispuestos a abrirse a nuevas experiencia tanto sonoras como líricas. Sin embargo, bajo esa capa de oscuridad, misterio y experimentación puede apreciarse el talento, la calidad y la sensibilidad de esta original cantante. BUENO. After a period of reflexion and musical silence, Carolyn Fe comes back to the music scene with more strength than ever and a new album entitled "Sugat Ko", which shows us the most experimental and sophisticated facet of this artist. Carolyn dares to immerse with no fear in new musical territories, building character to a nearly complete turn to the traditional rhythms and the blues concept most people have had so far. Her lyrics have also become more hurtful and committed with her environment, taking out the wounds life has brought her. In this recording Carolyn appears like a visionary, chameleonic and even prophetic artist struggling against the established rules by a kind of music that goes beyond the blues borders which may often be strange and difficult to understand and assimilate, except for those people who are willing to open themselves to new experiences both in  sounds and lyrics. However, under the layer of darkness, mystery and experimentation, one will be able to see the talent, quality and sensitivity of this original singer. GOOD.

Velma Powell & Bluedays “Blues To The Bone”. Red Hot 2018.
Los Bluedays son una banda vallisoletana consolidada y con una larga experiencia en el panorama del blues español. Después de años de carrera han conseguido un sonido compacto, robusto y distintivo que les ha hecho ganar en solidez y solvencia. Desde hace ya unos años son la banda de acompañamiento de la cantante estadounidense, de Chicago por más señas, hoy afincada en Madrid, Velma Powell. Proveniente del circuito de jazz, Velma ha ido entrando gradualmente en el blues¡, gracias a un feeling especial y una voz muy particular que, en ocasiones, puede recordar a las de aquellas grandes divas del blues como fueron Sippie Wallace o Estella Mama Yancey. Ahora nos presentan su último trabajo con siete canciones compuestas por la propia Velma Powell junto a Jorge Otero, cuatro escritas por Velma y la banda al completo, mas una versión del clásico de Willie Dixon “Too Late”. Un repertorio donde el blues de Chicago tiene el mayor protagonismo pero en el que no faltan influencias del blues de vaudevil, el jazz o alguna que otra balada. Carlos Sanz a la guitarra y voz, Mike Terry a la guitarra, Jorge Otero “Jafo” al bajo y Nacho Castro a la batería más la colaboración de Paul San Martín al piano y Hammond y David García a la armónica constituyen un soporte perfecto para que la autenticidad y el feeling de Velma Powell brille a un apreciable nivel de calidad. MUY BUENO. Bluedays come from Valladolid and are now a consolidated band with a long experience in the Spanish blues scene. After years of career they have got a compact, robust and distinctive sound which has made them to gain in strength and reliability. Few years ago they became the backing band of Chicago coming singer now settled in Madrid, Mrs. Velma Powell. Developing her career in the jazz circuits, Velma has gradually moved to the blues, thanks to a special feeling and a very particular voice that, sometimes, could remind those big blues divas like Sippie Wallace or Estella Mama Yancey. Now she presents her last recording that includes seven Velma Powell’s and Jorge Otero’s own songs, four written by Velma and the whole band, and a version of Willie Dixon's classic "Too Late". A repertoire where Chicago blues prevail, adding some vaudevil blues, jazz an even ballads influences. Carlos Sanz on guitar and vocals, Mike Terry on guitar, Jorge Otero "Jafo" on bass and Nacho Castro on drums, plus the special collaboration of Paul San Martin on piano and Hammond and David Garcia on harmonica, are the perfect support to enhance Velma’s genuine feeling and make her shine with a remarkable quality. VERY GOOD.

Mike Vernon & The Mighty Combo “Beyond The Blue Horizon”. Manhaton 2018.
Mike Vernon es un legendario productor británico que ha producido discos para artistas de la talla de John Mayall, Savoy Brown, David Bowie, Ten Years After, Fleetwood Mac, Freddie King.
Eddie Boyd, Otis Spann y muchos otros. Afincado en España, concretamente en Andalucía, ha descubierto el potencial de los músicos españoles, colaborando asiduamente con ellos. Actualmente ha creado su propia banda, The Mighty Combo, en la que aglutina diversos músicos, tanto españoles como del panorama del blues internacional. Ahora publica un álbum para la compañía Manhaton en el que, además del propio Vernon a la voz, encontramos a Kid Carlos a la guitarra y también al bajo en un tema, Paul Tasker al saxo tenor y barítono, Matt Little al piano, al Hammond y voces, Ian Jennins al contrabajo y voces y Mike Hellier a la batería y voces. Un muy recomendable disco que mezcla el blues, el rhythm & blues y el swing con autentico buen gusto, como no podía ser de otro modo si se tiene en cuenta la experiencia y el conocimiento de un hombre como Mike Vernon que lleva en el negocio desde finales de los años sesenta y que, como he dicho, fue uno de los patriarcas en la producción del blues británico de aquellos años al mando de su sello Blue Horizon. MUY BUENO. Mike Vernon is a legendary British producer who for many years has produced albums for some great artists like John Mayall, Savoy Brown, David Bowie, Ten Years After, Fleetwood Mac, Freddie King. Eddie Boyd, Otis Spann and many others. Now settled in Spain, in Andalucía region, he has discovered the potential of Spanish musicians, collaborating regularly with them. He has now formed his own band, The Mighty Combo, which brings together different musicians, both Spanish and coming from international blues scene as well. Manhaton record label publishes his last album where, besides Vernon on vocals, you will also find Kid Carlos on guitar and also on bass in one song, Paul Tasker on tenor and baritone sax, Matt Little on piano, Hammond and backing vocals, Ian Jennins on double bass and backing vocals, and Mike Hellier on drums and backing vocals. This is a highly recommended recording that combines blues, rhythm & blues and swing with a real good taste, as it could not be otherwise if you take into account the experience and knowledge of a man like Mike Vernon who has been active in the music business since the late 60’s and, as I have just mentioned, managing his own label Blue Horizon, became one of the gurus of those years British blues production. VERY GOOD.  

Ben Poole “Anytime You Need Me”. Manhaton 2018.
Es impresionante que este chico no pare de crecer musicalmente ya sea como cantante, como compositor y evidentemente como guitarrista. Ben Poole es un verdadero artífice del rock-blues más actual con una proyección bien consolidada en toda Europa. Su estilo posee el don natural de saber transmitir cualquier emoción que atraviese su mente en el momento en que está tocando y cantando, sabiendo comunicar y cautivar a todos aquellos espectadores u oyentes que estén degustando sus canciones. Ben tiene y arrastra el feeling de Jeff Haley, B.B. King o Gary Moore y lo hace con gusto, elegancia e intensidad. Para este nuevo trabajo que indudablemente seguirá la estela del éxito conseguido con su anterior grabación, el muy aclamado álbum editado hace un par de años con el título “Time Has Come”, Ben ha seleccionado diez canciones perfectamente interpretadas y muy bien ensambladas, entre las que cabe destacar “Anytime You Need Me”, “Further On Down The Line” o “Don’t Cry For Me”. Puedo asegurar que, con este nuevo disco de un artista como es Ben Poole, todos cuantos se interesen en escucharlo, lo van pasar en grande, degustando su calidad de principio a fin. MUY BUENO. It is really amazing to see how this guy does not stop to musically grow, either as singer, composer and obviously as guitar player. Ben Poole is a genuine rock blues performer, with a consolidated reputation all over Europe. His style gathers a natural gift to communicate any emotion that goes in his mind while he is playing or singing and he knows the way to captivate all the audiences or listeners who are enjoying his songs. Ben Poole has so much learned letting him be driven by the feeling of artists like Jeff Haley, B.B. King and Gary Moore, always with an amazing taste, elegance and intensity. For this new work that undoubtedly will get the same success of his previous acclaimed recording released a couple of years ago with the title "Time Has Come", Ben has selected ten well built songs, performed with an amazing technique like, for example "Anytime You Need Me", "Further On Down The Line" or "Don't Cry For Me" to only mention a few of them. I am sure that, with the new album of an artist as Ben Poole, all those people who are interested in artists like him, will enjoy all his natural quality from the first to the last album song. VERY GOOD.

Damon Fowler “The Whiskey Bayou Session”, Whiskey Bayou / Rick Lusher 2018.
Cuando Tab Benoit  fundó Whiskey Bayou Records, tenía claro que quería contratar en su compañía a artistas como Damon Fowler. No en vano Damon es un cantante, compositor y guitarrista de talento y muy completo, que se ha sabido ganar el respeto y la admiración, no solo del público que siempre le sigue con devoción en sus actuaciones, sino también de otros músicos y colegas, por su buen hacer en estilos tan diversos y sugestivos como son el gospel, el blues, el soul, el reggae, el jazz, el jive y el rock, amalgama sonora que Damon domina a la perfección con buen gusto y buena comunicación. Fowler ha colaborado con artistas y bandas como Dickey Betts, Allman Brothers, JP Soars o Victor Wainwright entre otros. Con este nuevo álbum Damon Fowler llega a su punto más álgido, con un repertorio que se muevo entre el blues, la música americana y el gospel, respaldado por una formación reducida pero no por ello menos agresiva, contundente y capaz. El sonido es espectacular, envolvente y vistoso, completamente desprovisto de recursos superfluos, elementos estos últimos que desmerecerían un álbum ya de por si descarnado y con buenos fundamentos estilísticos. Un disco para gozar y disfrutarlo enteramente con deleite. MUY BUENO. When Tab Benoit founded Whiskey-Bayou Records, it was right in his mind he wanted to sign musicians like Damon Fowler. Not in vain Damon is a complete talented singer, songwriter and guitar player, who has managed to gain respect and admiration, not only by different audiences which devotedly follow him in his shows, but also by other musicians and colleagues, thanks to his skills in different and suggestive styles like gospel, blues, soul, reggae, jazz, jive and rock, a fusion of sounds Damon perfectly knows and moves around with good taste and an excellent communicative display. Fowler has collaborated with artists and bands like Dickey Betts, Allman Brothers, JP Soars or Victor Wainwright among others. With this new album Damon Fowler reaches the peak, playing an interesting repertoire that moves among blues, Americana music and gospel, backed by a very small band, but not less able, convincing and hard driving. A superb wrapping and colourful recording with no superfluous unnecessay resources to avoid distract and devalue a raw album built over good stylistic bases. My advice, enjoy it with no prejudices. GREAT.

Dennis Jones Band “WE3”. Blue Rock / Blind Raccoon 2018.
Como he mencionado en alguna otra occasion, el poder de un trio formado por guitarra, bajo y batería ha sido siempre la piedra angular que dio origen a formaciones tan destacadas como Cream, ZZ Top, Steve Ray Vaughan & Double Trouble o Jimi Hendrix por citar tan solo cuatro de los muchos grupos que han optado por tener en sus filas idéntico número de componentes. Dennis Jones se apunta a este formato para ofrecernos su nuevo trabajo con una selección de catorce canciones que proceden de otros álbumes anteriores, de las que trece son composiciones de su propia autoría, más el clásico “Born Under A Bad Sign” que lleva la firma del gran Albert King. Todas estas canciones adquieren una vida diferente gracias sobre todo a una nueva interpretación en los que la guitarra adquiere un protagonismo completo, absorbente y destacable, que muy posiblemente hará las delicias de todos aquellos aficionados a las guitarras pasionales e incendiarias, con riffs donde la rapidez en la digitación es tan importante como las melodías de las composiciones. Dennis Jones a la guitarra y voz, Sam Correa al bajo y voces y Raymond Johnson a la batería, dan forma y color a un disco que será un buen regalo para muchos seguidores del llamado power blues. BUENO. As I have mentioned before, the power of a trio with only guitar, bass and drums has always been the cornerstone that gave birth to such outstanding bands like Cream, ZZ Top, Steve Ray Vaughan & Double Trouble or Jimi Hendrix, to name just four of the many groups which have chosen to have this number of musicians. Dennis Jones has decided to keep this format for his new work, that  includes a selection of fourteen songs that come from other previous albums, thirteen own compositions plus the classic "Born Under A Bad Sign" coming from the great Albert King. All these songs get a new life mostly thanks to a renewed way of performing them, where a bewitching remarkable guitar work gets the main relevance, to delight all those fans of passionate incendiary guitars and riffs where fingers speed becomes so important as the song melodies. Dennis Jones on guitar and vocals, Sam Correa on bass and backing vocals and Raymond Johnson on drums give shape and colour to an album that will be a gift for most power blues followers. GOOD.

