LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen durante todo un trimestre.
Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.
Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afro-American people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.


La Hora del Blues Does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.
 

Febrero - Enero 2016 - Diciembre 2015 / February - January 2016 - November 2015


FEBRERO 2016 / FEBRUARY 2016

The Blues Overdrive “Clinch!”. Gateway Music 2015.
Muchas de las bandas europeas de blues están alcanzando un alto nivel, comparable a las del otro lado del océano. Este es el caso de los Blues Overdrive que, en su último álbum titulado ‘Clinch!’, incluyen diez canciones que recogen con fidelidad el sonido del pasado y lo transportan hacia el futuro con una cuidada apuesta sonora, mezclando con habilidad y buen criterio elementos del más clásico blues de Chicago con hipnóticos grooves del Delta, todo ello impregnado siempre de los mas contemporáneos sonidos y detalles de la música pop. El disco tiene el interés adicional de presentarnos la colaboración del reputado guitarrista y cantante Duke Robillard en un par de temas. El álbum se grabó en los Cherry Recording Studios de Copenhagen, Dinamarca. Los Blues Overdrive son Martin Olsen como cantante y guitarrista, Andreas Andersen a la guitarra, Thomas Birck al bajo y Resonator, Lars Heiberg a la batería y percusión y como invitados, el ya mencionado Duke Robillard y Joel Peterson a la guitarra lap steel. Muchos grupos dedican toda su atención a largos e incendiarios solos y se olvidan de lo más importante como es la construcción global de cada tema y del sonido de la banda. En este caso, su compositor Martin Olsen trabaja para ello y eso se nota muy especialmente en este álbum. MUY BUENO. Most European blues bands have now reached a very high level, similar to the States ones. This is the case of The Blues Overdrive which, in his latest album “Clinch!”, have included ten songs that faithfully gather the sound of the past but driven to the future with a careful display, which cleverly and tastefully mixes elements of classic Chicago blues with hypnotic Delta grooves with the most contemporary sound and even some pop music details. The recording has an additional interest as great guitar player and singer Duke Robillard collaborates in a couple of songs. The album was recorded at the Cherry Recording Studios in Copenhagen, Denmark. The Blues Overdrive musicians are Martin Olsen as singer and guitar, Andreas Andersen on guitar too, Thomas Birck on bass, Lars Heiberg on drums and percussion and, as guest musicians, the just mentioned Duke Robillard and Joel Peterson on lap steel guitar. Many bands and musicians now devote their attention to present long electrifying solos and forget the most important thing, that is to build up and give a global vision to every song they do so, in this way, create a distinctive band sound. In this case, song writer and composer Martin Olsen is working hard on this subject, that is immediately noticed if you listen to this interesting album. VERY GOOD.

Dalannah And Owen “Been Around A While”. Quest / Frank Roszak 2015.
Este es uno de esos raros discos que de vez en cuando asoman por esos mundos de Dios y que, en este caso, también ha llegado a mis manos. La particularidad del mismo reside en que presenta la estupenda voz de Dalannah Gail Bowen acompañada exclusivamente por el bajista Owen Owen Owen (Owen Veber). El álbum recoge en su mayoría temas propios, aunque también figuran unos pocos covers muy bien seleccionados de Son House, Louis Jordan y Marvin Gaye. El disco invita a la siguiente reflexión, ¿puede ser lo suficientemente atractivo un disco con once canciones grabadas únicamente con un bajo y una voz?. La respuesta la dejo a vuestro criterio, aunque debo deciros que a mi no me desagrada en absoluto. Este acompañamiento tan simple y sencillo permite que las cualidades, las inflexiones, la textura y los matices vocales de Dalannah Gail Bowen destaquen sobremanera y brillen a gran altura. Para aquellos que no estéis familiarizados con esta cantante, decir que tiene sesenta y nueve años y desciende de una familia de raíces africanas, canadienses y cherokees y ha interpretado los blues durante más de cuarenta y cinco años. Por su parte Owen Owen Owen es un reputado bajista de la zona de Vancouver, asimismo con más de cuarenta años de carrera profesional. MUY BUENO. This is one of those rare recordings that, from time to time, can be found around and, this time, it has also come to my hands. The special feature is it presents the great voice of Dalannah Gail Bowen only backed by bass player Owen Owen Owen (Owen Veber). The album mostly includes own songs, but there are also a few well selected covers coming from Son House, Louis Jordan and Marvin Gaye. It invites you to the following consideration, may an album with eleven songs which have been only recorded with bass and voice be attractive enough? The answer is up to you, but I must confess it has not disappointed me. This simple and straightforward instrumentation allows the undeniable qualities, vocal nuances and beautiful phrasing of Dalannah Gail Bowen stand out and shine at a very high level. For those who are not familiar with this singer, let me say she is a sixty-nine years woman with African, Canadian and Cherokee roots who has been singing blues for more than forty-five years. On the other hand, Owen Owen Owen is a renowned bass player in Vancouver area, who also has more than forty years of a professional career. VERY GOOD.

David Gogo “Vicksburg Call” Cordova Bay / Sarah French 2015.
Aquí tenemos el catorceavo álbum de este crudo y rudo cantante y guitarrista llamado David Gogo que se añade a la impresionante carrera de este artista. Gogo ha realizado giras por todo el mundo, consolidando una carrera sin fisuras. Además de compartir escenario con artistas como Johnny Winter, B.B. King, Otis Rush, Albert Collins, Bo Diddley, ZZ Top, Buddy Guy, Charles Bradley y muchos otros. Este nuevo trabajo se grabó en estudio intentando recoger la atmósfera y el espíritu del directo. Las canciones incluyen originales del propio David Gogo y algunas versiones muy cuidadas. Todas ellas exploran temas y vivencias como el amor, la pérdida con el duelo que ello lleva implícito, la reconciliación, la pena y el dolor, la aceptación y la esperanza de nuevos horizontes y esperanzas en un mundo y una vida mejor. Estas emociones encuentran un marco ideal de expresión en la calida y bien timbrada voz y en el virtuoso talento guitarrístico de David Gogo que, sin duda, os sorprenderá de forma muy grata. Junto a David a las guitarras y la voz, se encuentran Jay Stevens al bajo, voces y piano, Bill Hicks a la batería y percusión, Marisha Devoin al contrabajo, Rip Hopkins al órgano Hammond y las voces de Shelley Beeston y Jona Kristinsson. Sin duda éste es un excelente álbum. MUY BUENO. Here comes the fourteenth album by this raw wild singer and guitar player called David Gogo, which will be added to his impressive career and the list of his amazing recordings. Gogo has toured all over the world, which has led  him to consolidate a firm seamless career, besides sharing a stage with great artists such as Johnny Winter, B. B. King, Otis Rush, Albert Collins, Bo Diddley, ZZ Top, Buddy Guy, Charles Bradley and many others. The album was recorded on studio with the aim to catch the whole atmosphere and spirit of a live performance. Songs include David Gogo’s original ones together with some delicious versions. All tracks explore different topics and experiences like love and loss, reconciliation, sorrow, regret, acceptance, hope for new horizons and a better world and life. All these feelings find the best expressive framework in the warm well pitched voice and great virtuoso guitar talent od David Gogo which, undoubtedly, will pleasantly surprise listeners. Together with David on guitars and vocals, you will also find Jay Stevens on bass, vocals and piano, Bill Hicks on drums and percussion, Marisha Devoin on double bass, Rip Hopkins to Hammond organ and the backing vocals of Shelley Beeston and Jona Kristinsson. In very few words, this is an excellent album. GREAT.

Charly Glez & The Crazy Bros “The Last Sun”, Self Production 2015.
Con pasión, perseverancia y entrega Charly González se ha ido forjando día a día una brillante carrera como músico y guitarrista de blues. Sin hacer ruido y con mucha humildad nuestro hombre ha conseguido poco a poco y con mucho tesón hacer realidad lo que más le gusta en esta vida y que no es otra cosa que disfrutar de su pasión por la música y en especial por el blues, adaptando las versiones a su forma y modo de sentir la música, pero también interpretando sus propios temas rodeado de un grupo que le secunda con admiración, respeto y buen hacer. Actualmente Charly posee todo el respaldo de un público entregado a su música, gracias al buen trabajo del propio Charly, de su grupo de acompañamiento y de una sección de vientos bien compenetrada que abordan el repertorio con gusto y elegancia. Los arreglos de los metales a cargo de Juanlu Rabazo a los saxos y Toni Martin al trombón suenan competentes y muy empastados. Además de Charly a la voz y la guitarra, tenemos a Rafa Huertas a la batería, Alex Ordoñez al bajo, Geni Simoes al piano y, entre los músicos invitados están Pepe Olmedo a la guitarra, José Luis Naranjo a la armónica y Troy Nahumko también a la guitarra. En definitiva, un muy buen disco para disfrutar y deleitarse con los viejos y los nuevos blues. MUY BUENO. With commitment, perseverance and passion, Charly Gonzalez has day by day built up a bright career as musician and blues guitar player. Without making much noise and always with great humility but also with an strong determination, our man has make true what he most likes in life, that is nothing than be happy and deeply enjoy his passion for music especially for blues, adapting blues songs to the way he feels the music, but also performing his own songs, always surrounded by a group of musicians who perfectly back him with admiration and respect. Now Charly has the full support of lots of enthusiastic followers who have become his fans. thanks to Charly’s good work, supported by the excellent band which works with him and a well teamed and able horn section with Juanlu Rabazo on saxes and Toni Martin on trombone, which give a tasteful elegant atmosphere to the repertoire. Besides Charly Gonzalez on vocals and guitar, you will also find Rafa Huertas on drums, Alex Ordoñez on bass, Geni Simoes on piano and, among the guest musicians, mention Pepe Olmedo on guitar, José Luis Naranjo on harmonica and Troy Nahumko on guitar too. In short words, this is a perfect album to enjoy and savour the old and the new blues. VERY GOOD.

Jimmy Burns “It Ain’t Right”. Delmark 2015.
Cualquier álbum que nos llega desde la compañía Delmark es garantía de que el más genuino blues de Chicago en todas sus formas, estilos y variantes estará presente en cada uno de sus discos, solamente hay que echar un vistazo a su extenso catálogo para darse cuenta de ello. En este caso se trata del legendario Jimmy Burns que se muestra en plena forma tanto a la voz como cuando toca la guitarra y la armónica. Es un privilegio poder disfrutar de la calidad de este artista, sobre todo si está respaldado por una banda de lujo con Anthony Palmer a la guitarra, Sumito ‘Ariyo’ Ariyoshi piano, Greg ‘E.G.’ McDaniel bajo y Bryan ‘T’ Parker batería, junto a Roosevelt Purifoy al órgano en seis canciones y la sobria sección de vientos formada por Marques Carroll trompeta, Chris Neal saxo tenor y Aaron Getsug saxo barítono que están en cuatro de los quince temas incluidos. Un repertorio potente, atractivo y variado a base de ‘soul blues’ que incluye desde dos temas originales de Billy Flynn, hasta una emotiva balada ‘soul’, pasando por un puñado de interesantes y bien expuestos covers entre los que cabe destacar “Messin’ With The Kid”, “It Ain’t Right” de Little Walter o “Hard Hearted Woman” de su tocayo Eddie Burns. Un caluroso y dinámico álbum con un Jimmy Burns en plena forma. MUY BUENO. Every new album we get from Delmark Records guarantees the most genuine Chicago blues in all forms, styles and varieties will be present. You have only to look at its extensive catalogue to realize it. This time the turn is for legendary bluesman Jimmy Burns who shows he is on top form full form both on vocals and as playing guitar or harmonica. It is a privilege to enjoy with the quality of this bluesman, especially if he is backed by a deluxe band with Anthony Palmer on guitar, Sumito 'Ariyo' Ariyoshi on piano, Greg 'E.G.' McDaniel on bass and Bryan 'T' Parker on drums, plus de valuable contribution of Roosevelt Purifoy on organ in six songs and the restrained good horn section with Marques Carroll on trumpet, Chris Neal on tenor sax and Aaron Getsug on baritones sax who perform in four of the fifteen items included. A powerful, attractive and varied song selection on the basis of 'soul blues' that includes from two original Billy Flynn’s songs, to an emotional soul ballad as well as a handful of interesting well developed covers like "Messin' With The Kid", "It Ain't Right" by Little Walter or "Hard Hearted Woman” that comes from his namesake Eddie Burns. This is a warm dynamic album that shows an splendid Jimmy Burns. GREAT.

Chris James & Patrick Rynn “Trouble Don’t Last”. VizzTone 2015.
La auténtica tradición del blues de Chicago de los años cincuenta en su vertiente más vintage, clásica y ortodoxa, tiene en la pareja formada por el cantante y guitarrista Chris James y el bajista Patrick Rynn a dos de sus más singulares y genuinos representantes de este sonido tan característico. Durante cinco años ambos formaron parte de la banda del batería Sammy Lay, además de acompañar y grabar bajo la batuta de prácticamente todos los iconos del blues de Chicago como Junior Wells, Detroit Junior, Dave Myers y muchos otros más. En este formidable disco que comentamos, estos dos músicos han logrado un sonido realmente deslumbrante que les hace estar en uno de los momentos más álgidos de su carrera. Para ello se han rodeado de tres excelentes músicos que conocen a la perfección el terreno que pisan, como son June Core (Robert Lockwood, Charlie Musselwhite) a la batería y los armonicistas Rob Stone y Aki Kumar. Diez temas en los que se alternan seis canciones originales y cuatro versiones muy bien seleccionadas, en especial el robusto “Roll, Tumble And Slip” del gran Sunnyland Slim interpretado, al igual que el resto del álbum, con gran energía, increíble genio y mucha solvencia. BUENISIMO. The real fifties Chicago blues tradition on its most vintage, classic and orthodox side, has in the duo formed by singer and guitar player Chris James and bass player Patrick Rynn two of its most unique and genuine musicians who truly represent the special Chicago sound. For five years both musicians were members of drummer Sammy Lay’s band, besides backing and recording under the direction of mostly Chicago blues icons like Junior Wells, Detroit Junior, Dave Myers and many more. In this excellent album, these two musicians have reached a completely dazzling sound, which has made them now be at the peak of their musical career. To get it they have also been surrounded by three excellent musicians who perfectly know where they stand, as June Core (Robert Lockwood, Charlie Musselwhite) on drums and harmonica players Rob Stone and Aki Kumar. Ten amazing songs that combine six own ones and four well selected versions, in particular the powerful “Roll, Tumble And Slip" coming from great Sunnyland Slim that, like the rest of the album, is performed with great power, an incredible cleverness and much reliability. ESSENTIAL.

Mitch Woods “Jammin’ On The High Cs”. Club 88 / Vizztone 2015.
Durante doce años Mitch Woods ha conducido las sesiones ‘after hours’ que se celebran en el piano bar del legendario Rhythm And Blues Cruise. Lo que empezó como un concierto ocasional acabó convirtiéndose en una singular tradición en la que todos los músicos participantes en este conocido e fabuloso crucero de blues por el Caribe, acuden después de sus shows para tomar una copa y acabar enganchándose a estas clásicas jam sessions dirigidas y coordinadas por el espléndido cantante y pianista Mitch Woods. En este disco Mitch ha querido capturar toda la esencia y el espíritu que se respira en estas increíbles sesiones que se celebran hasta altas horas de la madrugada donde el ambiente alegre y festivo no permite que nadie se vaya a dormir a unas horas decentes. Mitch Woods se siente satisfecho de haber podido contar en este disco con la colaboración de grandes músicos y amigos de muchos años de cruceros como Tommy Castro, Lucky Peterson, Billy Branch, Coco Montoya, Popa Chubby, Victor Wainwright, Dwayne Dopsie y diferentes miembros de la Roomful Of Blues. Es un verdadero placer poder escuchar y disfrutar de todos los músicos y de las diecisiete canciones que se han incluido en éste álbum. Honestamente sólo puedo decir que nos encontramos ante un soberbio y mayúsculo disco de blues. No lo dejéis escpar. BUENISIMO. For twelve years Mitch Woods has led the after hours sessions that take place at the piano bar of the legendary Rhythm and Blues Cruise. What started as an occasional show, soon became a regular tradition where all the participant musicians in this well-known and fabulous Caribbean blues cruise, come after their shows to have a drink to finish playing in these traditional jam sessions hosted and coordinated by the excellent singer and piano player Mitch Woods. In this album Mitch’s aim has been to capture all the essence and the spirit of these incredible sessions that can be enjoyed until the wee wee hours, where the joy and festive atmosphere prevents people to go to sleep until sunrise. Mitch Woods feels happy to have counted in this album with the priceless collaboration of great musicians and long time cruise friends like Tommy Castro, Lucky Peterson, Billy Branch, Coco Montoya, Poppa Chubby, Victor Wainwright, Dwayne Dopsie and some members of The Roomful Of Blues. It is a real pleasure to listen and enjoy with each participant musician along the seventeen songs that have been included in this album. Honestly I can only say this is a superb first class blues recording. Do not miss it. ESSENTIAL.

Thorbjorn Risager & The Black Tornado “Songs From The Road”. Ruf (CD + DVD) 2015.
Con su álbum publicado en 2014 y titulado “Too Meny Roads”, la banda danesa The Black Tornado liderada por el cantante, compositor y guitarrista  Thorbjorn Risager consiguieron dar el salto y convertirse en una de las bandas de Dinamarca más consolidadas en los circuitos europeos de rock blues. A principios del pasado año 2015 el grupo quiso celebrar su éxito volviendo de nuevo a uno de sus locales favoritos y más emblemáticos, el Harmonie en la ciudad alemana de Bonn, club del que guardaban un grato recuerdo. Con una formación de diez músicos incluyendo una sección de viento formada por tres miembros más los apoyos vocales de Ida Bang y Lisa Lystam, Ruf Records pudo recoger de manera fidedigna este memorable concierto, editándolo en formato de cd y de dvd. En ambos formatos se plasma toda la fuerza, la energía y la intensidad del directo de esta potente banda de rock blues que no ha parado de girar durante este pasado año. Rock blues con mucha personalidad y carisma, adornado con chispas de funk, pop y reggae en un variado repertorio. MUY BUENO. With the album “Too Many Roads” released in 2014, Danish band The Black Tornado led by singer, composer and guitar player Thorbjorn Risager leap to fame and became one of the most consolidated bands of the European rock blues circuit. At the beginning of year 2015 the band wanted to celebrate his successful year coming back to one of their favourite and more emblematic places, the legendary Harmonie in Bonn, Germany where they had always been warmly received. To do so they came on stage with a ten musicians band that included a three members horn section plus the backing vocals of Ida Bang and Lisa Lystam, Ruf Records faithfully gathered this unique show and they published it on Cd and Dvd format. Both bring us the incredible strength, energy and intensity of the live show this powerful rock blues band played that special night. Rock blues with an amazing personality and charisma, spiced with some drops of funk, pop and reggae along a varied repertoire by this Danish band which has not stopped to play all over Europe during last year. GREAT.

Kim Simmonds And Savoy Brown “The Devil To Pay”. Ruf 2015.
Los amantes y fans del blues británico de los años sesenta están de enhorabuena con la aparición del nuevo disco del cantante y guitarrista Kim Simmonds, antiguo miembro fundador del legendario grupo Savoy Brown. Con casi medio siglo de experiencia viviendo intensamente la música y de haber tocado prácticamente en todo el mundo, Kim vuelve ahora con este nuevo trabajo en el que el blues está presente, siendo el hilo conductor y envolvente donde Kim Simmonds demuestra toda su madurez, experiencia y una depurada y fluida técnica estilista. Nuestro hombre es una persona incansable y entre gira y gira no para de componer, practicar, cantar y ejercitarse para ofrecer siempre lo mejor de si  mismo. El álbum incluye trece temas que recogen algunos de esos momentos de inspiración y creatividad. Según el propio Simmonds en los blues siempre se reflejan los sentimientos de quien los interpreta y así sucede con éste disco donde las emociones del músico se plasman y escenifican con claridad meridiana en todas y cada una las canciones que componen el álbum. MUY BUENO. Sixties British Blues fans and lovers can feel lucky with the new album of singer and guitar player Kim Simmonds, former and founder member of the legendary Savoy Brown. With almost half a century of experience, living passionately the music and playing in many tours and venues all over the world, now Kim comes back with his new work where the blues is present and becomes the wrapping common thread where Kim Simmonds shows his full maturity, experience and a polished smooth technique. Our man is a tireless person who, between tour and tour, does not stop to compose, sing and practice to be in top form and give always the best of himself. The album includes thirteen songs that present some of those special moments full of inspiration and creativity. According to Simmonds, the blues always reflect the deep feelings of those who perform them. That is what happens with this album, where the emotions of the musician who plays it are clearly reflected in each and every song which has been included in this tasteful album. VERY GOOD.

