LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad (más de 5.000) se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 (more than 5.000) are collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Febrero - Enero 2019 - Diciembre 2018 / February - January 2019 - December 2018

FEBRERO 2019 / FEBRUARY 2019

Fiona Boyes “Voodoo In The Shadows”. Reference Recordings 2018.
Mississippi, Memphis, New Orleans y en general la música del `profundo sur de los Estados Unidos han ejercido una especial influencia y atracción en la cantante y guitarrista australiana Fiona Boyes. A lo largo de su carrera ha recibido innumerables reconocimientos por parte de medios especializados como de otras entidades, que valorado su calidad musical y su labor por mantener vivo el espíritu del blues, tanto en su faceta acústica como cuando está arropada por una banda eléctrica. En esta ocasión nos presenta su nuevo trabajo autoproducido con un total de once canciones, nueve de las cuales son composiciones de la propia Fiona. Junto a ella se encuentran músicos bien conocedores del género como Tim Neal al Hammond B-3, piano, bajo y saxo barítono y Mark Gruden a la batería y percusión, además de Jumpin’ Johnny Sansone a la armónica y acordeón. A lo largo del disco Fiona nos demuestra su conocimiento de la guitarra empleando varios de estos instrumentos como una Maton de seis cuerdas, tres modelos diferentes de cigar box o una original y rara baritone National Reso-lectric. Un repertorio seleccionado con buen gusto y criterio que nos conduce a historias que nos hablan de respeto, misterio, sensualidad, amor, actitud y… ¿por qué no? también a buenos momentos de alegría y diversión. MUY BUENO. Mississippi, Memphis, New Orleans and in general deep south American music have always exerted a very special influence and attracted Australian singer and guitar player Fiona Boyes. Along her career she has received countless recognitions from specialized media as well as other blues associations, which have always put in value her musical quality and her endless work to keep real blues alive, both in her acoustic facet and also playing with an electric band. This time she presents her new self-produced recording with eleven songs, nine of them Fiona’s own compositions. Surrounding her you will find two good and expert musicians, Tim Neal on Hammond B-3, piano, bass and baritone sax and Mark Gruden on drums and percussion, plus Jumpin' Johnny Sansone on harmonica and accordion. Along the album Fiona clearly shows her guitar knowledge playing several of these instruments, like a six string Maton, three different models of cigar box or an original rare baritone National Reso-electric. A cleverly selected and tasteful repertoire will lead listeners to stories that talk about respect, mystery, sensuality, love, attitude and... why not?, to good moments of joy and fun. GREAT.

Khalif Wailin’ Walter “Nothin’ Left To Lose”. ZYX Music 2018.
El cantante y guitarrista Khalif Wailin’ Walter es uno de los nuevos valores de la escena del blues de Chicago que camina con paso firme hacia el éxito. Hijo de padres militares, tuvo la oportunidad de viajar por todo el mundo obteniendo su primera guitarra a los diecisiete años. Fue tremendamente afortunado en tener un encuentro casual con B.B. King quien le ofreció una masterclass de guitarra y, a partir de ese mágico momento, decidió que lo que quería hacer durante el resto de su vida era tocar la guitarra. Uno de sus conciertos con una banda de rock le llevó a Chicago donde inmediatamente quedó atrapado tanto por la ciudad como por su música. Se estableció en esta ciudad y ayudado por su tío Carl Weathersby ha ido desarrollando una carrera cada vez mas prolífica, ganando en experiencia y calidad. Parte de su conocimiento y buen hacer se plasma ahora en este álbum compuesto por nueve temas que sobrepasan los limites del blues para adentrarnos en otros terrenos musicales como son el funk, el reggae, el rock o el soul, aunque también es cierto que los ecos del blues se aprecian en gran medida en todas sus composiciones. MUY BUENO. Singer and guitar player Khalif Wailin' Walter is one of Chicago blues scene new values who is firmly waking towards success. Son of military parents, he had the opportunity to travel around the world, getting his first guitar when he was seventeen. He was so lucky to meet B.B. King who gently gave him a master-class so, from that magical moment, he decided that to play guitar was what he wanted to do for the rest of his life. One of his concerts with a rock band took him to Chicago where he was immediately caught both by the city and its music. He settled there and helped by its uncle Carl Weathersby he has developed an increasingly wide career, gaining in experience and quality. Part of his knowledge and good work is now gathered in this new recording with nine songs that overflow the blues limits to drive us to other musical fields such as funk, reggae, rock or soul, although blues echoes are fairly present in all his compositions. VERY GOOD.

John Akapo “Paradise Blues”. Mensch House / Mark Pucci 2018.
Si, si, definitivamente podemos afirmar que el blues existe también en Hawaii, y el guitarrista y cantante John Akapo da fe de que es así. Con su enorme estatura y una figura que impresiona desde que le ves venir en la lejanía, su profunda voz, y su apasionada forma y manera de tocar la guitarra acústica, Akapo ha encandilado durante décadas no sólo a los residentes de esa maravillosa isla, sino también a sus turistas y a visitantes. Este es su primer trabajo discográfico en el que el blues mas tradicional se encuentra aderezado con la sal de los mares del Pacífico, en diez buenas canciones, siete de ellas escritas por el propio John, mas tres versiones de los clásicos “Ramblin’ On My Mind” de Robert Johnson, “I Can’t Be Satisfied” de Muddy Waters y “Big Road Blues” de Tommy Johnson. El álbum es una muestra del más puro blues interpretado en clave acústico y semi-acústico. Todos los aficionados que han degustado en directo del arte bluesero de John Akapo aprecian el hecho de que un músico de Hawaii posea la habilidad de comunicar la pasión y el espíritu del blues del profundo sur del Mississippi y lo haga con tanta entrega, pasión y honestidad. MUY BUENO. Yes… yes… definitely we can say the blues exists in Hawaii, and singer and guitar player John Akapo confirms it. With his impressive stature when you see him coming from distance, his deep voice, and his passionate acoustic guitar playing, Akapo has dazzled for decades not only the habitants of that wonderful island, but also tourists and visitors. This is his first album, where the most traditional blues is seasoned with Pacific salted sea water, in ten good songs, seven of them John’s own compositions, plus three versions of the classics "Ramblin' On My Mind" coming from Robert Johnson, "I Can't Be Satisfied" by Muddy Waters and "Big Road Blues" by Tommy Johnson. The album is a good example of genuine acoustic and semi-acoustic blues. All the fans who have tasted live John Akapo’s fine blues, will also appreciate the fact that a musician coming from Hawaii has the skill to communicate the Mississippi deep south blues passion and spirit and do it with such delivery, commitment and honesty. VERY GOOD.

Dale Bandy “Blue”. Elastic Penguin / Frank Roszak 2018.
Con cuarenta años de experiencia el cantante, guitarrista, compositor y productor Dale Bandy llega ahora para sorprender al oyente con un álbum diferente e interesante, donde emplea un amplio abanico de colores y propuestas, además de estar lleno de experiencias sonoras que son muy de agradecer. Dale es un camaleón del blues que se mueve con comodidad y soltura tanto en el blues tradicional de los años cincuenta como también en el blues rock, sin olvidar el blues contemporáneo, estilos que maneja con gusto, propiedad y alarde de fuerza expresiva. Este es el primer disco que publica bajo su propio nombre en el que incluye cinco temas de su propia cosecha y cuatro versiones que nos permiten apreciar la especial actitud y el amplio recursos de los que es capaz de hacer gala en todos y cada uno de los temas incluidos en este álbum. Además de hacerse cargo de la voz y la guitarra, en estas grabaciones Dale Bandy toca también órgano, teclados, bajo en un tema y caja de ritmos, estando acompañado por Gary Thompson al bajo, Joe Bolero al saxo tenor en una canción y Goran Eric al trombón también en un corte. Un álbum curioso, diferente y abierto a diferentes tendencias que seguramente convencerá a la mayoría de oyentes. MUY BUENO. With forty years of experience, singer, guitar player, songwriter and producer Dale Bandy comes now to surprise listeners with a different interesting album, where you will find a wide range of proposals and colours, full of grateful sound experiences. Dale is a blues chameleon who comfortably moves across 50’s traditional blues, blues rock or the most contemporary blues, styles he tastefully and properly manages with a remarkable expressive strength. This is the first album he has released under his own name, that includes five own compositions and four versions, which allow us appreciate the special attitude and the skills he is able to show in each and every one of the songs included on it. Besides singing and playing guitar, in the recording Dale Bandy also plays organ, keyboards, bass in one song and program drums, backed by Gary Thompson on bass, Joe Bolero on tenor sax in a song and Goran Eric on trombone in another cut. This is a different curious album, open to a variety of trends that will surely convince most listeners. GREAT.

Sugar Pie DeSanto “Sugar’s Suite”. Jasman 2018 (EP).
La gran vocalista Sugar Pie DeSanto nos alegra el dia con su nuevo y maravilloso mini trabajo. La dulce Sugar es una gran cantante que, a pesar de su edad, rebosa juventud, feeling y ternura por todos los poros de la piel. Su voz y su timbre siguen siendo tan cálidos y profundos como lo fueron en sus años de esplendor. Las cuatro canciones que se han escogido para dar cabida a este EP, o mini cd, no podían haber estado mejor seleccionadas, puesto que han sido escritas por ella misma de manera autobiográfica, reflejando algunos momentos de su vida que fueron tanto felices, como desgraciados, como los grandes momentos de su carrera y el reconocimiento recibido a lo largo de los años, como aquel aciago 2006 en el que un incendio acabó con la vida de su marido, su gato y todas sus pertenencias fueron pasto de las llamas teniendo que vivir por algún tiempo de la caridad, hasta que su hermano la acogió en su casa. La producción del disco es impecable y el es sonido magnífico. Un EP con cuatro canciones muy recomendables para todo aquel que quiera acercarse a la figura de esta gran mujer como es Sugar Pie DeSanto. MUY BUENO. Great singer Sugar Pie DeSanto brightens us the day with her new and wonderful mini cd. Sweet Sugar is a great singer who, despite her age, communicates a youth attitude, a lot feeling and a loving tenderness. Her voice and her vocal range are still as warm and deep as they were in her splendorous years. The four songs that have been chosen to round up this EP or mini CD, could not have been better selected, since they are Sugar’s autobiographical own compositions, that let us know some happy and sad moments she has lived, like the success in her music career and recognition received over the years, but also that fateful 2006 where a tragic fire killed her husband, her cat and all their belongings were totally destroyed by flames, so she had to depend for some time to charity to survive until his brother took her into his house. A faultless final production and super sound make this four songs EP highly recommended for anyone who wants to approach the prominent figure of this great woman called Sugar Pie DeSanto. VERY GOOD.

The Betterdays “Backlash”. NTB / GFI Promotions 2018.
A principios de los años 60 del pasado siglo The Betterdays fueron un auténtico terremoto en la escena musical británica. Llenaban salas con mas de mil personas, provocaban la histeria entre el publico y tocaban canciones de música negra que escandalizaban a las mentes bien pensantes como “Walking The Boogie” de John Lee Hooker. En septiembre de 1965 salió su primer single que se agotó rápidamente pero la industria musical quería alejarlos de su estilo y hacerles grabar temas más ligeros y menos escandalosos tal como hizo el Coronel Tom Parker con Elvis. La presión de la industria y la enfermedad de alguno de sus músicos hizo que el grupo se deshiciera y se convirtieran en una banda de culto. Sin embargo su líder Mike Weston se sintió siempre en deuda con todos sus seguidores y aunque, a finales de los años noventa volvió a reunir al grupo para algunos conciertos, su ilusión siempre fue poder plasmar el verdadero sonido que la banda tenía en sus orígenes. Finalmente y para regocijo de sus muchos seguidores que aún los recuerdan y también de sus nuevos adeptos, se ha editado este álbum que comprende veinticuatro de aquellas canciones, fiel reflejo de una música entroncada en la tradición del British rhythm and blues y el swingin’ London.
MUY BUENO. At the beginning of last century sixties, The Betterdays became a real earthquake in British musical scene. They filled rooms with more than a thousand people, provoked hysteria in the audience and played black music songs that shocked well thinking minds, like "Walking The Boogie" by John Lee Hooker. In September 1965 they released their first single that was immediately sold out, but the music industry wanted to make them move away from their raving style and make them record lighter and less raw song, as Colonel Tom Parker did with Elvis. The industry pressure and some unfortunate illness of one if his members made the band to fall apart and gradually become a cult group. However his leader Mike Weston always felt he was in debt with all his followers and although, in late 90’s, he brought the group together for some show, his aim has always been to be able to gather most of the songs they played and in this way capture the true sound they had in their first days. Finally, and to delight his many fans who still remember them and also his new followers, he has released an album with twenty-four of those legendary songs, that becomes a tribute to that band but also a faithful reflection of British rhythm and blues and swingin' London musical tradition. VERY GOOD.

John January & Linda Berry “Chemistry 101”. Self Production / GFI Promotions 2018.
Cuarenta y ocho minutos de buena música, buen rollo, mucha química, diversión, swing y alegría a raudales, esto es lo que nos ofrecen en este su primer álbum dos versátiles y excelentes músicos como son John January y Linda Berry. Ambos son dos veteranos de la escena del jump blues y el blues rock californiano, además de grandes entusiastas y admiradores de la música que practican, algo que hacen con esmero y satisfacción. Ambos se conocieron casualmente durante un concierto de Linda e inmediatamente supieron que debían unir sus fuerzas para juntos dar lo mejor de si mismos. El resultado no se hizo esperar y es en este álbum donde ellos han mostrado y recreado y con fidelidad la labor conjunta y la creatividad de la que hacen gala. En el disco están acompañados por un excelente plantel de músicos de estudio y una sección de vientos que se adaptan perfectamente a la música de esta pareja. La voz y la guitarra de John January han estado al servicio de músicos como Curtis Salgado, The Bayou Brothers o la pianista Sue Palmer. Por su parte la voz de Linda Berry destila influencias de Bonnie Raitt, Susan Tedeschi, Beth Hart, Etta James o Koko Taylor. Todas estas influencias se escuchan de forma solapada en el trabajo de ambos músicos que seguramente abrirán el corazón y los sentidos de muchos de los oyentes. MUY BUENO. Forty-eight minutes of great music, good vibrations, overflowing chemistry, fun, swing and joy, this is what bring in this first album two versatile and excellent musicians like John January and Linda Berry. Both are two veterans of Californian jump blues and blues rock scene, as well as great enthusiasts and fans of the music they perform with careful taste and delivery. They met by chance during a Linda’s show and they immediately knew they should join forces to give the best of themselves. The result became soon evident and is in this album where they have shown and faithfully expressed the creativity and good work they have done together. They are backed by an excellent roster of studio musicians and a horn section that perfectly match with the two musicians. John January's voice and guitar has been requested by artist like Curtis Salgado, The Bayou Brothers or piano player Sue Palmer. On the other hand, Linda Berry’s voice gives off influences coming from Bonnie Raitt, Susan Tedeschi, Beth Hart, Etta James or Koko Taylor. All these influences can be slightly heard in both musicians work, a music that will surely open the heart and senses of most listeners. VERY GOOD.

Vargas Blues Band “King Of Latin Blues”. Warner Music / GFI Promotions 2018.
El guitarrista Javier Vargas es sin duda uno de los artistas de rock-blues más internacionales en el panorama hispano musical. Junto a su banda la Vargas Blues Band ha tocado en prácticamente los cinco continentes, ganándose un prestigio y un reconocimiento en toda la escena internacional. Además Javier gusta de invitar a muchos músicos y amigos a tocar y grabar con él. A lo largo de los años han colaborado con él, bien en directo o en sus discos músicos como Carlos Santana, Prince, Carey Bell, Louisiana Red, Flaco Jiménez, Junior Wells, Harmónica Zúmel, Lonnie Brooks, Larry McCray, Sugar Blue, Devon Allman, Jeff Beck y muchísimos mas. Nacido en Madrid en 1958 de padres argentinos, Vargas ha cimentado una excelente carrera muy bien llevada y dirigida en la que gusta fusionar diversos estilos en los que se siente cómodo con el blues. En el disco que nos ocupa Javier Vargas presenta la interacción entre el blues y la música latina en quince canciones extraídas de algunos de sus anteriores álbumes como “Blues Latino”, “Feedback”, “Gipsy Boogie”, “Chill Latin Blues”, “Flamenco Blues Experience”, “Love, Union, Peace”, “Madrid-Memphis” o “Texas Tango”. Junto a ellas hay también cuatro canciones nuevas. Todo ello está enmarcado en una perfecta simbiosis donde los ritmos latinos y la guitarra toman todo el protagonismo y, como no podía ser de otro modo, su maestría a la guitarra brilla en un perfecto discurso claro, diáfano y genuino. MUY BUENO. Undoubtedly guitar player Javier Vargas is one of the most international rock-blues artists of the Spanish music scene. With his band Vargas Blues Band he has played all over the world, gaining prestige and recognition in the international scene. Javier really likes to invite many musicians and friends to play and record with him. Over the years, either live or on his albums, artists like Carlos Santana, Prince, Carey Bell, Louisiana Red, Flaco Jiménez, Junior Wells, harmonica Zúmel, Lonnie Brooks, Larry McCray, Sugar Blue, Devon Allman, Jeff Beck and many, more have played with him. Born in Madrid in 1958 of Argentinean parents, Vargas has built up an excellent cleverly managed career, where he likes to mix various styles he feels comfortable with the blues. In this recording Javier Vargas presents a tasteful interaction between blues and Latin music in fifteen songs published in some of his previous albums "Blues Latino", "Feedback", "Gipsy Boogie", "Chill Latin Blues", "Flamenco Blues Experience", "Love, Union, Peace", "Madrid-Memphis" or "Texas Tango". Besides the ones released in the mentioned albums you will also find four new songs. All the music is framed in a perfect symbiosis where Latin rhythms and guitar take the most relevance and, as it could not be otherwise, his skills with guitar shine on a clear genuine and perfect speech. GREAT.

Dane Phillip Smith “Looks Like Down To Me”. Self Production 2018.
Desde la tierna edad de trece años Dane Phillip Smith se sintió atraido por el rhythm and blues y la roots music aunque pronto el blues entró en su vida y en su corazón cuando descubrió el blues de Chicago gracias a la radio. A partir de ese momento Dane fue desarrollando una carrera musical no solamente como músico sino también como compositor con canciones enmarcadas en la roots music, el soul, el jazz y el rock pero siempre con la huella del blues subyaciendo en todas y cada una de sus canciones. Su primer disco presentaba once temas propios y fue acogido con mucha calidez por el público y la critica. Ello lo animó a viajar a Austin, Texas para buscar unos horizontes mas amplios que cubrieran las expectativas que había puesto en su profesión y, es en dicha ciudad, donde ha grabado su segundo trabajo junto a un plantel de estupendos músicos que han contribuido a desarrollar ls capacidad y ls visión creativa de Dane, como Johnny Moeller, Michael Weston Archer, Lindsay Beaver, Nico Leophonte o Matt Hubbard entre otros. Diez nuevas composiciones propias que incluyen desde baladas intimistas con arreglos y armonías vocales muy bien trabajadas hasta groove del bueno o shuffles en la onda del blues tejano. MUY BUENO. Since he was only thirteen years old, Dane Phillip Smith feel attracted by rhythm and blues and roots music, but soon blues came into his life and heart, when he discovered Chicago blues listening to it in the radio. From that moment Dane gradually developed a musical career, not only as a musician but also as a composer, with songs framed in roots music, soul, jazz and rock but always with the footprint of blues in each and every one of his songs. His first album included eleven own songs and was warmly welcomed by audience and media. This encouraged him to travel to Austin, Texas, looking for a wider horizons that fulfil the expectations he had put in his career and was in that city, where he has recorded his second album with a roster of great musicians who have contributed to develop Dane’s skills and creativity, such as Johnny Moeller, Michael Weston Archer, Lindsay Beaver, Nico Leophonte or Matt Hubbard among others. Ten new own compositions that range from intimate ballads with beautiful cleverly done arrangements and vocal harmonies to rockin’ grooves or bright Texas blues shuffles. VERY GOOD.