Brigitte Purdy “Still I Rise”. Dirtshack / Blind Raccoon 2018.
La cristalina y a la vez amplia en registros voz de Brigitte Purdy cautivará al oyente más reticente, pues es capaz de susurrar las más tiernas melodías hasta llegar a los más escalofriantes e increíbles rugidos. Desde la tierna edad de tres años Brigitte fue instruida por su padre en los intricados caminos de la música y cuando solo tenía trece años fue seleccionada entre otros muchos aspirantes para entrar en el Dorothy Chandler Conservatory donde pudo desarrollar sin ningún tipo de trabas todas sus aptitudes y habilidades vocales. Brigitte Purdy ha compartido escenario con Dionne Warwick, Kenny Rogers, Dolly Parton, etc, además de actuar en más de una ocasión para las tropas del ejército de los Estados Unidos destinadas en países lejanos. Purdy ha desarrollado un emotivo estilo propio fuertemente influenciado por cantantes femeninas como Dinah Washington, Etta James, Ruth Brown o Aretha Franklin. Haber bebido de todas esas fuentes le confieren sutileza, pasión y una fuerza contagiosa que la encumbran hasta lo mas alto, conquistando el corazón de todo aquel que la escucha. Los diez temas originales del álbum nos conducen de forma magistral y llena de elegancia por el blues clásico, el funk, el rock, el soul, el jazz y a unas baladas llenas de intensa ternura. Un álbum a tener muy en cuenta que no defraudará en absoluto. MUY BUENO. The crystal and at the same time wide vocal range of Brigitte Purdy will surely captivate the most reluctant listeners, because she is able to whisper the most tender melodies and shout with a terrific roaring force. Only aged three, Brigitte’s father instructed her in the winding musical roads. When she was only thirteen years old, she was selected among many other candidates to enter in The Dorothy Chandler Conservatory where she was able to freely develop all her skills and vocal abilities. She stared a musical career, shared stage with Dionne Warwick, Kenny Rogers, Dolly Parton, etc. and she has often performed for USA Army troops in distant countries. Gradually Purdy has developed a very emotional style deeply influenced by great female singers like Dinah Washington, Etta James, Ruth Brown or Aretha Franklin. This background gives her a subtle passion and a communicative strength that has made her to reach an outstanding high position to go deep in the hearts of all people who listens to her. The ten album original tracks lead us to a beautiful delicious landscape full of classic blues, funk, rock, soul, jazz and a few ballads of intense tenderness. This is an album to keep in mind because you will not be disappointed at all. GREAT. 

Blue & Lonesome Duo “Pacing The Floor”. EllerSoul 2018.
Dos grandes veteranos del blues como son Gordon Harrower y Lil’ Ronnie comparten su visión panorámica y su sentimiento por el blues en este interesante álbum. Siguiendo la estela y la tradición de los grandes dúos de armónica, guitarra y voz como fueron Cephas & Wiggins o Sonny Terry & Brownie McGhee, estos dos músicos unen su conocimiento musical para explorar la tradición del roots blues, con composiciones propias y alguna que otra versión de canciones de Muddy Waters, Jimmy Rogers, Lightnin’ Hopkins, Eddie Taylor o Slim Harpo, a los que rinden homenaje con respeto y devoción en sus mágicas y honestas versiones. Con reminiscencias de John Lee Hooker, el dúo muestra su conocimiento y buen gusto a la hora de interpretar y de hacernos sentir la profundidad y la autenticidad de aquellos viejos blues, difíciles de escuchar hoy día, pero que en las manos de estos dos músicos cobran una nueva vida y un sentido muy especial gracias al feeling que desprenden en todos y cada uno de los blues que se encuentran en  este disco. Lil’ Ronnie voz y armónica y Gordon Harrower a la voz y la guitarra exponen con rigor, sentimiento y pasión como debe abordarse el blues auténtico y primigenio. Un álbum magnifico que merece ser considerado por todos aquellos que aman los blues, no sólo con la mente sino también con el cuerpo y el corazón. MUY BUENO. Two great blues veterans like Gordon Harrower and Lil' Ronnie share their panoramic vision and blues feeling in this interesting album. Following the tradition of those amazing harmonica, voice and guitar duos as were Cephas & Wiggins or Sonny Terry & Brownie McGhee, these two musicians share their musical knowledge to explore the most genuine roots blues tradition, along some own compositions and different versions of songs coming from Muddy Waters, Jimmy Rogers, Lightnin' Hopkins, Eddie Taylor and Slim Harpo, they pay homage with respect and devotion with their magical and honest covers. With reminiscences of John Lee Hooker, the duo shows their knowledge and good taste playing with commitment, technique and respect,. to make us feel the truly passion on those old blues, quite difficult to find nowadays that, in the hands of these two musicians, get a new life and a very special significance, thanks to the amazing strength they give to every one of the blues songs included in the album. Lil' Ronnie vocals and harmonica and Gordon Harrower on vocals and guitar show us the way how genuine blues should be performed to communicate a very special  feeling A really wonderful album that  deserves to be appreciated by all those who have been caught by the blues, not only in their minds but also in their bodies and hearts. GREAT

Keith Stone With Red Gravy “Keith Stone With Red Gravy”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Después de muchos años como guitarra solista en diversas bandas y formaciones, Keith Stone se ha convertido en el líder de su propio grupo que ha llamado Red Gravy en honor a la salsa italiana que su madre cocinaba para aliñar diversos platos de pasta que a él le enloquecía. Este disco viene a confirmar el éxito de su anterior trabajo que obtuvo excelentes críticas y la aprobación unánime de la fiel parroquia que le sigue asiduamente. Diez composiciones propias de Keith y su banda y que son un compendio de los muchos y variados ritmos que pueden escucharse actualmente en New Orleans, que crean una atmósfera trepidante, además de ser un guiso musical salpicado de blues, rhythm and blues y funk, junto a los ingredientes y aditivos básicos que pueden encontrarse en la música de legendarios artistas como Dr. John, Earl King, Silas Hogan, Guitar  Slim o el Professor Longhair. Además de Keith Stone a la guitarra y voz, la banda Red Gravy está compuesta por Tom Worrel a los teclados, Kennan Shaw al bajo y Eddie Christmas a la batería y percusión, con dos colaboraciones de lujo como son la de Jimmy Carpenter al saxo y Brent Johnson a la guitarra slide en un tema cada uno. Un disco que merece mucho la pena y que incluso puede llegar a crear adicción. MUY BUENO. After many years as a guitar player in different bands, Keith Stone is now the leader of his own band he has named Red Gravy, remembering the Italian sauce his mother cooked for different pasta dishes and he deeply loved. This album confirms the success of his previous one, which received excellent reviews and the unanimous approval of the faithful crowd which regularly follows him. Ten Keith’s and his band own compositions that become a varied collection of the many rhythms that nowadays can be heard in New Orleans, which create a fascinating atmosphere and become a musical dish spiced with blues, rhythm and blues and funk, together with the basic ingredients that can be found in the music of legendary artists like Dr. John, Earl King, Guitar Slim, Silas Hogan or Professor Longhair. Besides Keith Stone on guitar and vocals, the rest of Red Gravy band includes Tom Worrell on keyboards, Kennan Shaw on bass and Eddie Christmas on drums and percussion, with two luxury collaborations coming from Jimmy Carpenter on sax and Brent Johnson on slide guitar, each one in a song. This is a worth album that, beware, it may create addiction. GREAT.

Joe Filisko & Eric Noden “Destination Unknown”. Self Production 2018.
Afortunadamente el panorama actual del blues está plagado de excelentes dúos acústicos que mantienen viva la llama de la vieja escuela del blues rural. Recién aparecido en el mercado nos llega ahora una nueva propuesta de este tipo de registro tan cercano al viejo blues. El armonicista Joe Filisko y el guitarrista y cantante Eric Noden nos proponen un álbum de blues acústico siguiendo los cánones tradicionales del blues de preguerra. Ambos músicos son unos apasionados de la vieja escuela, sonido y tradición, por lo que, una vez más, han vuelto a investigar en el songbook de antaño, proponiéndonos ahora trece canciones que se mueven entre el blues, las jug-band y el old-time blues, en las que también encontramos composiciones del repertorio de Mississippi John Hurt, Blind Boy Fuller o Sonny Terry. El disco se grabó en vivo y en estudio, es decir, de una sola tirada, usando un solo micrófono estereofónico y sin overdubs para, de esta forma, conseguir atrapar los viejos sonidos del Delta de los últimos años veinte y de la primera década de los treinta. La grabación fue mezclada y masterizada por Jeff Jaskowiak, que ha sabido conseguir el auténtico sonido vintage pues, además, los instrumentos que emplearon fueron todos de la marca Hohner. MUY BUENO. Fortunately actual blues scene is full of excellent acoustic duos which keep alive the flame of old school rural blues. Just released, it comes now to our hands a new proposal very close to old blues style. Harmonica and guitar player Joe Filisko and singer Eric Noden give us a blues album with the most traditional pre-war blues sound. Both musicians passionate love old-school tradition so, once again, they have investigated in the old American songbook to invite us to listen to thirteen songs that move between blues, jug-bands and old time blues, where you will also find compositions coming from Mississippi John Hurt, Blind Boy Fuller or Sonny Terry. The album was recorded live in studio, that is to say, in one run, only employing one stereo microphone and with no overdubs to, in this way, catch the genuine old Delta sound of the end of the 20’s and the first decade of the 30’s. The recording was mixed and mastered by Jeff Jaskowiak, who has managed to get a real vintage sound. Also mention the instruments used for the recording were all Hohner ones. VERY GOOD.