Heather Crosse “Groovin’ At The Crosse Roads”. Ruf 2015.
Muchos artistas actuales de blues orientan y encaminan su música hacia el rock. Aunque pueda parecer lo contrario, éste no es exactamente el caso de la cantante, bajista y compositora Heather Crosse quien todavía cree firmemente en el poder de los viejos blues y del nuevo rhythm and blues entroncado en la tradición de los cincuenta y sesenta. Originaria de la Louisiana, actualmente Heather reside en Clarksdale en pleno estado del Mississippi donde actúa con regularidad, además de acompañar con su bajo a músicos como Bob Margolin, Guitar Shorty, Jody Williams o James ‘Super Chikan’ Johnson. En el pasado 2015 Heather ha realizado una gira por Europa como miembro integrante del Blues Caravan ‘Girls With Guitars’, un show que cosechó un enorme éxito por todos los diferentes escenarios europeos que visitaron. Este es el primer álbum que graba bajo su propio nombre y estoy seguro de que no será el último. Son once canciones de las que cinco han sido compuestas por la propia Heather Crosse en colaboración con otros músicos, donde además de rendir tributo a algunas de sus heroínas como Etta James o Big Mama Thornton, Heather ha sabido imponer a todas las canciones la suficiente frescura y originalidad como para hacer disfrutar a cualquier tipo de público, con la garantía adicional de estar respaldada por la excelente banda que la ha acompañado durante los últimos ocho años, los Heavy Suga’ & The SweeTones. MUY BUENO. Many actual blues artists focus and drive their music to rock. Although it may seem otherwise, this is not exactly the case of singer, bass player and songwriter Heather Crosse who strongly believes in old blues and new rhythm and blues power, deeply rooted in fifties and sixties tradition. Born in Louisiana, now Heather lives in Clarksdale, Mississippi where she regularly plays, besides backing with her bass such great musicians like Bob Margolin, Guitar Shorty, Jody Williams or James 'Super Chikan' Johnson. Last 2015 Heather toured Europe as member of the Blues Caravan 'Girls With Guitars', a show that got a huge success in all different European scenes they visited. This is the first album she has recorded under her own name and I dare say it will not be the last one. Eleven songs, five of them coming from Heather Crosse written in collaboration with other musicians where, besides paying tribute to some of her heroines like Etta James or Big Mama Thornton, Heather manages to give to every song a special originality and fresh air to give happiness and joy to a wide varied audience, with the additional guarantee that gives her to be backed by the excellent band which has supported her during the past eight years, Heavy Suga' & The SweeTones. VERY GOOD.

André Bisson “Left With The Blues”. Self Production / Sarah French 2015.
Desde el año 2005 André Bisson no ha parado de tocar en USA, Canadá o Reino Unido llevando a todas partes su cuidada y sólida mezcla de blues, soul y rhythm & blues. Después de graduarse en estudios musicales en el Mohawk College de Hamilton, André Bisson empezó a componer canciones que dieron como resultado cinco álbumes grabados en estudio. Con ellos consiguió crearse un nombre y una gran reputación, lo que le llevó a telonear a artistas como Colin James, Jimmie Vaughan o Robben Ford. Su enorme talento y su gran expresividad como vocalista le fueron reconocidos en 2005, ganando el premio al ‘Mejor Cantante’, galardón que recibió en los ‘Hamilton Blues Awards’ de Canadá, aunque hay también que destacar que su calidad y técnica como guitarrista no es tampoco menor. Este nuevo álbum está repleto de influencias Motown, de las big bands y del mejor gospel. André ha compuesto un repertorio de blues que recoge todas estas influencias, realizado todo ello con una magnifica orquestación, gracias a la colaboración de unos excelentes y soberbios músicos quienes imprimen una refrescante sonoridad, además de unos arreglos realmente exquisitos. BUENISIMO. Since year 2005 André Bisson has not stopped to play around USA, Canada or UK presenting everywhere his careful solid mixture of blues, soul and rhythm & blues. After his graduation in musical studies at Mohawk College in Hamilton, André Bisson started to write songs, which made as a result five studio albums that led him to get a name and a great reputation and gave him the opportunity to open for artists like Colin James, Jimmie Vaughan or Robben Ford. His huge talent and great expressiveness as a singer was recognized in 2005, when he received the ‘Best Singer' award at the Canadian Hamilton Blues Awards, although it should not be forgotten his amazing quality and technique as guitar player. This new album is full of Motown, big bands and delightful gospel influences. André has done a blues repertoire which gathers all the above mentioned influences, performed with a magnificent orchestration, thanks to the collaboration of some excellent and superb musicians who give a cool sound and some really exquisite arrangements. GREAT.

Todd Wolfe Band “Long Road Back”. Hypertension 2015.
Durante largos y fructíferos años, Todd Wolfe ha sido siempre considerado como uno de los grandes ases de la guitarra electrica, especialmente por su fino, técnico y estilístico trabajo junto a Sheryl Crow, Carla Olson o Leslie West. Sin embargo, ha sido con su propia banda donde Todd ha conseguido encontrar y establecer un sonido propio que le ha encumbrado y le ha dado un enorme prestigio entre los aficionados al hard blues, rock blues o power blues. En este nuevo disco encontramos roots blues y rock de los setenta, que se dan la mano y que en absoluto suena como un revival anodino y vulgar, sino más bien todo lo contrario, es decir algo nuevo, original, sugerente y, sobre todo, muy refrescante. Diez canciones originales a las que se añaden dos versiones, una de ellas es “Outside Woman Blues” de los legendarios Cream y la otra es “Black Queen” de Stephen Stills. Junto a Todd Wolfe a la guitarra y la voz se encuentran Roger Voss a la batería y coros, Justine Gardner al bajo y coros y el retorno del aclamado John Ginty al Hammond B-3. Un álbum que hará las delicias de todos aquellos amantes de la música original de Wolfe, así como de todos cuantos se vuelven locos con los artificios de los guitarristas actuales más incendiarios y pirotécnicos. MUY BUENO. For many long and fruitful years, Todd Wolfe has been always considered as one of the electric guitar aces, especially due to his fine, technical and good stylistic work with artists like Sheryl Crow, Carla Olson or Leslie West. But it has been with his own band where Todd has managed to find and develop a unique sound that has shot him up to the top, giving him an enormous prestige among hard blues, rock blues or power blues fans. This new album is filled with a good mixture of roots blues and seventies rock which does not sound like an uninspired plain revival, but something new, original, suggestive and especially cool. Ten original songs plus two versions, "Outside Woman Blues" coming from the legendary Cream and "Black Queen" by Stephen Stills. Besides Todd Wolfe on guitar and vocals, the other musicians involved are Roger Voss on drums and backing vocals, Justine Gardner on bass and backing vocals and the comeback of the acclaimed John Ginty on Hammond B-3. This is an album that will delight all fans and followers of Wolfe’s original music, as well as all those people who feel crazy with the electrifying fireworks of actual guitar players. GREAT.

Chris O’Leary “Gonna Die Tryin’”. American Showplace Music 2015.
Durante siete años Chris O’Leary sirvió a su país enrolándose en la Marina. Después y desde hace ya más de seis años Chris ha servido en cuerpo y alma a la llamada del blues, a través de su voz y de su armónica que ha puesto con criterio y buen gusto al servicio de la Levon Helm’s Barnburners. La fuerza física y la musculatura que consiguió con los duros entrenamientos en la armada se reflejan también en la agresiva manera de tocar la armónica y en la intensidad de sus explosivas facultades vocales. Este álbum grabado bajo su propio nombre refleja todas sus experiencias vitales mediante una crudeza descarnada donde se desnuda de todo amaneramiento y afectación con la autoridad que tanto su voz como su armónica le confieren. El repertorio del álbum está compuesto por once canciones propias, interpretadas todas en clave de blues y expuestas con autoridad y solvencia. Además de Chris O’Leary a la voz y la armónica, le acompañan Chris Vitarello a la guitarra, Andy Stahl al saxo tenor, Chris Difrancesco al saxo barítono, Matt Raymond al bajo y Jay Devlin a la batería, más la colaboración como invitado de John Mooney a la guitarra. Espléndido disco que hará las delicias de aquellos aficionados al blues compacto y bien expuesto. BUENISIMO. For seven years Chris O'Leary served his country by joining the Navy. Afterwards and for more than six years, Chris has served with body and soul to the call of blues, putting his voice and his harmonica with cleverness and good taste to the service of The Levon Helm's Barnburners. The physical strength and the musculature he got during the hard Navy training can be also noticed in his aggressive harmonica playing and the intensity of his explosive vocal power. The album, recorded under his own name, reflects all his life experiences on a hard raw way completely unaffected but always with the involvement and authority his incredible voice and his amazing harmonica playing give him. Eleven own songs in the key of blues delivered with control and reliability. Besides Chris O'Leary on vocals and harmonica, the other musicians are Chris Vitarello on guitar, Andy Stahl on tenor sax, Chris Difrancesco on baritone sax, Matt Raymond on bass and Jay Devlin on drums, plus the collaboration as guest musician of John Mooney on guitar. This is a splendid album that will delight all fans of the real compact well displayed blues. GREAT. 

Shemekia Copeland “Outskirts Of Love”. Alligator / Discmedi 2015.
Su poderosa voz, rica en matices y su magnética presencia escénica han hecho de Shemekia Copeland una de las más celebradas y reconocidas artistas actuales de roots music. Cinco discos grabados para el sello Alligator mas otros dos para la compañía Telarc, la han llevado a conseguir dos nominaciones para los premios Grammy, nueve Blues Music Awards y unas ventas de discos millonarias. Con este disco Shemekia vuelve a grabar con Alligator y también vuelve de nuevo a las raíces más ortodoxas. El álbum nos presenta un repertorio basado en el blues, el soul, el rock y la música americana. Rodeada de un puñado de increíbles músicos, las cualidades y las facultades vocales de esta dama y señora de la música afroamericana brillan con luz propia en un repertorio hecho especialmente a su medida, compuesto por temas propios y versiones de temas de John Fogerty, Albert King, Jesse Winchester, Jessie Mae Hemphill y, por supuesto, de su padre Johnny Copeland. El periódico USA Today ha escrito que “Shemekia captura la atemporalidad del blues mientras lo impulsa hacia adelante con notable madurez”. Creo que puedo asegurar que, a día de hoy, este disco es su obra cumbre. BUENISIMO. Her powerful rich of nuances voice and her magnetic stage presence, have made Shemekia Copeland become one of the most celebrated and recognized actual roots music artists. Five albums for Alligator records and two for Telarc, have led her to receive two nominations for Grammy Awards, nine Blues Music Awards and have millionaire record sales. With this new recording Shemekia comes back to Alligator records and she also comes back to the most orthodox roots music. The album gathers a repertoire based on blues, soul, rock and Americana. Surrounded by a handful of excellent musicians, the incredible qualities and vocal skills of this great lady of Afroamerican music shine at a very high level along a repertoire especially made for her, that includes own compositions and versions of songs coming from John Fogerty, Albert King, Jesse Winchester, Jessie Mae Hemphill and, of course, his father Johnny Copeland. The USA Today newspaper has written that "Shemekia captures the timelessness of blues and, at the same time, she drives it forward with remarkable maturity". I can tell you that, up to date, this album is her masterpiece. GREAT

Tommy Castro “Method To My Madness”. Alligator / Discmedi 2015.
A lo largo de su dilatada carrera de más de cuatro décadas, Tommy Castro se ha curtido en infinidad de grabaciones actuaciones, giras… levantando de sus asientos a las audiencias que acuden a sus conciertos y haciéndoles bailar con sus contagiosos ritmos y mágicos grooves. Hasta la fecha Castro ha publicado catorce discos repletos de blues, soul y mucho ‘West Coast rock’. Tommy empezó su carrera como músico de acompañamiento en la zona de área de la bahía de San Francisco y sus primeras influencias se remontan a cuando todavía era un adolescente y escuchaba a artistas como Eric Clapton, Mike Bloomfield y Elvin Bishop, aunque pronto descubrió el auténtico y genuino mundo del blues de la mano de B.B. King, Muddy Waters y Buddy Guy, asi como de los grandes vocalistas de soul y gospel al estilo de Ray Charles, Wilson Pickett y James Brown. Este último disco titulado “Method To My Madness” presenta diez temas de cosecha propia más una terrorífica versión de la canción “Bad Luck” de B.B. King y un tema clásico del soul titulado “I’m Qualified” de Clarence Carter. Junto a su sólida, competente y compenetrada banda The Painkillers, Tommy ha grabado todo el álbum en riguroso directo, sin trampa ni cartón, es decir, sin ningún tipo de efectos rimbombantes haciéndolo todo de una tirada, como nunca lo había hecho hasta el momento, dando así un aire fresco y melódico a su incendiaria mezcla de poderoso rock, crudo blues y profundo e hiriente soul. ¡Una auténtica gozada!
BUENISIMO. Along his wide career of more than four decades, Tommy Castro has hardened and matured himself thanks to countless recordings, tours, shows,… making audiences raise up of their seats to dance with his catching rhythms and magical grooves. Up to date Castro has published fourteen albums filled with blues, soul and lots of West Coast rock. Tommy began his music career as sideman in San Francisco Bay Area and his first influences can be found back in his teenager days when he started to listen to Eric Clapton, Mike Bloomfield and Elvin Bishop, but soon he discovered the true and genuine blues world thanks to B.B. King, Muddy Waters and Buddy Guy, as well as major gospel and soul vocalists like Ray Charles, Wilson Pickett and James Brown. His last album "Method To My Madness" presents ten own compositions plus a terrific version of BB King’s song "Bad Luck" and the soul standard "I'm Qualified" coming from Clarence Carter. Together with the strong, able, well teamed band The Painkillers, Tommy has recorded this last album live on studio using no recording studio wizardry, doing everything in one run, like they never had done till now. The result is they have got to give a fresh melodic air to the incendiary mixture of powerful rock, raw blues and deep hurtful soul. A complete joy! GREAT.  

Andy Poxon “Must Be Crazy!”. EllerSoul / Frank Roszak 2015.
Inevitablemente Andy Poxon ha sido a menudo comparado con Johnny Lang. Pese a su juventud Andy tiene algo especial, puesto que ha conseguido en muy poco tiempo una técnica de primera clase a la guitarra y una voz atractiva que sabe modular con gusto exquisito. Este pelirrojo de Maryland tiene un gran futuro por delante porque con muy pocos años de carrera ha conseguido un espectacular ascenso gracias a su innato talento como guitarrista, cantante y compositor lo que lo ha convertido en una primera figura de la escena del blues. Este disco incluye trece canciones propias de las que cuatro de ellas las ha escrito en colaboración. Un álbum que nos presenta a un joven músico de roots blues y blues tejano (en el estilo de T-Bone Walker en “Cold Weather Blues”) que está en plena etapa de desarrollo y listo para conducirnos con gran criterio hacia el futuro del auténtico blues, por lo que será verdaderamente interesante seguir de cerca su carrera y ver hacia donde nos lleva su evolución. Un disco sobrio, compacto, brioso y muy intenso en el que Andy Poxon ha puesto toda la carne en el asador, rodeándose asimismo de unos músicos fantásticos, competentes y directos, además de unos arreglos de metal que no tienen desperdicio. BUENISIMO. Andy Poxon has often been compared with Johnny Lang. Despite his youth, Andy has something special, since in a very short time he has got a first class guitar technique and an attractive voice he knows how to modulate with an exquisite taste. This red haired Maryland guy has a great future ahead. With a quite short career he has already got an spectacular rise, thanks to his natural talent as guitar player, singer and composer, which has made him become a leading name in the blues scene. The album presents thirteen own songs, four of them written in collaboration. An album that helps to introduce us a young roots blues and Texas blues artist (in the path of T-Bone Walker in the song "Cold Weather Blues") who is on a development stage and ready to cleverly drive us to the future of the most genuine blues, so it will be really interesting to closely follow his career and see his future development and musical evolution. This is a restrained, lively, determined and intense album, where Andy Poxon has pull out all the stops, surrounded by a bunch of fantastic, able and powerful musicians, together with some splendid horn arrangements. GREAT.

Deb Callahan “Sweet Soul”. Blue Pearl / Frank Roszak 2015.
Después de casi cinco años de silencio debido a su maternidad, Deb Callahan ha vuelto nuevamente a encerrarse en unos estudios de grabación para ofrecer al público el quinto disco de su carrera. El espíritu del blues, el soul y la roots music planea a lo largo de todo este cd, interpretado con un ritmo lleno de funky, rockin’ music y mucho humor. De hecho Deb explora temas tales como el amor y la familia, dos de los puntales más importantes tanto en su vida como en su música, siempre desde una óptica honesta y, en ocasiones, también divertida, que incluyen sus experiencias de convivir con un niño pequeño y naturalmente con su pareja, la felicidad de la vida en familia o el nerviosismo por tener que dejar el hogar para ir a actuar varias noches por semana y poder compaginar su trabajo con su familia. Su voz ha sido a menudo comparada con la de Susan Tedeschi pues su tono y su vibrato tienen mucho en común. Deb Callahan es una auténtica ‘shouter’ a la vez que una deliciosa ‘crooner’ cuando se entrega a las baladas. Bien arropada por unos músicos competentes y leales, Dev se reafirma una vez mas como una cantante sin complejos y bien asentada musicalmente hablando. MUY BUENO. After about five years of silence due to her maternity, Deb Callahan has just come back to the recording studios to give her fifth album to all her followers and general audience. The spirit of blues, soul and roots music overfly along the whole cd, performed with an amazing funky, rockin' rhythm and a huge sense of humour. In fact Deb explores topics like love and family, two of the most important aspects of both her life and music, and she does it from an honest and sometimes funny point of view, which include her experiences of sharing her life with a small child and her partner, the happiness of family life, the unconscious anxiety about leaving home to play several nights a week or how to combine work and family. Her voice has often been compared with Susan Tedeschi because her tone and vibrato have many things in common. Deb Callahan is a true shouter and, at the same time, a delicious crooner when she attacks ballads. Perfectly backed by some able and loyal musicians, once again Dev consolidates herself as a self assured singer and a well established musician. VERY GOOD.

Al Basile “B’s Expression”. Sweetspot / Mark Pucci 2015.
Sin duda Al Basile es un personaje curioso. Poeta, escritor teatral, guionista de radio, cantante, compositor y cornetista. Como intérprete de este último instrumento, Basile ha acompañado a muchos músicos, unos más populares que otros, del catálogo de su buen amigo Duke Robillard. Al Basile empezó como escritor pero fue desde el momento en que conoció a Duke que su vida dio un giro total. Participó como trompetista en la reputada banda Roomful Of Blues y acompañó a músicos como Eddie ‘Cleanhead’ Vinson, Red Prysock, Helen Humes, Joe Turner o Johnny Shines. Además Al tuvo el tiempo suficiente como para dedicarse a la enseñanza y fundar su propia compañía discográfica Sweetspot Records, editando discos de The Blind Boys of Alabama, Scott Hamilton, Jerry Portnoy, Sugar Ray Norcia, Sista Mónica Parker, Bruce Katz, Sax Gordon o Doug James. Las trece canciones que componen este trabajo de Basile son una original combinación de la lírica de este excelente poeta y la música de éste intérprete experimentado tras largos años de carrera. Su influencia musical, basada principalmente en el blues, se convierte en única para las nuevas generaciones pues demuestra como un artista puede mantenerse fiel a sus principios y al mismo tiempo mostrase accesible y comercial. A su lado intervienen músicos como Duke Robillard a las guitarras, Mark Teixeira a la batería, Bruce Bears a los teclados, Brad Hallen al bajo y contrabajo, más la excelente sección de vientos formada por Doug James saxo tenor, Carl Querfurth trombón y el mismo Al Basile a la corneta, voz y arreglista de los temas. ¡Una gozada de disco!. BUENISIMO. Undoubtedly Al Basile is an original very special man. He is a poet, stage and radio writer, singer, composer and cornet player. Playing this last instrument, Basile has backed many musicians, some more popular than others, of his good friend Duke Robillard’s catalogue. Al Basile started to work as a writer but since the moment he met Duke, his life made a total turn. He participated as trumpet player in the renowned band Roomful Of Blues and he also backed such great musicians like Eddie 'Cleanhead' Vinson, Red Prysock, Helen Humes, Joe Turner or Johnny Shines. He also found time enough to devote himself to teach and he founded his own record label Sweetspot Records, publishing artists like The Blind Boys of Alabama, Scott Hamilton, Jerry Portnoy, Sugar Ray Norcia, Sista Monica Parker, Bruce Katz, Sax Gordon or Doug James. The thirteen songs that form Basile’s last work are an original combination of the lyrics by this excellent poet and the music of this experienced musician who already has a long wide career on his back. His musical influence, mainly based on blues, becomes unique for the new generations, as it shows that an artist may remain independent and faithful to his principles and values and, at the same time, produce an accessible commercial work. You will also find as supporting musicians Duke Robillard on guitars, Mark Teixeira on drums, Bruce Bears on the keyboards, Brad Hallen on bass and double bass, plus an excellent horn section with Doug James on tenor sax, Carl Querfurth on trombone and Basile himself on trumpet, vocals and song arranger. A really joyful album! GREAT.

Ellis Hooks “Needle In A Haystack”. Blues Boulevard 2015.
Ellis Hooks nació en Alabama de madre Cherokee y padre Afroamericano y gran devoto de la iglesia baptista. Era el número trece de dieciséis hijos y, según cuentan las habladurías populares del vecindario, no tuvo su primer par de zapatos hasta cumplidos los ocho años. Gracias a la radio descubrió otra música aparte de la religiosa y decidió marchar de su hogar en busca de aventuras que llenaran su rutinaria vida. Viajó por todos los USA trabajando en muy diversos y dispares empleos al tiempo que cantaba por las calles en busca de algunas monedas. Un día en el que precisamente cantaba por Central Park, Diana Ross pasó por allí e inmediatamente quedó prendada de su voz, llegando incluso a pagarle una sesión de grabación que nunca llegó a ver la luz porque Hooks no quedó nada satisfecho. Después de ahorrar algún dinero viajó por toda Europa conociendo al productor Jon Tiven que le produjo su primer álbum. A partir de entonces su nombre empezó a ser conocido y algo más popular entre los aficionados. Este disco nos presenta trece emotivos, intensos y cálidos números, todos ellos impregnados del mejor y más genuino soul aderezado de toques gospel y algún que otro destello de corte bluesy donde su voz vuelve a desbordar con borbotones de pasión, evocando a su vez a todos aquellos grandes vocalistas como Little Milton, Sam Cooke, James Carr o incluso Otis Redding. MUY BUENO. Ellis Hooks was born in Alabama to a Cherokee mother and an Afroamerican father who was a devoted Baptist raised man. He was the thirteen of sixteen children and, according to the neighbourhood gossip talks, he did not have his first pair of shoes until he was eight years old. Thanks to the radio he discovered there was a secular music apart from the religious one, so he decided to leave his home searching for new adventures and opportunities that filled his routine life. He travelled all over USA working in the most diverse odd jobs, as well as singing on streets for some tips. One day he was singing around Central Park, Diana Ross walked there and she immediately was taken by the amazing Ellis’ voice. She paid him a recording session that never came to see the light because Hooks was not satisfied with it. After saving some money, he travelled around Europe where he met producer Jon Tiven who produced his first album. Since then on his name started to be known and reach more popularity among fans. This album presents thirteen emotive, intense and warm tracks, all them impregnated with the smell of the best and most genuine soul, spiced with a gospel touch and a bluesy air, where his voice overflows with passion and sometimes, it recalls the one of those big great singers like Little Milton, Sam Cooke, James Carr or even Otis Redding. VERY GOOD.