Catfish Keith “Reefer Hound – Viper Songs Revisited”. Fish Tail 2018.
Catfish Keith publica el álbum número diecisiete en su carrera. En esta ocasión ha decidido que el disco sea una recopilación de dieciséis canciones que abarcan toda su trayectoria, que ya habían sido publicadas en algunos de sus anteriores trabajos desde que comenzara su carrera en 1985 con su primer álbum para el sello Kicking Mule. La mayoría de los temas, si no todos, que conforman el disco, hacen referencia a la temática del mundo de las drogas y son viejos blues compuestos durante los años veinte y treinta que fueron popularizados por artistas como Cab Calloway, Jazz Gillum, Bea Foote, Jack Teagarden, Lil’ Green o Trixie Smith, además de algunas composiciones propias que no desentonan en absoluto con la línea musical y temática del mismo, no en vano Catfish Keith es un profundo conocedor y estudioso del blues de pre-guerra y un verdadero exponente de este estilo. La guitarra y la voz de Catfish se bastan y se sobran para introducir al oyente en la envolvente música del blues profundo y primigenio y en el oscuro e inquietante mundo de las drogas de aquellos años. Un álbum que no decepcionará a nadie y que posiblemente atrapará al oyente cual cigarro de marihuana. BUENISIMO. Catfish Keith publishes the album number seventeen in his career. This time he has decided to do a compilation of sixteen tracks covering his entire career, songs that were already published in some of his previous recordings since he began his career in 1985 and released his first album for Kicking Mule Records. Most of the songs, if not all, that round up the album, deal with the drugs world and are old blues blues written during last century twenties and thirties that became popular performed by musicians like Cab Calloway, Jazz Gillum, Bea Foote, Jack Teagarden, Lil' Green or Trixie Smith. You will also find some own compositions that perfectly match with the musical line and the specific subject the album is devoted, not in vain Catfish Keith is an expert of pre-war blues and a good performer of that particular style. Catfish guitar and voice are enough to introduce listeners into the wrapping old blues songs and drive them to the dark disturbing drugs world of those years. This is an album that will not disappoint anyone that probably will get hooked like if they were smoking a reefer cigar. GREAT.

Bryan Lee “Sanctuary”. Ear - Relevant / Frank Roszak 2018.
No sé si será cierto o no pero, según palabras del propio Bryan Lee, todos los arreglos de las canciones de este disco aparecieron en su mente durante un sueño que tuvo. La noche anterior a su concierto en una iglesia de Spitsbergen en Noruega, nuestro hombre soñó como tenían que sonar aquellas canciones, lo que atribuyo a la inspiración que el Señor le mostró durante su sueño. En el concierto del día siguiente las tocó tal y como las había soñado y el éxito fue tan espectacular y apoteósico que él y su banda las grabaron durante su estancia en Noruega. Siete años más tarde, el productor Steve Hamilton las mezcló en su estudio, publicando este álbum que comentamos. Bryan Lee perdió la visión a los ocho años y a los quince se trasladó a Chicago donde permaneció durante veinte años desarrollando una exitosa carrera como cantante y guitarrista junto a los grandes bluesmen de la época. En cierta ocasión Muddy Waters dijo de él que estaba seguro de que se convertiría en una auténtica leyenda, lo cual ha sido relativamente cierto, ya que ha grabado catorce álbumes hasta la fecha y ha girado a lo largo y ancho de los cinco continentes. Acompañado por un excelente plantel de músicos, Bryan nos ofrece una variada selección de canciones que van desde el gospel, el blues o el soul, hasta el rhythm and blues y el groove de New Orleans. Escuchar este nuevo trabajo de un maestro como es Bryan Lee, supone para el aficionado una verdadera delicia, de la que costara mucho salir indemne. BUENISIMO. I do not know if it is true or not, but according to Bryan Lee’s own words, all the arrangements of the songs included in the album came to his mind while he was sleeping. The night before a show at Spitsbergen church in Norway, our man dreamed how those songs should sound, which he thought was an inspiration Lord gave him during the dream. The next day he played them as he had dreamed and it was a so spectacular success, that Bryan and his band recorded them while they were staying in Norway. Seven years later, producer Steve Hamilton mixed them in his studio and published the album we have now on hands. Bryan Lee lost his sight at the age of eight and when he was fifteen he moved to Chicago where he spent twenty years developing a successful career as a singer and guitar player, performing with the great bluesmen of that time. Once Muddy Waters said about him he was sure he would become a true legend, which has been relatively true, as he has recorded fourteen albums up to date and has done a good number of world tours. Backed by an excellent roster of musicians, Bryan gives us a varied selection of songs ranging from gospel to blues, soul, rhythm and blues and New Orleans groove. Listen to the music of a real master like Bryan Lee becomes a real pleasure for music lovers and you will feel really difficult to get away. GREAT. 

Johnny & Jaalene “Johnny & Jaalene”. Rip Cat / Frank Roszak 2018.
Hijo de una gran leyenda del blues tejano como es Kid Ramos, el cantante y guitarrista Johnny Ramos está sorprendiendo a diestro y siniestro mientras se va afianzado con cada vez mas decisión en la escena de la costa oeste de los Estados Unidos. Con solamente diecinueve años Johnny atesora ya una buena experiencia debido en gran manera al ambiente que ha vivido siempre en su hogar. Ramos empezó tocando el piano hasta que su padre le regaló su primera guitarra. A partir de ese momento empezó a interesarse seriamente en la música, atesorando influencias tanto del blues como del rock, el jazz, el rockabilly, el Tex-mex o incluso los viejos musicales de Broadway de los que es un fanático. Ahora nos presenta a su banda de rockabilly y roots music Johnny & Jaalene, co-liderada junto a la jovencísima vocalista de dieciséis años Jaalene DeLeon, que canta como un ruiseñor y su presencia es la de una muñeca, todo ello en un disco realizado con fervor, donde todos los estilos que he mencionado anteriormente se encuentran presentes pasa uso y disfrute del aficionado que agradecerá de inmediato esta nueva propuesta de Johnny Ramos y Jaalene DeLeon. Este es su primer álbum en el que también han contribuido Kid Ramos, Tommy Harkenrider, Brent Hardin o Kip Dabbs. MUY BUENO. Son of Texas blues big legend Kid Ramos, singer and guitar player Johnny Ramos surprises everybody over the place while he is firmly advancing and consolidating himself in USA West Coast area. Only aged nineteen, Johnny has already got a good experience, mainly due to the musical environment he has lived at home. Ramos started playing piano until his father gave him his first guitar. From that moment on he began to be seriously interested in music, gathering influences from blues to rock, jazz, rockabilly, Tex-Mex or even old Broadway music he deeply loves. Now he introduces us his rockabilly and roots music band Johnny & Jaalene, sharing front line with young singer Jaalene DeLeon, only aged sixteen, who sings like a bird and looks like a doll. This is a recording done with devotion and enthusiasm, where all the just mentioned styles can be found to give joy and pleasure to all listeners who will immediately feel happy with Johnny Ramos and Jaalene DeLeon new work. This is their first album, where artists like Kid Ramos, Tommy Harkenrider, Brent Hardin and Kip Dabbs have also given their good contribution. VERY GOOD.

Jim Dan Dee “Jim Dan Dee”. Self Production / Sarah French 2018.
Con su desbordante y fecunda energía, el cantante y guitarrista canadiense conocido como Jim Dan Dee está dispuesto y preparado física y psicológicamente para comerse el mundo, gracias a una personalidad arrolladoramente extrovertida, que traspasa el escenario y comunica fácilmente con el publico, gracias a su formidable puesta en escena. En sus shows en directo parece estar poseído por los mas profundos y al mismo tiempo etéreos espíritus de la música, una música que se ve impulsada a través de su voz de barítono y de sus solos de hiriente guitarra realizados con destreza y habilidad, que inmediatamente impactan en el público. Jim Dan Dee es un músico en constante evolución y cuya música camina entre los blues ortodoxos y el rock-blues mas contemporáneo. Además del propio James “Jim Dan Dee” Stefanuk a la voz y la guitarra, dándole el soporte ideal para que todos luzcan a un gran nivel, se encuentran músicos como Brian McCarthy al bajo y coros, Jason “Bobby” Sewerynek al saxo y Shawn Royal a la batería. Por si fuera poco Jim Dan Dee ha contado con la colaboración de la voz de “Sweet” Jules Cardoso y Jesse Karwat a los teclados. Un disco interesante y curioso que sorprenderá a más de uno. MUY BUENO. With an overflowing fruitful energy, Canadian singer and guitar player known as Jim Dan Dee, is ready, besides physically and mentally prepared, to conquer the world, thanks to an outgoing overwhelming personality which, thanks to his formidable stage presence, goes further up the stage and gets an easy communication with the audience. In his live shows he seems to be possessed by the deepest and, at the same time, most ethereal spirits of music, a kind of music which is driven by his baritone voice and his tastefully delivered cutting guitar solos, that will immediately create a deep impact in every listener. Jim Dan Dee is a constantly evolving musician, whose music moves between genuine blues and the most contemporary rock-blues. Besides James "Jim Dan Dee" Stefanuk on vocals and guitar, the other musicians who give the best support and talent to Jim’s music are Brian McCarthy on bass and vocals, Jason "Bobby" Sewerynek on sax and Shawn Royal on drums. And if this was not enough, Jim Dan Dee has counted with the collaboration of "Sweet" Jules Cardoso on backing vocals and Jesse Karwat on keyboards. This is an interesting and curious album that will surprise more than one. VERY GOOD.

The Ragtime Rumours “Rag ‘N Roll”. Ruf 2018.
Ganadores del European Blues Challenge 2018 celebrado en Hell, Noruega y representantes de su país, Dinamarca, en el IBC de Memphis, The Ragtime Rumours aportan una visión nueva, moderna y diferente al gipsy swing, el blues de preguerra, el ragtime y el jazz de los años treinta. El premio conseguido en el European Blues Challenge les ha dado la oportunidad de actuar en los más importantes festivales de blues de Europa y de este modo darse a conocer fuera de su país. Los Ragtime Rumours son una banda curiosa que pueden fusionar con gracia y muy buen criterio los estilos descritos anteriormente, además de flotar en el aire esencias de Robert Johnson, Django Reinhardt o Tom Waits, siempre con frescura y un aire espontáneo y desinhibido que les hace sonar con personalidad propia. El grupo tiene carácter y una actitud que les permite conectar con una audiencia joven animándoles a acercarse con curiosidad a estos géneros musicales desconocidos para ellos. El álbum contiene once canciones originales de la banda mas una versión de un tema tradicional, que tanto podían haber sido escritas en 1920 o en 2018, como así ha sido. Son cuatro jóvenes músicos multiinstrumentistas tocando guitarras acústicas, slide, acordeón, banjo, washboard, batería, flauta, contrabajo o saxo los que dan forma a este disco ameno y curioso, en el que cuentan además con la colaboración de piano, trombón, trompeta y coros. MUY BUENO. Winners of 2018 European Blues Challenge in Hell, Norway and representing his country, Denmark, at the IBC in Memphis, The Ragtime Rumours bring a new, actual and different vision to gipsy swing, pre-war blues, ragtime and 30’s jazz. As European Blues Challenge winners, they have had the opportunity to perform at the most important European blues festivals and, in this way, make themselves well known outside their country. The Ragtime Rumours are a curious band which nicely and properly mix the just mentioned styles, adding a touch of the essence of Robert Johnson, Django Reinhardt or Tom Waits, always with cool, spontaneous uninhibited air that makes them sound with a unmistakable stamp. The group has personality and their attitude allows them to connect with a young audience who will feel encouraged to approach with curiosity to these musical genres rather unknown for them. The album includes eleven original songs plus a version of a traditional tune, songs that could have been written either in 1920 or 2018. You will find four multi-instrumental young musicians playing acoustic guitars, slide, accordion, banjo, washboard, drums, flute, double bass or sax. Together they give shape to this enjoyable different album, where they have also counted with the collaboration of piano, trombone, trumpet and backing vocals. GREAT.

Mike Zito, Vanja-Sky, Bernard Allison “Blues Caravan 2018”. Ruf 2018 (CD+DVD).
Tradicionalmente las Blues Caravan organizadas por la compañía alemana Ruf Records presentan a jóvenes talentos por los que dicha compañía apuesta para darlos a conocer antes de que lleguen a convertirse en artistas de primera categoría, tal como sucedió anteriormente con Samantha Fish o Aynsley Lister. Sin embargo la Blues Caravan 2018 ha reunido a dos nombres consagrados y actuales figuras masculinas de la guitarra como son Mike Zito y Bernard Allison y, junto a ellos, a una nueva sensación que va a dar mucho que hablar pues que está emergiendo con mucha fuerza en el panorama del rock-blues de Croacia como es la guitarrista y cantante Vanja Sky. La combinación de estos tres talentos es realmente explosiva e incendiaria y todos cuantos han tenido la oportunidad de ver a las tres estrellas en un escenario han salido francamente impresionados por el show que el trio desarrolla sobre las tablas. Ruf Records con su presidente Thomas Ruf al frente presenta ahora un cd con doce canciones mas un dvd con diecinueve temas grabados en vivo, los del Dvd desde el Café Hahn de Koblenz, que nos brindan la oportunidad de sumergirnos en la mas extraordinaria ‘rockin’ blues guitar session’ que uno pueda imaginar a cargo de tres verdaderos monstruos del rock-blues contemporáneo que dan lo mejor de si mismos tanto en los temas que interpretan cada uno como en los que realizan los tres juntos. MUY BUENO. In general Blues Caravan that every year organizes and promotes German label Ruf Records, presents young talents they bet for, to make them known and let fans be aware of them before they become big stars, as has previously happened with artists like Samantha Fish or Aynsley Lister. However 2018 Blues Caravan has brought together two first line male guitar slingers like Mike Zito and Bernard Allison and, together with them, a new female artist who will cause a stir, because she has appeared with great force in Croatia rock-blues scene, as is guitar player and singer Vanja Sky. The combination of these three talents is totally explosive and incendiary, so all those who have had the opportunity to see these three stars on stage, have been impressed by the amazing show the three musicians give in their live shows. Ruf Records and Thomas Ruf present a live CD with twelve songs plus a DVD with nineteen tracks, the last one recorded at Café Hahn in Koblenz, that give us the opportunity to immerse ourselves in the most exciting rockin' blues guitar session you can imagine, performed by three real contemporary rock-blues masters, who give the best of themselves,  both in the songs each one fronts, as well as the ones the three musicians play together. VERY GOOD.

Regina Bonelli “Love Letter”. True Groove / Frank Roszak 2018.
Nacida en Brooklyn, New York, la cantante Regina Bonelli posee el encanto y el don de fusionar el blues, el soul y el rock sin ningún tipo de remilgos y como pocas vocalistas pueden hacerlo, siempre con buen gusto, pericia y atrevimiento. Además está dotada de una voz tremendamente efectiva y de una capacidad expresiva de alto nivel. Por si ello fuera poco Regina Bonelli posee también una increíble fuerza escénica que la está encumbrando a lo mas alto cada día que pasa. A lo largo de su carrera Regina ha compartido escenario con artistas de la categoría de Bobby Rush, Paul Simon, Martha Reeves, The Temptations, Popa Chubby o Ronnie Earl entre otros. Incluida en el Salón de la Fama del Blues de Nueva York, nuestra protagonista presenta ahora su último y más reciente proyecto con nueve electrizantes canciones y un mensaje en el que intenta reflejar sin ambages de ningún tipo el mundo en el que nos ha tocado vivir. Con su fuerza, su convicción y sus enormes cualidades vocales espera llegar al corazón de todos los oyentes que apuesten por escuchar este disco y doy por seguro que lo va a conseguir. MUY BUENO. Born in Brooklyn, New York, singer Regina Bonelli has the real charm and the natural taste to perfectly mix blues, soul and rock with a determined daring attitude as few singers can do it. She sings with an extreme good taste and skill. Besides she is gifted with an effective voice and a high-level expressive vocal range. And if this was not enough Regina Bonelli also gathers an incredible stage strength that has driven her to gradually become a real diva. Along her career Regina has shared stage with such great artists like Bobby Rush, Paul Simon, Martha Reeves, The Temptations, Popa Chubby or Ronnie Earl among others. This News York Hall Of Famer now presents her new recording with nine electrifying songs and a message where she wants to put the strength in the trying times and the tangled world we are living. With her powerful displaying, self assurance, conviction and incredible vocal qualities she hopes to reach the heart of every listener who bets to listen to this album and I am sure she will get it. VERY GOOD.

Laurie Jane & The 45s “Late Last Night – Elixir Of Sara Martin”. Down In The Alley / Frank Roszak 2018.
Desde Louisville en Kentucky, Laurie Jane & The 45s se presentan con la enorme ilusión y el propósito de revivir los viejos blues de Louisville, especialmente aquellos que gozaron tuvieron su apogeo durante la época de la prohibición, eso si, siempre con un sello personal y distintivo que les hace sonar diferentes, al tiempo que sorprendentes, por el aire que estos excelentes músicos saben imprimirles. En vez de intentar capturar todos los matices de aquellos añejos blues, Laurie y su banda los presentan de forma y manera que sean fáciles de asimilar por un amplio sector de público. La presencia escénica y la limpia y cristalina voz de Laurie Jane la hacen fácilmente reconocible por ese timbre infantil y aterciopelado que transmite, transportándonos a una época en la que las vocalistas tenían un papel preponderante. Son un total de doce canciones en las que se mezclan con gusto los blues urbanos de los años cincuenta, el jazz, el rockabilly y el soul. Además de la propia Laurie Jane Duggins a la voz, el resto de músicos que componen  The 45s son Cort Duggins a las guitarras y piano, Jason Embry al bajo, Scott Dugdale a la batería y Brian “Boss” Hogg al saxo, contando también con la participación de Screamin’ John Hawkins a la guitarra y Eric Snyder a la trompeta. MUY BUENO. From Louisville, Kentucky, Laurie Jane & the 45s introduce themselves with great enthusiasm and the purpose to bring back old Louisville blues, especially those who were quite popular in prohibition times, but giving them a personal distinctive stamp that makes them sound different and really surprising, thanks to the new air these excellent musicians put in their performing. Instead trying to capture all the nuances of those vintage blues, Laurie and her band present them in a way that can be easily assimilated by a wide amount of people. Laurie Jane's stage presence and her clean crystal voice make it to be easily recognized thanks to her childish and velvety vocal tone, driving us to those times where female singers had an outstanding role. The album includes twelve songs that cleverly combine 50’s urban blues, jazz, rockabilly and soul. Besides Laurie Jane's Duggins on vocals, the rest of the musicians that form The 45s are Cort Duggins on guitars and piano, Jason Embry on bass, Scott Dugdale on drums and Brian "Boss" Hogg on sax, besides two guest musicians as Screamin' ' John Hawkins on guitar and Eric Snyder on trumpet. VERY GOOD.  

Gospel Book Revisited “Stay Wild”. Ultra Sound 2018.
Con este disco se presenta una banda italiana desprovista de afectaciones que suena descarnada, desnuda y con grandes dosis de rock-blues, que nació en Turin en el año 2014. El grupo está formado por la cantante Camilla Maina a la voz, Umberto Poli a la guitarra, Gianfranco Nasso al bajo y Samuel Napoli a la batería. Escuchando sus canciones, nos damos cuenta enseguida de que sus influencias están ancladas tanto en los blues de Willie Dixon como en los enérgicos sonidos, fraseos y melodías de Led Zeppelin a los cuales sin duda rinden tributo, lo que .se hace evidente cuando se escuchan algunas canciones de este el álbum. La banda pertenece a la nueva generación del blues europeo, y eso les confiere la frescura pero al mismo tiempo la técnica suficiente para sorprender al oyente con un repertorio que, sin apartarse de los cánones tradicionales, suena ecléctico, poderoso y muy acorde con las demandas del público del siglo XXI. Seis incendiarias versiones de viejos temas mas dos composiciones propias dan forma a esta grabación que sirve como una excelente presentación de una banda que tiene un gran futuro por delante. MUY BUENO. This album introduces an unaffected Italian band with a raw naked sound and performing a great dose of rock-blues, which appeared in Turin in year 2014. The group is formed by Camilla Maina on vocals, Umberto Poli on guitar, Gianfranco Nasso on bass and Samuel Napoli on drums. Listening to the album songs, you will immediately realize their influences are deeply anchored in Willie Dixon blues but also in Led Zeppelin energetic sounds, phrasing and melodies they certainly pay tribute, which becomes evident when you listen to some of the album tracks. The band belongs to the new generation of European blues, which gives them a cool fresh air but at the same time technique enough to surprise most listeners with a repertoire that, without getting away from the traditional forms, sounds eclectic, powerful and consistent to satisfy the demands of 21st century audiences. Six incendiary old song versions plus two own compositions give shape to this recording that becomes an excellent introduction for a band with a great future ahead. VERY GOOD.