Anthony Geraci “Why Did You Have To Go”. Blue Duchess / Mark Pucci / Rick Lusher 2018.
Anthony Geraci es un excelente y respetado pianista de blues de la escena de Boston, reconocido también mundialmente por ser miembro de una de las mas antiguas y legendarias bandas de blues tradicional de Estados Unidos, como son Sugar Ray & The Bluetones. El fraseo de Anthony, sus riffs, su intensidad, su entrega y su pasión cuando se sienta frente al piano no tienen parangón. Constituye pues un inmenso y enorme placer tener en las manos su último disco grabado bajo su propio nombre. El elenco de músicos que le acompañan es impresionante y muestra de forma fehaciente la enorme  consideración que este músico tiene entre sus colegas y compañeros de oficio. Sugaray Rayford, Ronnie Earl, Monster Mike Welch, Sugar Ray Norcia, Kid Ramos, Jimi Bott, Willie J. Campbell, Michelle “Evil Gal” Willson, Dennis Brennan, Michael “Mudcat” Ward, Doug Woolverton, Willie J. Laws, Brian Templeton, Sax Gordon, Marty Richards, Troy Gonyea y Neil Gouvin constituyen el eje vertebral en el que se cimienta este enorme y fantástico álbum con el que todo aficionado al blues ha soñado poder escuchar una y mil veces en su vida. Son trece temas, a cual mejor, donde todos los músicos están soberbios y en los que el piano de Geraci brilla a gran altura. Un disco único, poderoso y soberbio que hay que escuchar… escuchar… y escuchar… BUENISIMO. Anthony Geraci is an excellent and respected blues piano player in Boston scene, but he is also worldwide recognized as member of one of the American eldest and most legendary traditional blues bands like Sugar Ray & The Bluetones. Anthony’s phrasing, his riffs, the intensity of his piano playing, his commitment and the passion he communicates when he sits in front the piano cannot be described with words. So it is an immense and enormous pleasure to have on hands his last album recorded under his own name. The cast of musicians who play with him is really impressive and proves the enormous consideration this musician has among his colleagues. Sugaray Rayford, Ronnie Earl, Monster Mike Welch, Sugar Ray Norcia, Kid Ramos, Jimi Bott, Willie J. Campbell, Michelle “Evil Gal” Willson, Dennis Brennan, Michael “Mudcat” Ward, Doug Woolverton, Willie J. Laws, Brian Templeton, Sax Gordon, Marty Richards, Troy Gonyea and Neil Gouvin form the vertebral axis where it is build up this fantastic album. This is the recording all blues lovers had dreamed to listen thousand times in their lives Thirteen amazing songs where all musicians are superb to make Geraci’s piano shine at a very high level A unique, powerful and splendid album to listen… listen… and listen… ESSENTIAL.  

Trudy Lynn “Blues Keep Knockin’” Connor Ray Music / Mark Pucci 2018.
El blues sigue vivo y gozando de una gran salud, en especial cuando está  interpretado por una formidable cantante femenina como es Trudy Lynn, una mujer que da siempre lo mejor de si misma y a la que es una gozada inmensa para los sentidos poderla escuchar, cabalgando y dominado al salvaje equino que todos llamamos blues. Trudy domina y dirige toda esta ceremonia bluesera con elegancia, concreción, intensidad, holgura, pasión y, sobre todo, una entrega digna de aquellos elegidos que han sido tocados por la fe del blues, para repartirlo con sus bendiciones a todos aquellos que estén dispuestos a ser evangelizados en el blues. Este es el disco número trece publicado bajo su propio nombre y, probablemente, sea el mejor de toda su carrera hasta el momento. El álbum incluye un tema propio que es el que da titulo al disco, junto a diversas versiones de canciones de Aretha Franklin, Big Maybelle, Etta James, Big Bill Broonzy o Jimmy Rogers entre otros. La potencia y el feeling de esta mujer se manifiesta en todo su esplendor y apogeo en todas las canciones, siempre bien acompañada por una genial y excelente banda compuesta por Steve Krase a la armónica, David Carter a la guitarra, Terry Dry al bajo, Matt Johnson a la batería, Jim Brady a la trompeta y Dan Carpenter al saxo. Junto a ellos y como invitados se les unen las guitarras de Bob Lanza y Carolyn Wonderland. BUENISIMO. The blues is alive and well, especially when it is performed by a formidable female singer like Trudy Lynn, a woman who always gives the best of herself. It is a true joy for the senses to listen to her, riding and dominating the wild horse we call blues. Trudy controls this bluesy ceremony with elegance, precision, intensity, fullness, passion and, over all, the commitment of those elected people who have been touched by the blues faith, to bless audiences who are willing to enter into the blues religion. This is Trudy’s thirteen album published under her own name and, probably, it is the best of her career so far. The album includes one Trudy’s own song that gives title to the recording, along with different versions of songs coming from Aretha Franklin, Big Maybelle, Etta James, Big Bill Broonzy and Jimmy Rogers among others. This woman power and feeling appears magnificent in all songs, well backed by an excellent band with Steve Krase on harmonica, David Carter on guitar, Terry Dry on bass, Matt Johnson on drums, Jim Brady on trumpet and Dan Carpenter on sax, together with the tasteful guest guitars of Bob Lanza and Carolyn Wonderland. GREAT.

Gina Sicilia “Heard The Lie”. BlueElan / Frank Roszak 2018.
La cantante y compositora Gina Sicilia nos presenta su nuevo y flamante álbum, el octavo de su carrera grabado en estudio, en el que muestra su evolución que la ha llevado de ser una cantante de blues al uso a abrirse y profesar un gran respeto y una singular predisposición a otros estilos como son el country rock o incluso algunos aires más pop. Según sus propias afirmaciones, esta evolución se debe a la necesidad de crecer como cantante y compositora para así poder plasmar muchas de sus influencias musicales, siempre bajo la perspectiva del blues, pero dándoles un aire nuevo que atrape al oyente para conseguir que las recuerden y las tarareen, tanto en la calle como en el trabajo o en la intimidad del hogar. Las once canciones que figuran en este nuevo disco nos muestran a una artista en la que la autenticidad prima sobre efectismos innecesarios y recursos demasiado fáciles. La selección de canciones está sobre todo enfocada en los arreglos vocales que sobresalen por encima de los habituales solos de instrumentos, así podemos encontrar a Gina arropada por distintas voces de acompañamiento, que armonizan en la mayoría de los temas con unos arreglos francamente vistosos y bien conjuntados, una característica que merece la pena ser destacada. MUY BUENO. Singer and songwriter Gina Sicilia comes back with a brand new album, the eighth studio one in her career, which shows the evolution she has given to her music, moving from a genuine blues singer to respectfully and cleverly open herself, always with a positive attitude, to other styles like country rock or even some pop melodies. According to her own words, this evolution came to her as a need to grow as a singer and songwriter and, in this way, express most of her musical influences, always based in blues, but giving them a new air that will catch listeners who will remember them an even sing them softly walking in the street, at work or at home. The eleven album songs show an artist where authenticity prevails over unnecessary effects and too much easy resources. The songs selection has been mainly focused on vocal arrangements more than in the usual soloist instruments, so you will find Gina surrounded by a good number of different backing voices, which is many songs harmonize with some really colourful well coordinated arrangements, something that is worth to be highlighted. VERY GOOD.

Lawrence Lebo “Old School Girl”. On The Air / Blind Raccoon 2018.
La dulce y maravillosa voz de Lawrence Lebo seducirá a todos cuantos escuchen su reciente trabajo con el que nos obsequia. En él Lawrence muestra su variedad de recursos moviéndose con soltura por el blues y el soul, además de rendir tributo con pasión al sonido Stax del que ella siempre se ha mostrado como una auténtica seguidora y admiradora. Su carrera se ha desarrollado mayoritariamente en la zona de Los Angeles, California donde empezó a cantar en locales y tugurios para ganar dinero y de este modo salir adelante como madre soltera. A partir de 1985 fundó una familia con el bajista Denny Croy que ha sido su compañero y partenaire musical hasta el día de hoy. Lawrence ha podido reanudar sus estudios musicales, actuar regularmente y atender al mismo tiempo a su familia por lo que tiene doble mérito. Aunque sus discos son apreciados internacionalmente, sus obligaciones familiares hacen que Lebo desarrolle mayoritariamente su labor como cantante en la ciudad de Los Angeles. Al margen de poder apreciar sus cualidades vocales, este último trabajo nos da la oportunidad de descubrir también sus dotes como compositora, ya que de las ocho canciones del disco, siete son composiciones propias, más una versión del clásico de T-Bone Walker “Stormy Monday Blues”. Lawrence Lebo acompañada de un buen grupo de músicos harán  disfrutar al oyente de un álbum lleno de dulces y deliciosos momentos.  MUY BUENO. The sweet and wonderful voice of Lawrence Lebo will seduce people who listen to the last recording she brings us. Lawrence shows her wide range of musical resources, easily moving through blues and soul as well as passionately paying homage to Stax sound she has always been a true follower and admirer. Her career has mainly developed in Los Angeles and California areas, where she started singing in small clubs and bars to earn money that let her live as a single mother. In 1985 she founded a family with bass player Denny Croy who has been her husband and musical partner till now. Lawrence has been able to develop and finish her musical studies, play regularly and, at the same time, take care of her family, so her working capacity deserves a big recognition. Although their albums are well known and appreciated internationally, her family duties have made Lebo to consolidate her singer career in Los Angeles city. Besides to let us enjoy of her vocal qualities, this last work gives us the opportunity to discover her skills as a composer, as seven of the eight album songs come from Lawrence Lebo, plus a good version of the classic T-Bone Walker’s song "Stormy" Monday Blues". Lawrence Lebo and a professional group of musicians will totally satisfy listeners with an album full of sweet and delicious moments. VERY GOOD.

Johnny & The Headhunters “That’s All I Need” Self Production / Blind Raccoon 2018.
Desde muy pequeño Johnny Ticktin sintió la llamada del blues en lo más profundo de sus entrañas. No dejaba de escuchar los discos de las grandes leyendas del género, por lo que pronto tuvo claro que su vida iba a ser tocar la guitarra y cantar los blues. Empezó a frecuentar los ambientes blueseros y a tocar cada vez que se le presentaba la ocasión. Su amigo el armonicista Larry Wise le presentó a Louisiana Red y juntos formaron un trío conocido como Nobody’s Children, con el que recorrieron una buena parte de los Estados Unidos y Canadá. Gracias a Red Johnny pudo conocer a muchas de aquellas grandes figuras del blues de Chicago con las que tanto había flipado desde muy joven. Actualmente Ticktin lidera su propia banda llamada The Headhunters, con los que, además de girar con frecuencia y regularidad, acaba de publicar su octavo álbum. En él nos muestra nuevamente su estilo suelto y desinhibido, a la vez que fragante y vivaz. Todo ello lo hace en diez buenas versiones que abarcan diferentes modalidades del blues como el swamp blues, el rockin’ blues, el roadhouse blues, el funky groovin’ blues o incluso el mambo blues, pero incidiendo siempre en las raíces del blues de Chicago como sello propio del sonido de la banda. Johnny ha consolidado su carrera a base de mucho esfuerzo, actuando en todo tipo de locales y con esos ocho discos que lleva editados como excelente tarjeta de presentación. MUY BUENO. Since he was a young boy, Johnny Ticktin felt the call of blues deep in his heart and soul. Day and night he listened to the recordings of the great legends of the genre, so he soon decided his life will be devoted to play guitar and sing the blues. He started to hang around blues circles and play as much as possible. Harmonica player and good friend Larry Wise introduced him to Louisiana Red and together they formed a trio known as Nobody’s Children which extensively toured along United States and Canada. Thanks to Louisiana Red, Johnny could meet many of those Chicago blues legends he had so deeply admired when he was a young guy. Now Ticktin leads his own band, The Headhunters which, besides doing regular and frequent tours, has just released its eighth album. Once again this new release shows Johnny’s loose and uninhibited as well as sweet smell and lively style, displayed in ten good versions that cover different kinds of blues like swamp blues, roadhouse blues, funky groovin' blues or even mambo blues, but always focused in Chicago blues roots, that becomes the band more distinctive stamp. Now Johnny has consolidated his career based on hard work, a passionately playing and the eight released albums, that become an excellent business card. VERY GOOD.