Ole Frimer Band “Live At Blues Baltica”. LongLife 2015.
Durante la primavera del año 2014 la banda danesa Ole Frimer Band realizó una más que exitosa gira por buena parte de Europa. Durante esta tournée aparecieron en el famoso y renombrado Blues Baltica Festival que anualmente se celebra en la ciudad alemana de Eutin. Este memorable concierto quedó registrado en directo y parte del mismo lo tenemos ahora reflejado en este disco que estamos comentando. Todos cuantos lo escuchen se van a encontrar con una cuidada selección de temas originales del líder del grupo, el cantante y guitarrista Ole Frimer, canciones que fueron escritas a lo largo de su carrera, además de algunas excelentes versiones como “Black Cat Bone” de Hop Wilson, “I Can’t Keep From Crying Sometimes” de Al Kooper y “Hustled Down In Texas” de Johnny Winter. Esta es sin duda una magnífica oportunidad para poder conocer y degustar de esta banda en riguroso directo, con toda su fuerza expresiva y enorme dinamismo que ofrecieron frente al ferviente y entregado público germano. Ole Frimer está respaldado por Palle Hjorth al órgano, Jesper Bylling al bajo y coros y Claus Daugaard a la batería. MUY BUENO. In spring of year 2014, Danish group Ole Frimer Band did a more than successful tour around several European countries. The tour drove them to the famous and renowned Blues Baltica Festival which takes place every year in the city of Eutin in Germany. That unforgettable show was recorded live and part of that event comes now in the album we have on hands. Those who listen to it will find a careful selection of original own songs coming from the band leader, singer and guitar player Ole Frimer he has written during his long career and they played in the festival, together with some excellent versions like "Black Cat Bone" by Hop Wilson, "I Can't Keep From Crying Sometimes" coming from Al Kooper and "Hustled Down In Texas" by Johnny Winter. Undoubtedly this is a good opportunity to discover and taste the band in a live show, with all the expressive strength and total dynamism they gave in front of the fervent and delivered German audience. Ole Frimer is backed by Palle Hjorth on organ, Jesper Bylling on bass and backing vocals and Claus Daugaard on drums. VERY GOOD.

The Whiskey Brothers “Bottle Up And Go”. Big Bear 2015.
Siempre se ha dicho que muchos blues son un canto a la libertad. Así lo han entendido este estupendo dúo británico formado por Richard Heath a la voz y mandolina y Gerry Smith al piano, quienes con la simplicidad de la voz y esos dos instrumentos tocados de manera acústica, demuestran que el blues sigue estando vivo, lleno de posibilidades y que no tiene ni limites ni parangón alguno. En sus manos muchos de los conocidos y viejos standards que interpretan alcanzan una nueva dimensión y se convierten en un nuevo muestrario con el que dar a conocer temas de Tommy McClennan, Big Bill Broonzy, Champion Jack Dupree, Huddie Leadbetter, Ma Rainey, Jimmy Cox, Sonny Terry & Brownie McGhee o Walter Vinson & Lonnie Chatman entre otros muchos. Este es un bello disco para que las nuevas generaciones puedan descubrir a todos los grandes pioneros del blues de preguerra. Quienes hayan tenido la oportunidad de deleitarse con aquellos viejos bluesmen que tocaban en los juke joints, tabernas, house rent parties o barrelhouses, simplemente a cambio de un vaso de whisky o de conseguir las atenciones y el afecto de una guapa muchacha, podrán rememorar aquellos únicos e intensos momentos de la mano de estos dos músicos conocidos como The Whiskey Brothers. Un verdadero regalo para regocijo del espíritu y de los oídos. MUY BUENO. It is accepted many blues are an hymn to freedom. So have understood this great British duo formed by Richard Heath on vocals and mandolin and Gerry Smith on piano who, with a simple natural voice and these two acoustic instruments, show the blues is still alive, full of possibilities and has no limits or possible comparison. On their hands many of the old standards they play reach a new dimension and become a new way to present the songs of Tommy McClennan, Big Bill Broonzy, Champion Jack Dupree, Huddie Leadbetter, Ma Rainey, Jimmy Cox, Sonny Terry & Brownie McGhee or Walter Vinson & Lonnie Chatman among many others. This is a beautiful album to allow the new generations discover all those pre-war blues great pioneers. People who have had the opportunity to enjoy with those old bluesmen who played in juke joints, taverns, house rent parties or barrelhouses only to be paid with a pint of whisky or the affections of a beautiful girl, will revive the memories of those unique and intense moments, thanks to these two excellent musicians known as The Whiskey Brothers. This album becomes a true gift for your ears that will give a pleasant joy to your mind. GREAT.

Los Blues Morning Singers “Los Blues Morning Singers”. Rock-CD / Slow Producciones 2015.
Banda de blues bilbaína con un repertorio muy ortodoxo y creíble, basado sobre todo en el blues del south side de Chicago de los años cincuenta. En su repertorio incluyen temas de Willie Dixon, Jimmy Reed, Muddy Waters o Sonny Boy Williamson II entre otros. El grupo está formado por Aritza Castro batería, Fabián Acarregui contrabajo, quienes dan el soporte adecuado para hacer brillar a los solistas Carlos Jover armónica y Mario Gómez guitarra, dobro y voz. Todos ellos tienen tablas, cultura bluesera, buena actitud, criterio musical, buen gusto y demuestran también buena técnica y lucidez a la hora de afrontar un repertorio basado principalmente en los clásicos de ayer, de hoy y de siempre. El disco contiene diez canciones bien expuestas y mejor desarrolladas, perfectamente asentadas en unos buenos clichés, donde los solos de armónica y de guitarra se alternan de forma agradable y sustanciosa, dando cada uno de ellos lo mejor de sí mismos y sacando el máximo partido de sus intervenciones. Todos sabemos que tanto la guitarra como la armónica son en el blues armas de triunfo si ambos instrumentos están bien interpretados, por lo que en este caso se puede afirmar que, tanto Carlos como Mario, saben desgranar y compaginar su discurso con propiedad y solvencia. MUY BUENO. Here comes a blues band from Bilbao with an orthodox reliable repertoire, mainly based on fifties south side Chicago blues. They include songs coming from Willie Dixon, Jimmy Reed, Muddy Waters or Sonny Boy Williamson II among others. The band is formed by Aritza Castro on drums, Fabián Acarregui on double bass, who give the appropriate support to make the soloists Carlos Jover on harmonica and Mario Gomez on guitar, dobro and vocals shine at a good level. All the band musicians have stage presence, blues knowledge, good attitude, musical judgement, good taste and they also show an interesting clever technique to approach a repertory specially formed by yesterday, today and forevermore blues standards. The album presents ten well delivered and perfectly developed songs, based in some good clichés, where harmonica and guitar solos combine on a pleasant juicy way, as every band musician gives the best of himself in his performance. All of us know that both guitar and harmonica are important weapons to succeed in blues if they are good and tasteful played, so this time it can be said Carlos and Mario know how to properly and cleverly come out and match their musical speech. VERY GOOD.

Nice As Pie “A Body Of Work”. Doobie Music 2015.
Steve Porter es un batería y compositor que se ganaba la vida como técnico en un estudio de sonido. También tocaba con su banda y, en sus ratos libres, se dedicaba a componer. En el año 2006 Steve decidió que había llegado el momento de que sus canciones vieran la luz. Para ello se rodeó de un puñado de músicos y amigos con los que poder llevar el proyecto a buen puerto. Steve ha sido siempre un hombre nervioso e inquieto que no para de trabajar en todo aquello que le gusta. Hoy día, junto a su banda los Nice As Pie, han conseguido tener su propio estudio de grabación en Copenhagen, así como su propio sello discográfico Indie. Por supuesto, estudio y sello están dirigidos y gestionados por el propio Steve Porter quien encuentra tiempo para escribir, componer, producir, mezclar y masterizar todas las canciones. Porter también dirige un programa radiofónico titulado ‘Steve Porter Show’ en la KCOR de Kansas City, en los Estados Unidos. En este último trabajo los Nice As Pie nos presentan dieciséis canciones donde se combinan estilos diversos como el ‘drivin’ rock’, el blues contemporáneo, alguna balada y música alternativa. Todo ello muestra la experiencia del grupo y su habilidad para poner todos estos géneros al alcance del público, consiguiendo así que canciones de tan diversos estilos, sabores y fragancias, sean todas ellas de buena calidad. MUY BUENO. Steve Porter is a drummer and composer who earned his living as a sound studio technician. He also played with his band and, in his spare time, he wrote songs. In year 2006 Steve decided time had come for his songs to see the light. To do his first recording he surrounded himself by a handful of good musicians and friends who helped him to bring his project come true. Steve has always been a restless active man who never stops to work in all the things he loves. Nowadays he and his band The Nice As Pie, have managed to have his own recording studio in Copenhagen, as well as his own indie record label. Of course the studio and the label are managed and directed by Steve Porter himself who even finds time to write, compose, produce, mix and mastering all songs. Porter also hosts a radio show entitled 'Steve Porter Show' for the KCOR in Kansas City, USA. For this last work, The Nice As Pie have selected sixteen varied songs where they combine different styles like drivin' rock, contemporary blues, some ballads and alternative music, showing their experience and skill to make all these genres available for the audience, also managing to get that all these so varied songs that cover such different styles, flavours and musical colours have all a good quality. VERY GOOD.

Sonny Terry “His Best 21 Songs”. Wolf 2015.
Sonny Terry fue uno de los más grandes e innovadores armonicistas de su época. Junto a su compañero Brownie McGhee formó uno de los dúos de blues más influyentes de la historia del blues. Su melódico estilo Piedmont de la costa este les llevó a conseguir una inmensa popularidad entre los aficionados al género, primero entre la gente de color y más tarde entre los estudiantes, intelectuales y contestatarios de finales de los cincuenta, siendo una de las primeras formaciones en visitar e introducir el blues en Europa. Este disco es una rareza que la compañía austriaca Wolf Records nos presenta. En él se recogen un total de veintiuna canciones grabadas entre 1938 y 1946 en las que Sonny Terry se erige como protagonista absoluto. Aquí vais a encontrar algún que otro tema grabado por Terry en solitario, con solamente su voz y su armónica, pero también le vais a disfrutar junto a Brownie McGhee, Washboard Sam, Blind Boy Fuller y, en varios cortes, acompañado al banjo, violín y guitarra por el ídolo de Bob Dylan, Woody Guthrie. Un álbum histórico allí donde los haya, para recordar y rememorar aquellos músicos de preguerra que forjaron el camino del blues. Todo ello se lo debemos al Sr. Hannes Folterbauer a quien agradecemos la gran labor que lleva haciendo desde hace muchos años a favor de esta música. Esperemos que algún día la European Blues Union o la Blues Foundation se acuerden de premiar su trabajo. BUENISIMO. Sonny Terry was one of the greatest and most innovative harmonica players of his time. Together with Brownie McGhee they formed one of the most influential blues duos of the blues history. Their melodic east coast Piedmont style led them to get a huge popularity among fans, first among black people and afterwards among late fifties students, intellectuals and political activists, which led them to be one of the first bluesmen to visit and introduce blues in Europe. This album is a rarity Austrian label Wolf Records gives us. It includes 21 songs recorded between 1938 and 1946 where Sonny Terry stands as the absolute figure. Here you will find some songs recorded by Terry alone with only his voice and his harmonious, but you will also have the opportunity to enjoy him together with Brownie McGhee, Washboard Sam, Blind Boy Fuller and even backed in some cuts with the banjo, violin and guitar of Bob Dylan’s idol, Woody Guthrie. This is an historical essential album to look back and remember those pre-war musicians who forged the roads of blues. Let me say we owe it to Mr. Hannes Folterbauer, we are really grateful for the great work he has done for many years in favour of real blues. Let’s hope some day the European Blues Union or the Blues Foundation reward his work. GREAT.
 

ENERO 2016 / JANUARY 2016

Blinddog Smokin’ “High Steppin’”. Silver Talon / Blues Boulevard 2015.
En este último álbum los Blinddog Smokin’ nos presentan nueve temas a cual mejor, que son un calidoscopio de estilos tan variados como dispares al tiempo que entroncados todos ellos en la música negra y que van del rock and roll más primitivo al juke joint blues, pasando por el jazz de New Orleans y la soul dance music. Todos estos estilos se mezclan en nuestros oídos de forma sosegada y con una alegría muy vital. La banda se sustenta en dos pilares fundamentales como son su cálido ‘hot and greasy funk’ y, por supuesto, en la forma de cantar y abordar el repertorio de su carismático líder Carl Gustavson. De hecho Carl se define a si mismo como aventurero, viajero, ciudadano del mundo y filósofo que desea plasmar de forma fidedigna en todas y cada una de las canciones sus convicciones, escribiendo además una especie de diario o ideario en el que relata a la manera de los actuales ‘story tellers’, las aventuras y desventuras que acontecen diariamente tanto a él como a su banda y este diario lo titula “Tales Well Told” que posteriormente han dado como resultado la publicación de un libro. Además de su grupo Carl Gustavson cuenta como invitados adicionales a músicos del calibre de Billy Branch o Shane Theriot. Un excelente trabajo, variado, creativo y muy acertado. MUY BUENO. The Blinddog Smokin' have gathered nine real good songs for their last album, which becomes a kaleidoscope of varied and diverse styles, all them deeply rooted in black music, which cover from rock and roll to the most primitive juke joint blues, New Orleans jazz or soul dance music. All these styles come to our ears with a calm joyful and vital air. The band personality is based on two fundamental pillars, a warm hot and greasy funk and, of course, the special singing and the original way to approach the repertoire of his charismatic leader Carl Gustavson. In fact Carl defines himself as an adventurer, world traveller and philosopher who wants to spread his deep convictions in a trustworthy way in every song he plays. Besides, he also runs a kind of diary entitled “Tales Well Told”, where he explains as an actual story teller the band’s adventures and misadventures that daily happen to them, which subsequently has finished on a book. For this album, Carl Gustavson and his band have also counted with excellent guest musicians like Billy Branch or Shane Theriot. In short words, this is an excellent, varied, creative and very successful work. GREAT.

The Betty Fox Band “Slow Burn”. Self Production 2015.
Con un amplio bagaje en el campo del gospel blanco con momentos más brillantes que otros y una enorme pasión por la música soul, la vocalista Betty Fox ha seducido a las más variadas audiencias, todo ello gracias a sus buenas cualidades vocales y también a su presencia escénica. Ahora Betty Fox nos presenta su segundo disco, para el que ha seleccionado cuidadosamente a unos músicos muy capacitados para poder dar forma y plasmar una colección de temas que, por supuesto, Betty ha escogido con cuidado y esmero. Los músicos en cuestión son Kid Royal a la guitarra, Barry Williams al bajo y Sam Farmer a la batería, unos instrumentistas con los que sin duda alguna Betty se siente totalmente a gusto y muy bien respaldada para poder dar lo mejor de si misma y conseguir así crear un clima y una complicidad altamente reconfortante, no solo entre los músicos que la acompañan, sino también para todos aquellos que quieran acercarse a escuchar su música que, en ocasiones se convierte en volcánica, en otras ocasiones amable y en algunos momentos llenas de intimismo y poesía. El disco combina temas originales con diversos covers interpretados a la medida de sus posibilidades que son enormes, variadas y muy singulares. MUY BUENO. With an extensive background in white gospel that include more brilliant moments than others and an enormous and lifelong passion for soul music, singer Betty Fox has seduced the most varied audiences, thanks to her good vocal qualities and stage presence. Now Betty Fox brings us her second album, where she has carefully selected some able musicians to give shape and display a collection of songs Betty has chosen with care and thoroughness. The involved musicians are Kid Royal on guitar, Barry Williams on bass and Sam Farmer on drums, who she feels completely at ease, because they perfectly support Betty to give the best of herself and create a comforting complicity atmosphere, not only among the musicians who back her, but also among those who wish to listen to her music, which sometimes becomes hot and volcanic and sometimes is friendly with beautiful moments of introspection and poetry. The album combines original songs and some covers, performed with all Betty’s potential qualities, which are really huge, varied and unique. VERY GOOD.

John Ginty “No Filter”. American Showplace Music 2015.
El teclista y organista de New Jersey John Ginty nos presenta su segundo trabajo titulado ‘No Filter’, grabado para la compañía American Showplace Music. Ginty acomete con profesionalidad y buenas maneras once temas no exentos de buen groove y excelente sonido. Actualmente John Ginty es uno de los organistas mas solicitados tanto como músico de sesión como también para realizar giras con otros músicos, la mayoría de ellos de mucho prestigio y renombre internacional al tiempo que tan dispares como Citizen Cope, Santana, Dixie Chicks, Bad Religion, Ron Sexsmith, Albert Castiglia o Los Lonely Boys además de ser miembro fundador de Robert Randolph & The Family Band. Como podéis observar su curriculum no puede dejar a nadie indiferente y puedo afirmar que este álbum tampoco lo hará cuando empecéis a degustarlo, ya que es pura dinamita. El disco incluye una serie de canciones oscuras y de gran profundidad estilística, presididas todas ellas por el sonido del Hammond B-3 y en ocasiones también del piano, siempre con el blues de base como transfondo sonoro. También colaboran una serie de prestigiosos instrumentistas como Cris Jacobs, Alexis P Suter, Jimmy Bennett, Cara Kelly y la leyenda del hip-hop Redman. MUY BUENO. New Jersey keyboard and organ player John Ginty, brings us his second work entitled “No Filter”, recorded for American Showplace Music. Ginty approaches with great professionalism and good taste eleven songs full of groove and an excellent sound. Now John Ginty is one of the most requested organ players both as a studio musician or going on tour with other prestigious and internationally renowned totally different musicians like Citizen Cope, Santana, Dixie Chicks, Bad Religion, Ron Sexsmith, Albert Castiglia or Los Lonely Boys, besides being founder member of Robert Randolph & The Family Band. As you can see his curriculum will not leave anyone indifferent and this album will not become an exception when you star to listen to it, because it is pure dynamite. The recording includes a bunch of dark songs of a great stylistic depth, all them headed by the Hammond B-3 sound, as well as some piano drops, always with the blues as the base and the background frame. There are also a number of well known instrumentalists like Cris Jacobs, Alexis P Suter, Jimmy Bennett, Face Kelly and hip-hop legend Redman. GREAT.

Delta Deep “Delta Deep”. Mailboat 2015.
Los Delta Deep son una poderosa y singular banda creada en el año 2012 por el cantante y virtuoso guitarrista Phil Collen. Phil había sido miembro de grupos de rock británico como Def Leppard o Manraze. Curiosamente Collen siempre había sentido una especial atracción por los blues. Y llegó el día en el que Phil decidió por fin liarse la manta a la cabeza y embarcarse en este proyecto, contando para ello con Robert DeLeo al bajo, Forrest Robinson a la batería y la señorita Debbi Blackwell-Cook como maravillosa vocalista, compartiendo el liderazgo vocal junto al propio Phil Collen. Y es que Debbi ha sido definida por la crítica especializada como una mezcla explosiva de Aretha Franklin, Chaka Khan y hasta incluso Robert Plant, ahí es nada. El disco combina con gusto e inteligencia el oscuro blues sucio y desgarrado de los pantanos más profundos de la Louisiana, con incendiarios solos de guitarra de alto voltaje pirotécnico, todo ello bien fusionado con el más agresivo y visceral rock and roll del siglo XXI. Entre todo este entramado tampoco falta algún que otro sugestivo blues lento como el terrorífico “Burnt Sally”, un pedazo de lento que echa fuego tanto por la garganta de Debbi, como por las embestidas de guitarra de Phil Collen que dejarán al oyente abrumado y traspuesto. Un disco tan explosivo que es pura dinamita para los sentidos. MUY BUENO. The Delta Deep are a powerful and singular band formed in 2012 by singer and virtuoso guitar player Phil Collen. Phil had been member of some British rock groups as Def Leppard or Manraze. Collen had always felt a special attraction for the blues. And finally the day came where Phil decided to take the plunge and engage himself on this project, with Robert DeLeo on bass, Forrest Robinson on drums and Miss Debbi Blackwell-Cook as a wonderful singer, who shares the vocal leadership with Phil Collen. Debbie has been defined as an explosive mixture of Aretha Franklin, Chaka Khan and even Robert Plant, can you imagine? The recording cleverly combines with an amazing taste dark and dirty Louisiana swamp blues with high voltage incendiary and fireworks guitar solos, which perfectly match with the most aggressive passionate twenty-first century rock and roll. Among this framework you will also find some suggestive slow blues, like the terrifying "Burned Sally", a great song that throws fire out both by Debbi’s throat and the attack Phil Collen’s gives to his guitar, which will leave listeners totally exhausted and stunned. This is an explosive album that becomes pure dynamite for your senses. GREAT.