Travellin’ Blue Kings “Wired Up”. Donor / Naked 2018.
Cuatro músicos provenientes de diversas formaciones de éxito en Bélgica se han reunido para dar forma a una nueva banda llamada Travellin’ Blue Kings con el único propósito de pasarlo bien y hacer disfrutar a todos aquellos que quieran acercarse y disfrutar de su música. Todos ellos aportan su experiencia e inspiración a un repertorio que incluye elementos del Texas y el West Coast blues, sin olvidarnos del de Chicago y el de Memphis, todo ello con un toque sabio y muy europeo que les hace fácilmente reconocibles entre sus acérrimos seguidores belgas. El repertorio es bueno, resultón, agradable de escuchar, gozar y bailar, manteniendo en todos sus temas un punto de tensión fácil de asimilar, en un repertorio de blues energético y de alto voltaje que se cuela en el interior de su música proporcionando un adecuado punto de flexibilidad. Stephan Hermsen a la voz, armónica y guitarra, Jimmy Hontelé a la guitarra, Winne Penninckx al bajo y Marc Gijbels a la batería, proporcionan todo cuanto acabo de comentar en un más que interesante álbum. MUY BUENO. Four musicians coming from different successful bands in Belgium have joined forces to give shape to a new band called Travellin' Blue Kings with the only purpose to have fun and give happiness to all those who come to enjoy their music. All them bring their huge experience and inspiration to create a repertoire that includes elements from Texas and West Coast Blues, without forgetting Chicago and Memphis, always with a wise very European touch that makes them easily recognizable among their legion of Belgian followers. You will find a good, easy going repertoire, always pleasant to listen, enjoy and dance, keeping in all songs a point of tension easy to assimilate, in a repertoire of energetic high voltage blues that sneaks into their music providing a point of a really suitable flexibility. Stephan Hermsen on vocals, harmonica and guitar, Jimmy Hontelé on guitar, Winne Penninckx on bass and Marc Gijbels on drums, provide all the just mentioned elements to round up a more than interesting recording. VERY GOOD.

Santiago Campillo “A Cara O Cruz”. BMD Music 2018.
Nacido en Murcia y fundador del grupo MClan, Santiago Campillo es un excelente guitarrista y cantante de rock y heavy rock que ha desarrollado una fructífera y exitosa carrera en estos estilos. Sin embargo, en diversas ocasiones, Santiago se revela como un poderoso guitarrista de blues colaborando con artistas como Buddy Whittington y, entre los nacionales, Javier Vargas, Jeff Espinoza, Santos Puertas o Big Yuyu. A partir de 2014 forma su propia banda con la que interpreta temas compuestos por él, eso si, realizados siempre en formato de power rock blues. Ahora nos presenta su ultimo trabajo con nueve composiciones propias más una versión del conocido tema “Ruta 66”, todas ellas cantadas en español, en las que nos muestra su amplio abanico de influencias que van desde Rosendo, Obus o hasta incluso Barón Rojo, hasta Sabina, aunque la personalidad arrolladora de este artista supera dichas influencias para emerger como un artista único en el panorama nacional. Santiago Campillo está a la voz y la guitarra, Dani Mora al bajo, Mini Drums a la batería y, junto a la banda, una serie de invitados como José Ciudad a la percusión, Álvaro Gandul al órgano, Big Dani Pérez al saxo tenor, Ñaco Goñi a la armónica o Iñigo Uribe al piano, además de ocho voces masculinas a los coros. En definitiva, un álbum poderoso de incendiario heavy rock y con un pequeño toque de power blues especialmente dedicado a los amantes de estos géneros. MUY BUENO. Born in Murcia and founder of MClan band, Santiago Campillo is an excellent rock and heavy rock guitar player and singer who has developed a fruitful successful career in these styles. However, sometimes Santiago reveals himself as a powerful blues guitarist collaborating with artists like Buddy Whittington and, among Spanish ones, Javier Vargas, Jeff Espinoza, Santos Puertas or Big Yuyu Band. In 2014 he founded his own group to let him perform his songs, always in a power rock blues format.  Now he presents his last work with nine own compositions plus a version of the popular "Route 66", all of them sung in Spanish, where he shows his wide range of influences ranging from Rosendo, Obus or even Barón Rojo to Sabina, although his overwhelming personality exceeds these influences to emerge as an unique artist in the national scene. Santiago Campillo is on vocals and guitar, Dani Mora on bass, Mini Drums on drums and, together with them, some guests like Jose Ciudad on percussion, Álvaro Gandul on organ, Big Dani Perez on tenor sax, Ñaco Goñi on harmonica or Iñigo Uribe on piano, plus eight male voices as backing vocals. In short words, a powerful album of incendiary heavy rock with a small touch of power blues especially devoted all these musical genres lovers. VERY GOOD.

Los Penúltimos “Carretera Y Manta”. Self Production 2018.
Los Penúltimos no son una banda de blues al uso, ya que beben de multitud de variopintas influencias. Además del blues, es fácil encontrar en su música otros estilos como el country, el folk, el power pop o el rock. Artistas como Dr. Feelgood, Velvel Underground, The Faming Groovies, Los Enemigos o Los Deltonos, pero tambien Elmore James, Silas Hogan o Magic Sam tienen cabida en la realización del guiso que ellos cocinan con todos estos ingredientes para que puedan ser saboreados por un amplio sector de público. Ahora acaban de publicar su último trabajo con nueve composiciones propias y una adaptación de un tema de Elmore James, todas ellas cantadas en español, para disfrute de todos los que quieran acercarse con la mente abierta a la música de esta banda formada por Ernesto Ulibarri a la voz, armónica y guitarra rítmica, Javier Dueñas a la guitarra solista, Pablo Ulibarri al bajo y Eduardo Sánchez-Seco a la batería. Blues y rock descarnado, tabernario, desprovisto de afectación y una concepción totalmente personal con el único propósito de aportar algo diferente al vasto mundo del blues, es lo que nos propone esta banda a la que deseamos mucha suerte en su empeño. GOOD. Los Penúltimos are not a usual blues band, as they drink from a wide range of varied influences. Besides blues, it is easy to find in their music other styles like country, folk, power pop or rock. Artists like Dr. Feelgood, Velvel Underground, the Faming Groovies, Los Enemigos or Los Deltonos, but also Elmore James, Silas Hogan or Magic Sam have place in the dish they cook with all these ingredients to be savoured by a wide audience. Now they have published their last recording with nine own compositions and an adaptation of an Elmore James song, all of them sung in Spanish, to give joy to all those who want to approach with an open mind to the band music. The group includes Ernesto Ulibarri on vocals, harmonica and rhythm guitar, Javier Dueñas on guitar, Pablo Ulibarri on bass and Eduardo Sánchez-Seco on drums. Gritty, juke joint, with no affectation blues and rock music with a totally personal conception and the only aim to contribute with something different to the wide blues world, is the band proposal. I wish them good in their purposes. BUENO.

Dry Johnson “Long Live Them Blues” Connor Ray Music / Mark Pucci 2018.
No es corriente que un dúo esté formado por un bajista y un batería. Este es el caso del Dry Johnson, dúo que incluye al bajista Terry Dry y al batería Matthew Robert Johnson quienes normalmente forman la sección de ritmo del guitarrista Mike Zito. Una noche, al acabar un concierto de Zito surgió la idea de crear este dúo, en un proyecto que incluiría diversos artistas con los que habían trabajado en el pasado o con los que les gustaría trabajar en el futuro. De este modo apareció Dry Johnson, que ahora presenta este álbum en el cual han contado con la colaboración del propio Mike Zito a la guitarra y voz, junto a Annika Chambers y Trudy Lynn como vocalistas, los guitarristas John Del Toro Richardson, Mighty Orq y James Wilhite, el armonicista Steve Krase y el cantante Kevin “Snit” Fitzpatrick. El disco es un compendio de excelentes blues tocados a la manera de la escuela tejana, algo de Chicago y un poco de West Coast. Todo ello da como resultado un disco bien interpretado con una base rítmica perfectamente conjuntada y exquisita capaz de dar mucho juego al resto de instrumentistas. La producción resulta de lo más ideal para el estilo que los músicos practican y dota al álbum de un sonido rotundo y nada edulcorado. En resumen, estamos ante un trabajo bien construido, contundente y expuesto con claridad y eficiencia. El resultado es más que notable. MUY BUENO. It is not common for a duo to include a bass player and a drummer. This is the case of Dry Johnson, a duo with bass player Terry Dry and drummer Matthew Robert Johnson who usually are guitar player Mike Zito’s rhythm section. One night at the end of one Zito’s show, they thought about the idea of this duo, in a project that would include various artists they had worked in the past or they would like to work in the future. This was the way Dry Johnson duo was born. They now present this album where they have counted with the collaboration of Mike Zito on guitar and voice, Annika Chambers and Trudy Lynn as vocalists, guitar players John Del Toro Richardson, Mighty Orq and James Wilhite, harmonica player Steve Krase and singer Kevin "Snit" Fitzpatrick. The album includes a good dose of excellent Texas school blues, together with some Chicago and a bit of West Coast too. All this makes as a result a well performed album with a perfectly teamed exquisite rhythm section, able to give the perfect support to the rest of musicians. The production is the best one you could find for the style the musicians perform, giving as a result a straight powerful sound. In short words, we are facing a perfectly built album, displayed with force and an undeniable quality. The result is more than remarkable. GREAT.

Murray Kinsley & Wicked Grin “Murder Creek”. Phoenix / Sarah French 2018.
Desde Otawa, Canadá, Murray Kinsley & Wicked Grin nos traen una dosis de poderoso e innovador blues para degustar con deleite y satisfacción. Ganadores de los Maple Blues Awards, la banda presenta ahora su cuarto disco desde la publicación de su primer trabajo en el año 2011. De estos cuatro discos los dos primeros estuvieron más orientados al rock y en los dos siguientes se han afianzado como banda, derivando hacia un blues agresivo, crudo y descarnado siempre provisto de temple y poderosa sonoridad. Con mas de doscientos días al año en la carretera, Murray & Wicked han sorprendido a las mas variadas audiencias de Canadá, Estados Unidos, Gran Bretaña y Alemania, países por los que han ido derramando su particular y poderoso blues. Murray Kingsley a la voz y las guitarras lidera con energía y mano de hierro al resto de la banda formada por Rod Williams a la armónica, Leigh-Anne Stanton al bajo y Bruce Saunders a la batería y percusión. En el disco también colaboran Jesse O’Brien a los teclados, Darcy Hepner y Sonny Del Rio a los metales y Tom Bona a la batería. Un disco para escuchar y disfrutar con tranquilidad y sin prisas. MUY BUENO. From Ottawa, Canada, Murray Kinsley & Wicked Grin bring us a dose of powerful innovative blues to be savoured with delight and big satisfaction. Winners of Maple Blues Awards, the band now presents the fourth album since the publication of their first work in 2011. Of these four recordings the first two were more rock oriented ones and the following two show they have grown as a musicians and consolidated themselves as a band, moving to an aggressive raw and gritty blues, always provided with a warm powerful sound. With more than two hundred days per year on the road, Murray & Wicked have surprised the most varied audiences in Canada, USA, United Kingdom and Germany, countries where they have brought their particular and powerful blues. Murray Kingsley on vocals and guitars leads with energy the rest of the group formed by Rod Williams on harmonica, Leigh-Anne Stanton on bass and Bruce Saunders on drums and percussion. The album also includes other collaborations like Jesse O'Brien on keyboards, Darcy Hepner and Sonny Del Rio on horns and Tom Bona on drums. This is the most suitable recording be listened and calmly enjoyed with no hurry. VERY GOOD.

David Lumsden & Friends “Hues Of Blues” Self Production / Blind Raccoon 2018.
Con sólo seis años David Lumsden le pidió a su padre que por favor le comprara un disco de Henry Mancini que incluía el tema central del show de televisión, “Peter Gunn”. Cuatro años más tarde consiguió su primera guitarra quedando profundamente impresionado por la famosa revolución del British blues y especialmente por los Yardbirds. Con quince años un amigo le dejó “Getting Ready” de Freddie King y fue a partir de aquel momento que la vida de David Lumsden dio un giro de ciento ochenta grados. David jamás devolvió aquel disco a su propietario, convirtiéndose en objeto de reverencia para él, y haciendo que decidiera compaginar su trabajo con la guitarra, desarrollando una interesante carrera musical. Durante varios años David ha sido el guitarrista de la cantante Hurricane Ruth. Ahora David publica su nuevo álbum en el que ha invitado a algunos amigos y buenos músicos para que le echen un cable en la realización de este disco, como son Bill Evans, Wayne Carter, Reggie Britton, Mary Jo Curry, Steve “The  Harp” Mehlberg y Andon Davis. Entre todos han cocinado un disco de blues del que se estila en estos tiempos, mezcla de British blues y Chicago, ingredientes que los músicos conocen a la perfección y los tienen totalmente asimilados. MUY BUENO. Only aged six, David Lumsden asked his father to buy a record with Henry Mancini’s soundtrack music of the TV show "Peter Gunn". Four years later he got his first guitar and he became deeply impressed by the famous British Blues revolution and he especially loved legendary The Yardbirds. When he was fifteen a friend lent him “Getting Ready” by Freddie King and since that moment David Lumsden’s life did a complete turn. David never returned that record to his owner, as it became a reverence object and made him decide to combine his daily work with playing guitar, developing an interesting musical career. For several years David has been lead guitar player for singer Hurricane Ruth. Now David publishes his new album where he has invited some friends and good musicians to help him to round up it, like Bill Evans, Wayne Carter, Reggie Britton, Mary Jo Curry, Steve "The Harp" Mehlberg and Andon Davis. All together they have cooked a blues album according to the actual times, with a mixture of British and Chicago blues, ingredients that the musicians perfectly know how to develop because they are totally assimilated in their minds. VERY GOOD.

 

ENERO 2019 / JANUARY 2019

Jeremiah Johnson “Straitjacket” Ruf 2018.
Después de más de dos décadas luchando para hacerse un nombre en el competitivo mundo de la música, la suerte parece finalmente haberle sonreído al cantante y guitarrista Jeremiah Johnson, que posee el mismo nombre que el protagonista de la película interpretada por Robert Redford “Las aventuras de Jeremiah Johnson”, quien avanza con paso firme y decidido hacia las mieles del éxito. Durante todos estos años Jeremiah Johnson se ha ido forjando a pasos agigantados como un artista de talento y que, como acabo de mencionar, año tras año ha ido ganando peso específico en el difícil mundo del blues y sus músicas afines. La compañía alemana Ruf Records publica su nuevo disco en el que Jeremiah ha puesto grandes expectativas y que ha sido producido por Mike Zito en sus estudios Mars de Texas. El álbum está muy bien resuelto y cubre con eficiencia diferentes visiones a la vez que amplios formatos y vastos caminos del blues contemporáneo. A lo largo de todo el disco Jeremiah muestra sus buenas aptitudes vocales y su excelente gusto como guitarrista, bien secundado por Frank Bauer al saxo y voces, Tom Maloney al bajo y también a la slide en el tema “9th. And Russell”, Benet Schaeffer a la batería y Mike Zito a la guitarra y voces en la canción “Rock & Roll Music To The World”. MUY BUENO. After more than two decades struggling to get a name in the competitive music world, it finally seems good luck smiles to singer and guitar player Jeremiah Johnson, who curiously has the same name of Robert Redford’s leading role in the film “Jeremiah Johnson", who firmly has gone a step forward to savour the sweetness of success. Jeremiah Johnson has forged a name and gained fame in the difficult blues and similar styles world as a artist of talent who, as I have just mentioned, day by day has gradually gained a specific weight in music business industry. German label Ruf Records has just released his new album Jeremiah has put great expectations on. In fact it has been produced by Mike Zito in his Mars Studios in Texas. The album gathers a wide range of different visions, wide formats and vast paths of the most genuine contemporary blues performed with elegance and reliability. Along the whole recording Jeremiah shows his good vocal skills and his excellent guitar taste, well supported by Frank Bauer on sax and vocals, Tom Maloney on bass and also on slide guitar in the song "9th. And Russell ", Benet Schaeffer on drums and finally Mike Zito on guitar and vocals in the song "Rock & Roll Music To The World". GREAT.

Detonics “Raise Your Bet” NAKED / Donor Productions 2018.
Desde Holanda nos llegan este grupo llamado Detonics con un interesante proyecto bajo el brazo, para hacernos bailar y disfrutar a raudales con su energético y vibrante ‘West Coast blues’. La banda ha sabido conservar el sonido vintage del auténtico blues de la costa oeste de los años cincuenta y sesenta, imprimiendo a su repertorio un aire contemporáneo y asequible a los nuevos gustos del público joven que se interesa por este estilo. En el escenario presentan un show dinámico, explosivo lleno de creatividad y diversión, lo que les ha hecho merecedores de ser contratados en varios de los festivales mas prestigiosos de Europa, así como de representar a su país en el European Blues Challenge del año 2016 y alcanzar las semifinales en el International Blues Challenge de Memphis. Kars van Nus a la voz y la armónica, Jeremy Aussems a la guitarra, Raymond de Nijs al piano y Hammond, Mathijs Roks a la batería y René Leijtens al contrabajo y voces están dispuestos y preparados para hacernos disfrutar de lo lindo con su personal y alegre mezcla de west coast blues, jump blues, Texas blues y swingin’ rockin blues de primera. ¡¡Todos a bailar!!. MUY BUENO. From Netherlands comes this band called Detonics with an interesting project on their shoulders, to make us dance and enjoy with their energetic joyful West Coast blues. The band has managed to keep that vintage sound of real fifties and sixties West Coast music, giving to their repertoire a contemporary easygoing air, ready to satisfy the new tastes of the young generation of fans who love this style of music. On stage they always give a dynamic, explosive full of creativity and funny show, which has made them to be booked at several of the most prestigious festivals in Europe, as well as representing their country at 2016 European Blues Challenge and reach the semi-finals at the International Blues Challenge in Memphis. Kars van Nus on vocals and harmonica, Jeremy Aussems on guitar, Raymond de Nijs on piano and Hammond, Mathijs Roks on drums and Rene Leijtens on double bass and backing vocals are ready to make you enjoy with their personal cheerful mixture of first class West Coast blues, jump blues, Texas Blues and swingin' rockin' blues . Let's dance fellows!! GREAT.