Michele D’Amour And The Love Dealers “Wiggle Room”. Blueskitty / Blind Raccoon 2018.
Para celebrar la creación de su propio sello discográfico, Blueskitty Records, la señorita Michelle D’Amour y su grupo The Love Dealers publican su cuarto larga duración en esta nueva compañía que acaba de fundar. Además de iniciar una nueva etapa que deseamos pueda darle muchas satisfacciones a nivel personal. Michele ha renovado también su banda incorporando cuatro nuevos músicos que proporcionan una visión más amplia y aportan una variedad de recursos a la propuesta musical por la que esta mujer se ha decantado últimamente. Desde pequeña Michele sintió una gran atracción y pasión tanto por la música como por la poesía, lo que la ha llevado a ser una más que interesante cantante y una letrista razonablemente exquisita como se refleja a lo largo de las diez composiciones propias que contiene este álbum y que incluyen una combinación con algo de blues, algo de jazz y algo de funk. Además de la voz de Michele D’Amour, The Love Dealers incluyen a Patrick McDanel al bajo, contrabajo y trombón, Jeff Cornell a las guitarras eléctrica y resonator, Brian Olendorf a los teclados, Noel Barnes al saxo tenor y barítono y Dave Delzotto a la batería. Una propuesta bien construida y bastante atractiva como para ser tenida en cuenta. MUY BUENO. To celebrate the start of her own record label Blueskitty Records, Miss Michelle D'Amour and her band The Love Dealers publish their fourth album, the debut one for her recording company. Besides to begin a new stage I wish can give her a huge personal reward, Michele has also renewed her band with four new musicians who provide a wider vision and a variety of resources to enrich her actual musical proposal. Since childhood Michèle felt a deep attraction for music and poetry, which has led her to become a more than interesting singer and a reasonably exquisite lyricist you will discover listening to the ten album own songs, that present a combination of some blues, some jazz and some funk. Besides the beautiful voice of Michele d'Amour, The Love Dealers include Patrick McDanel on bass, double bass and trombone, Jeff Cornell on electric and resonator guitars, Brian Olendorf on keyboards, Noel Barnes tenor and baritone sax and Dave Delzotto on drums. This is a solid proposal, attractive enough to be taken into account. VERY GOOD.
 

OCTUBRE 2018 / OCTOBER 2018

The Reverendos “White Trash In A Long Black Train”. Self Production 2018.
The Reverendos es uno de los grupos pioneros de la escena del norte de España, concretamente de Euskadi. Formados en 1997 por el cantante y teclista “Reverendo” Igor García y el guitarrista Álvaro “King” Martínez, sus inicios fueron los de una banda de blues y música americana. A lo largo de los años han pasado diversos músicos por esta formación, aportando todos ellos su grano de arena en la evolución de la banda. Actualmente el grupo incluye a los dos ya mencionados fundadores junto a Javi Caballero a la batería y Pedro Larrauri al contrabajo. Gradualmente su sonido ha derivado hacia el neo rockabilly, el surf o incluso el spaghetti western con algunos toques garajeros. Este mini cd de seis canciones muestra el camino y la evolución de un grupo que, aunque se haya apartado del blues, mantiene una línea ascendente y una profesionalidad y experiencia musical rica y fuera de toda duda. Con este trabajo The Reverendos muestran su solvencia, presentando un discurso musical de extremada vigencia en los tiempos que corren. No cabe duda de que las seis canciones del mini cd emanan pegada, genio y fuerza a raudales. ¡A disfrutarlo amigos! MUY BUENO. The Reverendos is one of pioneer groups  coming from Spanish northern scene, specifically from Basque area. Formed in 1997 by singer and keyboard player "Reverendo" Igor Garcia and guitar player Álvaro "King" Martínez, they started as a blues and Americana music band. Over the years different musicians have played in the band, all them providing new ideas that have contributed to the group evolution. Now the band includes the two already mentioned founder musicians, together with Javi Caballero on drums and Pedro Larrauri on double bass. Gradually their sound has evolved to neo rockabilly, surf or even spaghetti western with a touch of garage. This mini cd with six songs shows the evolution of a group which, although they have left aside the blues, they keep an undeniable rising up line as well as a really professional rich musical experience. With this new recording The Reverends show their reliability, as they present a musical proposal fully valid in present days. The six songs of this mini cd communicate an undeniable rich punch, cleverness and strength. Enjoy it! VERY GOOD.

Lon Eldridge & Steven Troch “Cool Iron”. Tub Thumper 2018.
El blues es una música que no tiene fronteras. Eso se refleja perfectamente en este álbum, donde Lon Eldrige desde Tennessee y Steven Troch desde Bélgica comparten su pasión por el blues, unen sus fuerzas y se compenetran a la perfección en este delicioso disco del que emana una sensibilidad singular. Son nueve canciones francamente bien interpretadas, recogidas con enorme acierto en este cd, para despertar en el oyente sentimientos llenos de fragancia y un punto de nostalgía. Ambos músicos se conocieron en un club de Bélgica donde Lon tocaba en solitario y Steven estaba invitado en la banda de Tiny Legs Tim. La química que surgió entre ambos fue inmediata y pronto decidieron que debían proyectar toda su pasión y su amor por el blues en beneficio del aficionado, llevando a cabo el proyecto de grabar este álbum completamente acústico, en el que la bien timbrada y a veces desgarrada voz y la guitarra resonator de Lon Eldridge combina e interactúa de forma milimétrica con la armónica de Steven Troch en los nueve magníficos cortes interpretados con un gusto exquisito. La magia y el espíritu de Robert Johnson, Fred MacDowell, Mance Lipscomb o la impecable versión del clásico “Ain’t Misbehavin’ además de algunas composiciones propias transcurren a lo largo del álbum de manera plácida, ensoñadora y repleta de una tremenda elegancia. ¡Un gran disco! MUY BUENO. The blues is a musical genre with no boundaries. This can be easily realized in this album, where Lon Eldrige from Tennessee and Steven Troch from Belgium share their passion for the blues and join forces to produce a perfectly teamed repertoire along this delightful album full of a fine sensibility. Nine well performed songs, cleverly collected in this cd, which will awake in most listeners feelings of an extreme fragrance with a point of nostalgia. Both musicians met at a club in Belgium where Lon was playing solo and Steven was invited to play with Tiny Legs Tim’s band. Chemistry between them appeared immediately, so they soon decided they had to capture all their passion and love for the blues and share them with other blues lovers by recording this totally acoustic album, where Lon Elridge’s well pitched and sometimes raw voice and resonator guitar matches and interacts like a precise engine with Steven Troch’s harmonica along nine magnificent songs performed with an exquisite taste. The magic and the spirit of Robert Johnson, Fred MacDowell, Mance Lipscomb or the faultless version of the classic "Ain 't Misbehavin'' as well as some own compositions come along a relaxing, dreamy album performed with an extreme elegance. A really good album! GREAT.

Trainman Blues “Trainman Blues”. Straight Shooter 2018.
Nos llega el primer trabajo de una banda con una concepción musical totalmente diferente, la Trainman Blues, un grupo liderado por el cantante y guitarrista irlandés Richard Farell y el bajista y productor danés Laust “Krundtmejer” Nielsen. Nominado como mejor álbum del año en los Dannish Blues Awards, el disco recoge diez temas todos ellos orientados hacia el blues pero presentados con un envoltorio a veces lánguido, relajado y en ocasiones algo sombrío, en el que toman relevancia el trabajo vocal de Richard Farrell, junto a la sutileza de la guitarra y la compenetración de bajo y batería. Formada gracias a la participación de todos los músicos en diferentes jam sessions de la zona de Copenhague en las que, de una forma u otra, el blues estaba siempre presente, esta banda danesa ofrece una nueva visión de los sonidos del blues, siempre desde un punto de vista lleno de sugerentes misterios y una gran personalidad. Un álbum que, en principio, puede sorprender pero que después de una atenta escucha permite descubrir la originalidad y el talento de una formación realmente interesante. Si me preguntaran si me atrevería a apostar por ellos, mi respuesta sería completamente afirmativa. MUY BUENO. Here comes the first work of a different band in their musical conception. The Trainman Blues is a group led by Irish singer Richard Farell and Danish bass player and producer Laust "Krundtmejer" Nielsen. Nominated as best album of the year by Dannish Blues Awards, the recording gathers ten blues oriented songs, presented under a languid unstressed and sometimes rather gloomy wrapping, where the special voice of Richard Farrell, together with the subtle guitar work and the total understanding of bass and drums, take a huge relevance. Formed from the jam sessions that took place in Copenhagen area the band musicians used to go where, in some way, blues was always present, this Danish band offers a new vision of the blues sounds, always from a point of view full of suggestive mysteries displayed with great personality. This is an album that, at first glance, may surprise most listeners but, after an attentive listening, enables us to discover the originality and talent of a really interesting group. If they ask me if I would bet on them, my answer would be totally positive. VERY GOOD.

Big Creek Slim “Bad Luck Child: Greasy Chicken Sessions Vol. 2”. Straight Shooter 2018.
Este álbum es el segundo de los que se grabaron para recoger los recitales que, durante dos noches muy especiales del mes de octubre del 2016, Big Creek Slim ofreció tocando en solitario en el patio trasero de una casa de Vaerloese en Dinamarca ante una selecta y reducida audiencia de no más de unas veinticinco personas, bebiendo y pasándolo bien juntos. Después de sus anteriores discos grabados con su propia banda, Big Creek Slim sintió la imperiosa necesidad de plasmar toda su devoción por el blues rural y especialmente por las canciones de Robert Johnson, del que Slim es un ferviente estudioso y conocedor. A lo largo de esos dos discos el oyente puede descubrir a un artista que, en ocasiones desearía ser negro en lugar de blanco pues, según sus propias palabras, no comprende muchas de las actitudes de la sociedad blanca actual. La conexión con Robert Johnson y otros bluesmen de aquellos años se hace palpable a lo largo de las dieciséis canciones que contiene este nuevo disco en las que, simplemente con su voz y el acompañamiento de su guitarra, Big Creek Slim nos transmite todo el misterio, el significado y el mensaje, no sólo de Robert Johnson sino también de Charley Patton, Tommy Johnson, Skip James, Robert Lee McCoy y algunos otros nombres legendarios. MUY BUENO. This album is the second one that gathers a really special show that, during two very special nights in October 2016, Big Creek Slim offered playing solo at a house backyard in Vaerloese, Denmark, in front of a reduced well known selected audience of no more than twenty-five people, drinking and having fun together. After their previous studio albums with his own band, Big Creek Slim felt the pressing need to express his devotion for rural blues and especially to Robert Johnson Big Creek Slim feels a deep connection with, besides a really expert. Along those two albums listener will discover an artist who sometimes wishes to be black instead a white man because, as he says, he does not understand most of the attitudes of white society. The connection with Robert Johnson and other bluesmen of that time becomes evident along the sixteen songs included in this new album where, only with his voice and his guitar, Big Creek Slim communicates all the mysterious meaning and message of Robert Johnson, but also of bluesmen like Tommy Johnson, Skip James, Charley Patton, Robert Lee McCoy and some other legendary names. VERY GOOD.