Canned Heat “Songs From The Road”. Ruf 2015 (CD+DVD).
El mundo se mueve, las modas cambian, los grupos de música se crean y se disuelven….. pero el hipnótico boogie no se puede parar tan fácilmente. Cincuenta años después que Bob ‘The Bear’ Hite y Alan ‘Blind Owl’ Wilson formaran los legendarios Canned Heat en Topanga Canyon, California, el espíritu de la banda todavía permanece vivo gracias al esfuerzo continuado de su batería Adolfo ‘Fito’ De La Parra, quien ha incorporado a grandes músicos como Larry ‘The Mole’ Taylor al bajo, Dale Spalding a la voz y armónica y John ‘JP’ Paulus a la guitarra en sustitución de Harvey ‘The Snake’ Mandel, quien precisamente se está recuperando de algunos problemas de salud. La aportación de los Canned Heat al mundo del blues no tiene parangón por su inestimable e innegable e histórica valía, desde que Hite y Wilson fundaron el grupo en 1965, ya que además de grandes músicos todos sus integrantes eran unos enormes aficionados y ávidos coleccionistas de discos de blues. Ahora Ruf Records ha recogido en un cd y un dvd la actuación que ofrecieron en el club Bonn’s Harmonie de Alemania, enmarcado dentro de su gira europea ’50 Years Anniversary Tour’. Son un total de catorce canciones las que componen el cd y dieciséis las que pueden visionarse en el dvd. Tanto si sois fans de los Canned Heat como si los acabáis de conocer, sus boogies y blues os atraparán completamente, por lo que éste es uno de esos álbumes deben tener un lugar en vuestra colección de discos. MUY BUENO. The world moves on, fashions change, bands rise and fall… but the most hypnotic boogie cannot be easily stopped. Fifty years after Bob "The Bear" Hite and Alan "Blind Owl" Wilson formed the legendary band named Canned Heat in Topanga Canyon, California, the spirit of the group still remains alive thanks to the endless effort of the band drummer Adolfo 'Fito' De La Parra, who keeps the band alive and has recruited so great musicians like Larry 'The Mole' Taylor on bass, Dale Spalding on vocals and harmonica and John 'JP' Paulus on guitar replacing Harvey 'The Snake' Mandel, who is now recovering from some health problems. Canned Heat contribution to blues world is unique for his invaluable and undeniable historical value since the day Hite and Wilson founded the group in 1965, as not only were all them great musicians but also mad blues fans and avid blues record collectors. Now Ruf Records has gathered in a cd and a dvd the live show they performed at Bonn’s Harmonie club in Germany during their European tour entitled '50 Years Anniversary Tour'. Fourteen songs can be found in the cd while the dvd includes sixteen cuts. If you are Canned Heat deep fans or if you have just known them, his boogies and blues will totally catch you, so this is one of these albums that deserves a place in your record collection. GREAT.

Albert Cummings “Someone Like You”. Blind Pig 2015.
La electrizante guitarra de Albert Cummings vuelve una vez más a cautivarnos en este “Someone Like You” grabado para el sello Blind Pig. Curiosamente Albert descubrió la música de la mano de su padre quien le enseño las primeras notas a la guitarra, empezando a tocar el banjo a los doce años y convirtiéndose en un fanático del bluegrass. Algo más tarde descubrió casualmente unos discos de Stevie Ray Vaughan y rápidamente quedó impresionado por la forma de tocar del maestro. Después de verlo en actuar en directo, Albert decidió que su camino era la guitarra y los blues así que, a partir de aquel momento, le acompañarían en su vida diaria. Formó su propia banda y en 1999 participó en el International Blues Challenge, lo que le llevó a grabar su primer disco que, a su vez, le abrió las puertas para formar parte de los legendarios Double Trouble, el que fuera grupo de acompañamiento de Stevie Ray Vaughan. Desde entonces su carrera ha sido siempre ascendente y muy fructífera. Con este último trabajo Cummings se muestra como lo que es, un artista que ha llegado ya a su madurez como músico y muy probablemente está ya en el zénit de su carrera, contando además para este último disco con un plantel de grandes músicos de la zona de Los Angeles que, con su intervención, ayudan a realzar todo el potencial de este excelente músico. MUY BUENO. Albert Cummings’ electrifying guitar comes back again to captivate us in this last album entitled "Someone Like You" recorded for Blind Pig. Albert discovered music thanks to his father who taught him the first guitar notes. He began to play banjo when he was twelve years old and he immediately became a fan of bluegrass music. When he was a teenager he discovered by chance some Stevie Ray Vaughan early recordings and he was impressed by his virtuoso guitar technique. One day he saw him playing live and he decided he had to devote himself to the guitar and the blues so, since then on, they have been always present in his daily life. He formed his own band and, in 1999, he competed at the International Blues Challenge, which led him to record his first album which, in turn, opened him the doors to become member of the legendary Double Trouble band, which were Stevie Ray Vaughan’s backing band. Since then on his career has been rising up with very good results. In this last work Cummings shows himself as an amazing musician who has already reached his maturity as a musician who is probably at the peak of his career. He has also counted with a bunch of some of the best musicians of Los Angeles area who contribute to enhance the full potential of this excellent musician. GREAT.

Franc Robert & The Boxcar Tourist “Goin Down To Florida”. Blue Chihuahua 2015.
Después de una larga temporada, el cantante y guitarrista Franc Robert ha vuelto a reunir a su grupo The Boxcar Tourist, formado por Joe Sadovski a la armónica, Sam Mudd al bajo y Dave Simmonds a la batería, para grabar este cd que ahora tenemos la oportunidad de disfrutar. En él se incluyen una buena y extensa variedad de formas y estilos musicales pero siempre dentro de los cánones más estrictos del blues, todo ello enmarcado en catorce canciones originales. El disco se abre con “Goin’ Down To Florida” un alegre shuffle lleno de encanto y de swing, pero el álbum recoge también otros ritmos como las pantanosas canciones “A Night With The Blues” y “Devil’s At The Crossroads”, el bluesy reggae de “A Fool For Trying”, la profunda, oscura y vistosa cadencia de “Voodoo Stomp”, el ritmo sincopado del Delta de la canción “Poor Me Blues”, el funky rockin’ blues de “The Worst We’d Ever Seen” o incluso de “Watch You Walk Away” o el delicioso swing de “Cheap Cadillac”. Todos estos ritmos y estilos son interpretados desde la personal visión, conocimiento y concepción que Franc y su banda tienen del blues. A pesar de no ser un grupo de grandes virtuosos, todos ellos se vuelcan con ganas y mucha pasión en su trabajo, algo que siempre es de agradecer. MUY BUENO. After quite a long time, singer and guitarist Franc Robert has brought his band The Boxcar Tourist together again, with Joe Sadovski on harmonica, Sam Mudd on bass and Dave Simmonds on drums, to record the album we have now the opportunity to enjoy with. The cd includes a good and wide variety of different musical shapes and styles, but always framed into the rules of the blues, which is developed in fourteen original songs. The album opens with "Goin' Down To Florida" a joyful charming and swingin’ shuffle, but this recording also includes other rhythms like the swampy songs "A Night With The Blues" and "Devil's At The Crossroads", the bluesy reggae of "A Fool For Trying", the deep, dark and colourful cadence of "Voodoo Stomp", the syncopated Delta rhythm of the song "Poor Me Blues", the funky rockin' blues of songs like "The Worst We'd Ever Seen" or "Watch You Walk Away" or even the delicious swing of "Cheap Cadillac". All these various rhythms and styles come from the personal vision, the knowledge and the interesting conception Franc and his band give to the blues. Despite they are not really virtuoso musicians, all them put a lot of enthusiasm and passion in their work, something that always is really welcomed. VERY GOOD.

Laura Tate “I Must Be Dreaming”. Self Production / Frank Roszak 2015.
Laura Tate pone siempre su corazón y su alma en todo lo que hace. Esta versátil actriz y elegante vocalista nos presenta su nuevo disco con el que se siente totalmente identificada, interpretando con buen gusto y buena disposición una estupenda colección de canciones que abarcan estilos diferentes que van desde el jazz y el blues, hasta el country, la balada y el rock and roll más sexy y sobresaliente. En sus actuaciones en directo Laura consigue enamorar fácilmente al respetable, gracias a sus seductores dotes vocales siempre gratificantes y llenos de sensualidad puestos al servicio del oyente. La enorme presencia escénica que Laura tiene en directo queda grabada en la retina del espectador como si de un impactante y deslumbrante destello se tratara. Laura Tate es simplemente irresistible, genuina, bella… sus ojos azules y su cautivadora sonrisa comunican su verdadera actitud ante la vida, que no es otra que vivir tal como a ella le apetece, es decir con amor, pasión, ilusión y mucha, mucha alegría. Este disco es una invitación a compartir con ella esa forma de ver y vivir la vida tan particular que tiene ¿Os atrevéis a hacer un viaje en su compañía? MUY BUENO. Laura Tate always puts her heart and soul in everything she does. This versatile actress and elegant singer brings us her new album she feels completely identified with, where she performs with great taste and good disposition an excellent collection of songs that cover different styles from jazz and blues to country, ballads and the most sexy and outstanding rock and roll. In her live performances Laura easily makes the audience to fall in love with her, thanks to her charming, rewarding and full of sensuality vocal abilities she displays to convince every listener. Laura’s amazing stage presence of her live shows remains in the audience retinas like a dazzling stunning light flash. Laura Tate is simply irresistible, genuine, beautiful… her blue eyes and her captivating smile communicate the real attitude she faces life, which is nothing than to live on her own terms with love, laughter, passion and lots of joy. This album is an invitation to share with her the particular conception she has of life. Will you dare to go with her in this exciting journey? GREAT

Victor Wainwright & The Wildroots “Boom Town”. Blind Pig 2015.
El incisivo y martilleante piano y la ponderosa voz de Victor Wainwright se unen a una de las bandas más energéticas del panorama del blues actual como son The Wildroots, para grabar este álbum titulado “Boom Town” con el que sorprenderán a todos aquellos que quieran darles la oportunidad de ser escuchados. La banda y su líder dan una estupenda lección musical que no podréis olvidar en mucho tiempo. Su sonido y su admirable ritmo nos transportan a un fabuloso mundo de color, música, luminosidad, ritmo, alegría y buen rollo. El disco refleja fielmente la misma pasión que ellos transmiten cuando se suben a un escenario y lo hacen en todas y cada una de las trece canciones que se incluyen en el álbum, donde se combinan con acierto toda una gama de sensaciones que se quedarán en vuestra memoria, con estilos clásicos que van desde la roots blues, pasando por el rockin’ blues pegajoso y visceral, el boogie woogie o el swing, desembocando finalmente en el soul mas fervoroso y ameno. Victor es un gran pianista, efectivo y efectista, capaz de poner en pie él sólo a toda una audiencia, después de únicamente cinco minutos de su improvisado y excelente quehacer a las teclas y la voz. BUENISIMO. The incisive hammering piano playing and the voice of Victor Wainwright join one of the most energetic actual blues bands like The Wildroots to record this album entitled "Boom Town" that will surprise those people who want to give them the opportunity to be heard. The band and his leader give a big master class you will not forget for a long time. The sound and their astonishing rhythm drive us to a wonderful colourful music world, full of light, rhythm, joy and good atmosphere. The album perfectly reflects the same passion they communicate when they are on stage, which will be immediately discovered in each and every one of the thirteen songs included on it, as they cleverly combine a wide range of feelings that will remain in your mind for a long time with the most classic music styles, from roots blues, to sticky passionate rockin' blues, boogie woogie and swing, to end with the most ardent and joyful soul music. Victor is an effective and great pianist, able to bring the audience to their feet in only five minutes playing thanks to his improvised and excellent work on keys and voice. GREAT.

Lazer Lloyd “Lazer Lloyd”. Lots Of Love / Mark Pucci 2015.
El cantante, compositor y guitarrista israelí Lazer Lloyd viene para presentarnos su primer disco grabado en estudio, en el que se incluye tanto material eléctrico como acústico, todo ello en una serie de composiciones propias, doce para ser exactos, que capturan con fidelidad, el espíritu de un profundo y a la vez sencillo trovador que con sus letras y su trabajo a la guitarra conduce, tanto al espectador como al oyente, a las profundidades de sus sentimientos más dolorosos y angustiosos, así como también a los más elevados placeres del amor, la vida, la esperanza y las ilusiones propias de todo aquel que todavía cree en los buenos sentimientos de los demás. Su música es sencilla y está influida por el blues, el gospel, el folk, el southern rock y toda la estela que nos dejaron guitarristas de la talla de Jimi Hendrix o Wes Montgomery, aunque la técnica de Lacer dista bastante de estar a la altura de estos dos guitarristas de leyenda. Lloyd es también un prolífico compositor enamorado de su trabajo con una gran ilusión y esperanza en su propio futuro. Por nosotros que no quede. BUENO. Singer, songwriter and guitarist Lazer Lloyd comes from Israel to present his first studio album, which includes both electrical and acoustic material, in a series of own compositions, twelve to be precise, which faithfully capture the spirit of a deep and, at the same time, unaffected troubadour who, thanks to his lyrics and guitar work, drives different audiences and listeners to the depths of his more painful feelings, as well as to the big pleasures of love, life, hope and dreams of someone who still believes in other people good behaviour. His music is natural with deep influences of blues, gospel, folk, southern rock and the trail that left us guitarists like Jimi Hendrix or Wes Montgomery, although Lacer’s technique is not at the same level of those two legendary guitar players. Undoubtedly Lloyd is a prolific composer who loves his work and does it with great enthusiasm and confidence in his own future.
Don't let me be the one to cut his expectations. GOOD.

Brad Wilson “Blues Thunder”. Call Be Music 2015.
Además de un buen cantante, compositor, guitarrista, arreglista y líder de su propia banda, Brad Wilson es también un excelente entertainer que consigue con facilidad que el público siempre espere con anhelo sus conciertos en directo. Ahora Brad nos sorprende con su último disco “Blues Thunder”, una verdadera fiesta no solamente para los oídos, sino también para todos los sentidos. Considerado un más que estupendo guitarrista, éste cd que aquí comentamos es una buena muestra de ello y un fiel reflejo de su garantía como músico. Oriundo de California, Brad Wilson realiza más de cien conciertos al año, lo que ya dice mucho a su favor. Actualmente se ha ganado la calificación de ser uno de los más sobresalientes en lo que a la música roots y ‘americana’, se refiere y todo ello sin dejar de lado ni apartarse de su constante búsqueda y experimentación con el blues contemporáneo que tanto agrada a las nuevas generaciones de aficionados al blues. No cabe la menor duda que éste disco ha ayudado si cabe todavía más a encumbrar a un músico que ya estaba muy bien considerado. Sus intensos riffs y solos de guitarra, su bien timbrada voz y su innegable presencia escénica, le han convertido en uno de los músicos más solicitados en los circuitos de festivales de los cinco continentes. MUY BUENO. Besides a good singer, songwriter, guitarist, arranger and leader of his own band, Brad Wilson is also an excellent entertainer who easily manages people anxiously waits for his live shows. Now Brad surprises us with his latest album "Blues Thunder", a true party, not only for the ears but also for all senses. Considered a more than a great guitarist, this recording is a good example and truly reflects his quality as a musician. Born in California, Brad Wilson performs more than one hundred concerts per year, which says much in his favour. He is now one of the most outstanding roots music and Americana players, but he also does not leave aside his continuous research and experimentation with contemporary blues that the new generations of blues fans so deeply love. Undoubtedly this album has helped to praise a musician who already was very highly regarded. His intense riffs and guitar solos, his well pitched voice and his undeniable stage presence have made him become one of the most requested musicians in the festivals circuit all over the world. GREAT.

Blues Element “Halfway Home”. Self Production 2015.
Los Blues Element son una banda canadiense afincada en Toronto extremadamente ecléctica, ya que si se lo proponen pueden tocar de todo, es decir pueden interpretan tanto funky como rock alternativo, Indie, punk, country o ritmos caribeños, todos ello construido y vestido con el blues como referencia y con el que articulan todo su discurso musical, un discurso por otra parte que ellos estructuran con propiedad y firmeza. El disco recoge once canciones compuestas en su totalidad por la vocalista Jamie Lynn Browning y el batería Iain Morton Green, canciones todas ellas con las que se sienten bien integrados y muy a gusto, disfrutándolas en su totalidad mientras las interpretan. El resto de los músicos que participan en el proyecto ponen lo mejor de si mismos, aportando frescura y cohesión a una obra bastante compleja, al tiempo que fácilmente asimilable para el oyente. Como ya hemos dicho anteriormente la banda toma el blues como punto de referencia y partida, para adentrarse por otros caminos, explorando con atrevimiento y sin complejos nuevos elementos musicales a veces de difícil definición, pero siempre repletos de buen gusto, con agradables armonías, que contribuyen a crear una atmósfera relajada, mostrando además un dominio muy seguro del terreno que pisan. MUY BUENO. The Blues Element is an extremely eclectic band based in Toronto Canada. If they wish they can play any kind of music, in other words, they can perform funky, alternative rock, Indie, punk, country or Caribbean rhythms, all based and built on with the blues as their main reference, which enables them to create a complete and personal musical speech that is properly structured and firmly displayed. The album includes eleven own tunes, all them composed by singer Jamie Lynn Browning and drummer Iain Morton Green, where they feel completely at easy and integrated with the music they happily play. The rest of the musicians involved in the project give the best of themselves, bringing a breath of fresh air and coherence to a fairly complex work that makes it quite understandable for every listener. As I have just mentioned, the band takes the blues as a reference and starting point, to go further up to other roads and explore with a daring self assurance new musical elements that sometimes become difficult to define, but that are always played with an extremely good taste and very nice harmonies, that contribute to create a relaxed atmosphere that makes evident they really know what they are doing. VERY GOOD.

Angue Jazz “How ‘Bout That”. Self Production 2015.
Angue Jazz nos presenta su última entrega, en la que se ha añadido también un nuevo componente, pasando a ser en la actualidad cuatro miembros. Al trío formado por Rocio-Angue Eson como aguerrida y notable vocalista, Ignasi Morral al saxo alto y Ernesto Olvera al piano, se les une el maestro cubano Humberto Carrero a las congas, quien tiene ya más de cincuenta y cinco años de carrera musical a sus espaldas, lo que es toda una garantía para el resto de la formación, ya que aporta un ritmo contenido y el vistoso colorido que los músicos caribeños imprimen a su música. Este es el segundo álbum de esta joven formación barcelonesa que, con sólo un par de años de trayectoria, ha realizado más de ochenta conciertos. Este disco incluye seis temas de jazz tradicional con composiciones de Jelly Roll Morton, Louis Jordan, Fats Waller o los Mill Brothers, mas un tema propio titulado “Sunset In The Tropic”, que sigue la misma estela y patrón del resto de canciones y cuya letra pertenece al poeta norteamericano James W. Johnson. Si queréis conocer con más detalle toda la información sobre el grupo, el disco y sus proyectos, no dudéis en visitar su página, allí encontrarás todo cuanto queráis saber sobre Angue Jazz. BUENO. Angue Jazz brings us their last work, where a new member has been added to complete a four members group. The trio formed by Rocio-Angue Eson as a fierce and remarkable singer, Ignasi Morral on alto sax and Ernesto Olvera on piano, is now completed by Cuban master Humberto Carrero on congas, a musician with more than fifty-five years of musical career behind him, which becomes a guarantee for the rest of musicians, as he provides a restrained rhythm and the lively colours Caribbean musicians always give to the music. This is the second album of this young Barcelona group which, with only a couple of years of existence have already done more than eighty shows. The recording includes six traditional jazz songs with compositions that come from Jelly Roll Morton, Louis Jordan, Fats Waller or the Mill Brothers, plus one own composition entitled "Sunset In The Tropic", with beautiful lyrics by American poet James W. Johnson, that follows the same pattern of the other songs. If you want to know some more detailed information about the band, the album and their projects, do not hesitate and visit their page, where you will find everything about Angue Jazz you should know. GOOD.

Joel Zoos “Florida Blues”. Bluzpick 2015.
Joel Zoos era un músico bastante desconocido hasta que Bonnie Raitt grabó dos canciones escritas por él, “Too Long At The Fair” y “I Gave My Love A Candle”. A partir de aquel momento Joel empezó a ser solicitado cada vez con mas frecuencia en clubs, salas de conciertos y festivales de cierto renombre como el Festival de Blues de Philadelphia, además de actuar también como telonero de B.B. King o Etta James. Joel ha colaborado como músico de sesión con artistas como David Bromberg, Taj Mahal, James Taylor, Paul Butterfield, e incluso hace ya muchos años, lo hizo con el legendario Howlin’ Wolf. Su facilidad para tocar en el estilo fingerpicking y sus siempre emotivas letras le permiten incluir en su repertorio tanto temas propios, como folk y blues tradicional en la línea de Elizabeth Cotten, Leadbelly o Big Bill Broonzy y es precisamente esto lo que hace en este disco. Canciones con una sensibilidad y una fragancia intimista que cautivan rápidamente al oyente. Además de Joel Zoos cantando y tocando guitarra acústica, se encuentran a su lado Jeff Adkins al bajo y contrabajo y Matt Calderin a la batería y percusión. MUY BUENO. Joel Zoos was a quite unknown musician until Bonnie Raitt recorded two of his songs "Too Long At The Fair" and "I Gave My Love A Candle". Since that moment Joel started to be largely requested in clubs, concert halls or quite reputed festivals like Philadelphia Blues Festival, as well as opening for B.B. King or Etta James. Joel has also worked as a studio musician with artists like David Bromberg, Taj Mahal, James Taylor, Paul Butterfield, and even many years ago, he recorded with legendary Howlin' Wolf. His gift and good taste to play fingerpicking style and his always emotional lyrics allow him to include both his own songs as well as traditional folk and traditional blues in the path of Elizabeth Cotten, Leadbelly or Big Bill Broonzy in his repertoire. This is what he has done in this album, where you will find a bunch of songs with a special sensitivity and an intimate fragrance that will immediately captivate every listener. Besides Joel Zoos on vocals and acoustic guitar, he is backed by Jeff Adkins on bass and double bass and Matt Drum on drums and percussion. VERY GOOD.