Bossa Nova Beatniks “Surfin’ NYC”. Self Production 2018.
Dos años han transcurrido desde que los Bossa Nova Beatniks publicaron su anterior trabajo. Además de seguir realizando conciertos, durante estos años la banda se ha dedicado a preparar concienzudamente este nuevo disco que ahora presentan. Para ello han editado en formato digital algunas cintas de estudio además de finalizar o componer nuevo material que se encuentra en este álbum. También han contado con la colaboración de algunos buenos músicos y amigos como Sherryl Marshall, Monica Passin, Chris James o John Tabacco que han ayudado a dar forma y calidad a este estupendo, divertido y refrescante trabajo aportando su personal visión y atractivo a una selección de canciones ya de por si peculiares e innovadoras. Liderados por su cantante y bajista Tom Gould, este nuevo trabajo de los Bossa Nova Beatniks sigue la línea habitual a la que ya nos tienen bien acostumbrados. Una grabación llena de canciones originales, honestas y desenfadadas cuya única misión es aportar diversión y alegría al oyente y, aunque ellos ya no lean a William Burroughs, William Ferlinguetti, Jack Kerouac, Phillip Lamantia o Allen Ginsberg, siguen siendo unos “beatniks” de la cabeza a los pies. MUY BUENO. Two years have gone by since Bossa Nova Beatniks published their previous recording. Besides doing different live shows, during these two years the band has devoted to work hard to prepare this new album they now bring us. To do so they have copied to digital format some studio tapes, but they have also finished or composed some new material that you will find in the album. The band has also counted with the collaboration of some good musicians and friends like Sherryl Marshall, Monica Passin, Chris James or John Tabacco who have helped to give shape and a good dose of quality to this good, funny refreshing album, adding their personal attractive vision to a selection of peculiar innovative songs. Led by singer and bass player Tom Gould, this new Bossa Nova Beatniks recording follows the path of what we usually expect from them. This is an album full of original, honest and casual songs with the only aim to bring fun and joy to every listener so, although they no longer are reading William Burroughs, William Ferlinguetti, Jack Kerouac, Phillip Mantleia or Allen Ginsberg, they are still the most genuine “beatniks". VERY GOOD.

Marco Marchi And The Mojo Workers “Stand Up”. Self Production 2018.
Country blues, boogie, swing y New Orleans grooves son los principales estilos de los que se nutre la música de este grupo acústico suizo llamado Marco Marchi And The Mojo Workers. La banda está formada por Marco Marchi a las guitarras acústicas, voz y composición, Marco Pandolfi a la armónica, Fabio Bianchi a la tuba y Toby Glaser a la batería y washboard, además de algunos invitados como son Jonás Knaus clarinete, Kniri Knaus trombón, Alex Etter trompeta, Lukas Hofmann saxo, Oscar Trabucchi batería en cuatro canciones y Fabienne Palasciano coros. Todos ellos recrean con fidelidad y buen gusto los viejos sonidos del hot jazz de los años veinte y treinta, el añejo blues y loa contagiosos ritmos de New Orleans. El disco fue grabado en directo desde los estudios WW6 Studio de Frenkendorf en Suiza de una sola tirada, sólo con micros y sin overdubs, para de este modo poder capturar y recrear la originalidad del genuino sonido que esta banda ofrece en sus directos. Un excelente trabajo para disfrutar y pasarlo bien. MUY BUENO. Country blues, boogie, swing and New Orleans grooves are the main styles you will find in the music of this Swiss acoustic group called Marco Marchi And The Mojo Workers. The band includes Marco Marchi on acoustic guitars, vocals and song composition, Marco Pandolfi on harmonica, Fabio Bianchi on sousaphone and Toby Glaser on drums and washboard, plus some guest musicians like Jonah Knaus on clarinet, Kniri Knaus on trombone, Alex Etter on trumpet, Lukas Hofmann on sax, Oscar Trabucchi on drums in four songs and Fabienne Palasciano on backing vocals. All of them faithfully and tastefully bring us the old twenties and thirties hot jazz sounds, the vintage blues and the communicative New Orleans rhythms. The album was recorded live at the studios WW6 Studios in Frenkendorf, Switzerland in one shot only with mics and no overdubs to, in this way, capture all the original lively and genuine sound this band gives in their live shows. In short words, this is an excellent recording to enjoy with pleasure. GREAT.

Jonathon Long “Jonathon Long”. Wild Heart / Rick Lusher 2018.
Desde que era un niño Jonathon Long se sintió fuertemente atraído por los blues. Día y noche escuchaba a Buddy Guy, Silas Hogan, Lazy Lester, Slim Harpo, Kenny Neal, Taby Thomas o Lightnin’ Slim entre la gran pléyade de músicos pantanosos de la Louisiana y en especial del sonido de su Baton Rouge y por los que sentía una gran predilección y pasión. Pronto inició su carrera y su andadura musical emulando a artistas como Albert King, B.B. King y Freddie King y también a Albert Collins, guitarristas todos ellos de los que extrajo su primer material para tocar en directo. En su repertorio no faltaban tampoco los shuffles, por lo que muy pronto fue conocido con el sobrenombre de Jonathon ‘Boogie’ Long. Después de años de recrear ese estilo Jonathon ha sentido la necesidad de adentrarse en una nueva visión del blues y la roots music con un estilo más personal y privado. Así pues es en este nuevo trabajo donde Long nos descubre su faceta mas personal e intimista a lo largo de las diez composiciones propias que han sido incluidas en este disco. Jonathon Long guitarra acústica, eléctrica y voz, Jullian Civello batería, Phil Breen teclados y Chris Roberts al bajo dan vida a este álbum con un material mas que notable. La colaboración de Samantha Fish a la guitarra y Michael Harvey al violín en algunas canciones completan el personal del álbum. MUY BUENO. Since his early childhood Jonathon Long was strongly attracted by the blues. Day and night he listened to Buddy Guy, Silas Hogan, Lazy Lester, Slim Harpo, Kenny Neal, Taby Thomas or Lightnin' Slim, among the great number of Louisiana swamp musicians and especially by the sound of Baton Rouge he deeply and passionately loved. Soon he started his music career including in his repertoire songs coming from artists like Albert King, B.B. King, Freddie King or Albert Collins, guitar players who deeply influenced him. He used to play lots of boogies and shuffles, so very soon was known as Jonathon 'Boogie' Long. After years of performing this king of music, Jonathon felt the need to explore a new vision of blues and roots music with a more personal intimate style. This new work shows a new Long’s facet along the ten own compositions that have been included in the album. Jonathon Long on acoustic, electric guitar and vocals, Jullian Civello on drums, Phil Breen on keyboards and Chris Roberts on bass give life to a recording with more than a remarkable material. The collaboration of Samantha Fish on guitar and Michael Harvey on violin in some songs complete the album line-up. VERY GOOD.

The Wildcat O’Halloran Band “New York City Chill”. Self Production 2018.
Cuando todavía resuena el éxito de su anterior álbum titulado “Hot Pulldown”, Wildcat O’Halloran vuelve a la carga con este nuevo y original trabajo que, sin duda, convencerá a todos sus amigos, seguidores y a cualquier aficionado al rock-blues que se precie. A lo largo de las doce canciones que integran el disco la banda impone su criterio musical con gusto y se carga de razones para domesticar y dar su impronta a un rock blues que en ocasiones puede recordar a un grupo que se llamó Legendary Blues Band. Desde que la banda se formó a finales de los años ochenta no han parado de crecer y de ser admirados dentro de su región. Gracias a ello han podido compartir escenario con artistas de la talla de Bo Diddley, John Lee Hooker o Greg Allman entre otros. Ahora y con este trabajo bajo el brazo acabarán por convertirse en un grupo de referencia de Northampton. Además de Wildcat O’Halloran a la guitarra y voz, el resto de la banda está formada por Kathy Peterson al bajo, Mark Chouinard a la batería y Emily Duff al saxo. Como invitados se encuentran Wally Greaney armónica y David Bartley a los teclados. Todas las composiciones corren a cargo de Widcat con la excepción de tres covers de Al Kooper, Willie Dixon y Junior Jones. MUY BUENO. Still savouring the success of his previous album "Hot Pulldown", Wildcat O'Halloran comes back to the front line with this new original recording that, undoubtedly, will convince all his friends, followers and any rock-blues fan. Along the twelve selected album songs, the band cleverly lets us see their musical tasteful criteria, also showing a good number of reasons that bring a personal stamp to a rock blues music that sometimes could remind us The Legendary Blues Band. Since the band started to play in late 80’s, they have not stopped to evolve and grow, which has made them to be locally recognized. This is the reason why they have shared stage with such great artists like Bo Diddley, John Lee Hooker or Greg Allman among others. Now and with this recording on their hands, they will surely become a landmark in Northampton. Besides Wildcat O'Halloran on guitar and vocals, the rest of the band includes Kathy Peterson on bass, Mark Chouinard on drums and Emily Duff on sax. As guest musicians you will find Wally Greaney on harmonica and David Bartley on keyboards. All aongs are Wildcat own ones except three covers coming from Al Kooper, Willie Dixon and Junior Jones. VERY GOOD.

Lindsay Beaver “Tough As Love”. Alligator 2018.
Si hay una artista de blues que pueda atraer al público más joven hacia este género musical, esta es sin duda la cantante, batería y compositora Lindsay Beaver. En cuanto aparece en el escenario frente a su económica batería (como los baterías de rockabilly) en el centro del escenario  y empieza a tocar y cantar en pie, inmediatamente suscita la atención de todo el público. Blues, rhythm and blues y old school rock ‘n’ roll con un toque de energético y vibrante rock-punk alternativo es lo que cada uno de vosotros se va a encontrar al escuchar este álbum. La indudable calidad de esta artista ha traspasado fronteras y por este motivo Bruce Iglauer la ha fichado para su rooster de artistas que tienen contrato con su sello Alligator Records ya que, según Iglauer, sus canciones evocan el espíritu del blues de los años cincuenta y sesenta, pero su voz y su actitud desprenden toda la vitalidad y la fuerza del rock más actual. De las doce canciones que se incluyen en el disco siete son composiciones de la propia Lindsay. En todas ellas está acompañada por su guitarrista Brad Stevers y su bajista habitual Josh Williams, además de algunas colaboraciones de lujo entre las que cabe citar a Marcia Ball al piano, Dennis Gruenling a la armónica, Laura Chavez a la guitarra o Sax Gordon al saxo tenor entre otros. Un álbum fantástico para disfrutarlo una y otra vez sin tregua ni descanso. BUENÏSIMO. If there is a blues artist who can attract the youngest audience to this style, is undoubtedly singer, drummer and song writer Lindsay Beaver. As soon as she comes on stage, she places in front of her reduced drum set (like rockabilly drummers) in the middle of the stage, she stands up and starts to sing and plat drums, she immediately calls the attention of the whole audience. Blues, rhythm and blues and old school rock 'n' roll with a touch of energetic and vibrant alternative rock-punk is what you will find if you listen to this album. Her undeniable quality has crossed borders and this is the reason why Bruce Iglauer has signed her for his rooster of Alligator artists because, according to Iglauer, her songs evoke the spirit of the fifties and sixties blues, but her voice and her attitude communicate all the vitality and strength of the most actual rock. Seven of the twelve album songs are Lindsay’s own compositions. In all them she is backed by her guitar player Brad Stevers and her usual bass player Josh Williams, besides some deluxe collaborations like Marcia Ball on piano, Dennis Gruenling on harmonica, Laura Chavez on guitar or Sax Gordon on tenor sax among others. This is a fantastic recording to enjoy over and over without getting tired. GREAT.  

Lothar-Nande-Schack “Walk Right In”. Straight Shooter 2018.
Mucha gente identifica al blues acústico con una música melancólica, monótona y aburrida. Sin embargo, Tim Lothar, Peter Nande y Mik Schacks nos invitan a disfrutar con ellos, olvidar nuestras penas y pasar un buen rato en su compañía. Este disco se grabó en casa de Mik, en un contexto totalmente informal, en una fiesta a la que asistieron amigos, familiares, vecinos, niños e incluso algún que otro animal doméstico, en formato de una jam improvisada donde los tres participantes se sintieron muy a gusto y sumamente relajados, dando lo mejor de si mismos y disfrutando del placer de reencontrarse con la raíces de la música negra en formato de blues auténtico, sincero y pasional. Tim Lothar a la guitarra y Peter Nande a la armónica se alternaron también en las voces y percusiones diversas, mientras que Mik Schack se encargó de instrumentos de percusión originarios de los años veinte como son el washboard, el cymbal y el woodblock. Svante Sjöblom Vrak puso el banjo y la lap steel en dos canciones. El resultado es una verdadera fiesta a la que estoy seguro que mas de uno, aunque no estuviera físicamente allí, se apuntará al escuchar ahora este entretenido álbum, por el que van desfilando temas de Gus Cannon, Little Walter, Sleepy John Estes, Tampa Red o Charley Patton entre otros. MUY BUENO. Many people tend to think acoustic blues is a rather sad, monotonous and sometimes boring music. But Tim Lothar, Peter Nande and Mik Schacks invite us to enjoy with their music, forget daily problems and sorrows and have a real good time. This album was recorded in Mik's house, in a totally informal atmosphere, on a kind of funny party shared by friends, family, neighbours, children and even some pets, along a casual jam where the three musicians felt very comfortable and extremely relaxed, giving the best of themselves and enjoying the pleasure of rediscovering black music roots in the way of the most genuine, natural and passionate blues. Tim Lothar on guitar and Peter Nande on harmonica did both the vocal parts and different percussions, while Mik Schack played old twenties percussion instruments like washboard, cymbal and woodblock. Svante Sjöblom Vrak played banjo and lap steel in two songs. The result is a real joyful party I am sure that, although not physically there, more than one would have loved to join or at least listen now in this interesting album, with songs coming from Gus Cannon, Little Walter, Sleepy John East, Tampa Red or Charley Patton among others. GREAT.

Colin James “Miles To Go”. True North / Stony Plain 2018.
Los seguidores del cantante y guitarrista Colin James, auténtica institución del blues canadiense, están de enhorabuena por la publicación de su nuevo trabajo discográfico que enardecerá una vez más a su inmensa legión de seguidores de todos los rincones del planeta. Durante los últimos meses Colin estuvo preparando a conciencia los temas que debían ser parte integrante del disco y seleccionando el excelente plantel de músicos para participar en el mismo. Curiosamente para la grabación se hizo con una guitarra Gibson ES-335 de color rojo, el mismo modelo con el que empezó a tocar muchos años atrás y que desgraciadamente tuvo que venderse para poder pagar el alquiler. Volver a tener esta guitarra en sus manos le dio si cabe una mayor creatividad, firmeza, poderío y feeling. Doce excelentes temas dan forma a este álbum, dos de ellas composiciones del propio Colin James y el resto oscuras y curiosas versiones de Muddy Waters, Arthur “Big Boy” Crudup, Howlin’ Wolf, Jessie Mae Robinson, Blind Willie Johnson, Blind Lemon Jefferson & Furry Lewis, John Mertis Jr. & John William Edward y finalmente Walter Davis & Geoff Muldaur. Este álbum es una prueba rotunda y fehaciente de que Colin James está en el mejor momento de su carrera hasta el presente. Compruébalo por ti mismo. BUENISIMO. All followers of singer and guitar player Colin James, a Canadian blues outstanding institution, can feel lucky with the release of his new album that, once again, will fire up the bodies and souls of his huge legion of fans around the world. During the last months Colin was conscientiously preparing the songs to be included in the album and selecting an excellent roster of musicians to play with him. Curiously he decided to get a red Gibson ES-335 guitar to do the recording, the same model he began to play with when he started his career many years ago that, unfortunately, he had to sell to get some money. To have this guitar again on his hands still gave him more creativity, a straight power and a terrific feeling. Twelve excellent songs give shape to this splendid album, two of them Colin James’ own compositions and the rest versions of quite dark not very famous songs coming from Muddy Waters, Arthur "Big Boy" Crudup, Howlin¡' Wolf, Jessie Mae Robinson, Blind Willie Johnson, Blind Lemon Jefferson & Furry Lewis, John Mertis Jr. & John William Edward and finally Walter Davis & Geoff Muldaur. This album is a conclusive reliable proof Colin James is in the best moment of his career up to now. See it for yourself!!. GREAT.

Kenny "Blues Boss" Wayne “Inspired By The Blues”. Stony Plain / Mark Pucci 2018.
Auténtico blues del bueno, de peso, sin trampa ni cartón, esto es lo que encierra este nuevo trabajo del pianista y cantante Kenny “Blues Boy” Wayne. Hoy en día en el que los discos de blues tienden a tener de todo menos blues, basándose en el tecnicismo, el efectismo y la modernidad, es gratificante y sumamente reconfortante poder saborear y disfrutar nuevamente con un bluesman de estas características donde prima el sentimiento y el corazón por encima de cualquier otro aspecto. Producido por el propio Wayne, el álbum presenta once canciones originales y una versión del clásico “Georgia On My Mind”, esta última canción grabada en Méjico. Según sus propias palabras con este disco Kenny Ha querido rendir tributo no solo a sus maestros y mentores como Ray Charles o Fats Domino, con todo el esplendor del sonido rockin’ blues de New Orleans, sino también al blues de Chicago, al boogie-woogie o al blues de la costa este. Para ello ha contado con la participación de unos invitados de lujo como Billy Branch a la armónica, Duke Robillard a la guitarra y el argo tiempo bajista de la banda de B.B. King, Russell Jackson. Además de estos excepcionales músicos por el disco desfilan también una sección de vientos insuperable y el background vocal de Miss. Lynne Chwyl. Un disco fabuloso que no debe faltar en ninguna colección de blues que se precie. BUENISIMO. A real deal, genuine, high calibre blues, is what you will find in the new album by singer and piano player Kenny "Blues Boy" Wayne. Today that blues recordings tend to include everything except blues and are based on technical on fashion sensationalisms, it is gratifying to savoir and enjoy once again the music of a bluesman like Kenny, gifted with a deep feeling, where passion prevails over any other aspects. Produced by Wayne, the album presents eleven original songs and a version of the classic "Georgia on My Mind", this last one recorded in Mexico. According to his own words, with this album he wants to pay tribute, not only to his masters and mentors Ray Charles or Fats Domino, with the superb splendid rockin' blues New Orlans sound, but also to Chicago blues, boogie-woogie or East Coast blues. He has counted with some deluxe guests like Billy Branch on harmonica, Duke Robillard on guitar and the long time B.B. King’s bass player, Russell Jackson. Besides these outstanding musicians you will also find a faultless horn section and the tasteful backing vocals of Miss. Lynne Chwyl. This is a fabulous album that should not miss in any good blues collection. GREAT.

Raphael Wressnig “Chicken Burrito”. ZYX Music 2018.
Si hay alguien que conoce como nadie los secretos del groove, el funk, el blues, el jazz e incluso la música latina este es el teclista Raphael Wressnig. Maestro del Hammond B-3, para llevar a cabo este nuevo proyecto ha contado con la inestimable colaboración del excelente, sagaz e indómito guitarrista Alex Schultz, quien fuera miembro hace muchos años de la banda del cantante y armonicista Rod Piazza los Mighty Flyers, y James Gatson a la batería. En formato de trío Wressnig nos descubre todos los resortes del groove con pasión y vehemencia creando una atmósfera para un disco correoso, creativo y sustancioso. Aunque el álbum solamente contiene siete canciones todas ellas desbordan una calidad inmensa y comunican toda la energía y vitalidad de un músico rico en expresividad y talento entregado por completo a su trabajo y que disfruta enormemente con la música que toca y compone. Si te va el groove de calidad intenso, cálido y sudoroso, entonces este es un disco pensado para ti y si además te va el sonido Hammond B-3, entonces este disco es el no va más. MUY BUENO. If there is anyone who knows the secrets of groove, funk, blues, jazz and even Latin music, this is keyboard player Raphael Wressnig. Master of Hammond B-3, to carry on with his new project he has counted with the valuable collaboration of the excellent, clever and powerful guitar player Alex Schultz, who quite a long time ago was member of Rod Piazza’s band The Mighty Flyers, and James Gatson on drums. As trio format Wressnig will make us discover all the groove secrets, thanks to an amazing warm passion and also creating a creative and substantial atmosphere. Although the album only includes seven songs, all them are full of an unbelievable quality and communicate all the energy and vitality of a musician rich in expressiveness and talent who is totally delivered to his work and enjoys the music he writes and plays. If you like high quality warm and sweaty groove, then this is a recording specially designed for you, but if you also look for an incredible Hammond B-3 sound, this album is a must for you. GREAT.