Troels Jensen & Miriam Mandipira “Careless Love”. Straight Shooter 2018.
Dos músicos daneses de gran talento y enamorados del blues como son Troels Jensen y Miriam Mandipira, nacida en Zimbabwe, han unido sus fuerzas para llevar a cabo la grabación de un álbum acústico que se convierte en un homenaje a la gran Bessie Smith, aunque ello no significa que todos los cortes que se han incluido sean canciones de la emperatriz. Ambos músicos desarrollan fructíferas carreras con sus respectivas formaciones y este es un formato que jamás hubieran pensado que tendría posibilidades de ser reflejado en un álbum. Sin embargo el feeling y la comunicación entre ambos es realmente destacable, consiguiendo transmitir al oyente todo el respeto, el amor y la pasión que sienten por este estilo musical. Miriam Mandipira está a la voz en todos los temas mientras que Troels Jensen la provee de un respaldo musical en el que alterna la guitarra, el piano y el órgano, además de cantar a dueto en alguna que otra canción. El disco contiene once temas clásicos del blues excepto “My Love” que es una composición original de ambos músicos. Un trabajo bien plasmado lleno de intimismo y sensibilidad, que nos brinda la oportunidad de apreciar la versatilidad de esta pareja artística. BUENISIMO. Two Danish talented musicians, who feel in love with blues, like Troels Jensen and Zimbabwe born Miriam Mandipira, have joined forces to carry out an acoustic album, which becomes a tribute to the great Bessie Smith, although this does not mean all cd cuts are songs coming from the blues empress. Both musicians develop successful careers with their own projects and groups, so they never thought this format would have the chance to be reflected in an album. The feeling and understanding between them is really remarkable along the whole recording, communicating all listeners the respect, love and passion they feel for this musical style. Miriam Mandipira puts her voice in all tracks, while Troels Jensen provides the musical background, alternating guitar, piano and organ, as well as singing a duo with Miriam in some cuts. The album includes eleven classic blues except "My Love", a both musicians original composition. This is a really well displayed album, full of intimistic moments and great sensibility, which gives us the opportunity to appreciate the versatility of these two good musicians. GREAT.

Russ Green “City Soul”. Cleopatra / Blind Raccoon 2018.
Este es el primer trabajo con el que debuta el cantante y armonicista Russ Green y lo cierto es que ha empezado con buen pie. Un apasionado tributo a la ciudad de Chicago planea a lo largo de todo el disco, además de ser un caluroso homenaje a todos los músicos que ayudaron a crear su legendario y distintivo sonido que lo hace inconfundible al oído de todo buen aficionado que se precie. La aparición de Russ en el mundo de la música blues no ha ocurrido hasta hace poco tiempo y Russ era ya un adulto. Después de enrolarse en la armada y ser licenciado, estudió cinematografía en la Universidad de Illinois, siendo allí donde empezó a interesarse por la música. Su deseo era emular a Jimi Hendrix del que era un gran admirador. Como el pago de sus estudios no le permitía comprarse una guitarra empezó a dedicarse a tocar la armónica. De vuelta a Chicago conoció a Sugar Blue y a Billy Branch de quienes aprendió todos sus fraseos, riffs, técnica y sonido a la armónica, muy especialmente los de Sugar Blue a quien considera “el Jimi Hendrix de la armónica”. El álbum nos ofrece diez temas propios en los que nuestro hombre recrea el característico sonido del actual blues de Chicago pasados por el filtro de los dos armonicistas mencionados anteriormente con la colaboración de una excelente banda y Eric Bibb como invitado en un tema. Un muy buen disco, apetecible, dinámico y jugoso. MUY BUENO. This is the debut album by singer and harmonica player Russ Green, and the true thing is he has started on the right foot. A passionate tribute to the city of Chicago can be felt along the whole recording, as well as a warm tribute to all musicians who helped to create this legendary distinctive sound which makes it unique to the ears of any good blues lover. Russ’ appearance in blues music world did not happen until his adult years. After being discharged from the U.S. Navy, he studied film and cinema at the University of Illinois and it was there where he started to be interested in music. He wanted to recreate the sound of Jimi Hendrix he deeply admired. As he spent all his money to pay film, he could not pay for a guitar so he started to play harmonica. Back in Chicago, he met Sugar Blue and Billy Branch who taught him the secrets of their harmonica phrasing, riffs, technique and sound, especially Sugar Blue he considers as "the Jimi Hendrix of the blues harp". The album includes ten original songs where he displays the characteristic actual Chicago blues sound, passed through the filter of the two just mentioned harmonica players with the collaboration of an excellent band plus Eric Bibb as guest musician in one song. This is an appealing, dynamic and juicy album. GREAT.

Waydown Wailers “Backland Blues”. Woodstock / Blind Raccoon 2018.
Los Waydown Wailers provienen de la pequeña ciudad de Canton al norte del estado de New York, cerca de la región de Saint Lawrence River, una zona conocida como “Backlands”, famosa por ser un área donde habitan muchos artistas e intelectuales progresistas y librepensadores. Esta zona es la que da título al álbum que comentamos. Basados en el blues mas genuino de doce compases, la banda no se detiene ahí sino que al mismo tiempo recoge algunas influencias de grupos legendarios de la costa oeste de aquellos años donde la psicodelia imponia su ley ante una generación de jóvenes abiertos a una nueva luz y a un nuevo mundo experimental y lisérgico como Grateful Dead, Allman Brothers, Country Joe & The Fish, o los Lovin’ Spoonful, todo ello aderezado con toques del blues británico, la música americana y el country blues. El disco incluye ocho canciones propias y tres versiones, en las que el grupo intenta buscar un sonido original que les diferencie de otras bandas similares. Para ello cada integrante de la banda aporta su propia visión personal y nuevas ideas y, de este modo, crear un paisaje musical que, sin duda, resultará más que interesante para el oyente. MUY BUENO. The Waydown Wailers come from the small town of Canton in the north of New York, close to the region of Saint Lawrence River, an area known as "Backlands", famous for being settled by many artists, progressive intellectuals and free thinking people. What this name means, perfectly fits to give title to the album that is now on my hands. Rooted in the most genuine twelve bar blues, the band does not stop there and goes one step ahead, collecting some influences of legendary West Coast bands of those years where psychedelia was so popular among an open minded young generation ready to experiment and discover new lysergic worlds, as were Grateful Dead, Allman Brothers, Country Joe & The Fish or The Lovin' Spoonful, all spiced with a touch of British blues, Americana and country blues. The recording includes eight own songs and three covers, where the group aim is to reach an original sound that makes them different from other quite similar bands. To get it, each band member gives his own personal musical vision and interesting new ideas to, in this way, create a musical landscape that, undoubtedly, gives as a result a more than interesting album. VERY GOOD.

Buddy Guy “The Blues Is Alive And Well”. Silvertone / RCA / Blind Raccoon 2018.
Se hace difícil resumir en pocas líneas todo lo que se puede decir de uno de los bluesmen mas carismáticos que aún permanecen vivos y activos en el negocio que nos ocupa, como es el cantante, compositor y guitarrista Buddy Guy, una de las grandes leyendas que todavía mantienen intacta la ilusión de llevar la antorcha del blues por los cinco continentes, con una llama todavía mas grande si cabe. Además de una amplia agenda de conciertos, Buddy aún encuentra tiempo para obsequiar a todos sus seguidores y a los amantes del blues con un nuevo trabajo, donde su fuerza interpretativa resulta más evidente que nunca, gracias al feeling, la energía y la vitalidad a la que nos tiene acostumbrados. Un álbum que, como no podía ser de otro modo, lo ha querido titular “The Blues Is Alive And Well”. Quince temas espectaculares provistos todos ellos de una gran dosis de garra y calidad interpretativa, en los que Buddy ha contado con invitados de lujo como Jeff Beck, Keith Richards, James Bay o Mick Jagger en un tema cada uno. Respaldado por una excelente banda, nuestro hombre canta y toca la guitarra con el desgarro, la habilidad, la entrega y la pasión que siempre le han distinguido y se sumerge en todos los temas con aquel sentimiento que sólo se encuentra en el blues cuando salen directamente del lo más profundo del corazón y del alma. A sus ochenta y un años Buddy Guy confirma su excelente estado de forma, tanto a la voz como a la guitarra, demostrando una vez más que el blues no tiene edad ni fronteras cuando se vive intensamente. ¡¡Larga vida a Buddy Guy!! MUY BUENO. It is difficult to summarize in a few lines all that could be said about one of the most charismatic bluesmen still alive and active in music, as is amazing singer, guitar player and songwriter Buddy Guy, one of the biggest blues legends who still keep intact the eagerness to carry on the blues torch all over the world, with a growing big flame, if it was possible. Besides a full show agenda, Buddy still finds time to bring a new album to all his followers and blues lovers, where his performing strength becomes more evident than ever, thanks to the amazing feeling, energy and vitality he always gives the blues he plays. As it could not be otherwise, he has entitled this last album "The Blues Is Alive And Well". Fifteen spectacular songs that provide a big dose of energetic punch and performing quality, where Buddy has counted with some guests like Jeff Beck, Keith Richards, James Bay or Mick Jagger, each in one song. Backed by an effective band, our man sings and plays guitar with the raw voice, delivery, passion and vocal skills that have always distinguished him, going deep into all songs with the feeling that can only be found in blues when it comes directly from heart and soul. Aged 81, Buddy Guy confirms he is in good form, both in vocals and guitar, showing blues has no age and no borders when it is intensely lived. Long life to Mr. Buddy Guy!! GREAT

Steve Howell & The Mighty Men. Feat. Katy Hobgood Ray “Good As I Been To You”. Out Of The Past / Blind Raccoon 2018.
Algo especial tiene que existir en la atmósfera de los estados de Texas, Arkansas y Louisiana para aportar un sinfín de buenos artistas al panorama del blues de hoy día. En este caso tenemos al cantante y guitarrista Steve Howell que proviene de Texas, su banda The Mighty Men cuyos integrantes son todos de Arkansas y ahora presentan en algunas canciones del disco a la cantante Katy Hobgood Ray originaria del estado de Louisiana. Juntos han confeccionado un álbum con once canciones rescatadas todas ellas del ‘American songbook’. En esta ocasión han seleccionado composiciones de artistas como Huddie Ledbetter, Memphis Minnie, Walter Davis, Prince Albert Hunt, Blind Lemon Jefferson o Arthur “Blind” Blake entre otros. Una excelente y variada muestra de canciones que cubren estilos que van desde el blues al country, el gospel, las canciones de trabajo y por supuesto la ‘roots music’, interpretadas todas ellas con solvencia, buen sonido y mucha personalidad. Un disco que seducirá a muchos de los oyentes que apuesten por ellos y por el atractivo que despierta ya desde la primera vez que se escucha. MUY BUENO. Something special must have the air of Texas, Arkansas and Louisiana to provide so many good artists to actual blues scene. In this case we are talking about singer and guitar player Steve Howell who comes from Texas, his band The Mighty Men whose members all come from Arkansas and singer Katy Hobgood Ray they now present in some album songs, who was born in Louisiana. Together they round up an album with eleven songs they have rescued of the American songbook. This time they have selected compositions coming from artists like Huddie Ledbetter, Memphis Minnie, Walter Davis, Prince Albert Hunt, Blind Lemon Jefferson or Arthur "Blind" Blake among others. This is an excellent varied sample of songs that cover styles ranging from blues to country, gospel, work songs and, of course, roots music, all them performed with reliability, good taste, a very interesting sound and great personality. An album that will seduce the majority of listeners who bet for them and for the special attraction they communicate since the first time one listens to them. VERY GOOD.