Julio Lobos “Handmade Covers” Self Production 2015  ///  Julio Lobos “Blues Al M.E.A.M” MEAM Blues Music 2015.
El incombustible y multinstrumentista Julio Lobos vuelve de nuevo a lo más alto del podio para presentar sus dos últimos trabajos grabados prácticamente en solitario y que constituyen un par de proyectos bien diferenciados entre si. El primero de ellos y como su titulo indica, recoge catorce versiones ‘hechas a mano’ de temas de todos los estilos y colores por los que Julio siente una especial admiración y atracción. Julio Lobos pone la voz, hace coros, toca los teclados, la armónica, la guitarra slide, el acordeón, la melódica, la percusión, el kazoo y realiza todo el trabajo de laboratorio, es decir, los loops y los samplers, contando con la colaboración de Josep ‘Pasto’ Marti al bajo, su bajista de confianza durante los últimos años, Miguel González, Ramón Santiveri y Robert Gómez a las guitarras en algunos temas y Tahiel García Morero quien crea un ambiente muy especial en la canción “Bad Card”. ¿Qué no sabes quien es Tahiel?, Bueno no voy a desvelar el secreto, procurad descubrirlo vosotros mismos o preguntádselo al propio Lobos cuando le veáis en alguno de sus conciertos. Variopintos ‘covers’ de Stevie Wonder, Bob Marley, Lennon-McCartney, Jr. Walker, Ron Wood, Jagger-Richards o Sting van desfilando a lo largo de este personal e inconfundible álbum que Mr. Lobos recrea con rigurosa calidad, una calidad de la que pocos artistas pueden presumir en nuestro país. Su entrega, su tesón, su energía, su especial manera de arreglar los temas y su buen hacer interpretativo se hacen patentes, tanto en este “Handmade Covers” como en el siguiente álbum, grabado en directo desde la sala noble del Palau Gomis, actualmente conocido como MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) de Barcelona que se estrena con este álbum como un nuevo sello discográfico. En este segundo disco Julio interpreta dieciocho blues con el simple acompañamiento de un piano de cola acústico y su siempre magnífica y rota voz que hace tambalear los cimientos del museo desde los primeros compases del “Little Red Rooster” de Howlin’ Wolf, tema con el que se abre el disco hasta “I Got A Woman” de Ray Charles, pasando por canciones como “Mama Don’t” de Washboard Sam, “Minnie The Moocher” de Cab Calloway o “Woke Up This Morning” de B.B. King entre otras. Dos discos capitales, definitivos en la discografía de Lobos que os pondrán los pelos de punta, cada uno con su estilo propio, pero ambos complementarios entre si, puesto que la música negra es el nexo y el germen de unión entre ellos. Canciones en inglés y en castellano se suceden en los dos discos, fluyendo con toda la pasión y la entrega absoluta de la que siempre hace gala el Sr. Julio Lobos. MUY BUENOS. Tireless singer and instrumentalist, Julio Lobos comes back to the first place of the podium to present his last two albums he has practically recorded alone in two different projects. As the album title suggests, the first one presents a collection of fourteen ’hand made' covers of different styles and colours Julio deeply admires and feels a special attraction to. Lobos puts the voice, makes the backing vocals, plays keyboards, harmonica, slide guitar, accordion, melodica, percussion or kazoo, besides doing all loops and samplers, only backed in some cuts by his right hand bass player Josep “Pasto” Martí or Miguel Gonzalez, Ramon Santiveri and Robert Gomez on guitars and Tabiel García Moreno who creates a very special atmosphere in the song "Bad Card".  Do you know who Tabiel is? I will not reveal the secret, so you better try to discover it by yourselves or ask Julio Lobos when you see him playing a live show. Covers coming from Stevie Wonder, Bob Marley, Lennon-Mc Cartney, Jr. Walker, Ron Wood, Jagger-Richards or Sting come along this personal distinctive album where Mr. Lobos performs with an undeniable quality that very few artists can show all over our country. His dedication, commitment and energy, together with the special way of doing songs arrangements and his performing abilities become evident, both in this "Handmade Covers" as in the second album, recorded live at the noble fine hall of Palau Gomis, that hosts the MEAM (European Museum of Modern Art) in Barcelona that, with this album, starts a new recording label. In this second album Julio plays eighteen blues only with his acoustic grand piano and his always magnificent broken voice which make the Museum foundations shake since the first notes of the opening song "Little Red Rooster" by Howlin' Wolf, to "I Got A Woman" by Ray Charles, "Mama Don't" by Washboard Sam, "Minnie The Moocher" by Cab Calloway or "Woke Up This Morning" by B.B. King among others. Two great albums, which become definitive in Lobos’ discography, I am sure will deeply impress you. Although each album has its own style, both are complementary, as black music is the nexus and connection between them. Lyrics in English and Spanish alternate in both cds, coming and flowing with the terrific passion and the absolute commitment Mr Lobos puts in everything he does.. VERY GOOD.

Andrew-A Group “Hot Roads”. Self Production 2015.
Andrew-A empieza a estudiar guitarra a los quince años de edad con un interés inicial por el jazz que le lleva a acudir a un sinfín de seminarios especializados en enseñar dicho estilo. Graba su primer disco en el año 2002 afincándose en Irlanda y empezando allí una imparable carrera musical. Desde entonces no ha parado en involucrarse en mil y un proyectos diferentes y diversos, entre los que sobresalen sus trabajos con The Mary Stokes Band, Brian Downey, Thin Lizzy y otras historias. Ahora nos presenta su nuevo disco bajo su propio nombre en el que incluye diez temas instrumentales (no hay que olvidar que Andrew no es vocalista) de estilos y géneros diversos y eclécticos bastante alejados del blues pero no por ello menos interesantes en los que Andrew-A brilla a gran altura debido a una depurada técnica y el buen respaldo de músicos como Santiago Arteaga al bajo, Giuliano Gius Cobelli a la batería y Mireia Tejero, que incluye el saxo en un tema. Andrew-A started to study guitar when he was fifteen years old, with an initial interest by jazz that took him to attend many specialized seminars that taught and covered that style. He recorded his first album in 2002 and afterwards he settled in Ireland where he started a fruitful and endless musical career. Since then on he has been involved in hundreds of different and various projects, like his noticeable work with Mary Stokes Band, Brian Downey, Thin Lizzy and many other projects. Now he comes with his new album recorded under his own name, where he has included ten instrumentals (let's not forget Andrew in not a singer) of various an eclectic styles and genres, far away of the blues but not less interesting. Andrew-A shines at a very high level thanks to his excellent fine guitar technique and the good support of musicians like Santiago Arteaga on bass, Giuliano Gius Cobelli on drums and Mireia Tejero, who includes the sax in one song.

Red Family Band “Beyond The Crossroads”. Self Production 2015///  Red Family Band “Coffee & Valves” Self Production (EP) 2015.
Red Family es un grupo liderado por Alberto Tresguerres quien, además de  tocar todas las guitarras, también se ocupa de la producción y la composición, de talla muy notable que realiza con un bello sentido del lirismo y de las armonías. Además de lo expuesto anteriormente Alberto está considerado como un todo terreno en lo que al negocio de la música se refiere, ya que toca todos los estilos que uno pueda imaginar, desde funk, pasando por el pop, el rock, el jazz, el blues, el soul y cualquier otro tipo de música que se le ponga a tiro. Alberto Tresguerres es un músico dotado y perfeccionista como pocos, un guitarrista que se ha formado tanto en nuestro país, como en el extranjero y un músico que además de participativo hasta la médula, se involucra siempre y hasta el fondo en todas y cada una de las aventuras en las que se embarca. Otra de sus grandes virtudes es su ojo clínico para hacerse acompañar por músicos de gran talla y de un alto nivel musical. Los resultados hablan por si mismos, solamente tenéis que comprar el disco para disfrutarlo una y otra vez sin que nunca llegue nunca a aburrir. En este “Beyond The Crossroads” Tresguerres está respaldado por Carlos “General” Soria al bajo, contrabajo y voces, Hans C. Rivero batería, percusión y voces y el estupendo vocalista Sergio Jo. El álbum se grabó en los estudios Red Family de Madrid y fue masterizado en Nashville en 2014. Un disco mucho más que interesante por diversos aspectos al igual que el EP titulado “Coffee & Valves”. MUY BUENO. Red Family is a group led by Alberto Tresguerres who, besides playing all guitars, also deals with the production and the very remarkable composition, he performs with a beautiful lyricism and delicious harmonies. Alberto is also a jack of all trades, especially in the music business, since he can play all the styles one can imagine, from funk to pop, rock, jazz, blues, soul and any other kind of music that faces him. Alberto Tresguerres is a gifted musician and a really perfectionist as few other artists can be, a guitarist who has grown up both in our country and abroad and a kind of person who totally delivers to his music who totally involves himself in each and every one of the musical projects he starts. Another of his great virtues is his vision to surround himself by great musicians with a high quality level. The result becomes evident, you only have to buy the album and enjoy it again and again without getting bored. In "Beyond The Crossroads", Tresguerres is backed by Carlos "General" Soria on bass, double bass and vocals, Hans C. Rivero drums, percussion and vocals and great singer Sergio Jo. The album was recorded at Network Family studios in Madrid and mastered in Nashville last year 2014. This is a more than am interesting album in various aspects as well as the EP entitled “Coffee & Valves”. GREAT.

Bob Malone “Mojo Deluxe”. Delta Moon 2015.
Bob Malone ha cimentado su carrera tanto como artista en solitario, así como teclista la banda de John Fogerty. Bajo estas dos facetas ha recorrido el mundo en infinidad de giras y actuaciones. Ahora nos presenta su nuevo trabajo titulado “Mojo Deluxe” en el que incluye excelentes temas originales junto a un par de covers, “Hard Times” de Ray Charles y “She Moves Me” de Muddy Waters. Con esta su última entrega realizada en estudio, Bob demuestra que ha alcanzado su plena madurez como músico y compositor que sabe interpretar con solvencia, pasión y entrega tanto los ‘dirty blues’ como el rock and roll de corte clásico, las baladas con influencias gospel, el piano bar de New Orleans, además de pasearse también con dinamismo y precisión por el ‘swamp pop’. Para ello se ha rodeado de un puñado de extraordinarios músicos capaces de dar lo mejor de si mismos en estas doce soberbias canciones como son Stan Behrens (War) a la armónica, Tim Lefebvre (Tedeschi-Trucks Band) bajo, los baterías Mike Baird (Bob Dylan, Joe Cooker) y Kenny Aronoff (John Fogerty), Bob DeMarco como guitarrista, y productor y, por supuesto, el protagonista principal de esta historia que es Bob Malone a la voz, piano acústico, Hammond B-3, órgano y Wurtlitzer. Algunos músicos más colaboran en este ambicioso proyecto que podemos catalogar como muy brillante. MUY BUENO. Bob Malone has built his career both as a solo artist and as keyboardist on John Fogerty’s band. With these two facets, he has travelled all over the world in countless tours and venues. Now he brings us his new work "Mojo Deluxe" where he has included excellent original songs and a couple of covers, Ray Charles’ "Hard Times" and Muddy Waters’ "She Moves Me". With this last studio recording, Bob shows he has reached his full maturity as a musician and composer who knows how to perform with reliability, passion and commitment raw and dirty blues, classic rock and roll, ballads with gospel influences or New Orleans piano rhythms, as well as the most precise and dynamic swamp pop. To do so he has surrounded himself by a handful of excellent very able musicians who give the best of themselves along these twelve superb songs, like Stan Behrens (War) on harmonica, Tim Lefebvre (Tedeschi-Trucks Band) on bass, drummers Mike Baird (Bob Dylan, Joe Cooker) and Kenny Aronoff (John Fogerty), Bob DeMarco as guitarist and producer and, of course, the main role of this story is for Bob Malone on vocals, grand piano, Hammond B-3 organ and Wurtlitzer. Some other musicians have also been involved in this ambitious project that can be defined as a really bright one. GREAT.

Jay Gordon And Blues Venom “Woodchoppers Ball” Shuttle Music / Frank Roszak 2015.
La poderosa, rota y ardiente voz Jay Gordon, junto a la brutal sonoridad de su guitarra, sin duda deslumbrará y atrapará a todos los aficionados al blues y al ‘hard rock blues’ que escuchen su último trabajo. No en vano Jay ha taloneado a artistas de la talla de Johnny Winter o Albert Collins, además de haber trabajado junto a Phillip Walker. Las doce canciones que se incluyen en este “Woodchoppers Ball” son buena muestra de cómo Jay Gordon aborda su poderoso material sonoro capaz de hacer enloquecer al más calmado y tranquilo de los mortales. Jay Gordon está a la guitarra eléctrica, el dobro y la slide, además de cantar en prácticamente todos los temas. Le acompañan en su nueva andadura, Sharon Butcher al bajo y voces, Rich Wenzel al Hammond B-3 y piano, Rich Gordon Lambert y Ric Daly a la batería y finalmente Mario Ramírez (hermano menor de Richie Valens) a la armónica en un tema. No es necesario ser un motero o tener una Harley Davidson para poder degustar y disfrutar de toda la caña y el desenfreno que tanto Jay Gordon como su banda The Blues Venom nos ofrecen en este explosivo disco que es pura dinamita para los sentidos. MUY BUENO. The powerful, broken burning voice of Jay Gordon, together with his thrilling guitar sound, will undoubtedly dazzle and catch all blues and hard rock blues fans who listen to his latest work. Not in vain Jay has opened for artists like Johnny Winter or Albert Collins and his work with Phillip Walker. The twelve songs included in this "Woodchoppers Ball" are good example of the way Jay Gordon deals with his powerful material, that can drive mad the most calm and peaceful audiences. Jay Gordon is on electric guitar, dobro and slide and he also sings in practically all tracks. He is backed by Sharon Butcher on bass and vocals, Rich Wenzel on Hammond B-3 and piano, Rich Gordon Lambert and Ric Daly on drums and finally Mario Ramirez (the youngest brother of Richie Valens) on harmonica in one song. It is not necessary to be a motorbiker or have a Harley Davidson to enjoy the wild beat and electrifying explosion of music that both Jay Gordon and his band, The Blues Venom bring us in this flaming album that becomes pure dynamite for your senses. VERY GOOD.

A.J. Croce “That’s Me In The Bar” Compass / Seedling 2015.
La compañía Compass Records ha reeditado el álbum de A.J. Croce titulado “That’s Me In The Bar”. El disco ha sido remasterizado y se ha incluido un bonus track que había quedado descartado en su momento. La grabación original fue publicada en 1995 llegando al Top Ten de las listas de blues más importantes de aquel momento. Gracias a su inconfundible voz influenciada por artistas como Dr. John o Rod Stewart y a su maravillosa técnica al piano, Croce se convirtió en uno de los músicos más singulares de la música americana con raíces. En el álbum participaron grandes artistas y músicos como Robben Ford, Ry Cooder, David Hidalgo de Los Lobos, Bill Payne de Little Feat, Sweet Pea Atkinson de Was Not Was, Waddy Wachtel, Sid Page de los Sly & The Family Stone y Flea de los Red Hot Chilli Peppers. El disco es una obra maravillosa de la música rock contemporánea, un dechado de virtudes y una verdadera joya para los sentidos, que celebramos se haya vuelto a publicar después de veinte años. A.J. Croce es hijo del legendario cantante y compositor Jim Croce. Su música abarca desde el jazz a la ‘americana’, pasando por el blues y el pop. Actualmente Croce está sobradamente consolidado como uno de los artistas mas interesantes y prominentes del panorama musical americano. BUENISIMO. Compass Records has reissued A.J. Croce album "That's Me In The Bar". It has been re-mastered and it also includes a bonus track that was not selected for the first one. The original recording was published in 1995 and it reached the most important Top Ten blues charts of that time. Thanks to his distinctive voice with deep influences of artists like Dr. John or Rod Stewart and his wonderful piano technique, Croce became one of the most original musicians of roots music and Americana. The album also gathered a bunch of great artists and musicians like Robben Ford, Ry Cooder, David Hidalgo (Los Lobos), Bill Payne (Little Feat), Sweet Pea Atkinson (Was Not Was), Waddy Wachtel, Sid Page (Sly & The Family Stone) and Flea (Red Hot Chilli Peppers). The recording is considered a wonderful example of contemporary rock music, a gold standard and a bright gem for the senses and it has been really welcomed after twenty years. A.J. Croce is the son of legendary singer and songwriter Jim Croce. His music covers from jazz to Americana, as well as blues and pop. Now Croce has gained a good reputation as one of the most interesting and prominent artists in the States music scene. GREAT.

Sugar Brown “Poor Lazarus”. Self Production / Sarah French 2015.
Sugar Brown es el seudónimo del músico japonés Ken Kawashima quien, desde siempre ha sido un estudioso del blues de Chicago. Durante años ha dedicado todo su talento y esfuerzo para preservar este sonido. Sin embargo ahora ha dado un giro radical a su música, presentando un álbum robusto y apetitoso que incluye un repertorio mucho mas salvaje y caótico que Sugar interpreta con atrevimiento y mucha pericia, que abarca desde el blues de Texas a lo Lightnin’ Hopkins o Frankie Lee Sims, hasta el blues hipnótico de lo que se ha dado en llamar durante los últimos años Mississippi Hill Country Blues, a lo R. L. Burnside, por quien Sugar profesa una solemne admiración. Pero si importante es su música, no menos importantes son las letras que acompaña a todas y cada una de las canciones que aquí se incluyen, inspiradas la mayoría en los sucesos que acaecieron el 9 de agosto del año 2014, año en el que el joven de color Michael Brown fue asesinado por un policía blanco. En un libro de canciones de Alan y John Lomax, Sugar Brown descubrió una canción titulada “Poor Lazarus” que relataba la misma historia de Michael Brown pero con otros protagonistas y bastantes años antes. Fue a partir de ese momento en que Sugar Brown decidió grabar este álbum. El blues que interpretan aquí Sugar y sus músicos es dulce, oscuro, inconsolable, rudo y salvaje. Mi consejo es que os dejéis atrapar por su música y os perdáis con ella en esos recónditos y oscuros paraísos sonoros. MUY BUENO. Brown Sugar is the stage name of Japanese musician Ken Kawashima, who has always been a scholar of Chicago blues. For years he has devoted all his talent and efforts to preserve it. But now he has done a complete turn to his music, recording a hard tasty album with a totally wild and chaotic repertoire he performs with audacity and great skill, that covers from Texas blues in the path of Lightnin' Hopkins or Frankie Lee Sims to the hypnotic blues that has lately been defined as Mississippi Hill Country Blues in the path of R. L. Burnside, a bluesman Sugar deeply admires. But if the music is important, no less important are the song lyrics that have been mainly inspired in the unfortunate facts that happened on 9th August 2014, when a young black man called Michael Brown was murdered by a white police agent. In a book of folksongs gathered by Alan and John Lomax, Sugar Brown discovered a song entitled "Poor Lazarus" that told the same story that happened to Michael Brown but, of course, with other characters and in other time. After listening to it, Sugar Brown decided to do this album. The blues Sugar and his musicians play are sweet, dark, heartbreaking, rude and wild. My advice is to let yourselves be caught by his music and get lost into these hidden dark sound paradises. GREAT.

El Jordan Y Sus Moco De Pavo All Estars “Mi Tierra Y Mis Raices”. Youkali Music 2015.
Stephen William Jordan Hill es un músico americano que, si no recuerdo mal, es de la zona de Arkansas aunque afincado desde hace años en Talamanca del Jarama. Jordan es un experto cocinero de ‘profesión’ y batería por afición y sus barbacoas son conocidas y famosas no solamente en la zon donde vive, sino también a lo largo y ancho de la península. Durante los meses de verano realiza unas renombradas jam sesion en el Kiosco Recreativo del Jarama, allí se reúnen la flor y nata de los músicos de blues de la zona de Madrid y algunos venidos de otras partes de España. Fruto de estos encuentros es este disco que recoge el ambiente festivo de estas jams, en canciones bien trabajadas, bien interpretadas, bien arregladas y muy bien producido. Entre costilla y costilla, entrecot y entrecot, hamburguesa y hamburguesa, morcilla y morcilla, todo ello regado con cervezas y más cervezas, van discurriendo estas impagables jams. Musicalmente hablando, el disco recoge un poco de todo, desde blues hasta country, ranchera, bossa y ‘old time music’. Steven ‘Stephen’ Jordan está a la batería y voz acompañado por músicos como Julián Kanevsky, Ñaco Goñi, Kike Jambalaya, David Gwynn, Fede Aguado, Txus Blues, José Bluefingers, Francisco Simón y muchos otros que van desfilando a través de las canciones que discurren a lo largo de este disco, unas cantadas en inglés y otras en la lengua de Cervantes, eso si, siempre divertidas, alegres y llenas de la simpatía y buen humor que caracteriza a este yankee afincado en España. MUY BUENO. Stephen William Jordan Hill is an American musician who, if I remember correctly, comes from Arkansas area, although he has settled for years in Talamanca del Jarama. Jordan is an expert professional cooker who also loves to play drums. His American barbecues are famous and popular not only in the area where he lives, but also all over Spain. During the summer months he organizes a series of renowned jam sessions at El Kiosco del Jarama, where you will find the cream of Madrid area blues musicians together with some coming from different parts of Spain. This album gathers some of these meetings and captures the festive atmosphere of these jams, on a bunch of good built songs, with excellent arrangements and a skilful playing. Between ribs and ribs, steak and steak, hamburger and hamburger, sausage and sausage, all washed down with beers and beers, go on these priceless jams. Musically speaking, the album includes a little bit of everything from blues to country, ballads, bossa or old time music. Steven 'Stephen' Jordan is on drums and vocals backed by different musicians like Julian Kanevsky, Ñaco Goñi, Kike Jambalaya, David Gwynn, Fede Aguado, Txus Blues, José Bluefingers, Francisco Simon and many others who contribute to enhance all cd cuts, some of them sung in English and other ones in Spanish, but all them full with the special funny, joyful sympathy and sense of humour of this yankee man settled in Spain. VERY GOOD.