Johnny Rawls “I’m Still Around” Third Street Cigar 2018.
Para quienes vivieron la gran explosión del soul de los años sesenta y setenta, este álbum les traerá a la memoria aquellos maravillosos tiempos de la Tamla Motown, el sonido Stax o el sonido Filadelfia, y para quienes no lo vivieron, está será una buena oportunidad para descubrirlo de la mano del legendario Johnny Rawls. La compañía Third Street Cigar Records se siente orgullosa de haber apostado por este enorme cantante, publicando ahora su primer disco para ellos como un merecido tributo a este singular artista del soul quien, a lo largo de diez canciones, nos transporta a aquella música que muchos disfrutaron y bailaron hace mas de cuatro décadas. A pesar de sus más de cincuenta años de carrera Johnny se presenta con una enorme vitalidad y un dinamismo envidiables. Su voz sigue conservando la belleza, el timbre y el feeling de los cantantes de soul de aquellos años. Todas los temas son del propio Rawls, respaldado siempre por The Third Street Cigar Blue Band, un grupo de músicos de sesión profesionales y veteranos que dan el soporte adecuado para que todo suene a las mil maravillas. La producción también corre a cargo del propio Johnny Rawls. MUY BUENO. For those people who lived the great boom of sixties and seventies soul, this album will remind them those wonderful times of Tamla Motown, Stax or Philadelphia sound and, for those who did not live that particular time, there will be now a good time to discover it, thanks to legendary Johnny Rawls. Third Street Cigar Records is proud to count with this amazing singer, so now they publish his first album recorded for this label, as a deserved tribute to this unique soul artist who, along the ten album songs, drives us to that kind of music many people enjoyed and danced more than four decades ago. In spite of his more than fifty years of career Johnny appears with an enormous vitality and an enviable dynamism. His voice still retains the beauty, tone and feeling of those years soul singers. All tracks are Rawls’ own compositions, always backed by the Third Street Cigar Blue Band, a group of professional and veteran session musicians who give the right support to make everything sound really charming. Final production is credited to Johnny Rawls too. VERY GOOD.

Travis “Moonchild” Haddix “I’m Afraid To Ask” Wann-Sonn 2018.
El incombustible y siempre agradable de escuchar guitarrista y cantante de blues Travis “Moonchild” Haddix sigue activo y nos obsequia con un nuevo disco de factura propia para deleite y gozo de aquellos amantes del verdadero y fastuoso blues. Una vez mas fantástico este nuevo trabajo de corte clásico y siempre reverente con sus propios principios. En este compacto con diez nuevas canciones, Moonchild nos obsequia con una fresca y cuidada selección de composiciones grabadas con calidad, cuidado y esmero. Una vez mas nuestro hombre nos sorprende con una soberbia y madura demostración de cómo suena un auténtico y verdadero bluesman de nuestro tiempo. Las sensaciones y el buen sabor de boca que Travis Haddix nos deja son formidables, realmente difíciles de olvidar. ya que pone todo su empeño y toda su versatilidad al servicio del blues. Respaldando su voz y su guitarra se encuentran Bob Frank guitarra rítmica, Edward Lemmers bajo, Jeremy Sullivan batería, Don Williams órgano, Gilbert Zachary teclados, además de una excelente y cuidada sección de vientos que arropan los blues de Travis con garbo y presencia formada por Tony Fortunato saxo barítono, Norman Tischler saxo alto y los trompetas Jeff Hager y Scott Tenney. MUY BUENO. The always active and enjoyable guitar player and blues singer Travis "Moonchild" Haddix comes back to the first line with a new recording to delight and give happiness to all those listeners who love real lavish blues. Once again he gives us a fantastic new work, displayed in a traditional format and always faithful to his own musical principles. Along the ten songs album Moonchild presents us a cool careful selection of compositions recorded with quality, great care and devotion. Our man surprises us with a superb and mature performing and letting us know how should sound a real true bluesman of our time. The good feelings and marvellous flavour Travis Haddix gives us are really amazing and quite hard to forget, because he puts all his good work and versatility to the service of blues music. To enhance his voice and guitar you will find Bob Frank on rhythm guitar, Edward Lemmers on bass, Jeremy Sullivan on drums, Don Williams on organ, Gilbert Zachary on keyboards, plus an excellent and teamed horn section which perfectly and wraps Travis blues with Tony Fortunato on baritone sax, Norman Tischler on alto sax and trumpets Jeff Hager and Scott Tenney. VERY GOOD.

Gang Wolf Lightnin’ “Home Recordings”. Folc Records 2018 (LP).
Gang Wolf Lightnin’ es uno de esos músicos difíciles de encontrar en estos tiempos que corren por el variopinto mundo del blues actual. Según sus propias palabras, desde muy joven el blues de los años veinte y treinta del pasado siglo hicieron mella en él y esta música ha sido la que le ha ido acompañando durante los últimos diez años. En este tiempo se ha dedicado a investigar los blues más oscuros de preguerra grabados en los viejos discos de 78 rpm. Ahora ha publicado en formato de LP (vinilo) una selección compuesta por diez canciones que desea dar a conocer y preservar, dándoles un toque personal y a la vez rindiendo homenaje a aquellos bluesmen que tanto le han influido. La selección incluye temas de Robert Wilkins, Tommy Johnson, Peg Leg Howell, Blind Willie McTell, Billy Bird, Charlie McCoy, Gene Campbell y George Torey, junto a un tema de cosecha propia. El pequeño sello independiente español Folc Records publica este LP grabado en Barcelona en el 2017 y, gracias a él, nos permite también descubrir a un nuevo talento cuya misión en lo que al blues se refiere es perpetuar mas que renovar su verdadera esencia y puedo afirmar que lo ha conseguido. MUY BUENO. Gang Wolf Lightnin' is one of those hard to find musicians in the actual times and fashion currents that run in the blues world. According to his own words, since he was a young boy he felt totally caught by last century twenties and thirties blues, so this has been the music that has gone with him for the last ten years. During these years he has devoted himself to investigate dark forgotten 78 rpm pre-war blues recordings. Now he has released in LP (vinyl) format a selection of ten songs he wants to make them preserved and not to be forgotten, giving them his personal touch and paying homage to those bluesmen which have influenced him so much. The selection includes songs by Robert Wilkins, Tommy Johnson, Peg Leg Howell, Blind Willie McTell, Billy Bird, Charlie McCoy, Gene Campbell and George Torey, plus a Gang’s own composition. The small Spanish independent label Folc Records publishes this LP recorded in Barcelona in 2017 to let us discover a new talent whose mission in blues field is to perpetuate rather than renovate the true blues essence and I can tell he has got it. VERY GOOD.

Bob Margolin “Bob Margolin”. Vizztone 2018.
Guitarrista y puntal de la banda de Muddy Waters durante parte de los años setenta
, Mr. Bob Margolin es una leyenda viva que, desde hace lustros y hasta el día de hoy, sigue en activo. Hace ya muchos años que Margolin mantiene viva la llama y el espíritu, no sólo de Muddy sino también del genuino blues de ayer, de hoy y de siempre, aunque también hay que decir que, en los últimos años, Bob Margolin incluye también en de su repertorio composiciones propias con las que quiere reflejar sus preocupaciones, sus desafíos, su visión de la sociedad actual, su historia, y su futuro. En este nuevo trabajo Margolin canta y toca todos los instrumentos y lo hace ciñéndose a su técnica y a su conocimiento del género. Para este disco ha escogido quince temas, seis de ellos de factura propia en los que nos revela su faceta más íntima y personal, compartiendo con el oyente todas esas inquietudes más secretas que afloran de forma totalmente natural. El resto del repertorio son covers que van desde temas de Bob Dylan hasta James Cotton o Muddy Waters, pasando por Leroy Carr, Jimmy Rogers, Johnny Winter, Pinetop Perkins o Snooky Pryor. El álbum es un auténtico ejercicio de sobriedad y honestidad que atrapará al oyente por la implicación sincera que despide cada una de sus interpretaciones. MUY BUENO. Guitar player and one of the fundamental members of Muddy Waters Band during most of the seventies, Mr. Bob Margolin is a living legend who, since many decades till now, has been and is still active. Margolin has always kept alive the memory and the spirit, not only of Muddy but also of yesterday, today and forever most genuine blues, although it should also be pointed that. in recent years, he has also included in his repertoire some own compositions where he wants to reflect his concerns, his challenges, his vision of today's society, his history and his future. In this recording Margolin sings and plays all the instruments focussed in his music technique and his blues knowledge. The album gathers fifteen songs, six of them own ones, where he lets us know his most intimate and personal facet, sharing with listeners his more secret concerns displayed in a totally natural way. The other songs are covers coming from Bob Dylan to James Cotton, Muddy Waters, Leroy Carr, Jimmy Rogers, Johnny Winter, Pinetop Perkins or Snooky Pryor. The album is a real exercise of a restrained honest performing that will immediately catch listeners, thanks to the sincere concern than can be found in every song. VERY GOOD.

David Julia “Inspired”. Vizztone 2018.
Desde el caluroso, húmedo y exuberante estado de Florida nos llega el nuevo trabajo de un joven cantante y guitarrista en pleno proceso evolutivo y de madurez llamado David Julia. Con solamente diecisiete años y gracias a la publicación de este disco, David Julia pretende salir del circuito local y darse a conocer a nivel nacional e internacional. El titulo del álbum refleja la inspiración que ha ido recogiendo en sus pocos años, no solo de los grandes maestros del blues de los que ha aprendido mucho, sino también de algunos de los músicos de rock-blues actuales como son Mike Zito, J.P. Soars, Michael Burks, Tab Benoit, Albert Castiglia o Matt Schofield, algunos de ellos autores de las canciones que David ha incluido en el disco, además de componer seis temas del total de los once que se incluyen. La selección de canciones está bien conseguida e interpretada con rigor y seriedad. David Julia cuenta además con la acertada producción de Mike Zito que le da un plus de calidad a un ya de por si muy interesante álbum y en los que cuenta también con músicos realmente inspirados como Elliot Keys al B-3, Lewis Stephens al piano, Lonnie Trevino Jr. al bajo, Matthew R. Johnson a la batería y Mike Zito guitarra y voz en una canción. MUY BUENO. From warm, wet and lush Florida comes the new recording by a young singer and guitar player, who is now in the middle of the evolution and maturity process to become a recognized musician, called David Julia. Only aged seventeen, with the release of this album, David Julia wants, not only play locally but also gain popularity at national and international level. The album title reflects the inspiration he has gathered in his few years of life, not only by the great blues masters who inspired and made him learn a lot, but also by some of the actual rock-blues musicians he has know like Mike Zito, J.P. Soars, Michael Burks, Tab Benoit, Albert Castiglia or Matt Schofield, some of them composers of the different songs David has included in the album, together with six own songs that round up the eleven cd tracks. You will also find a clever song selection David Julia performs with concern and good taste. Besides he has counted with Mike Zito’s excellent production which becomes a plus to an already very interesting album that also includes a good bunch of inspired musicians like Elliot Keys on B-3, Lewis Stephens on piano, Lonnie Trevino Jr. on bass, Matthew R. Johnson on drums and finally Mike Zito on guitar and vocals in one song. VERY GOOD.

Cary Morin “When I Rise”. Self Production / Mark Pucci 2018.
Aterriza en mis manos una auténtica curiosidad en un disco interpretado en formato acústico a cargo del guitarrista y cantante Cary Morin. Lo más original de este álbum es que Morin es un indio norteamericano perteneciente a la tribu de los Crow a quien le gusta y suele tocar blues. A pesar de lo que pueda parecer Cary es mas conocido a nivel internacional de lo que uno pueda suponer, pues fue miembro de la banda Pura Fé con la que hizo giras a lo largo de los Estados Unidos y Europa. Ahora presenta su último trabajo en solitario con una selección de diez temas propios y dos versiones, “Dire Wolf” de Jerry García y Robert Hunter y “Little Martha” de Duane Allman. El repertorio nos muestra las diferentes texturas musicales a las que somete su música, que contienen un punto de interioridad ascética alejada de la comercialidad. En su música florecen tanto los blues como la balada folk, impregnado todo de una poesía personal e intransferible. Acompañando a la guitarra, pedal steel y voz principal de Cary Morin se encuentran una serie de músicos que saben bien como arroparlo, entre ellos destacan Paul Benjaman a la guitarra eléctrica, Jason Larson al piano y bajo, Dexter Payne al clarinete y armónica, Lionel Young al violín o Andy Weyl también al piano, además de otros selectos músicos. MUY BUENO. It has just come to my hands a real curiosity in an acoustic format album, performed by guitar player and singer Cary Morin. The originality of this album comes by the fact Morin is an American Indian of the Crown tribe who loves and uses to play blues. In spite of what may at firs sight seem, Cary is well known on an international level, because he was member of Pura Fé band and with them he extensively toured in USA and Europe. Now he has released a solo album with a selection of ten own songs and two versions, "Dire Wolf" by Jerry Garcia and Robert Hunter and "Little Martha" by Duane Allman. The repertoire shows the different musical textures he is able to give to his music, with a point of ascetic interiority far away from commercial standards. Both blues and folk ballads flourish in his music, giving to all songs a personal unique poetry. Backing Cary Morin’s guitar, pedal steel and principal you will find a good number of musicians who perfectly know their work, as Paul Benjaman on electric guitar, Jason Larson on piano and bass, Dexter Payne on clarinet and harmonica, Lionel Young on violin or Andy Weyl on piano, together with other well selected musicians. VERY GOOD.

Lone Rhino Club “30 Años En Crudo”. MITIK (2 Cd’s + DVD) 2018.
El incombustible y siempre trepidante Julio Lobos celebró los treinta años de blues, música y carretera junto a su banda Lone Rhino Club, con dos fiestas-concierto, una en la sala Luz de Gas de Barcelona y otra en La Traviesa de Torredembarra (Tarragona). En ambos conciertos Lobos reunió a muchos amigos y colegas que, en un momento u otro, le acompañaron a lo largo de su carrera o fueron miembros de su bands. De esas dos fiestas se grabaron dos cd’s y un dvd que son los que aquí comentamos. Con una banda de base formada por los actuales Lone Rhino Club, con Héctor Martin a la guitarra, Josep “Pasto” Marti al bajo y Nuria Perich a la batería dieron el soporte adecuado e ideal para que Lobos al piano, voz y armónica deleitara al personal con su especial entrega, coraje y pasión abordando un repertorio tanto propio como de leyendas de la música negra  o blanca entre los que cabe citar a Ray Charles, Stevie Wonder, Chuck Berry, Muddy Waters, Roy Brown, Little Richard, Hoagy Carmichael, Ron Wood o Tom Waits entre otros. Junto Lobos y su banda fueron desfilando veintidós músicos invitados que dieron vistosidad, variedad, cromatismo sonoro y color a todos y cada una de las canciones que fueron abordando a lo largo de un concierto de algo más de dos horas de duración. La genialidad y la crudeza que despide Julio Lobos en el escenario lideró ambas fiestas, con una entrega y un show que encandilaron al personal que llenó los dos conciertos, erigiéndose en protagonista de unas noches inolvidables y mágicas para todos aquellos que asistimos a ellas, personalmente yo a la de Luz de Gas. De todos modos, si para los que no tuvieron la oportunidad de asistir a ninguno de los dos conciertos y queréis disfrutar como si lo hubieseis vivido, ahora podéis hacerlo con este estupendo estuche que contiene y refleja todo lo que ocurrió en aquellas dos memorables noches del 25 y 27 de mayo de 2018.  MUY BUENO. The incomparable always vibrant Julio Lobos celebrated his thirty years of music, blues and on the road with his band Lone Rhino Club, with two party shows, one in Luz de Gas club in Barcelona and the other one in La Traviesa club in Torredembarra (Tarragona). For both concerts Lobos invited many friends and music colleagues who, during his long career, have played with him or were members of Lone Rhino Club. Those two parties were recorded in two CDs and a DVD. The actual Lone Rhino Club band members Héctor Martin on guitar, Josep "Pasto" Marti on bass and Nuria Perich on drums gave the right support for the outstanding Lobos’ piano, voice and harmonica, which totally delighted the audience with his special and unique commitment, feeling and passion, developing a repertoire with own songs and both black and white music, coming from legends like Ray Charles, Stevie Wonder, Chuck Berry, Muddy Waters, Roy Brown, Little Richard, Hoagy Carmichael, Ron Wood or Tom Waits among others. Along the shows Julio invited on stage twenty-two guest musicians who gave variety, a chromatic sound and a colourful atmosphere to each and every one of the songs that were played in a more than two hours concerts. Julio Lobos’ amazing geniality and crude performing made him to firmly led both music parties, along such amazing passionate shows that dazzled the audience which crowded the two shows, always taking the main role of two unforgettable magical nights for all those who crowded both clubs (in my case Luz de Gas). Anyway, for those who did not have the chance to be present in one of two party shows and want to enjoy them as if you were there, you can now enjoy and delight yourself with this great box that will let you feel everything that happened in those two memorable nights of May 25th and 27th, 2018. GREAT.

Sean Chambers “Welcome To My Blues”. American Showplace Music / Rick Lusher 2018.
Entre la pléyade de cantantes y poderosos guitarristas de blues que inundan el mercado discográfico, sin duda uno de los que llama poderosamente la atención es Sean Chambers. Natural de Florida, Sean comenzó su andadura en el negocio musical en 1998 cuando tuvo la oportunidad de realizar una gira con el legendario Hubert Sumlin, convirtiéndose en su guitarrista y brazo derecho de la banda de Hubert hasta el año 2003. Con este bagaje Chambers ha desarrollado una fructífera carrera que le ha llevado a actuar por los Estados Unidos, Canadá y Europa. Este último trabajo incluye once canciones de las que ocho son composiciones del propio Chambers y tres excelentes versiones de “Cherry Red Wine” de Luther Allison, “All Night Long” de T-Bone Walker y “Boxcar Willie” de John Ginty. Sean está acompañado por Todd Cook al bajo, Moe Watson a la batería y John Ginty al Hammond B-3 y teclados y como invitado especial tiene a Jimmy Bennett a la guitarra slide en la canción “One More Night To Ride”. Un álbum mediático y crucial dedicado a todos aquellos que aman el sonido de guitarra incendiario, brillante, generoso y vibrante del que Chambers es un consumado maestro. MUY BUENO. Among the good amount of singers and powerful blues guitar players who fill up the music market, one of them who undoubtedly stands out is Sean Chambers. Born and raised in Florida, Sean began his blues career in 1998, when he had the chance of touring with legendary Hubert Sumlin and he immediately became his guitar player and band leader until 2003. With this accumulated experience Chambers has developed a fruitful career that has led him to perform not only in USA but also in Canada and Europe. This last work includes eleven songs, eight Chambers’ own compositions and three excellent versions of "Cherry Red Wine" coming from Luther Allison, "All Night Long" by T-Bone Walker and "Boxcar Willie" by John Ginty. Sean Chambers is backed by Todd Cook on bass, Moe Watson on drums and John Ginty on Hammond B-3 and keyboards, with the special collaboration of Jimmy Bennett on slide guitar in the song "One More Night To Ride". A media impact crucial album especially devoted to all those people who love the most incendiary, brilliant, generous and vibrant guitar sound, Chambers is an accomplished player. VERY GOOD.