Tom Hambridge “The NOLA Sessions. Superstar / Blind Raccoon 2018.
El soberbio cantante y batería Tom Hambridge nos obsequia con un pequeño tesoro en formato de álbum en el cual rinde tributo a la música de New Orleans, especialmente al rhythm and blues. Para ello se ha rodeado de un excelente plantel de músicos de la zona, entre los que destacan Allen Toussaint en una de sus últimas colaboraciones poco antes de su fallecimiento, Sonny Landreth o la poderosa y bien conjuntada sección de metales conocidos como The Naughty Horns, quienes aportan una sonoridad y un climax sorprendente e inusitado, cubriendo un espacio sonoro de brutal intensidad. Para aquellos que no estén muy familiarizados con este músico, decir que, como compositor, sus temas siempre han estado muy cotizados como lo demuestra el hecho de que mas de cuatrocientas canciones suyas hayan sido interpretadas o grabadas por gente como ZZ Top, Eric Burdon, Joe Bonamassa, Buddy Guy, Susan Tedeschi, Foghat o James Cotton por citar a unos pocos. Tom también ha grabado y colaborado con George Thorogood, Bo Diddley, Johnny Winter, Hank Williams Jr., Chuck Berry…. como podéis apreciar su curriculum es impresionante. Volviendo al disco, decir que es pura delicia y causa un gran placer poder saborearlo tantas veces como a uno le apetezca. MUY BUENO. Superb singer and drummer Tom Hambridge comes back with a small treasure in format of an album, where he pays tribute to New Orleans music and especially rhythm and blues. To do so, he has surrounded himself by an excellent group of musicians coming from that area, like Allen Toussaint, in one of his latest appearances shortly before his death, Sonny Landreth or the powerful well teamed horn section known as The Naughty Horns, which provide a surprising unusual climax, covering the sound space with a wild intensity. For those who are not familiar with this musician, mention he is a reputed composer and his songs have always been highly requested, as shows the fact that more than four hundred of his songs have been performed or recorded by people like ZZ Top, Eric Burdon, Joe Bonamassa, Buddy Guy, Susan Tedeschi, Foghat or James Cotton to only name a few. Tom has also recorded and collaborated with George Thorogood, Bo Diddley, Johnny Winter, Hank Williams Jr., Chuck Berry... so you can see he has an impressive curriculum. Coming back to the album, it is a pure delight and a great pleasure to taste and savour it as much as you wish. VERY GOOD.

Wily Bo Walker “Almost Transparent Blues”. Mescal Canyon / Blind Raccoon 2018.
Con una carrera de unos cuarenta años, Wily Bo Walker es uno de los pocos artistas británicos que ha conseguido entrar en el Blues Hall Of Fame en los Estados Unidos. Posiblemente ello se debe a que su enorme experiencia le permite investigar con solvencia los intrincados caminos del blues, el gospel, el soul, el rhythm and blues, el jazz, el rock, la música americana e incluso los sonidos más alternativos. Además de destacado compositor, Wily interpreta sus canciones con una voz profunda, grave y un destacado carisma, que se convierte en el sello inconfundible de su propia marca personal. Además de su propio grupo, en el álbum colaboran otras buenas referencias de la música americana como son The Brown Sisters Of Chicago Gospel Choir o una espectacular banda como es la Danny Flam & Friends. Con este álbum Wily Boo Walker confirma una vez mas su versatilidad, gracias a una amplia selección de canciones que abarcan desde el más puro sonido del blues de Chicago, pasando por el British blues, los blues lentos y las baladas de corte ‘americana’, la mágica e hipnótica ‘voodoo music’, los ritmos caribeños, e incluso se atreve con canciones que tienen reminiscencias de Tony Joe White, Joe Cooker o Tom Waits. MUY BUENO. With a career of almost forty years, Wily Bo Walker is one of the few British artists who has been inducted to the Blues Hall Of Fame in United States. Possibly this has been possible due to his huge experience, that has allowed him to cleverly investigate the many roads of blues, soul, gospel, rhythm and blues, jazz, rock, Americana and even more alternative sounds. In addition to a remarkable composer and songwriter, Wily performs his songs with a deep low voice and an outstanding charisma, which becomes the distinctive stamp of his own personal brand. Besides his own group, the album also gathers other good references of American music such as The Brown Sisters Of Chicago Gospel Choir or a superb band like The Danny Flam & Friends. With this album Wily Boo Walker confirms his terrific versatility, that becomes evident along a wide selection of songs, ranging from genuine Chicago blues to British blues, slow blues and Americana ballads, magical and hypnotic voodoo music, Caribbean rhythms and he even dares with songs inspired in Tony Joe White, Joe Cooker or Tom Waits. VERY GOOD.

Billy Hector “Someday Baby”. Ghetto Surf Music / Frank Roszak 2018.
Aclamado por el público y la crítica como uno de los guitarristas mas calientes e indómitos del estado de New Jersey y provisto además de una voz carismática y realmente sorprendente, Billy Héctor presenta su nuevo trabajo, con un mas que satisfactorio resultado cualitativo, donde nos provee con un buen número de canciones escritas por él mismo, bien solo o en compañía de Suzan Lastovica que, junto a Billy, se ha encargado de la producción de este trabajo. Billy Hector ha dado lo mejor de si mismo, poniendo todos sus recursos técnicos, que son muchos, para ofrecernos una grabación en la que, gracias a su trabajo con la slide y su vintage Fender Stratocaster, nos propone un recorrido musical que abarca desde el profundo delta blues hasta el más electrizante rock-blues. Su música refleja el verdadero espíritu de los orígenes del blues, que no son otros que los de buena música interpretada con veneración, pasión y mucha entrega para de este modo atrapar con ella al oyente para que éste se deje llevar a un viaje lleno de increíbles sorpresas, trasportado por la magia y el buen hacer de un músico llamado Billy Hector, que realiza a las mil maravillas el cometido que se ha propuesto llevar a cabo. MUY BUENO. Acclaimed by audiences and media as one of New Jersey hottest and electrifying guitar players who is also gifted with a real charismatic surprising voice, Billy Hector presents his new work, with a more than satisfying final result in quality terms. He has included a good number of own songs, some of them written in cooperation with Suzan Lastovica who, together with Billy, have both being in charge of the album production. Billy Hector is a committed musician who has given the best of himself, putting all his technical resources, that are many, to round up an appealing recording that, thanks to his work on slide and his vintage Fender Stratocaster, drives us to a musical tour, ranging from deep delta Blues to the most electrifying rock blues. His music reflects the true spirit of the blues origins, that is no other than a really good music performed with reverence, passion and delivery to, in this way, catch listeners, inviting them to a journey full of amazing surprises, that will be immediately discovered along the magic work of a musician called Billy Hector, who perfectly displays the musical mission he has always had on mind. GREAT.

Michael Osborn “Hangin’ On”. Checkerboard 2018.
Durante trece años Michael Osborn fue el guitarrista principal de la banda de John Lee Hooker. Al fallecimiento de este, Michael comenzó una carrera en solitario que ha ido alternando con colaboraciones con artistas de la talla de Robben Ford, Carlos Santana, Elvin Bishop, Charlie Musselwhite, Robert Cray o Sista Monica entre muchos otros. Este es su último trabajo en el que se incluyen diez composiciones propias, todas ellas provistas de un gran nivel de calidad, interpretadas con su distintivo y personal sello y su manera tan elegante de hacer sonar la guitarra. En todas ellas Michael combina con habilidad el blues tradicional con el más contemporáneo, junto a algunas baladas del rock & roll de los sesenta. Un grupo de músicos geniales contribuyen en gran manera a construir un disco de alto nivel y que, con la colaboración de la sugerente Karen Lovely a la voz en un par de temas y Mitch Kashmar a la voz y armónica en otras dos canciones, redondean un fantástico y sugestivo álbum, en el que el cantante y guitarrista Michael Osborn brilla con luz propia y se confirma, no solamente como uno de los mas destacados músicos de blues actuales, sino también como uno de los artistas más interesantes y atractivos que merece escucharse con detenimiento. BUENISIMO. For thirteen years Michael Osborn was lead guitar in John Lee Hooker's band. After John’s death, Michael began a solo career he has combined with collaborations with big artists like Robben Ford, Carlos Santana, Elvin Bishop, Charlie Musselwhite, Robert Cray or Sista Monica, among many others. This is his last work, where you will find ten own compositions, all them provided with a high quality level, performed with Michael’s distinctive and personal stamp that makes him become one of the finest and elegant guitar player. In every song he cleverly combines traditional blues with more contemporary one, as well as some sixties rock & roll ballads. A bunch of brilliant musicians contribute to build up a first class recording, with the special collaboration of the suggestive voice of Karen Lovely in a couple of songs and Mitch Kashmar on vocals and harmonica in two cuts. Together, they to round up a fantastic suggestive album, where singer and guitar player Michael Osborn does a superb work and confirms he is not only one of the most outstanding musicians of actual blues, but also one of the most interesting and attractive artists to be carefully listened. GREAT.

Joyann Parker “Hard To Love”. Hopeless Romantics 2018.
Nominada en 2018 a los Blues Blast Music Awards en la categoría “Sean Costello Rising Star”, la cantante, compositora, guitarrista, pianista y trompetista Joyann Parker se presenta con este reciente trabajo titulado ‘Hard To Love’, donde nos muestra su potencial artístico en sus muchas facetas y matices, especialmente gracias a su voz, una voz maravillosamente bien timbrada y rica, a la que saca partido de forma muy efectiva y llena de un increíble dinamismo, además de una inusitada fuerza provista de un toque de sensualidad, que enamora desde que se escucha el primer tema del disco titulado “Memphis” hasta el último “Hard To Love” que da titulo al álbum. Comparada por la critica especializada con Janis Joplin cuando cantaba sobria y también con Shemekia Copeland, el poderío y el torrente vocal que desprende Joyann es como una fuerza desatada de la naturaleza que arrastra cualquier obstáculo que se interponga en su camino. En total son trece canciones escritas por la propia Joyann Parker  que destilan coraje, fuerza, pasión y una entrega sublime por la música que esta mujer experimenta y transmite hasta límites insospechados. ¡Un gran disco!  MUY BUENO. Nominated in 2018 for Blues Blast Music Awards in "Sean Costello Rising Star" category, singer, songwriter, guitar, piano and trumpet player Joyann Parker now presents her recent work entitled 'Hard To Love', where she shows her artistic potential in its many facets and nuances. Thanks to an incredible vocal work by her beautifully well pitched rich voice, she displays on an effective way, full of an incredible dynamism, as well as an unusual force with a touch of sensuality, Joyann will make listener fall in love with her since the first album song "Memphis" to the last one "Hard To Love" that gives title to the album. Compared by specialized media to a sober Janis Joplin and Shemekia Copeland, the power of Joyann’s voice becomes an unleashed force of nature that drags any obstacle that stands in her way. Thirteen Joyann Parker’s own songs that communicate a breathtaking courage, a passionate sensuality and a sublime delivery she deeply feels and gives with no limits to the music she performs. An amazing recording! GREAT.

Mr. Shingles “Green In Blue”. Self Production 2018.
Formados en Barcelona en 2015, en sus filas militan músicos de diferentes nacionalidades. La banda nació como tributo a los bluesmen que más les han influenciado. Después de un tiempo de rodaje, puede decirse de ellos que han conseguido un sonido propio que, fundamentado en el blues de los 50 y los 60, incluye también elementos de gospel o swing. En este último trabajo presentan doce temas, la mayoría versiones, todas ellos con un toque personal gracias a los arreglos de la banda, además de incluir alguna que otra canción de cosecha propia. Liderados por Brian O’Mahony que realiza un remarcable trabajo vocal, además de tocar con solvencia la guitarra y algo de armónica, el resto de la banda se completa con Stephane Jais a los teclados, Dara Luskin al bajo y Xavi Tomás a la batería, músicos que están a la altura de su lider, formando entre todos un engranaje sólido y bien engrasado. En el disco colaboran Pedro Vera al saxo tenor y Lenin Jiménez Paiva a la percusión en algunos temas. En definitiva, un álbum honesto, bien interpretado por unos músicos que conocen el género y lo llevan a cabo con convicción y respeto. MUY BUENO. Formed in Barcelona in 2015, the band gathers musicians coming from different countries. The group was born as a tribute to the bluesmen which have most influenced them. After some time running in together, they have managed to get their own sound that, firmly based on 50’s and 60’s blues, also includes different elements of gospel or swing. This last recording brings us twelve cuts, most of them versions, all with a personal touch the band gets from their own arrangements, and the stamp of a few own compositions. Led by Brian O'Mahony, who does a remarkable vocal work as well as playing a reliable guitar and a little bit of harmonica, the other band musicians are Stéphane Jais on keyboards, Dara Luskin on bass and Xavi Tomas on drums, musicians who are on a par with the leader, forming a solid greasy engine. The recording also includes Pedro Vera on tenor sax and Lenin Jimenez Paiva on percussion in some tracks. In short words, an honest interesting album performed by a group of musicians who know the music they play and carry it out with conviction and respect. VERY GOOD.  