Sam Burckhardt “Fly Over”. Airway 2015.
Poca luz, velas en las mesas, ambiente relajado, un cóctel en las manos, humo de cigarrillos y un saxofonista en el escenario. La música incluida en este último disco de Sam Burckhardt nos transporta al ambiente de aquellos clubs de jazz de los años cincuenta del siglo pasado, pero interpretado con unos arreglos actuales que buscan satisfacer al oyente de este nuevo siglo XXI. Sam ha dejado momentáneamente los blues clásicos del estilo Chicago para concentrarse de lleno en su pasión por el jazz de aquellos maestros que dejaron huella en él, como Illinois Jacquet o Jimmy Hamilton, éste último descubierto por Sam cuando todavía era un adolescente gracias a su profesor Chester Gill. Aunque Sam es un experto y brillante saxofonista de blues que grabó al lado del gran Sunnyland Slim y le acompañó en mas de una ocasión, además de tocar también en bandas como The Mighty Blue Kings o The Big Swing, no fue hasta el año 1999 en que se decidió a fundar este combo con el que imprime una línea mucho mas jazzy a todas sus interpretaciones. Canciones de Tiny Grimes, Count Basie, Duke Ellington o Bill Dogget, pero también de Leroy Carr y tres temas propios escritos en colaboración con su guitarrista van desfilando a lo largo de este disco. Además de Sam al saxo tenor y voz, el combo se completa con Joel Patterson guitarra, Pete Benson piano y órgano, Beau Sample bajo y Alex Hall batería. Sam siempre ha manifestado que toca lo que le viene en gana, sin someterse jamás a los dictados que marca el mercado. Demos pues la bienvenida a este estupendo disco al que califico musicalmente como ‘soft and mellow’. MUY BUENO. A dark room, candles on tables, a relaxed atmosphere with a cocktail on your hands, cigarette smoke and a sax player on stage. The music included in Sam Burckhardt’s last album drives us to those last century fifties jazz clubs, but performed with contemporary arrangements to satisfy listeners of the new twenty-first century. Sam has left out for a while the most classic Chicago blues to fully concentrate on his passion for the jazz that was performed by those great masters who left his print on him, as Illinois Jacquet or Jimmy Hamilton, Sam discovered when he was a teenager thanks to his teacher Chester Gill. Although Sam is an expert and bright blues sax player who has recorded with the late Sunnyland Slim backing him several times, besides being member of bands like The Mighty Blue Kings or The Big Swing, it was not until 1999 he decided to create this combo to give a much more jazzy style to his performing. Songs coming from Tiny Grimes, Count Basie, Duke Ellington and Bill Dogget, but also by Leroy Carr together with three own compositions he has written in collaboration with his guitar player, come along this interesting album. Besides Sam on tenor sax and vocals, the combo also includes Joel Patterson on guitar, Pete Benson on piano and organ, Beau Sample on bass and Alex Hall on drums. Sam always says he plays what he likes and he does not care about market or commercial trends. So let’s welcome this great album I will musically describe as soft and mellow. GREAT.

Buddy Guy “Born To Play Guitar”. RCA/Silvertone / BlindRaccoon 2015.
A
sus prácticamente ochenta años, Buddy Guy sigue siendo un auténtico bluesman y lo demuestra tanto en su música como en su forma de vivir la vida. Continúa actuando en directo con la misma fuerza y vitalidad que lo hacia en sus años mozos cuando tocaba con el gran Junior Wells. Este disco grabado en estudio nos presenta a un Buddy Guy pletórico junto a algunos invitados de lujo como Van Morrison, Joss Stone, Kim Wilson y el carismático Billy Gibbons de ZZ Top. El álbum se inicia con un impresionante blues lento a la manera clásica y tradicional del más puro estilo Chicago con una letra fantástica y real, su titulo lo dice todo, “Born To Play Guitar”, pero también hay un sentido homenaje a B.B. King con “Flesh & Bone” y otro dedicado a su gran amigo y hermano Muddy Waters en la canción “Come Back Muddy”. Como Guy recuerda, cuando se enteró de que Muddy estaba muy enfermo le llamó y le dijo que iba a ir a visitarle. Muddy le contestó: “No hace falta que vengas Buddy, estoy bien. Vete a tocar y prométeme que mantendrás vivos los blues, como siempre lo hemos estado haciendo”. Muddy falleció poco después pero Buddy Guy cumplió su promesa y sigue manteniendo viva la llama del blues. El disco no tiene desperdicio y es un deber y una obligación para cualquier devoto de este género que tanto nos apasiona y seduce, tener una copìa del mismo. BUENISIMO. With almost eighty years old, Buddy Guy shows he is still a real bluesman both in his music as in his way of living. He continues to perform live shows with the same intensity and vitality as he did in his younger days when he played with the great Junior Wells. This studio album brings us a superb Buddy Guy on top form, together with some deluxe guests such as Van Morrison, Joss Stone, Kim Wilson and charismatic Billy Gibbons (ZZ Top). The album starts with an impressive old time slow blues performed in the most traditional Chicago style with fantastic real lyrics and a title that says everything "Born To Play Guitar", but there is also an emotional tribute to B. B. King with thee song "Flesh & Bone" and another one to his great friend and brother Muddy Waters with "Come Back Muddy".  As Guy remembers, when he knew Muddy was very ill, he called him and told him he was going to visit him. Muddy said: "Don’t bother, I’m well. Go to play and promise me to will always keep the blues alive as we have always been doing". Muddy died soon after, and Buddy Guy kept his promise and he still continues keeping the blues alive. The album has no waste and is not to be missed, so it is a must for any blues lover to get immediately a copy. GREAT.

Billy The Kid & The Regulators “I Can’t Change”. Self Production / Frank Roszak 2015.
Billy The Kid & The Regulators son una poderosa y contundente banda de rhythm and blues, soul potente, blues y funk realmente avasallador como pocos grupos pueden presumir de hacerlo en la zona de Pittsburgh, ciudad donde tienen su cuartel general. Su líder, el carismático Billy Evanochko es muy conocido por sus seductoras y atractivas dotes vocales y sus potentes riffs guitarrísticos. Junto a su grupo The Regulators, en este disco Billy nos ofrece una excelente dosis de la más apasionada música negroide tanto en su concepción como en su impresionante sonido. Gracias a sus innumerables conciertos y actuaciones, la banda ha conseguido sonar de manera compacta y actual, junto a una vibrante puesta en escena que inmediatamente consigue atrapar a la variopinta audiencia que acude a sus conciertos. Billy Evanochko se encarga de las guitarras y la voz, Jon Vallecorsa es otro guitarra que también canta, un tercer guitarrista James Dougherty se encarga de tocar la guitarra con slide. A los teclados y voces se encuentra Ublai Bey, al bajo Arnold Stagger y finalmente Brian Edwards a la batería y voces. También interviene una jugosa, excelente y rica sección de vientos y finalmente un puñado de invitados como Jason Ricci o la impresionante vocalista Yolanda Barber. Todos ellos contribuyen con sus aportaciones a engrandecer un ya de por si fantástico y soberbio álbum. BUENISIMO. Billy the Kid & The Regulators are a powerful convincing rhythm and blues band, but they also perform powerful soul, blues and overpowering funk as few groups can show off to do so in Pittsburgh area, where they usually move around. His charismatic leader Billy Evanochko is well known for his attractive and captivating vocal abilities and his powerful guitar riffs. Together with his group, The Regulators, in this album Billy brings us an excellent dose of the most passionate black music, both in the lay out and the impressive sound. Thanks to their countless shows and venues, the band has got a compact teamed sound that, together with a vibrant and bright staging presence, immediately attracts the most varied audiences. Billy Evanochko is responsible of guitars and vocals, Jon Vallecorsa also plays guitar and sings, there is also a third guitarist, James Dougherty, who plays slide guitar. On keyboards and vocals you will find Ublai Bey, Arnold Stagger is on bass and finally Brian Edwards is on drums and vocals. There is also a juicy rich amazing horn section and a handful of guests musicians like Jason Ricci or the impressive singer Yolanda Barber. They all contribute to magnify this fantastic and superb album. GREAT.

Smoky Greenwell’s New Orleans Blues Jam “Live At The Old U.S. Mint” Self / Frank Roszak 2015.
Cuando en cualquier conversación se habla del blues de New Orleans, siempre sale a relucir el nombre de Smoky Greenwell. De hecho Smoky empezó a tocar la armónica en los años setenta. A partir de entonces siempre ha estado presente en los escenarios acompañando a los más renombrados músicos e intérpretes de blues, además de ser miembro del grupo War y de colaborar asiduamente con Warren Haynes. Toda esta experiencia acumulada a través de los años le ha llevado a fundar su propia banda con la que ha recorrido una gran parte de los Estados Unidos. Este álbum que comentamos se grabó en ‘vivo’ desde el Performing Arts Center de Old U.S. Mint y básicamente recoge canciones que ya habían sido grabadas con anterioridad en estudio a lo largo de la carrera de Smoky Greenwell. En todas ellas Smoky se muestra como un experto armonicista además de hacer alguna incursión con el saxo tenor y cantar. El resto de los músicos que le acompañan son Pete Bradish a la batería, David Hyde al bajo y Jack Kolb a la guitarra, junto a un par de invitados como Bruce “Sunpie” Barnes al acordeón y voces y Mark Pentone a la guitarra y voces. El repertorio está prácticamente formado por blues originales escritos por Smoky, Pentone y Barnes. MUY BUENO. When in a conversation people talk about New Orleans blues, always comes out the name of Smoky Greenwell. In fact Smoky began to play the harmonica in the seventies. Since then on, he has always been present on stage supporting the most renowned blues musicians and artists. He was also former member of War and he has often worked with Warren Haynes. All the accumulated experience he has got through the years has allowed him to lead his own band making tours all over United States. The album was recorded live at the Performing Arts Center of Old U.S. Mint and basically includes songs that were previously recorded in studio along Smoky Greenwell’s career. In every song Smoky appears as an expert harmonica player and singer but he also shows himself as a good tenor sax player. The rest of the band musicians are Pete Bradish on drums, David Hyde on bass and Jack Kolb on guitar, plus a couple of guest musicians, Bruce "Sunpie" Barnes on accordion and vocals and Mark Pentone on guitar and vocals. The repertoire is mainly original blues written by Smoky, Pentone and Barnes. VERY GOOD.

Andra Faye & Scott Ballantine “Coulda Woulda Shoulda”. VizzTone 2015.
Andra Faye fue miembro del grupo Saffire-The Uppity Blues Women desde 1992 hasta el 2009. A partir de entonces ha conseguido una gran reputación tanto por su versatilidad como por ser una competente multi-instrumentista, especialmente tocando la mandolina, instrumento con el que se siente muy cómoda pues no en vano sus mentores en la mandolina fueron Yank Rachell y Johnny Young. Andra está dotada de una voz poderosa y arrogante pero a la vez llena de sensualidad, que encaja perfectamente con el humor y a veces la desesperación de unas letras que ella misma escribe. En este disco Andra también toca el violín, el bajo y el contrabajo. Por su parte Scott Ballantine posee una innata facilidad para interpretar con la guitarra cualquier estilo de música popular americana, ya sea jazz, blues, rock o country and western. Posee una dilatada carrera que le ha convertido en un artista de gran calidad y solidez. Su manera de tocar el slide, de realizar los ‘bendings’ y los ‘vibratos’ son de una fluidez equiparable al sonido del agua cuando corre a por un torrente de aguas cristalinas. Este es el segundo disco de la pareja que incluye doce temas de los cuales ocho son composiciones propias, todos ellos interpretados con exquisita delicadeza, enorme calidez y gran esmero. MUY BUENO. Andra Faye was member of Saffire-The Uppity Blues Women from 1992 to 2009. Since the band fell apart, she has gradually got a good reputation as a versatile musician as well as an able multi-instrumentalist, especially on mandolin, an instrument she feels very comfortable with. Not in vain her mandolin mentors were Yank Rachell and Johnny Young. Andra is also gifted with a powerful confident voice but at the same time full of sensuality, which perfectly fits with the sense of humour and the hopeless feeling of some of her lyrics. In this album Andra also plays violin, bass and double bass. On the other hand Scott Ballantine has a natural skill to play with his guitar any style of American popular music like jazz, blues, rock or country and western. He has a long and wide career which has made him become a reliable high quality artist. His way of playing the slide, the bendings and the vibratos is as fluid as water running in a crystal clear stream. This is the second album of this duet and includes twelve songs, eight original ones, but all them performed with exquisite softness, wrapping warmth and great care. VERY GOOD.

Jay Stollman “Room For One More”. Number 7 / VizzTone 2015.
El cantante Jay Stollman ha conseguido en pocos años hacerse con una legión de fieles seguidores que le aclaman por todos aquellos escenarios que pisa. Johnny Winter dijo de él en una ocasión que era uno de los mejores vocalistas de blues que había escuchado nunca. Es por esto que Jay ha sido contratado como cantante principal en la banda de homenaje a Johnny Winter con la que se le ha rendido tributo en diversos conciertos, compuesta por Paul Nelson a la guitarra, Scott Spray al bajo y Tommy Curiale a la batería, a los que se les unen nombres como Edgar Winter, Sonny Landreth, Joe Louis Walker, Debbie Davies, Ronnie Baker Brooks, Mike Zito o Lance López quienes se van turnando a lo largo del show. Ahora Jay Stollman nos presenta su último trabajo titulado “Room For One More”, donde todos los blues suenan impecables y ponderados, provistos de una brutal intensidad que dejará a más de uno totalmente sorprendido. Para conseguir un trabajo redondo Jay se ha rodeado también de un puñado de excelentes músicos como son los guitarristas Andy Abel, Jeremy Goldsmith y Debbie Davies, los bajistas Scott Spray y Johnny Mennonna, los baterías Tommy Nagy y Gerald Myles, el teclista Matt Zeiner y el armonicista Kevin Totoian. Catorce temas interpretados con solvencia y mucha efectividad hacen de este álbum uno de los más interesantes que últimamente he tenido la oportunidad de escuchar. ¡Palabra de Zúmel! BUENISIMO. On a very few years singer Jay Stollman has got a legion of loyal followers who acclaim him in every live show he plays. Johnny Winter said once he was one of the best blues singers he had ever heard. This is the reason Jay has been selected as lead singer to Johnny Winter’s tribute band formed to give homage to Winter in different live shows, with Paul Nelson on guitar, Scott Spray on bass and Tommy Curiale on drums, together with such great musicians like Edgar Winter, Sonny Landreth, Joe Louis Walker, Debbie Davies, Ronnie Baker Brooks, Mike Zito or Lance Lopez who appear along the show. Now Jay Stollman brings us his last work "Room For One More", where all the blues songs included have a faultless well balanced sound, filled with a thrilling intensity that will completely surprise more than one. To round up his new work, Jay has also recruited a handful of excellent musicians, like guitar players Andy Abel, Jeremy Goldsmith and Debbie Davies, bass players Scott Spray and Johnny Mennonna, drummers Tommy Nagy and Gerald Myles, keyboard player Matt Zeiner and harmonica player Kevin Totoian. Fourteen songs performed with an effective reliability and an special commitment, make this album become one of the most interesting ones i have recently heard. Word of Zúmel! GREAT


DICIEMBRE 2015 / DECEMBER 2015

Bey Paule Band “Not Goin’ Away”. Blue Dot / Christine Vitale 2015.
Se dice popularmente que a la tercera va la vencida. Después de sus dos primeros álbumes publicados en el 2013, Frank Bey y Anthony Paule vuelven de nuevo a la carga para vestir de gran música su tercer producto en el que aparecen más maduros, asentados y frescos que nunca. Si exceptuamos la nueva incorporación del trompetista Tom Poole el grupo sigue siendo el mismo, es decir Frank Bey a la voz, Anthony Paule a la guitarra, Paul Revelli a la batería y percusión, Tony Lufrano a los teclados, Paul Olguin al bajo, Mike Rinta al trombón y arreglos, Nancy Wright al saxo tenor, además de un trío vocal que pone el énfasis correspondiente en los temas de corte más soul. Todos ellos contribuyen en gran medida a dar fuerza y empaque a las diez composiciones propias más dos excelentes versiones que conforman éste magnífico álbum en el que básicamente se mezclan a partes iguales el genuino southern blues con el soul intenso y bailable. Aunque la banda ha cambiado su antiguo nombre The Frank Bey & Anthony Paule Band reduciéndolo simplemente a Bey Paule Band, su calidad no se ha reducido ni ha disminuido un ápice sino que incluso se han superado a sí mismos en un disco excelente. BUENISIMO. It is popularly said the third time is the charm. After the first two albums published in 2013, Frank Bey and Anthony Paule come back to dress their third work with great music and appear more mature, settled and cool than ever. Except the new trumpet player Tom Poole, the group remains the same, that is to say Frank Bey on vocals, Anthony Paule on guitar, Paul Revelli on drums and percussion, Tony Lufrano on keyboards, Paul Olguin on bass, Mike Rinta on trombone and all arrangements, Nancy Wright on tenor sax, plus a vocal trio that puts the stress in the more soul compositions. They all really contribute to give the necessary power to wrap up ten original songs and two excellent versions that form this magnificent album where genuine southern blues and intense dancing soul are mixed in equal parts. Although the band has changed its old name Frank Bey & Anthony Paule Band simply shortening it to Bey Paule Band, thee quality has not become shorten or reduced an inch, but even it has increased along this superior album. GREAT.

Omar Coleman “Born & Raised”. Delmark 2015.
La nueva generación del blues de Chicago está magníficamente representada por el cantante y armonicista Omar Coleman que sigue la estela de los grandes maestros de dicho estilo como James Cotton o Junior Wells, eso si, con su sello propio y un sonido elegante y muy actual. Su funky blues visceral, desgarrado junto a su profunda y atractiva voz que comunica el verdadero feeling de sus maestros y mentores Bobby Rush y el mencionado Junior Wells, le están reportando mucha credibilidad y enorme predicamento entre la nueva legión de jóvenes aficionados al blues de Chicago. Además del propio Omar Coleman cantando y tocando armónica, en estas grabaciones se encuentran a su lado Marty Binder a la batería y percusión, Ari Seder al bajo, Neal O’Hara al piano y órgano, Peter Galanis a la guitarra y finalmente Toronzo Cannon, Mike Wheeler y David Herrero como invitados especiales en un par de temas cada uno. Todos ellos consiguen crear un álbum compacto, cálido pero, sobre todo, dotado de un enorme climax. Muchas veces los fans se preguntan cuál será el porvenir del blues en los próximos años, pero con artistas de la talla y el nivel de Omar Coleman pueden estar tranquilos porque el futuro del ‘real’ blues está asegurado. BUENISIMO. The new generation of Chicago blues is perfectly represented by singer and harmonica player Omar Coleman, a musician who follows the path of those great and legendary masters like James Cotton and Junior Wells but always with his own personal stamp and an elegant very contemporary sound. His passionate heartbreaking funky blues together with his deep attractive voice communicate the true feeling of his heroes and mentors Bobby Rush and the already mentioned Junior Wells, which has given him much reliability and a wide popularity among the legion of Chicago blues young fans. Besides Omar Coleman singing and playing harmonica, you will also find in the recording Marty Binder on drums and percussion, Ari Seder on bass, Neal O'Hara on piano and organ, Peter Galanis on guitar and finally Toronzo Cannon, Mike Wheeler and David Herrero as special guests, each one in a couple of songs. All together have done a compact warm album but, over all, all them communicate a very exciting climax. Many times fans are worried and wonder what the future of the blues will be in the next few years but with artists with the quality and high level of Omar Coleman they can be relieved, because the future of the 'real' blues is guaranteed. GREAT.

Johnny Tanner “Juke Joint Rambler”. Self Production 2015.
Los principios musicales de este cantante y armonicista se remontan a la década de los setenta cuando Tanner era un adolescente y escuchaba sin cesar los viejos vinilos de blues del sello Chess, empapándose de Little Walter, James Cotton, Walter Horton y demás armonicistas del catálogo, intentando aprender los fraseos y el tono de todos aquellos maestros. Ahora que Johnny es ya un hombre hecho y derecho, su amor por el blues tradicional de Chicago sigue tan vigente como lo estaba entonces. Desde Phoenix, Arizona, Johnny Tanner y su grupo mantienen su oferta de seguir tocando el viejo material siempre impregnado de la misma y pura esencia del blues de Chicago de los años cincuenta. Sus blues son como una extensión de lo que se hacia en aquellos años con un espíritu y un sonido vintage de lo mas sorprendente que se pueda imaginar. Además de contar con Tanner cantando y soplando la armónica, le respaldan siempre con acierto los guitarristas Rusty Zinn, Junior Watson y Billy Flynn, los bajistas Larry Taylor y Randy Bermudes, el pianista Fred Kaplan y el inolvidable Richard Innes a la batería, además de Jeff Turnes y Tom Faberge a los saxos. Un disco de auténtico blues provisto del clásico sonido Chess de los cincuenta, eso si, interpretado con la precisión y la maestría que sólo los músicos mas brillantes están capacitados para poderlo lograr. BUENISIMO. The musical start of this singer and harmonica player come back from the seventies when Tanner was a teenager and he was continuously listening to the old Chess label blues vinyls, immersing himself in Little Walter, James Cotton, Walter Horton and the other harmonica players of that catalogue, trying to learn the phrasing and tone of all those masters. Now that he has become a grown man, his love for traditional Chicago blues remains the same as it was then. From Phoenix, Arizona, Johnny Tanner and his band keep their offer to play old blues always impregnated with the same and most pure essence of fifties Chicago blues. His blues are like an extension of what was done in those years, as they gather the spirit and the most surprising vintage sound one could imagine. Tanner’s singing and blowing harp, is perfectly backed by guitar players Rusty Zinn, Junior Watson and Billy Flynn, bass players Larry Taylor and Randy Bermudes, piano player Fred Kaplan and the always missed Richard Innes on drums, plus Jeff Turnes and Tom Faberge on sax. This is an album with the most genuine blues and the real fifties Chess sound, performed on a precise and mastery way only the brightest and really able musicians can do it. GREAT.  