Robert Connely Farr & The Rebeltone Boys “Dirty South Blues”. Self Production 2018.
Robert Connely Farr es un cantante y compositor nacido en Bolton, Mississippi, la misma población de la que eran originarios Charley Patton y los Mississippi Sheiks. Actualmente Robert reside en Vancouver donde desempeña la profesión de arquitecto y diseñador. Musicalmente trabaja con su banda Mississippi Live & The Dirty Dirty, aunque también visita con frecuencia el sur profundo de los Estados Unidos para empaparse de su música más genuina. Durante una de estas visitas conoció a Jimmy “Duck” Holmes quien le enseñó un estilo muy particular de blues de la zona de Bentonia que el propio Holmes había aprendido directamente de Henry Stuckey quien a su vez lo había aprendido de Skip James y Jack Owens. Fruto de este encuentro surgieron una serie de canciones escritas por ambos músicos, que Connely presentó al productor canadiense Leeroy Stagger. Este le facilitó la grabación de las canciones junto a la banda The Rebeltone Boys quienes le acompañaron a lo largo de este proyecto que incluye un total de diez canciones, nueve escritas entre Robert Connely Farr y Jimmy “Duck” Holmes que denuncian el racismo todavía existente en el sur, más una versión del tema “Hard Time Killin’ Floor Blues” de Skip James. BUENO. Robert Connely Farr is a singer and songwriter born in Bolton, Mississippi, the home village of Charley Patton and The Mississippi Sheiks. Robert now lives in Vancouver, Canada, where he works as architect and designer. Musically speaking he plays there with his band Mississippi Live & the Dirty Dirty, although he regularly visits USA deep south to immerse himself in the most genuine music. During one of these visits he met Jimmy "Duck" Holmes who made him discover a very particular blues style performed in Bentonia area that Holmes had learned directly from Henry Stuckey who in his turn discovered it from Skip James and Jack Owens. The result was of this collaboration was a series of songs written by both musicians, which Connely presented to Canadian producer Leeroy Stagger. He provided everything necessary to record those songs together with The Rebeltone Boys, a band who backed him to round up and album that includes ten songs, nine written by Robert Connellly Farr and Jimmy "Duck" Holmes that specially point the racism that still exists in the south, plus a version of the song "Hard Time Killin Floor Blues" coming from Skip James. GOOD.

The Knickerbocker All-Stars “Love Makes A Woman”. JP Cadillac 2018.
Muchos de los músicos que tocan regularmente en el legendario club Knickerbocker contribuyen también aportando los beneficios de los discos que graban en directo en sus conciertos en el club, a sostener económicamente los programas educacionales del United Theater/Knickerbocker Music Center. Estos discos suelen  recoger sesiones de grandes músicos que se encuentran tocando en excelentes jams en el mencionado club. En esta ocasión el planteamiento es diferente ya que algunos de estos músicos se han reunido en torno a dos grandes voces femeninas del soul y el blues como son Darcel Wilson, mujer dotada de una voz sugestiva y sensual y Thornetta Davis, conocida como “la reina del blues de Detroit”, provista de una voz aplomada, vibrante y emocional. Junto a ellas un elenco de músicos de primera y una impecable sección de vientos conforman un álbum soberbio y lleno de swing que nos transporta a la época dorada del soul y del r&b, además de interpretar las baladas mas sugestivas que puedas imaginar. Una vez más el elenco de músicos de Knickebocker no defrauda en absoluto y nos ofrece un trabajo de un alto interés cultural y cualitativo que sorprenderá a más de uno por el alto nivel de todos y cada uno de los diez temas que se incluyen en este recomendable disco. MUY BUENO. Most of the musicians who regularly play at legendary Knickerbocker club, also contribute providing the sales benefits of the albums they record live in the club shows, to support the joint educational programs of United Theater/Knickerbocker Music Center. All these recordings usually gather different shows performed by great musicians who play there and also do excellent jams in the just mentioned club. This album is a little bit different, because some of these musicians give support to two great female soul and blues voices like Darcel Wilson, a marvellous singer gifted with a suggestive sensual voice and Thornetta Davis, known as "the queen of Detroit blues", provided with a vibrant, self assured emotional voice. Together with the amazing cast of musicians you will also find a faultless horn section that round up a superb album, full of the swing that will drive listeners to the golden age of soul and r&b, together with the most suggestive ballads you can imagine. Once again Knickebocker bunch of musicians shine at a very high level, and present an album of special cultural and qualitative interest that will surprise more than one by the precious beauty of each and every one of the ten songs included in this more than recommendable album. GREAT.

Sandy Carroll “Blues & Angels”. Catfood / Mark Pucci 2018.
Después de su anterior trabajo “Last Southern Belle” dedicado a la música americana y al country, Sandy Carroll vuelve nuevamente al blues con este último disco titulado “Blues & Angels”, estilo en el que se siente muy cómoda y llena de vida. Producido por su marido y ganador de un Grammy Jim Gaines, el álbum, incluye las colaboraciones especiales del cantante Johnny Rawls y los guitarristas Rocky Athas, Bernard Allison y Will MacFarlane, además de diversos músicos de sesión de los famosos estudios Muscle Shoals. Todo ello da un plus de calidad que se añade a este ya de por si brillante álbum. Con este nuevo trabajo la cantante y teclista Sandy Carroll ha querido plasmar y hacernos partícipes de algunas de las situaciones cotidianas que la rodean y por las cuales se siente concernida, a través de variadas melodías que mantienen viva la genuina tradición del la música y el blues. Es por eso que en este disco se alternan canciones más intimistas y subjetivas con otras más alegres y bailables. En el disco han contribuido más de veinticinco músicos que con su participación ayudan a crear un sonido totalmente enriquecedor y diverso, algo que siempre se agradece por parte del oyente. MUY BUENO. After his previous album "Last Southern Belle" which was devoted to Americana and country music, Sandy Carroll comes back to the blues with this last recording "Blues & Angels", a style she feels very comfortable and lively. Produced by her husband Grammy winner Jim Gaines, the album, includes the special collaborations of singer Johnny Rawls and guitar players Rocky Athas, Bernard Allison and Will MacFarlane, besides several musicians and crew belonging to the reputed Muscle Shoals studios. All this gives a plus of quality added to an already brilliant album. With this new recording singer and keyboard player Sandy Carroll wants to capture and share with us some of the daily situations that surround her and she feels concerned about, doing it through a variety of melodies that keep alive the genuine music and blues tradition. This is the reason the album combines intimate subjective songs with other more joyful and danceable. More than twenty-five musicians can be found in the album, which help to create a totally rich diverse sound, something that will surely be appreciated by every listener. VERY GOOD. 

Dave Keller “Every Soul’s A Star”. Catfood / Mark Pucci 2018.
El soul y el sonido Motown siguen gozando de buena salud gracias a artistas como el cantante y guitarrista Dave Keller. Este es su primer álbum para el sello Catfood Records y ha sido producido por el inefable Jim Gaines, (Santana, Stevie Ray Vaughan, Luther Allison…), ganador de un Grammy. Dave Keller está acompañado por The Rays, banda que incluye en sus filas al legendario guitarrista de la Motown Johnny McGhee, junto a Bob Trenchard al bajo, Dan Ferguson al Hammond B-3, wurlitzer y teclados, Richy Puga a la batería, Mike Middleton a la trompeta, Nick Flood al saxo tenor y barítono, Chistopher Serrano a la percusión y las armonías vocales de Janelle Thompson y Shakara Weston. Son en total diez canciones originales de Dave Keller las que se incluyen en el cd, mas una extraordinaria versión del tema de Aretha Franklin, “Baby, I Love You”, que Dave Keller y el resto de los músicos bordan con pulcritud y entusiasmo. Asimismo todas las canciones que se recogen en este álbum suenan conjuntadas y extremadamente compactas a oídos del aficionado que quedará completamente atrapado por la música y el dinamismo que despliega Dave Keller y el resto de los músicos que participan en este recomendable disco. MUY BUENO. Soul and Motown are still in good form, thanks to artists like singer and guitar player Dave Keller. This is his first album for Catfood Records and has been produced by reputed Grammy winner Jim Gaines, (Santana, Stevie Ray Vaughan, Luther Allison...). Dave Keller is backed by The Rays, a band which includes legendary Motown guitar player Johnny McGhee, together with Bob Trenchard on bass, Dan Ferguson on Hammond B-3, Wurlitzer and keyboards, Richy Puga on drums, Mike Middleton on trumpet, Nick Flood on tenor and baritone sax, Christopher Serrano on percussion and the backing vocal harmonies by Janelle Thompson and Shakara Weston. A total of ten Dave Keller’s original songs round up the album, as well as an unbelievable version of Aretha Franklin’s song, "Baby, I Love You", Dave Keller and the rest of musicians enthusiastically and neatly perform. All the album songs will sound extremely teamed and compact to the ears of every one who will listen to them, so they will be completely caught by the music and dynamism Dave Keller and the rest of the musicians who participate in this recommended album communicate. GREAT.


DICIEMBRE 2018 / DECEMBER 2018

Kara Grainger “Living With Your Ghost”. Station House / Frank Roszak 2018.
El panorama del la música americana con raíces y el blues rock está plagado de excelentes vocalistas femeninas que, con su buen hacer, conquistan el corazón de los buenos aficionados. Este es el caso de Kara Grainger, una excelente y soberbia vocalista que ha pasado prácticamente el último año dedicada a componer y grabar las doce canciones que forman parte de este novedoso y reciente trabajo. El álbum ha sido coproducido por Anders Osborne, quien también pone su guitarra y su voz al servicio de Kara Grainger. El resto del grupo está compuesto por Ivan Neville a los teclados, Dave Monsey al bajo, J.J. Johnson a la batería junto a dos secciones de metales. Por una parte encontramos a Mark Rudin a la trompeta y George Stanford al trombón y por otra la histórica sección de vientos llamada The Texas Horns formada por Mark “Kaz” Kazanoff al saxo tenor, John Mills al saxo barítono y Al Gomez a la trompeta. El álbum es un excelente y variado guiso con diferentes ingredientes musicales que permiten a Kara expresar un sinnúmero de emociones entre las que sobresalen el sentimiento de duelo por la pérdida de aquellas personas a las que se ha querido o respetado, aunque también nos obsequia con momentos de alegría y felicidad que le proporciona la música que la acompaña en todos los momentos de su vida cotidiana. MUY BUENO. American roots music and blues rock scene is now plenty of excellent female singers who, with their undeniable quality, will conquer all good fans hearts. Such is the case of Kara Grainger, an excellent and superb singer who has mainly spent last year writing, composing and recording the twelve songs that form her most recent work. The album has been co-produced by Anders Osborne, who also puts his guitar and voice to the service of Kara Grainger. The rest of the band musicians are Ivan Neville on keyboards, Dave Monsey on bass, J.J. Johnson on drums, together with two horn sections. On one hand we have Mark Rudin on trumpet and George Stanford on trombone and on the other hand we find the historical horn section The Texas Horns with Mark “Kaz” Kazanoff on tenor sax, John Mills on baritone sax and Al Gomez on trumpet. This album becomes an excellent and varied dish with different savoury musical ingredients, which allow Kara to express her countless emotional feelings, such as the terrible sadness for the loss of those most beloved or respected people, but she also delights us with joyful happy moments of the music that always surrounds her daily life provides her. VERY GOOD.

Barbara Blue “Fish In Dirty H2O”. Big Blue / KL Productions 2018.
Barbara Blue no concibe su vida sin poder cantar, tal y como lo ha hecho desde que tenía uso de razón. Desde prácticamente la fecha de su nacimiento en 1958, su único interés ha sido cantar para, de este modo, poder compartir con el público todo lo que lleva dentro que es mucho. Nacida en Pittsburgh, Pensilvania, su carrera se ha desarrollado mayoritariamente en Memphis y concretamente en Beale Street donde actúa con mucha frecuencia, lo que la ha llevado a ser conocida con el sobrenombre de ‘The Queen Of Beale Street’, Barbara también ha realizado giras por los Estados Unidos y Australia, consiguiendo notables éxitos y una buena reputación en todos los lugares por los que ha paseado sus artes vocales. Además de poseer una voz rugosa, profunda y a veces algo bronca pero de una innegable fuerza interpretativa, en este nuevo disco que acaba de publicar Barbara se muestra como una compositora hábil e interesante pues, de las trece canciones que ocupan este álbum, siete de ellas han sido escritas por la propia Barbara Blue y el resto son trabajos en colaboración con otros músicos. Un excelente elenco de buenos músicos, amigos y colaboradores dan con la fórmula ideal para arropar las cualidades vocales de Barbara y lo hacen con un consistente colchón musical que embellece un disco ya de por si de gran calidad artística. MUY BUENO. Barbara Blue does not conceive her life without singing, as she has done since the first moment she is able to remember. From practically the date she was born in 1958, her main interest has been to sing and, in this way, share with wide audiences all what she feels deep in her heart. Born in Pittsburgh, Pennsylvania, her career has mostly developed in Memphis and specifically in Beale Street, where she plays very often, which has led her to be known as 'The Queen Of Beale Street', Barbara has also toured around USA and Australia, reaching a remarkable success and a good reputation everywhere she has displayed her vocal skills. Besides a rough, deep and sometimes raw voice as well as an undeniable performing strength, this brand new album let us see Barbara’s abilities as a clever interesting composer because, of the thirteen album songs, seven are Barbara Blue’s own ones and the rest have been written by Barbara in collaboration with other colleagues. An excellent cast of good musicians, friends and collaborators have got the ideal formula to wrap her vocal qualities, playing with an extreme consistency, to give an additional beauty to an album with a more than interesting artistic quality. VERY GOOD.

Zed Mitchell “Wow”. Self Production / Timezone 2018.
Aunque originario de Belgrado, el cantante, guitarrista y compositor Zed Mitchel ha desarrollado una extensiva carrera por todo el continente europeo. En los años setenta fundó su propia banda taloneando a artistas como Deep Purple. Focus, Santana, Joe Cooker o BB King entre otros, además de crear una escuela de guitarra rock en Belgrado. A lo largo de los años ha colaborado en diversos proyectos con Tina Turner, Phil Collins, Pink Floyd, Eros Ramazzotti o Natalie Cole. Su buen gusto y conocimiento de la guitarra han hecho que muchas de las grandes figuras de la música confíen en él para acompañarles en sus giras o grabaciones. Para este trabajo Zed se ha rodeado de algunos de los mejores músicos de la escena del rock alemán, presentando trece temas basados en un intimista blues rock donde Mitchell muestra sus excelentes cualidades vocales junto a una gran variedad de recursos musicales, realizados con buen gusto y una notable técnica a la guitarra que hacen que Zed pueda ser comparado a artistas de la categoría de Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Mark Knopfler, Gary Moore, Robert Cray o incluso Peter Green. Un álbum no estrictamente de blues, pero que merece ser escuchado con detenimiento por las cualidades de este interesante artista. MUY BUENO. Although he originally comes from Belgrade, singer, guitarist and composer Zed Mitchel has developed an extensive career all over Europe. In the middle of the 70’s he founded his own band opening to artists like Deep Purple. Focus, Santana, Joe Cooker or BB King among others. At that time he also opened a guitar rock school in Belgrade. Over the years he has collaborated in several projects with Tina Turner, Phil Collins, Pink Floyd, Eros Ramazzotti or Natalie Cole. His guitar taste and knowledge have always been appreciated by big music names which have relied on him to back them on their tours and recordings. For this new work Zed has decided to be surrounded by some of the best musicians of German rock scene, featuring thirteen songs based on an intimate blues rock where Mitchell shows his excellent vocal qualities together with a wide range of musical resources, displayed with an extreme good taste and a remarkable guitar technique which has led Zed to be compared to such great artists like Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Gary Moore, Mark Knopfler, Robert Cray or even Peter Green. Although this is a not strictly blues album, it deserves to be carefully listened to realize the qualities of this interesting artist. VERY GOOD.

Paul Dougherty “Monumental – The Songs Of Tommy Dougherty”. Bake It Black 2018.
Con este álbum Paul Dougherty quiere rendir tributo a su padre, el compositor, cantante y organista de jazz Tommy Dougherty, fallecido el pasado 2017. Para ello ha escogido una selección de catorce canciones compuestas  todas ellas por su progenitor durante los años ochenta y noventa. Paul ha seleccionado un abanico de temas que abarcan diversos estilos que van desde las baladas con efluvios jazz hasta blues o incluso algún tema mas rockero junto a otras composiciones en las que no faltan las influencias de Ray Charles o de Billie Holiday. La carrera de su padre se desarrolló principalmente en Nashville, ciudad en la que adquirió una cierta notoriedad y popularidad y donde Paul hizo sus primeras incursiones musicales, aunque ahora vive en Munich, Alemania y es en esta ciudad europea donde ha grabado este nuevo disco en el que, además de cantar, se encarga de tocar todos los instrumentos que se han utilizado, excepto en el tema “Cowgirl Song” en el que también se encuentra Paul Hilton tocando el pedal steel guitar. Este álbum nos permite descubrir, o bien recordar, la figura de un músico que no merecería quedar en el olvido. Paul Dougherty ha sabido corresponder a su padre ofreciéndole lo mejor y más sentido de si mismo en este disco, un trabajo en el que, además de un merecido homenaje, es un fiel reflejo de sus buenas maneras de hacer música. MUY BUENO. With this album Paul Dougherty pays tribute to his father, jazz singer, composer, and organ player Tommy Dougherty, who passed away in 2017. He has chosen a selection of fourteen songs, all them composed by his father during the 80’s and 90’s. Paul has selected a wide range of songs that cover various styles, from jazzy ballads to blues or even a more rocky tunes, together with other compositions where you will find some Ray Charles’ and Billie Holiday’s influences. His father career was mainly developed in Nashville, where he got a certain notoriety and popularity and where Paul made his first musical attempts, although he now lives in Munich, Germany and it has been in this European city where he has recorded this album where, besides singing, he also plays all the instruments with the exception of "Cowgirl Song" where you will also find Paul Hilton on pedal steel guitar. This album lets us either discover or remember a musician who does not deserve to be forgotten. Paul Dougherty has been able to return his love to an important person In his life, giving the best of himself in each of the album songs, to round up a recording that becomes a well deserved tribute as well as a good musical experience. VERY GOOD.  

Midnite Johnny “Long Road Home”. Mosher St. 2018.
Después de crecer y consolidarse como guitarrista y cantante en el sur de Florida, Midnite Johnny Morana reside actualmente en Reino Unido, donde está desarrollando una interesante carrera musical con una excelente acogida por parte del público que le sigue con fidelidad y entusiasmo, no en vano Johnny es un versátil guitarrista que se mueve con soltura por estilos tales como el blues, el rock-blues, el rhythm and blues o el rock clásico. Todo ello lo hace con un impresionante toque de guitarra que nos trae a la memoria a tipos tan geniales como Buddy Guy, Carlos Santana, Duane Allman, Eric Clapton, Otis Rush o incluso Freddie King, siempre con un tono distintivo, atrevido y audaz, lo que le reporta un plus de originalidad muy particular. Actualmente Midnite Johnny está trabajando y desarrollando su faceta de compositor como se muestra en diez de los quince temas que componen este atractivo disco, algunos de ellos escritos en colaboración con su teclista Steve Zoyes, quien también aporta dos temas propios a la selección de canciones de este trabajo. El disco se completa con las versiones de “Crazy Mama” de JJ Cale, “Baby Batter” de Harvey Mandel y “Key To The Highway” atribuida a Big Bill Broonzy o a Jazz Gillum según algunos otros autores entre los que me encuentro. Un artista a tener muy en cuenta, con un buen futuro por delante y muchas buenas cosas que ofrecer. MUY BUENO. After growing and getting a solid reputation as guitar player and singer in South Florida, Midnite Johnny Moraña has now settled in United Kingdom, where he is developing an interesting musical career which has been enthusiastically received by his many fans who faithfully follow him. Not in vain Johnny is a versatile guitar player who easily moves among styles like blues, rock-blues, rhythm and blues and classic rock and he does it with an stunning guitar technique, which brings to our minds such great guitar players like Buddy Guy, Carlos Santana, Duane Allman, Eric Clapton, Otis Rush, or even Freddie King, who make him found his inspiration but always with a distinctive, daring, brave tone, which gives to his music a plus of personal originality. Midnite Johnny is now working to develop his composer facet, you will discover in ten of the fifteen songs that round up this attractive album, some of them in collaboration with his keyboard player Steve Zoyes, who also contributes with two original songs. Yow will also find some versions like "Crazy Mama" coming from JJ Cale, "Baby Batter" by Harvey Mandel and "Key To The Highway" attributed to Big Bill Broonzy or, according to other specialized researchers among them I find myself, to Jazz Gillum. Midnite Johnny is an artist to be taken into account, with a good future ahead and a lot of good things to give us. VERY GOOD.  