Mark Wenner’s Blues Warriors “Mark Wenner’s Blues Warriors”. EllerSoul / Mark Pucci 2018.
Es motivo de satisfacción para todos los aficionados al blues y especialmente a los de la zona de Washington, Distrito de Columbia, el regreso discográfico y a primera línea del legendario armonicista Mark Wenner, músico emblemático y líder de los siempre recordados y admirados The Nighthawks. Mark se ha embarcado ahora en un nuevo proyecto, The Blues Warriors, y para ello ha reclutado a un plantel de excelentes músicos como son el cantante y guitarrista Clarence “The Bluesman” Turner, el también guitarrista Zach Sweeny, joven valor de la escena de Washington DC que solía acudir con sus padres a las jam sessions de blues que Mark también frecuentaba, Steve Wolf al bajo y contrabajo y finalmente el también batería de los Nighthawks, Mark Stutso. Para este álbum de presentación han seleccionado doce poderosos temas, la mayoría versiones, que interpretan con precisión matemática y un sonido en ocasiones meloso y en otras rocoso y sucio, pero en eso radica el estilo de Mark cuando se trata de atacar los blues con el brío y la pasión que siempre imprime a la música que interpreta. Un álbum esperado como agua de mayo por sus innumerables seguidores, que nos devuelve a un Mark Wenner en uno de sus mejores momentos. MUY BUENO. All blues fans and especially those of Washington DC are really happy with the comeback to the recording business and front music line of legendary harmonica player Mark Wenner, a charismatic icon and leader of the always remembered and admired The Nighthawks. Mark has put together an exciting new project, The Blues Warriors, recruiting a roster of great musicians like singer and guitar player Clarence "The Bluesman" Turner, Zach Sweeny, a young talented guitar player from the Washington DC scene who used to go with their parents to blues jam sessions where Mark was featured, Steve Wolf on bass and double bass and finally legendary Nighthawks drummer Mark Stutso. To present this new project, they have selected twelve powerful songs, most of them versions, they perform with a mathematical precision, sometimes displaying a mellow sound an other times with a rocky dirty approach, but this is the real Mark’s style when he devotes all his energy to play blues with the amazing powerful passion he always gives to his music. A long awaited album by his countless followers, which brings us back a superb Mark Wenner in one of the best moments of his career. GREAT.

Deb Rhymer “Don’t Wait Up”. Self Production / Sarah French 2018.
La cantante Deb Rhymer es bien conocida en la zona oeste de Canadá donde, además de tocar en festivales y clubs, dirige con regularidad diversas jams que se celebran en la costa noroeste del Pacífico. Esto le ha dado la oportunidad de encontrar unos buenos músicos para su banda que, no solo interpretan un repertorio sino que también lo sienten como propio. Ellos son Andy Graffiti a la batería, Clayton O’Howe al bajo y Kelly Fawcett a la guitarra. Juntos han confeccionado este álbum donde incluyen seis temas originales y cuatro versiones en las que han contado con la participación en algún que otro tema de músicos invitados, algunos de ellos también curtidos en las jams anteriormente mencionadas como son David Vest al piano, Wynn Gogol a los teclados, Gene Hardy a los saxos, Bill Johnson y Neil Taylor a las guitarras, Randy Oxford al trombón y Gart Preston a la armónica. Un repertorio basado en el sonido ‘west coast’ con algunos toques a lo Chicago, donde Deb Rhymer se presenta como una autoridad en la materia, demostrando tener unas notables cualidades vocales, de buena envergadura y a la vez bastante sofisticadas. MUY BUENO.. Singer Beb Rhymer is well known in western Canada where, as well as playing at festivals and clubs, she regularly leads various jams that take place along northwest Pacific coast. This has given her the chance to meet good musicians to include in her band who, not only perform a repertoire but also feel it as their own. These musicians are Andy Graffiti on drums, Clayton O’Howe on bass and Kelly Fawcett on guitar. Together they have worked in this album which includes six original songs and four versions, where you will also find different guest musicians in some songs, some of them hardened at the usual just mentioned jams, such as David Vest on piano, Wynn Gogol on keyboards, Gene Hardy on sax, Bill Johnson and Neil Taylor on guitars, Randy Oxford on trombone and Gart Preston on harmonica. A bunch of songs based on West Cast sound spiced with Chicago blues, where Deb Rhymer presents herself with authority, showing her remarkable vocal qualities, sometimes strong and raw, sometimes sweet and sophisticated. VERY GOOD.

The Proven Ones “Wild Again”. Roseleaf / Frank Roszak 2018.
El nombre de esta banda quizás no sea familiar para muchos, pero si se mencionan los músicos que la forman y que no son otros que Brian Templeton a la voz, Kid Ramos a la guitarra, Anthony Geraci al piano y órgano, Willie J. Campbell al bajo, Jimi Bott a la batería y percusión y una sección de vientos empastada y contundente provistos además de una gran calidad sonora formada por Joe McCarthy a la trompeta, Renato Coranto saxo tenor, Robert Crowell saxo barítono y Chris Mercer al saxo tenor en un tema, entonces seguro que despertará la atención de muchos seguidores del blues y hará que se paren a escucharlo. Todos estos músicos se dan cita en The Proven Ones, una banda potente, agresiva, llena de ‘punch’ y variados matices, sin estridencias ni afectaciones, con un sonido milimétricamente estudiado, donde nada se deja al azar ni a la improvisación, excepto si acaso algún que otro solo. Todas las canciones contienen unos arreglos vistosos y muy dinámicos que forman parte importante en la concepción de esta fantástica banda. Diez canciones forman el disco, algunas de ellas escritas por los propios músicos de la banda, junto a oscuras versiones de Dave Bartholomew, Peter Green o Clarence Carter que en sus manos cobran nueva vida. En definitiva, ¡una verdadera gozada de álbum! MUY BUENO. This band's name might not be familiar to some people but, if one sees the musicians who form it, Brian Templeton on vocals, Kid Ramos on guitar, Anthony Geraci on piano and organ, Willie J. Campbell on bass, Jimi Bott on drums and percussion and a powerful high quality horn section with Joe McCarthy on trumpet, Renato Coranto on tenor sax, Robert Crowell on baritone sax and Chris Mercer on tenor sax in a song, then it will surely call the attention of most blues followers and will make them to carefully listen to it. All these musicians can be found in The Proven Ones, a powerful, aggressive band, with an extreme punch and varied nuances, with no superfluous affectations and a precise well worked sound, where nothing is left to chance or improvisation, except may be some solos. All songs gather very dynamic colourful arrangements, which become an essential part in the fantastic musical conception the band displays. You will find ten excellent songs, some of them coming from the band musicians, together with dark versions by Dave Bartholomew, Peter Green or Clarence Carter which, in their hands, get a new life. In short words, a joyful pleasant album! GREAT.

Cyril Neville “Endangered Species, The Essential Recordings”. Louisiana Red Hot Records / Vizzable 2018.
Música de New Orleans mezclada con tintes de funk, disco, hipnótico voodoo y ritmos latinos y africanos es lo que ha caracterizado durante los últimos años la música de Cyril Neville. A lo largo del tiempo Cyril ha participado en formaciones como los Neville Brothers o Royal Southern Brotherhood, además de tocar con innumerables figuras de la música americana con raices. La compañía Louisiana Red Hot Records presenta con orgullo una colección formada por cinco discos retrospectivos de la obra de este artista. Este es el primer volumen que lleva por titulo “The Essential Recordings” y que, a lo largo de las once canciones que se incluyen, permite al oyente redescubrir algunos de los mejores temas grabados por este inclasificable cantante, batería y percusionista llamado Cyril Neville a lo largo de una amplia variedad de estilos y propuestas para agradar tanto al neófito en este tipo de música como en la de aquel aficionado formado en estos singulares ritmos y melodías. Esta es una gran oportunidad de saborear el variado y rico abanico de influencias que se encuentran a lo largo de este primer volumen que esperamos tenga la continuidad que la compañía discográfica nos ha informado. MUY BUENO. New Orleans music mixed with colourful funk, disco, hypnotic voodoo, Latin and African rhythms are the usual kinds of music you have found in last years in Cyril Neville’s songs. Over the years, Cyril has belonged to bands like The Neville Brothers or Royal Southern Brotherhood, besides playing with countless names of American roots musicians. Louisiana Red Hot Records proudly announces a collection of five retrospective albums with the work of this amazing artist. This is the first volume entitled "The Essential Recordings" that gathers eleven songs which will allow listeners to rediscover some of the best tracks recorded by this unclassifiable singer, drummer and percussion player called Cyril Neville. This is an album with a wide variety of styles and proposals to please both people not familiar with these musical styles and the good fans of wrapping rhythms and melodies. This is a great opportunity to enjoy the rich varied range of influences gathered in this first volume which I hope will have the continuity reported by the record company. GREAT.

Eugene “Hideaway” Bridges “Live In Tallahassee”. Armadillo 2018.
En el año 2017 Eugene “Hideaway” Bridges fue honrado por la Jus’ Blues Music Foundation en la categoría The Albert King Lifetime Award con el premio ‘The Lucy Award’ en reconocimiento a su larga contribución al blues. Inspirado por este premio y en memoria de su padre Othineil Bridges Sr., conocido como “Hideaway Slim”, Eugene ha publicado este nuevo trabajo para la compañía Armadillo. En este nuevo álbum Eugene vuelve nuevamente a sus raíces aunque, de hecho, nunca se apartó de ellas, recuperando aquellas canciones que aprendió de pequeño sentado en el porche de la casa junto a su padre, descubriendo y practicando los viejos blues que ya formaban parte del legado de sus abuelos. Muchas de aquellas canciones son las que interpretó en directo el pasado 11 de agosto del 2017 en el histórico Bradfordville Blues Club en Tallahassee, en el estado de Florida y que son las que dan forma y contenido a este álbum. Como siempre la guitarra y la voz de Eugene “Hideaway” Bridges suenan frescas, apasionadas y honestas, muy bien respaldado por David Webb al piano y órgano, Kelpie McKenzie al bajo y Pat Manske a la batería. El blues no necesita ningún tipo de sofisticación cuando se interpreta desde lo más profundo del corazón y Eugene, así lo entiende y lo manifiesta en este álbum ¿Se puede pedir mas?. MUY BUENO. In year 2017 Eugene “Hideaway” Bridges was honoured by the Jus' Blues Music Foundation in the Albert King Lifetime Award category with the award 'The Lucy Award' in recognition of his lifetime contribution to the blues. Inspired by this award and in memory of his father Othineil Bridges Sr., known as "Hideaway Slim", Eugene has published this new work for Armadillo records. In this new recording Eugene comes back to his roots. even though he has never forgotten them, getting back those songs he learned when he was a child and he used to sit on his home front porch with his father, discovering and practicing those old blues songs that were part of his grandparents legacy. Many of those songs were performed live on 11 August 2017 at the historic Bradfordville Blues Club in Tallahassee, Florida and now give shape and substance to this album. As usual Eugene "Hideaway" Bridges’ voice and guitar sound fresh, passionate and honest, well supported by David Webb on piano and organ, Kelpie McKenzie on bass and Pat Manske on drums. Real blues does not need sophistication when it is played from the heart. Eugene understands it and deeply expresses it in this album. Could we ask for more? GREAT.