Kern Pratt “Broken Chains”. Self Production / Frank Roszak 2015.
La música folklórica del Delta del Mississippi, los blues profundos mezclados con el rock y el funky, corren con fulgurante vitalidad por la venas del cantante y guitarrista Kern Pratt. Nuestro protagonista se entrega a su trabajo con la fuerza, la energía y la experiencia que ha atesorado a lo largo de las incontables actuaciones que tiene a sus espaldas y los muchos años de escenarios recorridos a lo largo y ancho de los USA. Gran guitarrista y cantante dotado de una voz rota y cruda. Kern ataca el repertorio con autoridad y enorme expresividad cromática. Puedo asegurar con toda la la impunidad que me corresponde como conocedor de estos géneros, que Kern Pratt es un músico competente y fuera de serie y que éste disco contiene una serie de canciones más que sorprendentes. El álbum está muy bien producido e interpretado con un gusto exquisito por parte de todos los músicos que abordan el repertorio con precisión, gusto, agilidad y ganas. Los participantes suenan compactos y bien conjuntados en todas y cada una de las doce canciones que forman este estupendo “Broken Chains”. En suma, una pura delicia poder saborear este álbum de un músico singular y muy correoso. BUENISIMO. Mississippi Delta folk music and deep blues mixed with rock and funk, run with a great vitality through the veins of singer and guitar player Kern Pratt. Our man delivers to his work with the strength, energy and experience he has accumulated over the countless shows he has on his back and the many years of stage presence and tours all over the United States. Great guitar player and singer gifted with a broken raw voice, Kern plays his repertoire with authority and a huge chromatic expressiveness. I can tell you with all the wide vision that gives me the many years and the expertise on these musical genres, Pratt Kern is an able and outstanding musician and this recording includes a bunch of more than exciting songs. The album is very well produced and performed with exquisite taste by all musicians who approach the songs with precision, good taste, musical agility and a lot of commitment. All participants sound compact and teamed in each and every one of the twelve songs that form this wonderful "Broken Chains".  In short words, it is a real delight to savour the album coming from a singular tough musician. GREAT.

David Michael Miller “Same Soil”. Self Production / Frank Roszak 2015.
“Same Soil” es un tributo a la tradición del ‘roots blues’ que siempre ha estado presente tanto en la vida como en la música de este cantante, compositor y guitarrista llamado David Michael Miller. Para llevar a cabo este proyecto David ha decidido emplear únicamente instrumentos y amplificadores vintage fabricados hace más de cuarenta años y utilizar asimismo las técnicas antiguas de grabación, lo que ncluye también grabar las canciones sin demasiados trucos de estudio, algún doblaje pero poco mas. Para ello ha reclutado a un puñado de experimentados y veteranos músicos de la zona de New York como son Jim Ehinger a los teclados, Jeremy Keyes armónica, Jason Moynihan al saxo, Shannon Street y Carlton Campbell a la batería o Robert ‘Freightrain’ Parker y Richi Valentino bajo y contrabajo. Todos ellos se adentran por los caminos del blues para explorar sonidos y canciones inspiradas en Muddy Waters, Jimmy Reed o Bo Diddley, partiendo siempre de su propio sello personal, aderezado también de influencias gospel y soul para de este modo conducir al oyente a un viaje a través del mas excitante blues acústico, grasientos shuffles, emotivo gospel, impresionantes baladas souleras o funky-blues-rock y todo ello interpretado directamente desde el corazón y el alma, pero también desde la precisión y el tecnicismo instrumental de todos los músicos participantes. BUENISIMO. "Same Soil" is a tribute to roots blues tradition that has always been present in both the life and music of this singer, songwriter and guitar player celled David Michael Miller. To carry out this project, David decided to only play with vintage instruments and amplifiers used more than forty years ago, and also employ the old recording techniques, without too many study devices and a very few dubbing. For doing it he has recruited a handful of experienced veteran musicians of New York area like Jim Ehinger on keyboards, Jeremy Keyes on harmonica, Jason Moynihan on sax, Shannon Street and Carlton Campbell on drums or Robert 'Freightrain' Parker and Richi Valentino on bass and double bass. All them run across the roads of blues to explore sounds and songs inspired by Muddy Waters, Jimmy Reed or Bo Diddley, done from their own personal stamp, spiced with gospel and soul influences to drive all listeners to a magical journey along the most exciting acoustic blues, greasy shuffles, emotional gospel, impressive soulful ballads or funky-blues-rock, all performed directly from the heart and soul with the precise instrumentation and the excellent technique of all participating musicians. GREAT.

Sue Palmer & Her Motel Swing Orchestra “Bricktop”. Self Production 2015.
Fantástico este nuevo álbum de la pianista y compositora Sue Palmer que una vez más y en un nuevo alarde pirotécnico nos deleita con su neo swing de largo alcance con once temas clásicos de las orquestas de baile de antaño. Después de la maravillosa introducción al disco con “Bricktop”, compuesto por la propia Palmer, le sigue un tema de Cole Porter titulado “I Love Paris” que muestra la fascinación de Palmer por la ciudad de París y que en manos de la Motel Swing Orchestra cobra vida propia con unos arreglos francamente buenos y originales, donde los dotes vocales de la cantante Deejha Marie imprimen un sentimiento profundamente arrastrado y triste, con un aire invernal que adquiere una importancia relevante a lo largo de la canción. Con este nuevo disco la intuitiva, inteligente y creativa Sue Palmer ha querido rendir otro homenaje a aquellas mujeres que en los años veinte, treinta y cuarenta del siglo pasado dieron vida propia y voz a las maravillosas y nostálgicas orquestas de swing tan populares en aquella época. Un disco efervescente que nos hace evocar todo el glamour y el esplendor de aquellos night clubs y salas de baile donde el lujo, el champañ y la buena música tenían un papel preponderante. MUY BUENO. Fantastic new album from piano player and composer Sue Palmer who, once again and in a new firework display, delights us with her far reaching neo swing with eleven classic songs coming from old time dancing orchestras. After a wonderful introduction with "Bricktop", a Palmer’s own song, comes a Cole Porter’s composition entitled "I Love Paris", that shows Palmer’s fascination for the city of Paris that, performed by the Motel Swing Orchestra, gets a new life with really good and original arrangements, where the vocal abilities of singer Deejha Marie give a deep dragged and sad feeling, surrounded by a winter atmosphere that gets a relevant importance along the song. With this album the intuitive, intelligent and creative Sue Palmer pays a new tribute to those women that in the twenties, thirties and forties of the last century gave life and voice to the wonderful and sentimental swing orchestras which were so popular at that time. This is a high spirited album which makes us relive all the glamour and the brightness of those night clubs and dance halls where luxury, champagne and good music had a prominent role. GREAT.

Micke Bjorklof “Ain’t Bad Yet”. Hokahey! 2015.  //  Micke & Lefty Featuring Chef “Up The Wall”. Hokahey! 2010.  //  Lumberiacks “Lumberiacks” Hokahey! 2012.
“Ain’t Bad Yet” es el sexto álbum de la banda finlandesa de blues-rock Micke Bjorklof & Blue Strip. Ganadores de los premios finlandeses de blues del 2015 como ‘Mejor Banda’, éste nuevo trabajo ha sido producido por John Porter, legendario por sus producciones de Buddy Guy, B.B. King, Taj Mahal, Keb Mo’, Santana, además de más de diez discos ganadores de un ‘Grammy’. Durante el pasado octubre del 2014 la banda viajó a los estudios Rockfield en Gales, estudios han acogido a algunos de los artistas más importantes del rock como Black Sabbath, Rush o los Oasis. En 1975 fueron los primeros estudios utilizados por el grupo Queen para grabar “Bohemian Rhapsody” uno de los discos mas emblemáticos de la música pop. El líder de los Blue Strip, el cantante y guitarrista Micke Bjorklof es un experimentado músico que sabe dar a las composiciones que interpreta un aire moderno, absorbente y dinámico donde el blues desprende solvencia y atractivo y donde, en algunas ocasiones, también se respira algo de música industrial.
En el segundo disco que comentamos la situación es totalmente diferente. Fue grabado hace tres años también por Micke Bjorklof, pero en esta ocasión en formato de trío, además deja la guitarra y la voz para tocar batería, percusión y armónica. Junto a él comparten protagonismo los carismáticos Lefty que toca todos los instrumentos de cuerda y se alterna a la voz con el bajista y contrabajista Chef.
Para cerrar la trilogía de estos discos editados por el sello Hokahey!, tenemos al grupo Lumberjacks en cuyas filas encontramos nuevamente a uno de los músicos anteriores, el bajista y vocalista Chef, que apoyado por Urmas ‘Big Hand’ Niemi voz y guitarras, Janne Käpilä batería, percusión y voz y Jarkko Salo voz y teclados, nos muestran un amplio abanico de músicas de diferentes colores y tonalidades cromáticas, moviéndose siempre entre el blues más ardiente y sofisticado, aderezado de un pop ligero y fragante con unos arreglos de voces muy bien ambientados en la línea de las bandas inglesas del ‘Mersey Beat’ de los años sesenta, pero interpretado desde la mirada atenta a las tendencias más actuales y modernas, a pesar de que este disco es el mas antiguo de los tres que comentamos, pues se publicó hace ya cinco años. MUY BUENOS. "Ain't Bad Yet" is the sixth album of the Finnish blues-rock band Micke Bjorklof & Blue Strip. Winners of 2015 Finnish blues awards in best band category, this new work has been produced by John Porter, the legendary producer of some Buddy Guy, B.B. King, Taj Mahal, Keb Mo' or Santana records, who has also more that ten records awarded with a Grammy Award. In October 2014 the band travelled to Rockfield studios in Wales, the impressive studios where have also recorded some of the most important rock artists like Black Sabbath, Rush or Oasis which, in 1975 were also the first studios used by Queen to record "Bohemian Rhapsody", one of the greatest pop albums of all times. Blue Strip leader, singer and guitar player Micke Bjorklof is an experienced musician who knows how to give the most actual, dynamic and wrapping air to all the compositions he plays, where the blues always sounds attractive and reliable and, sometimes, with a breath of industrial music.
On the second album the environment is totally different. It was recorded three years ago by Micke Bjorklof but, this time, in a trio format. Besides, Micke leaves guitar and vocals to devote himself to play drums, percussion and harmonica. The two musicians who share the recording are the charismatic Lefty who plays all string instruments and alternates on vocals with electric and acoustic bass player Chef.
To close the trilogy of these albums released by Hokahey! label, comes Lumberjacks, a band which includes again bass player and singer Chef, who is backed by Urmas 'Big Hand' Niemi on vocals and guitars, Janne Käpilä on drums, percussion and vocals and Jarkko Salo on vocals and keyboards. They give us a wide range of coloured music, full of nuances and tonalities, that move along the most sophisticated and warm blues, seasoned with a light and fragrant pop, together with a well teamed vocal arrangements in the path of sixties ‘mersey beat’ English bands, performed with an attentive gaze in the most actual trends, although the album is the oldest one of these three ones, as it was published five years ago. VERY GOOD.

Jack Bon Slim Combo “What A Good Life!”. Starasso Prod 2014.
El cantante y guitarrista francés Jack Bon lidera con pulso firme a los Slim Combo que incluyen a Laurent Falso a la batería, percusión y voces y Chris Michel al bajo y voces. En esta ocasión han contado asimismo con la valiosa aportación del armonicista Fred Brusse quien proporciona su toque personal lleno de sensibilidad en algunas canciones del álbum. Este disco es una buena muestra del blues-rock más contemporáneo al tiempo que influenciado por los grupos de los años setenta, estilo del que Jack Bon es un destacado representante en el país galo. Su música está impregnada de funk y boogie y su guitarra destila fiereza confiriendo un sello característico y muy reconocible para todos sus fans que le siguen por decenas. Todo ello convierte a la música que se incluye en éste “What A Good Life!”, compuesta en su totalidad por ésta figura histórica del rock francés, en un racimo de canciones bien hilvanadas que consiguen que éste álbum sea de fácil digestión y altamente recomendable. MUY BUENO. French singer and guitar player Jack Bon leads with strong pulse the Slim Combo which includes Laurent False on drums, percussion and vocals and Chris Michel on bass and vocals. This time they have also counted with the valuable contribution of harmonica player Fred Brusse who provides a personal touch full of sensitivity to some of the album songs. The recording is a good example of the most contemporary blues-rock but, at the same time, it is deeply influenced by seventies rock bands, a kind of music Jack Bon is a prominent representative in the French country. His style has a deep touch of funk and boogie and his guitar communicates a terrific wildness which gives an identifiable hallmark for the legion of fans which follow him. All these things make the music included in "What A Good Life! ", that has been totally composed by this historical figure of the French rock, to complete a bunch of well built up songs that form an easily digestible and highly recommended album. VERY GOOD.

Diane Durrett “Soul Suga’”. Blooming Tunes Music / BlindRaccoon 2015.
Los amantes de las grandes voces del rhythm and blues y del soul tienen ahora la oportunidad de disfrutar del enorme talento de una extraordinaria cantante, compositora, guitarrista y productora llamada Diane Durrett. Este nuevo y brillante disco recoge once canciones en las que Diana se ha rodeado de la flor y nata de los músicos de la zona de Georgia. Todos ellos constituyen el pilar, la base, el mejor soporte y aportan el protagonismo necesario para que Diane Durrett brille a un óptimo nivel y gran altura. Durrett ha sido comparada con artistas de la talla de Gladys Knight, Janis Joplin, Aretha Franklin o Melissa Etheridge, pero lo cierto es que nuestra protagonista tiene la suficiente personalidad como para que después de ella y a partir de e un próximo futuro no muy lejano, una nueva cohorte de cantantes sigan la estela de esta nueva vocalista que empieza a despuntar muy alto. En todas y cada una de las canciones del disco, Diane consigue despertar nuestros sentidos, emocionándonos e incluso nos hace sonreir y bailar a partes iguales. Un disco brillante y atrevido con la participación de más de veinticinco músicos que afrontan éste viaje sonoro con un cuidado exquisito que da como resultado un álbum de una enorme calidad musical. MUY BUENO. All followers and lovers of the great voices of rhythm and blues, have now the opportunity to enjoy with the amazing talent of an extraordinary singer, songwriter, guitarist and producer called Diane Durrett. This brilliant new album includes eleven songs where Diana is surrounded by the cream of Georgia area musicians. All of them become the real foundation, the basis, the best support and provide the necessary quality to let Diane Durrett shine at a very high level. Durrett has been compared with such great singers like Gladys Knight, Janis Joplin, Aretha Franklin or Melissa Etheridge but, the true thing is she has her own personality. Probably in the next future she will create a school of new singers who will follow the path of this singer who, little by little, stands out as a rising star. In every album song, Diane awakens our senses, moves us and she even communicates happiness and dancing in equal parts in some passages of the album. This is a bright daring recording with more than twenty musicians involved on it who all together face this magical journey with an exquisite taste and care, which makes as a result an album with an undeniable musical quality. GREAT.

Jim Singleton “8 O’Clock In The Afternoon”. Self Production / BlindRaccoon 2015.
Jim Singleton es un cantante y guitarrista que suele trabajar por la zona de Pennsylvania, lugar que conoce bien y en donde a su vez es reconocido por  decenas de seguidores. Jim siempre tuvo gran admiración por un guitarrista británico llamado Bernie Marsden. Ambos se hicieron buenos amigos hace ya bastante tiempo y por eso Bernie le propuso que se fuera con él a Clarksdale, donde iba a rodar un documental sobre el blues del Delta. Viajaron al Mississippi en varias ocasiones y allí tuvieron la oportunidad de conocer a diferentes músicos locales, e incluso entrevistar al actor y propietario del club de blues Ground Zero en Clarksdale, Morgan Freeman. Con este disco Jim ha querido rendir tributo al rock, el folk y sobre todo la ‘roots music’ que se toca a ambos lados del océano. Creo personalmente que se necesita un talento especial para combinar de forma convincente el espíritu del Delta con la música rock y lo cierto es que Jim Singleton, bien secundado por más de quince músicos, tiene esa habilidad que atesora tanto en su corazón, como en su voz y en su manera de tocar la guitarra. En todo ello Jim Singleton se revela como un maestro consumado que además sabe transmitir con habilidad. El resultado es un disco convincente lleno de buenas y atractivas canciones que cautivarán totalmente al oyente. MUY BUENO. Jim Singleton is a singer and guitar player who usually works at Pennsylvania area, a place he knows very well where he is recognized by a legion of followers. Jim deeply admired a British guitar player called Bernie Marsden. Both became good friends and, one day, Bernie suggested him to travel to Clarksdale, where he was going to film a documentary about Delta blues. They travelled to Mississippi several times where they had the opportunity to meet different local musicians and even interview great actor and owner of Ground Zero blues club in Clarksdale, Morgan Freeman. With this new album Jim wants to pay tribute to rock, folk and especially roots music which are now played on both sides of the Atlantic. I personally believe one needs a special talent to combine in a convincing way the spirit of the Delta with rock music and the true is Jim Singleton has the necessary skills to do it and, besides, he holds it in his heart, his voice and the way he plays guitar, well supported by more than fifteen musicians. Jim Singleton reveals himself as an accomplished master who knows how to communicate to the audience. The result is an album full of good, convincing and attractive songs that will completely captivate a wide range of listeners. VERY GOOD.

Delta Moon “Low Down”. Jumping Jack / BlindRaccoon 2015.
Tom Gray y Mark Johnson son dos excelentes guitarristas de slide que vuelven nuevamente a la carga para ofrecernos su décimo disco que incluye nueve canciones originales y tres covers de bella factura. En esta ocasión Gray se encarga de la voz, guitarras, teclados y armónica, Mark está a la guitarra y coros, mientras que Franher Joseph está el bajo y coros junto a Marlon Patton que realiza su trabajo a la batería. Ambos guitarras se conocieron casualmente en una tienda de instrumentos de Atlanta. Empezaron a charlar y Tom quiso venderle a Mark un dobro que tenia en el maletero de su camioneta. Después de mucho regateo Mark no compró aquel dobro, pero se intercambiaron teléfonos y poco después ya estaban tocando juntos por todos los garitos de la zona de Atlanta. Este disco que comentamos recoge con singularidad, vehemencia y una enorme calidad esos ritmos tan característicos de los tenebrosos caminos del Mississippi, transportándonos a la vez por todos esos recónditos bares de carretera, donde el blues y la música ‘americana’ se dan la mano para convertirse y formar parte de ese paisaje que a todos los que amamos éste tipo de música nos resulta enormemente familiar. MUY BUENO. Tom Gray and Mark Johnson are two excellent slide guitar player who come back again to bring us his tenth album that includes nine original songs and three beautiful covers. This time Gray sings and plays guitars, keyboards and harmonica, Mark is on guitar and backing vocals, while Franher Joseph is on bass and backing vocals together with Marlon Patton who plays drums. Both guitars met by chance in a music store in Atlanta. They started to talk and Tom tried to sell Mark a dobro on the back of his van. After haggling over, Mark did not buy it, but they exchanged telephones and shortly after they were playing together in joints, bars and clubs of Atlanta area. The album picks up all those original rhythms of the shady and dark Mississippi roads with a unique intensity and a fine quality, driving us to those hidden road bars, where blues and Americana music come together and become an essential part of that special landscape, which becomes familiar to every one who loves this kind of music. GREAT.

Mitch Mann “Blackwater Creek”. Crazy Chester / BlindRaccoon 2015.
Por motivos obvios el blues de preguerra se interpretaba siempre de forma totalmente acústica, pero hoy en día es bastante excepcional, sobre todo entre los más jóvenes, que un intérprete deje de lado la guitarra eléctrica para centrarse únicamente en un instrumento no amplificado. Esto es lo que ha hecho y que plasma en este último disco el cantante, guitarrista y compositor Mitch Mann, acompañado solamente de su guitarra y su voz, con la intervención de algunos pocos amigos que colaboran en siete temas propios y cuatro covers. Mann creció en Alabama y empezó a tocar la guitarra con solamente once años. Pronto comenzó a componer y a tocar con diferentes bandas locales, lo que le dio seguridad y conocimientos. Se graduó en música en el Northwest Community College de Alabama dedicándose a la labor de la enseñanza teórica y practica de la música, consiguiendo en 2007 el Bachelor Of Arts Degree por la Universidad de Alabama. Este disco nos presenta a un artista en el mejor momento de su carrera, donde su dominio, elegancia y buen hacer con la guitarra acústica y su delicada y sugerente voz, dan como resultado un agradable y relajante álbum de blues, baladas y folk. MUY BUENO. For obvious reasons pre-war blues was always performed in a totally acoustic way, but now it is quite exceptional, especially among the younger ones, that a guitar player leaves aside electric guitar to only focus on a not amplified instrument. This is what singer, guitarist and composer Mitch Mann has been doing and is reflected in this album, where he is only backed by his guitar, his voice and few friends who work along seven own songs and four covers. Mann grew up in Alabama and began playing guitar when he was only eleven years old. He soon started to compose songs and play with different local bands, which gave him self assurance and knowledge. He graduated in music at Northwest Community College in Alabama and worked teaching theoretical and practical music training. In 2007 he received the Bachelor of Arts Degree by the University of Alabama. This recording will make you discover an artist at the peak of his career, where the elegant mastery, the great acoustic guitar work together with his delicate and suggestive voice, give as a result a pleasant relaxing album of blues, ballads and folk. VERY GOOD.