Joanne Shaw Taylor “Wild”. Silvertone / Sony Music / Rick Lusher 2018.
La cantante y guitarrista Joanne Shaw Taylor acaba de firmar un suculento contrato con la multinacional Sony. A través del sello Silvertone, Sony Music va a reeditar sus dos anteriores trabajos que son los discos “Wild” aparecido en el año 2016 y “The Dirty Truth” del 2014, además de publicar un nuevo álbum el próximo año 2019. Este contrato le ha permitido también preparar una extensa gira por todos los Estados Unidos acompañada del bajista italiano Luigi Casanova y el batería inglés Oliver Perry. Aunque Joanne ya tenía una buena reputación en el Reino Unido y había aparecido en el programa de Jools Holland en la BBC, con la publicación de estos tres discos por la compañía Sony Music su nombre alcanzará sin duda una amplia difusión a nivel internacional. En estos momentos tenemos ya la reedición de este “Wild” producido por Kevin Shirley (Aerosmith, Joe Bonamassa, Iron Maiden). El disco es un compendio de música y canciones de corte ‘americana’ y toques de rock, interpretadas con un gusto excelente y unos arreglos musicales que no le van a la zaga. Un total de once temas perfectamente construidos sobre unas armonías elegantes y vitalistas, llenas de poesía y entusiasmo. MUY BUENO. Singer and guitar player Joanne Shaw Taylor has just signed a succulent contract with Sony Music. Through Silvertone label, Sony Music will reissue her two previous records, "Wild" that was released in 2016 and "The Dirty Truth" in 2014, besides a new album at the beginning of 2019. This contract has also allowed her to settle an extensive tour around United States backed by Italian bass player Luigi Casanova and the English drummer Oliver Perry. Although Joanne had already reached a good reputation in the United Kingdom and she was invited to Jools Holland’s BBC program, with these three albums released by Sony Music, her name will certainly get a wide international publicity. Right now we have the "Wild" album produced by Kevin Shirley (Aerosmith, Joe Bonamassa, Iron Maiden). It is a collection of Americana music with a touch of rock, displayed with an excellent taste and good musical arrangements too. Eleven songs perfectly built on solid basis full of elegant and vital harmonies and lots of poetry and enthusiasm. VERY GOOD.   

Mark Hummel “Harpbreaker”. Electro-Fi 2018.
Mark Hummel ha sido siempre un apasionado y enamorado de la armónica. De niño era un mal estudiante, sin ningún interés en la vida y su vida parecía tener un futuro bastante negro e incierto. Sin embargo la armónica fue su tabla de salvación por la motivación, la pasión y el empeño que puso en ella, aprendiendo a soplar con frescura, técnica y acierto este pequeño y a la vez gran instrumento fundamental en el género clásico del blues. Este es un álbum totalmente instrumental en el que la voz desaparece de todas las canciones. Con él Hummel quiere rendir homenaje a su madre recientemente fallecida que siempre lo animó a seguir adelante y a este instrumento que le ha acompañado a lo largo de su vida dándole inmensas alegrías y satisfacciones, sin olvidarnos del dinero que le ha permitido vivir con una cierta comodidad y garantías. A lo largo de los trece temas que se incluyen en este “Harpbreaker”, Mark repasa con solvencia y acierto diferentes caminos, estilos y sonidos del blues y nos ofrece un recital de cómo interpretar los blues con la armónica, recreándose en la tercera posición que es una en las que se siente mas cómodo. Además de mostrar toda su técnica, ricos fraseos e inmensas posibilidades, Hummel está acompañado por unos guitarristas de lujo como son Anson Funderburgh, Kid Andersen, Billy Flynn, Charles Wheal, Rusty Zinn o Little Charlie Baty, amén del pianista Bob Welsh, el bajista Steve Wolf o el batería Marty Dodson entre otros. Un disco imprescindible para todos aquellos que aman con locura y pasión, no sólo el blues sino también la armónica y todas sus magníficas posibilidades cuando está tan maravillosamente bien ‘soplada’ como es el caso del disco y el artista que nos ocupa. BUENISIMO. Mark Hummel has always been a passionate harmonica lover. As a child he was a really bad student, he has no interest in learning and his life seemed that will have a rather uncertain future. But the harmonica saved him, for the incredible motivation, passion and commitment it gave to him, until he learned to blow with a cool technique and skill this small and, at the same time, great and essential instrument in classic blues. This is a totally instrumental album where the voice has disappeared in all songs. With this recording Hummel wants to pay homage to his mother who recently passed away, as she always encouraged him In all his projects, and also to the instrument that has been with him for almost all his life, bringing him joy, satisfaction and, of course, the necessary money to live with s certain ease. Along the thirteen selected songs that complete this "Harpbreaker", Mark gives us a successful and reliable review of many different blues ways, styles and sounds, producing a unique master-class of how to perform blues with the harmonica, especially with the third position where he feels really comfortable. Besides showing an amazing technique, a rich phrasing and an unbelievable tone, Hummel is backed by some deluxe guitar players like Anson Funderburgh, Kid Andersen, Billy Flynn, Charles Wheal, Rusty Zinn or Little Charlie Baty, together with piano player Bob Welsh, bass player Steve Wolf or drummer Marty Dodson among others. An essential album for all those who deep and passionate love not only blues but also harmonica and all its magnificent possibilities when it is so wonderfully blown, as is the case of this Mark Hummel’s new album. GREAT.

Alastair Greene “Live From The 805” Rip Cat 2018.
Para celebrar sus veinte años en activo en la escena musical, el trío de Alastair Greene nos obsequia con este doble cd que contiene veinte canciones, una por cada año de carrera, en el que se incluyen diversos temas originales ya publicados en cinco de sus anteriores álbumes, pero que ahora están interpretados en ‘vivo’ desde el 805 Club de Santa Bárbara, California. El trío también ha seleccionado algunas versiones de Jimmy Reed o Albert Collins entre otros. Son muchas las veces en las que Alastair Green ha sido comparado con Gov’t Mule, Cream o ZZ Top, sin embargo en la ocasión que nos ocupa esto no es del todo cierto ya que, aunque tampoco se aleje demasiado de ellos, esta vez su música puede encontrarse más cerca de Albert Collins, Albert King o incluso de Howlin’ Wolf. Ello no impide que estemos ante un doble álbum en el que el elemento predominante es el rockin’ blues mas corrosivo, brutal e incendiario que uno pueda imaginar. A medida que van transcurriendo las canciones los tres músicos desarrollan una energía y una fortaleza desbordante y demoledora. Alastair Greene a la guitarra y voz, Jim Rankin bajo y voces y Austin Beede a la batería celebran este veinte aniversario con la fuerza y el ímpetu de una banda novel, pero con la profesionalidad y solidez que les brinda su gran experiencia en la escena musical. MUY BUENO. To celebrate his twenty years active in music scene, Alastair Greene’s trio bring us a double cd with twenty songs, one for each year of career, presenting various original songs which were already released in five of his previous albums, but that are now performed live from the 805 Club in Santa Barbara, California. The trio has also selected some versions of songs coming from Jimmy Reed or Albert Collins among others. Many times Alastair Green has been compared with Gov't Mule, Cream or ZZ Top but, this time, it is not entirely true because, although he is not far away from those artists, the selected songs are a little bit closer to Albert Collins, Albert King or even Howlin' Wolf. This does not mean we are facing a double album where the most caustic wild and incendiary rockin’ blues you can imagine prevail and has an outstanding role. As songs are going by, the three musicians develop an overwhelming devastating energy. Alastair Greene on guitar and vocals, Jim Rankin bass and vocals and Austin Beede on drums celebrate their twentieth anniversary with the strength and vehemence of a young new band, but with the professionalism and experience they have gathered during their long successful career. VERY GOOD.

Terry Blersh “Play It All Day”. Self Production / Sarah French 2018.
Para quienes no conozcan a Terry Blersh, este disco supondrá un atractivo descubrimiento, no solo por el repertorio en el que se combina con gusto el rhythm and blues, el rock ‘n’ roll, el blues, el tex-mex o el reggae junto a algunos toques de jazz, sino también porque Terry es un guitarrista con un cálido fraseo y un tono sabroso y apetecible fácil de escuchar y de digerir. Proveniente de Canadá, Terry Blersh nos presenta su nuevo disco en el que ha contado con la colaboración de un amplio elenco de músicos canadienses, todos ellos dotados de gran enjundia y solera que se han unido para participar en las once canciones que se incluyen en el álbum. El resultado es un disco mas que apetecible y realmente muy atractivo. Por si fuera poco, Terry ha producido y escrito todos los arreglos y, para la grabación del mismo, ha escogido a Jeremy Darby (Eric Clapton, Lou Reed), quien consigue que este álbum disponga de un sonido francamente excepcional. Con una dilatada experiencia a sus espaldas Terry ha realizado un trabajo único, expresivo y dinámico que seguramente el aficionado sabrá apreciar en toda su valía. MUY BUENO. For those who are not familiar with Terry Blersh, this album will be an attractive discovery, not only for its repertoire that tastefully combines rhythm and blues, rock ‘n' roll, blues, tex-mex or reggae, as well as a touch of jazz, but also because Terry is a guitar player gifted with a warm phrasing and a tasty appetizing tone, easy to listen to and assimilate. Terry Blersh comes from Canada and now he presents his new album where he has counted with the collaboration of a wide range of top quality Canadian musicians, who have joined forces to give an outstanding performing along the eleven album songs. The result is a more than appetizing very attractive recording. And if this was not enough, Terry has produced and written all the arrangements and, for the recording, has also chosen Jeremy Darby (Eric Clapton, Lou Reed), who has managed to get a really exceptional sound. With an extensive experience behind him, Terry has done a unique, very expressive and dynamic work that music lovers will surely appreciate. GREAT.

Lee Palmer “Horns & Harps”. An On The Fly Music / Sarah French 2018.
Además de actuar en solitario, el cantante y guitarrista Lee Palmer gusta de grabar discos en diferentes estudios y con diversos formatos, siempre rodeado por los músicos que trabajan en cada uno de los estudios que pisa. Después de nueve meses componiendo y dando forma a un puñado de temas, en esta ocasión Lee Palmer se ha dirigido a los estudios Jukasa en Caledonia, Ontario, Canadá. Allí se ha encontrado con un plantel de músicos de estudio que le han impresionado enormemente por la calidad y la formación musical de todos ellos. En estos estudios ha grabado sus canciones junto a seis músicos tocando todos a la vez para, de este modo, reflejar la atmósfera, interacción y complicidad que se crea cuando unos artistas comparten y ponen al servicio del oyente toda la creatividad que llevan dentro. Son un total de ocho composiciones propias y dos versiones las que redondean un álbum intimista y exquisito en cuanto a concepción y puesta a punto, donde la sensibilidad y el buen hacer se encuentran en todo momento al servicio del oyente. MUY BUENO. Besides performing alone, singer and guitar player Lee Palmer likes to record his albums in different studios and in a variety of formats, but always surrounded by the musicians who usually work in each one of the studios he goes. After nine months writing and composing a handful of songs, this time Lee Palmer has addressed himself to Jukasa studios in Caledonia, Ontario, Canada. There he has found a staff of studio musicians who have deeply impressed him by their quality and musical skills. In Jukasa studios he has recorded his new songs with six musicians playing at once, which have enabled them to reflect the atmosphere, interaction and complicity that arises when some good artists share all the creativity they gather and put it at the service of all listeners. Eight own compositions and two versions round up an intimate exquisite album in terms of conception and display, where the sensitivity and the good work of all musicians come together to satisfy most listeners. GREAT.

Frank Bey “Back In Business”. Nola Blue / Blind Raccoon 2018.
Nacido en Georgia, con sólo cuatro años Frank Bey empezó su andadura musical cantando en el coro de gospel local. Junto a su hermano y dos primos formaron el grupo The Rising Sons actuando regularmente a lo largo y ancho de los estados sureños. A los diecisiete años se unió como telonero durante varios años al espectáculo que llevaba por entonces el gran cantante de soul Otis Redding. A principio de los años setenta Frank formó un grupo de funk, pero la suerte no le acompañó, pues una serie de problemas con James Brown hicieron que muchos de los amigos con los que se rodeaba, le dejaran de lado por lo que asqueado y desengañado, abandonó la música por espacio de diecisiete años. Actualmente y tras haber superado unos problemas de salud relacionados con su riñón, Frank Bey ha decidido volver de nuevo a la escena musical para deleitarnos con su sensacional voz, arropado por una serie de músicos de escrupulosa profesionalidad y altura. El soul que emana de este disco, grabado y producido por el reputado Tom Hambrige, ganador de dos premios Grammy y que también interviene en el mismo a la batería y componiendo seis de los temas, es soberbio, consiguiendo un climax brutal a la vez que exquisito y de un alto nivel. Un álbum con una calidad a prueba de bombas, repleto de soul y blues que despertará en el oyente su vena más bailable y dinámica. Después de tantas vicisitudes, el sueño de Frank Bey se ha cumplido con este excelente álbum. MUY BUENO. Born in Georgia, only aged four Frank Bey started his musical skills singing in the local gospel choir. With his brother and two cousins, he formed a band called The Rising Sons, touring regularly around the southern states. At seventeen he joined for several years the show of great soul singer Otis Redding as the opening act. At the beginning of the seventies Frank formed a funk band, but good luck was not with him, as a series of problems with James Brown made him to be forgotten and abandoned by most of his friends. He was so disappointed and upset that he left music for seventeen years. After winning a battle with a serious kidney failure, Frank Bey has decided to come back to the music scene to delight us with his incredible superb voice, surrounded by a bunch of high quality musicians, all them with an enormous professionalism. The soul you will find in this album, recorded and produced by two times Grammy winner Tom Hambridge, who is also on drums and as composer in six of the cd songs, is superb, creating a terrific but, at the same time, exquisite climax. This is a recording with an undeniable quality that will certainly awake in listeners their most dancing vein. After so many life troubles, Frank Bey's dream has become true with this excellent album. GREAT. 

Scott Sharrard “Saving Grace”. We Save Music / Blind Raccoon 2018.
La legendaria banda Allman Brothers crearon en su momento un sonido único y distintivo en lo que al rock blanco se refiere, siendo asimismo pioneros de lo que fue conocido como ‘American southern rock’, y que en España se denominó rock sureño. Durante una larga década Scott Sharrard fue director musical de la banda de Gregg Allman, emprendiendo después una exitosa carrera musical en solitario para, de este modo, continuar con la misma misión de expandir este género musical del que los Allman Brothers fueron pioneros y llevaron a cabo desde su fundación hacia finales de los años sesenta. Este es el quinto álbum de Scott Sharrard y las once canciones que se encuentran en el mismo son un compendio de excelente roots rock, blues, soul y americana, estilos que constituyen el eje vertebrador del auténtico sonido blanco sureño en el que Scott se mueve cómodamente, realizando también un notable trabajo, tanto a la guitarra eléctrica como cuando emplea la técnica del slide, además de deleitarnos con un poderoso trabajo vocal idóneo para el estilo que practica. Como no podía ser de otra manera, el álbum se grabó en los estudios FAME de Muscle Shoals en Alabama, con la valiosa colaboración de The Hi Rhythm Section junto a otros grandes músicos de la zona. MUY BUENO. Legendary Allman Brothers Band created and developed a unique distinctive sound among white rock bands of their time. They were also pioneers in a kind of music which was known as 'American southern rock'. For a decade Scott Sharrard was musical director in Gregg Allman’s band, which led him to start a successful solo musical career with the mission to follow on, preserve and give visibility to the musical genre The Allman Brothers were pioneers and carried on since they started to play until the end of the sixties. This is the fifth Scott Sharrard’s album that includes eleven songs that become a compendium of excellent roots rock, blues, soul and Americana, styles that are the backbone of the most genuine white southern sound, where Scott comfortably moves. And if that was not enough, Scott does a remarkable work both in electric guitar and with the slide, but he also delights us with a powerful vocal singing, perfect for the style he plays. As it could not be otherwise the album was recorded at the reputed FAME studios in Muscle Shoals, Alabama, with the valuable collaboration of The Hi Rhythm Section and other great local musicians. GREAT.

JW-Jones “Live”. Solid Blues / Sarah French 2018.
JW-Jones es uno de los músicos jóvenes que está dando una enorme vitalidad a la escena y al panorama del blues actual. En poco tiempo ha conseguido hacerse un nombre no solamente entre el público sino también entre la prensa especializada y sus compañeros músicos de blues. Básicamente ha logrado una enorme credibilidad gracias a su tecnicismo instrumental y unas cualidades vocales que encandilan a su audiencia, especialmente a la femenina. En esta ocasión JW-Jones nos presenta once canciones que no se habían publicado anteriormente y que formaron parte del repertorio de los dos conciertos que ofreció en directo y en formato de trío en el Gatineau QC Theatre, que han sido recogidas en este disco para mayor gloria del propio JW-Jones, quien pone su alma y su pasión en todas y cada una de las canciones seleccionadas para este álbum. Además de interpretar algunos blues de doce compases, dos de las canciones del disco como son “I Don’t Believe A Word You Say” y “Moanin’ At Midnight” nos permiten descubrir inusitadas facetas en su forma de tocar la guitarra. Con una duración de 5’59 y 9’37 minutos respectivamente, estas dos canciones son un verdadero ejemplo y fiel reflejo de la experimentación que JW-Jones puede desplegar cuando se propone alejarse de los caminos del blues tradicional y adentrarse en otras dimensiones musicales más psicodélicas. MUY BUENO. JW-Jones is one of the young musicians who is now giving an amazing vitality to actual blues scene. In a short time he has managed to get a name, not only among music lovers but also among specialized media and his blues music colleagues. Basically he has got an undeniable credibility thanks to his instrumental technique and vocal qualities that dazzle audiences, especially women ones. This time, JW-Jones presents eleven previously unreleased songs that were in the repertoire of the two successful shows he performed live on a trio format at the Gatineau QC Theatre, which have been collected in this album to enhance JW-Jones’ skills, but that also show the passion, soul, energy and commitment he gives to each and every one of the tracks. Besides playing some twelve bar blues, two of the album songs "I Don't Believe A Word You Say" and "Moanin’ at Midnight" let us discover a wide range of unusual facets in his guitar playing. With 5'59” and 9’37” minutes length, these two songs become a true example and of the guitar experimentation JW-Jones is able to do when he decides to move away from traditional blues roads and goes deep into other more psychedelic musical dimensions, VERY GOOD.  

Bob Lanza Blues Band “Kids, Dogs & Krazy Women”. Connor Ray Music / Mark Pucci 2018.
El guitarrista y cantante de New Jersey Bob Lanza presenta ahora su quinto trabajo. Para ello ha contado con la inestimable colaboración del prestigioso productor y guitarrista Anthony Krizan, quien también colabora en el disco tocando la guitarra. Ambos son buenos amigos y sin embargo daba la casualidad de que nunca habían pensado en colaborar juntos. Sin embargo, a raíz de coincidir en una jam sesíón para recaudar fondos para The Jersey Shore Jazz & Blues Foundation y de poder comprobar la química que surgió entre ambos, decidieron ponerse manos a la obra para llevar a término este excelente proyecto, contando también con la valiosa colaboración de John Ginty al piano y Hammond B-3, Dave Lockhart al bajo y Vin Mott a la batería y armónica. La grabación combina acertadamente canciones propias y algunas versiones e incluye también un tributo al gran armonicista James Cotton. Son once canciones de genuino y progresivo blues, la mayoría interpretados a la manera de los años setenta, con la pasión, las ganas, el sentimiento y el feeling de unos músicos que se desenvuelven con un extraordinario conocimiento del género, además de percibirse y sentirse en todo momento su abnegada devoción y profundo amor por el blues. MUY BUENO. New Jersey guitar player and singer Bob Lanza comes now with his fifth recording. To do so he has counted with the valuable collaboration of reputed producer and guitar player Anthony Krizan, who also plays guitar in the album. Both are good friends but they had never thought to work together. But, after meeting in a jam session to raise funds for The Jersey Shore Jazz & Blues Foundation and realize the chemistry that immediately arose between them, they decided to get to work and give shape to this excellent project, counting with the valuable collaboration of John Ginty on piano and Hammond B-3, Dave Lockhart on bass and Vin Mott on drums and harmonica. The recording cleverly mixes own songs with some versions and it also includes a moving tribute to great harmonica player James Cotton. Eleven songs of the most genuine but, at the same time, progressive blues, performed following the path of seventies blues, always with the passion, eagerness and feeling of a group of musicians who move among the songs with an extraordinary knowledge of genre and, in addition, let us feel their respect, devotion and deep love for the blues. GREAT.