Vanessa Collier “Honey Up”. Self Production / Rick Lusher 2018.
Escuchando este disco de la cantante, compositora y multi-instrumentista Vanessa Collier, uno llega a comprender fácilmente la razón por la que ha sido agraciada con infinidad de premios y reconocimientos. Además de una voz sugestiva, potente y de ricos matices, Vanessa domina con soltura y habilidad el saxo alto, el tenor y el barítono, controlando también la guitarra resonator y la acústica, mostrando sus dotes de compositora en nueve de las diez canciones que dan forma al disco. Actualmente Vanessa Collier está centrando sus esfuerzos en realizar extensas giras no solo por Estados Unidos y Canadá sino también por Europa donde ha formado parte del Blues Caravan Tour que organiza la compañía discográfica alemana Ruf Records y que en cada edición incluye a diferentes músicos. Un extraordinario elenco de músicos completa este álbum realzando las dotes interpretativas y enorme creatividad que Vanessa atesora. No es de extrañar que Buddy Guy haya comentado que cuando compartió escenario con ella, se quedó tan extasiado que incluso perdió la noción del espacio y del tiempo. MUY BUENO. Listening to this album by singer, songwriter and multi-instrumentalist Vanessa Collier, you will easily understand why she has received a good number of awards and recognitions. Besides a suggestive, powerful, rich of nuances voice, Vanessa skilfully controls alto, tenor and baritone sax, but she also is good in resonator and acoustic guitars, showing his ability as songwriter in nine of the ten songs that form the album,. Vanessa Collier is now focusing her efforts to carry out some extensive tours not only in United States and Canada but also in Europe, where she has been part of the Blues Caravan Tour organized by German label Ruf Records that, in every new edition, includes different artists. An amazing roster of players round up this interesting album, enhancing Vanessa’s performing skills and her huge creativity. It is not surprising that Buddy Guy once said that when he shared stage with her, he was totally mesmerized and he even lost where he was and how long did they play together. VERY GOOD.

Brooks Williams “Lucky Star” Red Guitar Blue Music / Jared Ingersol Music 2018.
Desde Statesboro, Georgia, ciudad que hizo famosa el legendario músicos de blues y country Blind Willie McTell, nos llega este álbum de Brooks Williams, un cantante y guitarrista que combina con gusto y buen criterio el country, el blues, el folk y la música con raíces y todo ello con un resultado muy apropiado para pasar veladas intimistas en cualquier club o coffee house de la ciudad en la que uno se encuentre. Brooks es un experto usando la técnica del fingerpickin’, una forma de tocar la guitarra que interpreta con naturalidad y sosiego, ayudado en gran parte por una voz aterciopelada ideal para cantar el tipo de repertorio que practica. El disco contiene composiciones originales del propio Brooks, junto a otras del conocido intérprete de Texas Walter Hyatt, músico que falleció a temprana edad. El álbum se grabó en tres días en un excelente y relajado ambiente donde los músicos disfrutaron tocando juntos, huyendo además de las florituras y los tecnicismos habituales en cualquier estudio de grabación, sin tomas alternativas, overdubs, superposiciones, habitaciones insonorizadas, auriculares… etc. Un disco tranquilo y relajado pero no por ello menos excitante y jugoso. MUY BUENO. From Statesboro, Georgia, a town made famous by legendary blues and country musician Blind Willie McTell, comes the new album by Brooks Williams, a singer and guitar player who combines with taste, good judgment  and an excellent final result country, blues, folk and roots music, perfect for enjoying it in an intimate evening at a club or coffee house in your city. Brooks is an expert in playing fingerpickin’ guitar technique, he displays in a natural, unaffected relaxed way, helped by his soft velvety voice that perfectly matches with the kind of repertoire he uses to do. The cd includes original Brown’s own compositions, together with other ones coming from well known Texas musician Walter Hyatt, who unfortunately died at an early age. The album was recorded in three days, in a funny joyful atmosphere where the musicians felt really a really good time playing together, forgetting all usual devices of a recording studio like alternative takes, overdubs, isolation booths, headphones... etc. This is a calm smooth album but, at the same time, very exciting and juicy. VERY GOOD.

Paul Cowley “Just What I Know”. Self Production 2018.
Inglés de nacimiento el cantante, guitarrista y compositor Paul Cowley ha fijado su residencia en la Bretaña francesa. Después de actuar como telonero en un concierto de Malcolm Holcombe, éste se le acercó y le dijo: “Mira chico, toques lo que toques hazlo siempre como si en ello te fuera la vida”. Estas palabras le recordaron una vieja canción del Reverendo Gary Davis que decía: “Toca sólo lo que realmente conozcas, toca sólo lo que conozcas bien”. Con estas palabras en su mente Paul Cowley decidió grabar un puñado de canciones sólo con su voz y su guitarra en su casa de la campiña bretona, presentándolas más tarde a Pascal Ferrari quien las mezcló en su estudio situado en Martigné Ferchaud. El resultado es este álbum que contiene cinco temas originales del propio Paul y seis versiones de Memphis Minnie, Robert Wilkins, Will Shade, Blind Willie McTell, Furry Lewis y Hambone Willie Newbern, canciones en las que combina su faceta mas personal con algunas de sus profundas influencias. Un disco tranquilo, envolvente e intimista que muestran la realidad en la que vive este músico llamado Paul Cowley, creando siempre con su voz y su guitarra un climax adecuado a su estilo, empleando en algunas canciones las técnicas de la slide y del fingerpickin’. BUENO. English singer, guitar player and composer Paul Cowley has now settled in French Brittany. After opening one show in UK for Malcolm Holcombe, Malcolm came and said to him: 'Look boy, whatever it is you know, play the hell out of it”. These words reminded him an old Reverend Gary Davis song saying “play just what you know, play just what you know”. With these words on mind Paul Cowley decided to record a handful of songs only with his guitar and voice at home in the Breton countryside. Afterwards he showed them to Pascal Ferrari, who mixed and mastered them in his studio in Martigné Ferchaud. The result is this album that gathers five Paul’s original songs and six versions coming from Memphis Minnie, Robert Wilkins, Will Shade, Blind Willie McTell, Furry Lewis and Hambone Willie Newbern, where he combines his most personal facet with some of his deep influences. This is a calm, wrapping, intimate album which shows the reality this musician named Paul Cowley daily lives, creating the most suitable climax to develop his music, also including slide and fingerpickin’ techniques in some songs, VERY GOOD.

Elvin Bishop’s Big Fun Trío “Something Smells Funky ‘Round Here”. Alligator / Discmedi 2018.
Con una larga y dilatada carrera de muchísimos años tras de si, Elvin Bishop es un artista de blues lo suficientemente consagrado para no necesitar ningún tipo de presentación. Esto le permite tener la libertad de tocar en cada momento lo que más le gusta y con quien le apetece por lo que. a finales del año 2015, decidió aparcar su retiro en su granja del campo para formar un trio con dos excelentes músicos y grandes amigos como son Bob Welsh (Rusty Zinn, Charlie Musselwhite, James Cotton, Billy Bot Arnold…) al piano y guitarra y Willy Jordan (John Lee Hooker, Joe Louis Walker, Angela Strehli…) al cajón (no, no toca flamenco) y voces. Cuanto mas tocaban juntos mejor se lo pasaban y más disfrutaban todos los que acudían a sus conciertos, por lo que el trío sigue estando en vigencia y se les puede ver actuando y pasándoselo en grande en diferentes locales, bares, clubs, cafés… etc y ampliando su repertorio a otros géneros cercanos y paralelos al blues. Según ellos mismos manifiestan poder tocar en formato de trío les da una gran libertad y les permite expresar todo el enorme conocimiento musical que atesoran. Un álbum lleno de blues fresco, imaginativo y a la vez tórrido y áspero que atrapa, emociona y divierte tanto al oyente circunstancial como al aficionado más acérrimo. MUY BUENO. With a long wide career on his back, Elvin Bishop is a well known blues artist who does not need to be introduced to audiences. The status he has reached allows him to feel free to play what he likes with the musicians feels comfortable with. That is the reason why, at the end of 2015, he decided to break our his retreat in his countryside farm to form a trio with two great musicians and good friends like Bob Welsh (Rusty Zinn, Charlie Musselwhite, James Cotton, Billy Bot Arnold...) on piano and guitar and Willy Jordan (John Lee Hooker, Joe Louis Walker, Angela Strehli...) on Spanish cajón (no, no, he does not play flamenco music) and vocals. The more they played together the more they enjoyed, as did all the people who came to their shows, so the trio is still valid, alive and well. In fact you can see them playing and having fun at different venues, bars, clubs, cafes... expanding their repertoire to other similar blues related styles. As they say, to play in a trio format gives them a lot of freedom and enables them to express all their huge musical knowledge. This is a cool, imaginative but, at the same time, torrid harsh blues album that will catch, give joy and deeply move, not only most circumstantial listeners but also all deep blues lovers. GREAT.

The Bennett Brothers “Not Made For Hire” American Showplace Music / Rick Lusher 2018.
Después de diversos encuentros para tocar por pura diversión, Levon Helm invitó a los hermanos Jimmy y Peter Bennett a unirse a su banda para participar en una serie de conciertos que tenía contratados. A veces también se les unían Garth Hudson, Amy Helm o Alexis P. Suter. Pronto los hermanos Bennett empezaron a tocar en el legendario club The Midnight Rambler por el que habían pasado Hubert Sumlin, Johnnie Johnson o Luther Johnson Jr. Ambos hermanos siempre han sido unos músicos inquietos y eso les hizo formar poco tiempo después la Alexis P. Suter Band con la que realizaron infinidad de conciertos. En la actualidad los hermanos Bennett han iniciado una nueva etapa con una renovada banda formada por Jimmy Bennett guitarra y voz, Peter Bennett bajo y voz, John Ginty Hammond y piano y Lee Falco a la batería y percusión. Con este nuevo grupo presentan este álbum con once canciones que descubrir llenas de ‘good rockin’ blues’, ‘low down dirty blues’, rock y música puramente ‘americana’. Si sois de aquellos a los que les gusta escuchar la música a un volumen fuerte, este disco es el ideal para disfrutarlo a tope de volumen. MUY BUENO. After several times meeting to play for fun, Levon Helm invited brothers Jimmy and Peter Bennett to join his band on a series of gigs. Sometimes Garth Hudson, Amy Helm or Alexis P. Suter joined them too. Soon the Bennett brothers started playing regularly at legendary Midnight Rambler club where Hubert Sumlin, Johnnie Johnson or Luther Johnson Jr used to play in old times. The two brothers have always been restless musicians, so this made them form soon after The Alexis P. Suter Band, performing in countless shows. The Bennett brothers have now started a new phase of his career with a renewed band including Jimmy Bennett on guitar and vocals, Peter Bennett on bass and vocals, John Ginty on Hammond and piano and Lee Falco on drums and percussion. With this new group they present this new album with eleven songs to discover, full of good rockin' blues, low down dirty blues, genuine Americana music and rock. If you are one of those people who love lo listen to music at high volume, this is the perfect recording to enjoy it at top volume GREAT.

Imprescindible/Essential; Muy Bueno/Great; Bueno/Very Good; Correcto/Good; Flojo, Sin Interes /Bad, Uninteresting

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