Michael Falzarano “I Got Blues For Ya”. Hypnotation / BlindRaccoon 2015.
Michael Falzarano no es un desconocido en el mundo de la música, pues posee una dilatada carrera de más de cuarenta y cinco años. Miembro de bandas tan legendarias como Hot Tuna, The New Riders Of The Purple Sage o The Memphis Pilgrims, actualmente Michael lidera por derecho propio su último proyecto y aventura The Extended Family. Con ellos Michael Falzarano da rienda suelta a su imaginación y saca de lo más profundo de su ser todos sus fantasmas y tormentos, a través de un blues incisivo y expresivo, interpretado siempre con gran efectividad y mucho sentimiento, por medio de magistrales solos de guitarra y de arreglos musicales desbordantes de imaginación y buen gusto. Su ataque es delicado y a la vez desmedido y sus intervenciones vocales no tienen desperdicio. Incisivo y arrollador de principio a fin, con un tono vocal cercano en algunas canciones al mejor Bob Dylan de los setenta, Michael y su banda afrontan con valentía y en plena forma, un álbum atractivo y muy personal. MUY BUENO. Michael Falzarano is not an unfamiliar name in the music world, because he carries a long career of more than forty-five years on his back. Member of legendary bands like Hot Tuna, The New Riders Of The Purple Sage or The Memphis Pilgrims, now Michael firmly leads his last band and musical project The Extended Family. With this band Michael Falzarano gives free rein to his imagination and takes out his depths, ghosts and anguishes, with the most sharp and expressive blues you could imagine, always performed with great effectiveness and a lot of feeling, thanks to masterful imaginative guitar solos and tasteful overflowing arrangements. He is gifted with a delicate but at the same time excessive attack and his voice is always cutting and overwhelming with a pitch tone that could remain the voice of he best Bob Dylan of the seventies, Michael and his band are on top form and fiercely approach a work that becomes an attractive and very personal album. GREAT.

Jon Spear Band “Old Soul”. Self Production / BlindRaccoon 2015.
Con éste disco debuta en el mercado discográfico una banda llamada Jon Spear Band, en el que muestran su innato talento tanto para componer música, como para combinar intrigantes letras y creativos ritmos, que dan como resultado una memorable experiencia sonora. Seis de las canciones incluidas nos presentan a un joven cantante, armonicista y guitarrista llamado Dara James, quien contribuye a dar el sonido distintivo del grupo con un estilo propio fácilmente distinguible, mientras que, por otra parte, la aportación del también cantante y guitarrista Jon Spear con nueve canciones propias y liderando a la totalidad de la banda, da la originalidad necesaria y muy amena para que la música y el sonido del grupo sean fácilmente reconocibles. La formación se completa con una engrasada y sólida sección rítmica compuesta por el bajista Andy Burdetsky y el sagaz batería John Stubblefield. El grupo combina juventud y veteranía, pues aunque la edad de los músicos está separada por varias generaciones, todos ellos comparten su experiencia y buen hacer para crear una música a caballo entre el blues, el funk, el rock, el soul y el swing, atreviéndose incluso a aderezar alguna canción con algún ritmo salsero. MUY BUENO. Jon Spear Band makes its debut in the music market with this interesting album. The recording shows the band natural talent for both composing music with creative rhythms and combine them with mysterious fascinating lyrics, which gives as a result a memorable experience. Six of the songs included introduce us young singer, harmonica and guitar player Will James, who contributes to give a distinctive sound to the group with a personal easily distinguish style while, on the other hand, the contribution of singer and guitar player Jon Spear with nine own songs and leading the whole band, gives the necessary and joyful originality to make their music and sound easily recognizable. The band greasy and powerful rhythm section includes bass player Andy Burdetsky and an able John Stubblefield on drums. The group combines youth and maturity and, although the musicians age is separated by several generations, all of them share the same experience and good taste to create a kind of music that includes blues, funk, rock, soul or swing and they even dare to spice with some salsa rhythms a couple of songs. VERY GOOD.

Ray Goren “Save My Soul”. RJ Ray / BlindRaccoon (EP) 2015.
Ray Goren fue uno de esos niños prodigio que, con sólo cinco años, ya sabía tocar al piano canciones de Thelonius Monk, Oscar Peterson o Miles Davis. Curioseando en youtube descubrió un vídeo en el que B.B. King, Eric Clapton, Jeff Beck, Buddy Guy y Albert Collins estaban tocando juntos, por lo que decidió que, a partir de ese momento, se dedicaría a tocar la guitarra. Ray aporta juventud, frescura y nueva savia al blues, estilo que pasa por un tamiz diferente y curioso, embarcándose en una aventura, vibrante y totalmente diferente a lo que normalmente solemos escuchar. Ray Goren pertenece a esa generación actual que sabe transmitir nuevos conceptos y sensaciones dormidas dentro de nuestro ser y que reaparecen con intensidad cuando descubrimos a músicos como Ray Goren que, sin duda, está llamado a ser uno de los nuevos valores de la música. Además de nuestro hombre a la guitarra, bajo y voz, en este proyecto se encuentran a su lado Rob Humphreys batería y Jon Sosin a la producción, sintetizadores y guitarra, además de algunos invitados. MUY BUENO. Ray Goren was a prodigy child. Only aged five, he already knew to play on piano songs by Thelonius Monk, Oscar Peterson or Miles Davis. Browsing on Youtube he found a video where B.B. King, Eric Clapton, Jeff Beck, Buddy Guy and Albert Collins were playing together. It was so imoressed thet he decided he would devote his life to play guitar. Ray brings youth, fresh air and new blood to the blues, a style he passes through a different and original filter, to embark himself on a vibrant adventure completely different to what we usually listen to. Ray Goren belongs to the actual generation of musicians who know how to communicate new concepts and feelings which are usually hidden in our minds and fiercely come back when we discover musicians like Ray Goren who is undoubtedly called to be one of the new music values. Besides Ray Goren on guitar, bass and vocals, there have also collaborated on the project Rob Humphreyson on drums and Jon Sosin on synthesizers, guitar and final production, together with some guest musicians. VERY GOOD.

Breezy Rodio “So Close To It”. Windchill / BlindRaccoon 2015.
El cantante, compositor y guitarrista Breezy Rodio es un nuevo valor de la escena del blues de Chicago con un gran porvenir por delante, siempre dispuesto a perpetuar el sonido del más puro estilo del west y south side de los años sesenta. Después de iniciarse en New York, Rodio se instaló en Chicago para intentar hacerse un nombre dentro del estilo que más le gustaba cantar e interpretar, empezando pues a actuar con regularidad junto a Guy King y otros nombres de la escena de la ciudad. Linsey Alexander vio el enorme potencial de este músico, convirtiéndose inmediatamente en su mentor y padrino por lo que, poco después, Breezy Rodio ya lideraba con gran convicción la banda de Alexander. Este disco nos presenta siete temas originales y ocho covers que combinan el blues de siempre con destellos algo más modernos, pero sin perder en ningún momento el horizonte que marca las fronteras del blues de la ‘ciudad del viento’, es decir, shuffles o slows de ayer, de hoy y de siempre. Breezy Rodio es uno de los artistas más prometedores de la nueva hornada del Chicago blues y, en este disco, tiene como invitados a músicos de la categoría de Billy Branch, Lurrie Bell o Carl Weathersby. Un álbum totalmente recomendable para disfrutar y deleitarse por todo lo alto. BUENISIMO. Singer, songwriter and guitar player Breezy Rodio is a new value of Chicago blues scene with a great future ahead. He is always willing to perpetuate the sound of the real sixties West and South Side styles. After starting his music career in New York, Rodio moved to Chicago with the purpose to build up a name in the music he really loved to sing and play. He began to perform regularly with Guy King and other names of city scene. Linsey Alexander saw the enormous potential of this musician and he immediately became his mentor and godfather so, shortly after, Breezy Rodio became Alexander’s band leader. This album brings us seven original songs and eight covers that combine old time blues with some more actual ones, but never losing the frame and horizon that marks the borders of ‘windy city’ blues, that is to say, shuffles or slows from yesterday, today and forevermore. Now Breezy Rodio is one of the most promising artists of Chicago blues. In this album you will also find such great musicians like Billy Branch, Lurrie Bell or Carl Weathersby. This is an absolutely recommended record to enjoy and savour with great pleasure. GREAT.

Mississippi Fever “300 Miles To Memphis” Self Production / BlindRaccoon 2015.
“300 Miles To Memphis” es el nuevo trabajo de un grupo no muy conocido hasta el momento. No obstante esperamos que a partir de ahora empiecen a hacerse un hueco en el panorama de las nuevas formaciones musicales que corren actualmente por los Estados Unidos. La banda la forman el cantante y guitarrista Brent Barker, el bajista Ted May y su hermano, el batería Tom May. El grupo se formó en el 2009, aunque hay que mencionar que los músicos ya se conocían desde hacía más de veinticinco años e incluso ocasionalmente habían tocado juntos por la zona de Los Ángeles. Siempre supone un desafío grabar un disco únicamente con guitarra, bajo y batería porque, además de tener calidad, los músicos deben entregarse al máximo llenando de contenido todas las canciones y aunque en este álbum los Mississippi Fever han contado con la colaboración de tres músicos como son Steve Grimmes y Rick Steff a los teclados y Brandon Santini a la armónica, no por ello el trío suena menos convincente. Si os va el rock sureño, los ZZ Top o el rock que practicaban los Grand Funk Railroad, entonces creo que este disco puede llegar a gustaros, por supuesto salvando todas las diferencias. BUENO, "300 Miles to Memphis" is the new work of a not much known band so far although I hope from now on they will start to gain a place in the overview of the new musical groups they are emerging now in USA. The band includes singer and guitarist Brent Barker, bass player Ted May and his brother Tom May on drums. The group was created in 2009, although the three musicians became friends more than twenty-five years ago and even they occasionally played together in Los Angeles area. It is always a challenge to record an album only including guitar, bass, and drums because the musicians should have quality enough and great commitment to fill with content all songs but, although The Mississippi Fever have counted with the collaboration of three good musicians like Steve Grimmes and Rick Steff on keyboards and Brandon Santini on harmonica, this does not mean the trio sounds less convincing. If you like southern rock, ZZ Top or the rock of Grand Funk Railroad, then I dare say that, in spite of the obvious differences, this album will probably satisfy you. GOOD.

Chris Daniels & The Kings Featuring Freddi Gowdy “Funky To The Bone”. Mon Voyage / BlindRaccoon 2015.
Dos grandes maestros del soul y el rhythm and blues mas actual como son el cantante, compositor y guitarrista Chris Daniels y el también cantante Freddi Gowdy, se han reencontrado para grabar este delicioso álbum, donde prima la alegría, el buen humor y sobre todo la diversión. De hecho este disco es la celebración de ambos músicos por haber superado cada uno de ellos con éxito un cáncer, por lo que todas las canciones incluidas son un maravilloso canto a la vida y, sobre todo, un canto a la supervivencia. Herederos de los grandes maestros del soul como Sam & Dave o Sly & The Family Stone, sin dejar por ello de lado el funk o el rhythm and blues, el álbum cuenta asimismo con un nutrido plantel de músicos de mucha talla y alta envergadura que hacen de este disco un soberbio muestrario del sonido Motown y Stax de antaño, una auténtica explosión de puro e intenso ritmo, llevado a su máxima expresión con firmeza, credibilidad y mucha calidad musical. Mi recomendación es que os hagáis con una copia, la llevéis con vosotros a cualquier fiesta del sábado noche y tened por seguro que vais a triunfar entre todos vuestros amigos desde los primeros compases de “Funky To The Bone”, canción que da título al álbum y con la que se abre el disco, hasta “Birthday Suit”, que cierra estos diez excelentes temas. BUENÍSIMO. Two great masters of the actual soul and rhythm and blues as singer, songwriter and guitar player Chris Daniels and the also singer Freddi Gowdy, have met again to record this delicious album, where the key is joy, happiness and fun. In fact the album is what Chris and Freddi have done to celebrate both musicians have successfully overcome a cancer, so all songs included are a celebration to life and especially a hymn to survival. Heirs of great soul masters as Sam & Dave or Sly & The Family Stone, they do not let aside funk or rhythm and blues, they perform together with a wide bunch of high quality and very professional musicians who make a superb showcase of the real Stax and Motown old sound, a true explosion of pure intense rhythm, they led to the highest expression with a strong credibility and musical quality. My advice is you get a cd copy, bring it to a Saturday night party and be sure you will succeed among all your friends since the first notes of the opening song "Funky To The Bone", that gives title to the album, to "Birthday Suit" that closes these ten excellent tracks. GREAT.

Anthony Gomes “Electric Field Holler”. Up 2 Zero / BlindRaccoon 2015.
Originario de Toronto, Canadá el cantante, compositor y guitarrista Anthony Gomes ha creado un estilo único, personal y virtuoso con un poderosísimo sonido sin ambages ni concesiones, basado sobre todo en el power blues, algo que ha sido su sello principal y marca de la casa desde que publicara su primer álbum en 1998. Con doce discos a sus espaldas, Anthony nos presenta su nuevo trabajo en el que incluye doce temas propios dotados de su característico sonido ‘hard and heavy rock blues’. Según palabras del propio Gomes, su propósito en este disco ha sido aglutinar una colección de rock blues atemporales con altas dosis de energía apocalíptica, electricidad y desmesurada pirotecnia incendiaria y corrosiva a base de solos guitarreros altamente eficaces, dicho de otro modo, quería publicar un disco compacto pero que recogiera la tradición del blues americano como B.B. King o Muddy Waters, pasado por el filtro del blues británico y el rock de los Cream, Free, Jeff Beck e incluso de AC/DC. Debo decir que efectivamente Anthony Gomes ha llevado a cabo su audaz y provocativo proyecto con mucha eficiencia y cohesión. MUY BUENO. Toronto coming singer, songwriter and guitarist Anthony Gomes has created a unique, very personal and virtuoso style with an extremely powerful sound, performed with no ambiguities, primarily based on power blues, something that has been his hallmark since he released her first album in 1998. With twelve albums on his back, Anthony brings us his new work that includes twelve own songs, all them with his distinctive 'hard and heavy rock blues' sound. According to Gomes own words, his aim has been to gather a collection of timeless blues rock with high doses of apocalyptic energy, electricity and incendiary caustic fireworks, based on highly effective guitar solos. In other words, he wanted to publish a solid powerful album which included American traditional blues in the path of B.B. King or Muddy Waters but passed through the filter of British blues and the rock of Cream, Free, Jeff Beck and even AC/DC. I must say Anthony Gomes has carried out this daring provocative project with an effective coherence. VERY GOOD.

Eddie Taylor Jr. “Stop Breaking Down” Wolf 2015.
Acompañando a Eddie Taylor Jr. en su último álbum se encuentran Tony Palmer como segundo guitarra, Greg McDaniel al bajo, Timothy Taylor a la batería, junto a Harmonica Hinds y Bob Waleso a las armónicas. Este puñado de buenas canciones con las que nos encontramos cubren todo el espectro del blues de Chicago, tanto el clásico como el más moderno, con temas como “Ghetto Woman” de B.B. King en la que Eddie suena estilísticamente similar al gran e inolvidable Fenton Robinson, o la maravillosa versión del clásico de Jimmy Reed “Baby What You Want Me To Do”, donde el limpio y cristalino sonido de guitarra de Eddie Taylor Jr. rinde homenaje a su padre. En un esfuerzo considerable para adaptarse a un público cada vez más joven, Eddie ha ido modernizando su estilo, experimentando incluso con diferentes pedales y efectos de guitarra, de los que sale muy airoso. El resultado es un disco altamente satisfactorio y ello se hace evidente en muchos de sus solos de claro matiz rockero en ocasiones suavemente distorsionados por la pedalera que emplea, especialmente en la canción de Doctor Clayton “I Got To Find My Baby”. Un buen disco de blues de Chicago si no fuera por el armonicista Bob Waleso que está fuera de lugar y estropea en ocasiones las canciones en las que interviene. MUY BUENO. Backing Eddie Taylor Jr. in his last album you will find Tony Palmer on second guitar, Greg McDaniel on bass, Timothy Taylor on drums, together with Harmonica Hinds and Bob Waleso on harmonica. The handful of good songs that form the album cover a wide range of Chicago blues, both traditional and actual ones, with songs like "Ghetto Woman" by B.B. King where Eddie sounds stylistically similar to the great and unforgettable Fenton Robinson, or the wonderful version of Jimmy Reed’s "Baby What You Want Me To Do," where the neat and crystal sound of Eddie Taylor Jr.’s guitar pays tribute to his father. On a big effort to adapt himself to an increasingly young audience, Eddie has modernized his style, experimenting with different pedals and guitar effects and he has really succeeded. The result is a highly satisfactory album, which becomes evident in many of his rocky solos that sometimes have a gently pedal distortion, especially in Doctor Clayton’s song "I Got To Find My Baby".  This is a good Chicago blues album if it was not for harmonica player Bob Waleso who does not contribute to a good final result and sometimes spoils the songs where he plays. VERY GOOD.

Ronnie Earl & The Broadcasters “Father’s Day”. Stony Plain / Karonte 2015.
Una vez más el guitarrista de blues Ronnie Earl nos sorprende gratamente con un álbum impoluto en ejecución y solidamente interpretado como la mayoría de las ocasiones en las que cualquier trabajo suyo sale al mercado. Dotado de una técnica elegante y de mucha emoción, Ronnie desarrolla en este “Father’s Day” su estilo característico de interpretar y sentir los blues con algunas pinceladas jazzy que, en ocasiones, llega a recordar el estilo de Dave Specter o también a Duke Robillard y Luther ‘Guitar Jr.’ Johnson. A diferencia de algunos de sus anteriores discos en los que la mayor parte de sus temas eran instrumentales, en esta ocasión Ronnie Earl ha contado con dos reputados vocalistas dotados de unas cualidades vocales de enorme enjundia, como son la maravillosa Diane Blue y el magnífico Michael Ledbetter. Ambos ponen toda la carne en el asador y se reinventan en cada uno de los temas que abordan con magistral intensidad, pericia y habilidad. Los arreglos, los vientos, la producción y todo lo que alberga este disco es impecable y extraordinario. Un álbum que sin duda tiene que estar en cada una de las colecciones de discos de los aficionados al género. IMPRESCINDIBLE. Once again blues guitarist Ronnie Earl pleasantly surprises us with a spotless album, performed with an extreme good taste and a strong commitment, as usually happens every time he publishes a new work. Gifted with an elegant and emotional technique, in this “Father’s Day”, Ronnie develops his most characteristic style to perform and feel the blues, filled with some drops of jazzy influences that sometimes could remind Dave Specter or even Duke Robillard and Luther "Guitar Jr." Johnson. Unlike some of his previous recordings where most of the songs were instrumentals, this time Ronnie Earl has recruited two reputed singers gifted with amazing vocal qualities, as the wonderful Diane Blue and the magnificent Michael Ledbetter. Both give the best of themselves to reinvent their singing with a masterful skill and great feeling in each and every song they do. Arrangements, horns, production and everything that has been included in the album are superb and faultless. Definitely “Father’s Day” and Ronnie Earl deserve a special place in any good blues lovers record collection. ESSENTIAL.

John Primer “Muddy Waters 100”. Raisin’ Music / Karonte 2015.
Este es un disco donde, con motivo del centenario de su nacimiento, se rinde homenaje a una de las figuras clave del blues eléctrico y, en especial, del blues de Chicago, ya que sin su figura hubiera sido impensable que el estilo y el sonido de este tipo de blues fuera el que sentara las bases de casi todo el rock que posteriormente se expandió como un reguero de pólvora entre todos los jóvenes de la época y que todavía continúa hoy día. Me refiero al gran Muddy Waters, pilar imprescindible y arquitecto de un sonido y una música histórica y que nunca será olvidado. La idea del disco partió de John Primer, cantante y guitarrista arquetipo del más puro y tradicional blues de Chicago y que siempre admiró con locura a su mentor y padre musical. El disco contiene quince canciones a cual mejor y, además de Primer como cantante principal y guitarrista, en él han participado enormes talentos como James Cotton, Bob Margolin, Johnny Winter, Shemekia Copeland, Dereck Trucks, Steve Gibbons, Billy Branch, Keb’ Mo, Kenny Smith y un puñado de fantásticos músicos, todos ellos entregados en cuerpo y alma al proyecto. Cada uno de ellos interpretan los temas con los cinco sentidos puestos al servicio de las canciones y también con un marcado sentimiento y una emoción que se transmite en cada nota con inusitada pasión. Este es uno de esos maravillosos discos que no deben pasar desapercibidos, sobre todo porque si lo que se busca es escuchar BLUES con mayúsculas, éste es el mejor regalo que uno puede encontrar para su total deleite. IMPRESCINDIBLE. This is album that pays tribute to the centenary birth of one of electric blues key figures but especially of Chicago blues. Without him it would have been impossible this particular style and blues sound had settled the basis for nearly all rock music that caught like a wildfire among all young people of that time and still follows on catching people nowadays. I am talking about great Muddy Waters, the essential pillar and builder of a sound and an historical music which will never be forgotten. The idea of recording this album came from singer and guitar player John Primer, one of the best performers of the most pure and traditional Chicago blues who deeply admires his mentor and musical father. The album contains fifteen excellent songs mostly led by Primer’s guitar and voice, but you will also find such great talents like James Cotton, Bob Margolin, Johnny Winter, Shemekia Copeland, Dereck Trucks, Steve Gibbons, Billy Branch, Keb' Mo, Kenny Smith and a handful of fantastic musicians, all them with a total commitment and completely delivered to the project. Every musician involved puts the five senses on what they perform, but they also do it with an enormous feeling and passion that becomes evident in every impressive note they play. This is one of these wonderful albums that should not go unnoticed, especially if you are looking for BLUES with capital letters. This is the best gift you can find for your total joy and happiness. ESSENTIAL.
 

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