Tas Cru “Memphis Song”. Subcat / Rick Lusher 2018.
Con este último trabajo Tas Cru quiere rendir homenaje a uno de los lugares de más relevancia y significado para cualquier músico de blues, tanto del pasado como del tiempo presente. Este lugar no es otro que el de la ciudad de Memphis y en especial Beale Street. El disco está dedicado a todos los músicos que, como él mismo, encontraron y siguen encontrando la inspiración en la ciudad de Memphis y que, sin duda, llevan marcada su impronta en su música y también en lo mas profundo de su alma y de su espíritu. Diez temas propios mas un par de canciones en las que interviene Mary Ann Casale quien también colabora en el álbum haciendo coros y tocando la guitarra acústica en la canción que lleva por titulo “Memphis Song” y que da nombre al álbum. Además de Tas Cru a la voz y la guitarra, otros músicos que también han participado y colaborado son Victor Wainright al piano, Pat Harrington a la guitarra slide, Bob Purdy al bajo, Dick Earl Ericksen a la armónica, Andy Rudy al piano y clavicémbalo, Guy Nirelli y Bill Barry al órgano y los baterías Ron Keck, Sonny Rock y Andy Hearn. Un trabajo que nos permite descubrir y saborear la originalidad de un músico no solo en su faceta de cantante y guitarrista sino también como un compositor versátil y ecléctico. MUY BUENO. With this last recording Tas Cru wants to pay homage to one of the most relevant and meaningful places for any blues musician, not only from past times but also from present ones. This place could not be other than Memphis city and especially Beale Street. Tas has dedicated the album to all musicians who, like himself, have found and continue finding inspiration in Memphis, a city that undoubtedly has given a distinctive stamp in their music but also has and outstanding place in their minds and souls. Th cd includes ten original songs and a couple of tracks with the collaboration of Mary Ann Casale. She also gives her personal acoustic guitar touch and backing vocals in the song that gives title to the album "Memphis Song". Besides Tas Cru on vocals and guitar, the other musicians who have also participated in the recording are Victor Wainright on piano, Pat Harrington on slide guitar, Bob Purdy on bass, Dick Earl Ericksen on harmonica, Andy Rudy on piano and harpsichord, Guy Nirelli and Bill Barry on organ and drummers Ron Keck, Sonny Rock and Andy Hearn. This is an album that allows us discover and appreciate the originality of a musician, not only in his singer and guitar player facets, but also as a versatile and eclectic composer. VERY GOOD.

Eric Lindell “Revolution In Your Heart”. Alligator 2018.
Nacido en San Mateo, California en 1969, Eric Lindell atesora todas las mágicas influencias de la música californiana y, en general, de toda la costa oeste, aunque también la música de New Orleans ha jugado un papel preponderante en su vida y en su manera de hacer música, por lo tanto es innegable que vamos a encontrar todo esto y mucho más reflejado en este nuevo álbum grabado para el sello Alligator y que cuenta con este artista en su catálogo desde hace ya algún tiempo. Para este nuevo disco de Eric Lindell ha decidido seleccionar doce temas propios en los que prácticamente se encarga de tocar todos los instrumentos (guitarra, bajo, teclados, órgano, armónica y, por supuesto, su envolvente y melodiosa voz de la que siempre hace gala), con la excepción de la batería que corre a cargo de Willie McMains y del pianista Kevin McKendree que interviene en la canción “Millie Kay”. En definitiva, un álbum jugoso y apetecible que se convierte en una deliciosa y apasionante mezcla de música americana con west coast rock, pantanoso rhythm and blues de New Orleans y honky tonk country Memphis soul. MUY BUENO. Born in 1969 in San Mateo, California, Eric Lindell gathers all the magical influences of Californian music and, most generally speaking, of the whole West Coast area, but he still has reserved some space for New Orleans music, which has a special place in his life and in the way of making music. Undoubtedly we will find these styles and other new things reflected in this last album recorded for Alligator Records, which included him in their artist catalogue some time ago. For this new album Eric Lindell has decided to select twelve own compositions where he practically plays all the instruments (guitar, bass, keyboards, organ, harmonica and, of course, his wrapping melodic voice he has been gifted qith), with the exception of drums which are tastefully played by Willie McMains and piano player Kevin McKendree who puts his piano in the song "Millie Kay". In short words, a juicy appetizing recording that becomes a delicious exciting mixture of Americana music with West Coast rock, swampy New Orleans rhythm and blues and honky tonk country Memphis soul. GREAT.

RC And The Moonpie Band “All This” Self Production. 2018.
Desde las pantanosas y fangosas tierras de Carolina del Norte, rodeados de caimanes, musgo y plantas carnívoras, RC & The Moonpie Band presentan su nuevo disco “All This” para deleite de todos cuantos quieran acercarse a conocer a este original grupo. Hasta el momento RC & The Moonpies se habían dedicado mayoritariamente a recuperar e reinterpretar oscuras canciones de artistas como Rufus Thomas o Jimmy Vaughan pero, para este nuevo trabajo, han preferido dar mas relevancia a sus propio temas incluyendo ocho de ellos en el total de los doce que conforman este álbum. El grupo posee un sonido cálido, particular, difícil de describir en pocas palabras, aunque podría definirse como una banda que interpreta música con raíces con influencias diversas de rhythm and blues, soul y swamp blues. Robert ‘RC’ Christian a la voz, Robert Marlowe a la guitarra, Mike Logiovino al bajo, T-Bone Betourney a la batería y Russell Pleasants a las voces saben bien como conducir al oyente a un universo personal de sensaciones placenteras, agradables y tremendamente sugerentes. En el disco también han intervenido algunos invitados como el pianista Bruce Katz entre otros. MUY BUENO. From the swampy muddy North Carolina landscapes, surrounded by alligators, moss and carnivorous plants, RC & The Moonpie Band present his new album "All This" to delight all those people who are willing to discover this original group. So far RC & The Moonpies had mostly devoted themselves to rediscover and perform obscure songs coming from artists like Rufus Thomas or Jimmy Vaughan but, for this new album, they have decided to give more relevance to their own songs, including eight of them in the total of the twelve tracks that round up the album. The group has a warm very particular sound, difficult to describe in a few words, although they could be defined as a band which performs roots music with diverse influences coming from rhythm and blues, soul and swamp blues. Robert ' RC ' Christian on vocals, Robert Marlowe on guitar, Mike Logiovino on bass, T-Bone Betourney on drums and Russell Pleasants on backing vocals know well how to drive listeners to a personal universe of pleasant, gratifying ant totally suggestive feelings. Some guest musicians have also participated in the album, like piano player Bruce Katz among others. VERY GOOD.

Mick Kolassa And The Taylor Made Blues Band “149 Delta Avenue” Endless Blues / Frank Roszak 2018.
Después de sus dos anteriores discos en los que Mick Kolassa había incluido versiones de otros compositores, en esta ocasión Mick ha querido mostrarnos su faceta de compositor seleccionando nueve temas propios y tres versiones. Estas doce canciones cubren una amplia variedad de ritmos, sonidos y estilos de blues y nos muestran a un Kolassa pletórico, dicharachero y en plenas facultades vocales capaces de enganchar al oyente gracias a esa poderosa y atractiva voz dotada de un timbre sugestivo pero a la vez extremadamente rocoso. El personal que contribuye a dar forma y sustancia a este sabroso cóctel de blues es el formado por el propio Mick Kolassa a la voz, David Dunavent a la guitarra, Leo Goff al bajo, Chris Stephenson a los teclados, Lee Andrew Williams a la batería y Susan Marshal y Daunielle Gill a las armonías vocales, además de una serie de invitados que ayudan a dar vistosidad y realzar un disco ya de por si atractivo e interesante. como son entre otros Jeff Jensen, Eric Hughes, Toronzo Cannon o Marty Sammon. Mark Franklin. Kirk Smothers o Suavo Jones. MUY BUENO. After his two previous recordings where Mick Kolassa included versions of songs coming for other composers, this time Mick decided to show us a kitkke bit more of his facet as a song writer, selecting nine own songs and three versions. These twelve songs cover a wide variety of blues rhythms, sounds and styles that clearly show Kolassa is in top form, high spirits and full vocal faculties, able to catch most listeners with his powerful attractive voice, gifted with a suggestive but at the same time, extremely rocky tone. The musicians who contribute to round up and give substance to this tasty blues cocktail include Mick Kolassa on vocals, David Dunavent on guitar, Leo Goff on bass, Chris Stephenson on keyboards, Lee Andrew Williams on drums and Susan Marshal and Gill Daunielle on backing vocal harmonies, as well as a handful of guests who help to enhance an already attractive and interesting album, such as eff Jensen, Eric Hughes, Toronzo Cannon or Marty Sammon. Mark Franklin, Kirk Smothers or Suavo Jones. VERY GOOD.

Dennis Herrera “You Stole My Heart” Self Production / Frank Roszak 2018.
Prepárate para disfrutar y pasarlo bien con el nuevo trabajo del cantante, compositor y guitarrista Dennis Herrera que viene cargado de buena y divertida música, perfecta para que bailes, lo pases bien y olvides todo ese cargamento de penas y preocupaciones que la vida diaria nos suele deparar y, si afortunadamente este no es tu caso, entonces simplemente se feliz, goza y disfruta con su nuevo disco porque, al igual que el anterior, seguro que no te va a defraudar. Su forma de cantar es expresiva, coloquial y bien engrasada, y el vibrante y jugoso sonido de su guitarra se ven respaldados por el sobrio y a la vez excelente trabajo de Sid Morris al piano, Rich Wenzel a los teclados, Denis Depoitre a la armónica, Frank Dejose y Bill Stuve al bajo, Jack Sanford y Jeff Jorgenson a los saxos, Robi Bean y Lee Campbell a la batería y finalmente Gordon Peeke a la percusión. Entre todos dan forma y vida a once temas compuestos por Dennis Herrera que te cautivarán de principio a fin. En definitiva estamos ante un trabajo realmente honesto y totalmente satisfactorio para todos aquellos que gustan de escuchar buen blues y buen rock ‘n’ roll. Un álbum que desprende swing a raudales y comunica buenas vibraciones ¿Te lo vas a perder? MUY BUENO. Get ready to enjoy and have a good time with the new recording by singer, songwriter and guitar player Dennis Herrera, al album that comes full of good rockin0 funny music, perfect to make you dance, have a good time and forget all daily sorrows and worries life brings us- And if fortunately this is not your case, then just be happy and enjoy Dennis’ new album because, like his previous one, this one will not disappoint you at all. His singing is expressive, plain and greasy and his vibrant juicy guitar sound is backed by the restrained excellent work of Sid Morris on piano, Rich Wenzel on keyboards, Denis Depoitre on harmonica, Frank Dejose and Bill Stuve on bass, Jack Sanford and Jeff Jorgenson on sax, Robi Bean and Lee Campbell on drums and finally Gordon Peeke on percussion. All give shape to eleven Dennis Herrera’s lively own songs that will certainly captivate you from the beginning to the end. In short words, this is a really honest and totally satisfying recording, devoted to all those people who look for good blues and good rock 'n' roll. This is a totally swingin’ album that immediately communicates good vibrations to every listener. Are you going to miss it? GREAT

Amanda Fish “Free”. Vizztone 2018.
Amanda Fish se dio a conocer en el año 2012 como cantante solista. A principios del 2014 fundó su propia banda orientada hacia la música con raíces, el rock y el soul. En 2015 publicó su primer álbum para el sello Vizztone, un disco que fue aclamado y reconocido por la prensa internacional como una de las más prometedoras artista, consiguiendo llegar también a las semifinales del International Blues Challenge de Memphis, premios que otorga anualmente la Blues Foundation. Ahora publica un nuevo trabajo para el sello Vizztone con doce temas propios en los que Amanda Fish se decanta hacia el rock pero siempre dándole un aire bastante bluesy, con influencias que abarcan desde R.L. Burnside hasta incluso Nirvana. En todas las canciones que integran este nuevo álbum, la voz de Amanda aparece con una fuerza y expresividad que sobrepasa los limites razonables de lo que es el nivel medio de muchas de las vocalistas actuales, además de tocar un amplio abanico de instrumentos como el bajo, la guitarra acústica, la eléctrica, la guitarra de doce cuerdas, el piano y la mandolina. El excelente elenco de músicos que la acompañan ayudan a dar forma a un disco de una más que interesante calidad musical. MUY BUENO. In year 2012 Amanda Fish started her musical career as solo singer. At the beginning of 2014 she founded her band, mainly devoted to perform roots music, rock and soul. In 2015 she published her first album for Vizztone, a recording that received a good recognition by national and international media, considering her as one of the most promising actual artists. She also reached the semi-finals at the International Blues Challenge in Memphis that every year is organized by The Blues Foundation. Now she publishes a new album for Vizztone, including twelve own songs where Amanda Fish goes to rock music but always with a good bluesy air and influences ranging from R.L. Burnside to even Nirvana. In all songs that round up this new album, Amanda's voice appears with a strength and expressiveness that exceeds the reasonable limits of the standard average of many of the actual singers. Besides, she also plays a wide range of instruments like bass, acoustic and electric guitar, twelve-string guitar, piano and mandolin. The excellent line-up of backing musicians contribute to complete a more than interesting high musical quality recording. GREAT.

Hadden Sayers “Acoustic Dopamine”. Self Production / Frank Roszak 2018.
No hace demasiado tiempo Hadden Sayers publicó un disco titulado “Dopamine Machine”. Este álbum presentaba un estilo de rock blues duro donde se mostraba la faceta más eléctrica y poderosa de este veterano cantante, guitarrista y compositor tejano. Después de su publicación Hadden Sayers se dio cuenta rápidamente de que aquellas canciones que había incluido en el disco poseían también un profundo intimismo y tenían mucho que decir si se interpretaban de forma acústica en un contexto mucho más recogido. Para ello se encerró en su habitación, realizando todos los arreglos precisos y necesarios para conseguir el climax apropiado para ser grabados de forma acústica, lo que realizó en los Lounge Studios de Groove City, Ohio y, bajo la dirección del ingeniero Joe Viers, completó las once canciones de este disco que fue mezclado por Chad Carlson en los Cabana Sound Studios de Nashville. Además de Hadden Sayers a la guitarra acústica y voz, en este proyecto participó también Ruthie Foster en una canción y Jim Ed Cobbs a las percusiones varias. MUY BUENO. Not too long ago Hadden Sayers published an album entitled "Dopamine Machine". It featured a hard rock blues style, showing the most electric and powerful facet of this veteran Texan singer, guitar player and songwriter. After the album release Hadden Sayers immediately realized those songs he had included in the cd also had a deep intimacy and much to say if they were performed in an acoustic way and in a more relaxed atmosphere. To do so he locked himself in his room, making all the necessary arrangements to get the right songs climax to be recorded totally acoustic. He did it at Sonic Lounge Studios in Groove City, Ohio under the clever supervision of engineer Joe Viers, that made as a result eleven songs mixed by Chad Carlson at Nashville's Cabana Sound Studios. Besides Hadden Sayers on acoustic guitar and vocals, you will also find Ruthie Foster in one song and Jim Ed Cobbs on various percussions. VERY GOOD.

Rachelle Coba “Blink”: American Showplace Music / Rick Lusher  2018.
Rachelle Coba es una cantante, guitarrista y compositora de una gran honestidad dispuesta siempre a dar lo mejor de si misma. Rachelle es una mujer inquieta que en todo momento busca algo nuevo que ofrecer. Partiendo del blues tradicional su música presenta un rango amplio y muy completo de peculiaridades, formas y sonidos. En todas y cada una de las once piezas que se incluyen en el álbum el oyente irá descubriendo los diferentes modos y maneras con los que Rachelle Coba se vuelca de manera eficaz y reconfortante en la música que interpreta. Aunque empezó tocando el violín, no fue hasta el momento en que descubrió a artistas como Lonnie Mack, Stevie Ray Vaughan o Buddy Guy con quien le une una buena amistad, en que Rachelle decidió dedicarse por entero a la guitarra y desarrollar su excelente faceta de cantante. A partir de ese momento nuestra heroína ha construido un estilo propio y personal que estoy seguro satisfará a todos cuantos escuchen este ultimo trabajo. Además de Rachelle Coba a la voz, guitarra y composición, el resto de los músicos que la acompañan son Kohn Guinty, quien también se encarga de la producción, al Hammond B3, piano, teclados y percusión, Paul Kuzik al bajo, Andrei Koribanics a la batería y percusión y Jimmy Bennet al dobro en la canción titulada “River Of Blood”. MUY BUENO. Rachelle Coba is a totally honest singer, guitar player and composer, always willing to give the best of herself. Rachelle is a restless woman who always looks for something new to offer to her followers. Starting from traditional blues, her music presents a wide range of peculiar forms and sounds. So In every cut included in this new album, listeners will discover the different ways Rachelle Coba walks along the music she plays, always in a very effective way. Although she started playing violin, it was not until she discovered artists like Lonnie Mack, Stevie Ray Vaughan or Buddy Guy, whom she keeps a good friendship, when Rachelle decided to devote herself to the guitar and develop his excellent singer skills. From that moment on, this woman has built up a personal style I am sure will satisfy all those who listen to this last recording. Besides Rachelle Coba on vocals, guitar and song writing, the rest of the musicians who back  her are Kohn Guinty, who has also been in charge of the whole production, on Hammond B3, piano, keyboards and percussion, Paul Kuzik on bass, Andrei Koribanics on drums and percussion and Jimmy Bennet on dobro in the song "River Of Blood". VERY GOOD.

Ray Bonneville “At King Electric”. Stonefliy / Mark Pucci 2018.
“At King Electric” es el nuevo trabajo de este contador de historias, compositor, cantante y guitarrista Ray Bonneville, en el que se nos revela como un músico tremendamente sobrio que, en todo momento, sabe crear un ambiente relajado e intimista que, en ocasiones, nos puede recordar tanto a Bob Dylan como a Johnny Cash, Tony Joe White, Leonard Cohen, Lou Reed o JJ Cale. Su vida ha sido la de un trovador y un trotamundos que ha llevado sus canciones desde su Quebec natal a todos los rincones de los Estados Unidos. Para él sus canciones y su público son como sus propios hijos a los que hay que alimentar y cuidar, tanto física como espiritualmente. Ray siempre está dispuesto a complacer a todos cuantos le escuchen, no sólo en el escenario sino también en los discos que publica. En este nuevo álbum la voz, las guitarras y la armónica de Ray Bonneville están bien secundadas por unos músicos que contribuyen en gran medida a crear una música que podría calificarse como la pólvora de un arma de fuego o como el opio, ya que en ciertos momentos suena ardiente y explosiva y en otros lánguida y melodiosa, eso si, siempre bajo las premisas de un country folk elegante y distinguido del cual es un maestro consumado. MUY BUENO. "At King Electric" is the new recording of this storyteller, composer, singer and guitar player called Ray Bonneville, where he shows himself as a terrific but at the same time restrained musician who always knows how to create a relaxed intimate atmosphere that, sometimes, could make us remember such great musicians like Bob Dylan, Johnny Cash, Tony Joe White, Leonard Cohen, Lou Reed or JJ Cale. He has lived as a troubadour and a globetrotter and has taken his songs from his native Quebec to every corner of United States. For him the songs he writes and his audience are like his own children he needs to feed and take care, both physically and spiritually. Ray is always willing to please all those people who listen to him, not only when he is on stage but also in all the albums he releases. In this last recording, Ray Bonneville’s voice, guitars and harmonica are well supported by some good musicians who really contribute to create a music that could be described like gun powder or opium, because sometimes it sounds flaming and explosive and other times languid and melodic, but  always inside the frame of an elegant tasteful country folk he performs with a mastery technique. VERY GOOD.

 

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