LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 have been collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Mayo - Abril - Marzo 2017 / May - April - March 2017

MAYO 2017 / MAY 2017

Randy McAllister “Fist Ful Of Gumption”. Reaction / Frank Roszak 2016.
El blues y la roots music se dan la mano en este último trabajo del cantante, armonicista y batería Randy McAllister. Nacido en Texas, Randy pertenece a la quinta generación de músicos de la zona que se han desvivido por el blues siguiendo la estela de sus predecesores, maestros y grandes pioneros del género. Su padre era batería del grupo The Flames y, desde bien pequeño, Randy siguió sus pasos aprendiendo a tocar el instrumento. A los veinte años descubrió los jugosos timbres y sonidos de la armónica durante un viaje por Massachusetts. De vuelta a Texas sorprendió a todos sus amigos, familiares y seguidores, mostrando que había adquirido una técnica depurada soplando la armónica y conseguido un timbre vocal expresivo, rico y maduro. En la actualidad con treinta años de experiencia y trece discos a sus espaldas, Randy McAllister es un sólido valor que sigue al alza en lo que a su música se refiere. En este disco combina con acierto y un gusto deliciosas melodías impregnadas de roots music, folk y blues, además de unas sugestivas letras que despertarán el interés del oyente, junto a una gran fuerza expresiva. Además de Randy a la voz, armónica, batería y washboard, también intervienen en el álbum Rob Dewan a la guitarra, Maya Van Nuys al violín, Matt Higgins al bajo, Carson Wagner a los teclados y las armonías vocales de Benita Arterberry-Burns y Andrea Wallace. MUY BUENO. Blues and roots music come hand in hand in the last work of singer, harmonica player and drummer Randy McAllister. Born in Texas, Randy belongs to the fifth generation of those area musicians who have spent all their energies in the blues, following the path of the ancestors, great masters and pioneers of this music style. His father was drummer in The Flames band and, since his childhood. Randy followed his father’s footsteps and learned to play the instrument. When he was 20 years old he discovered the harmonica juicy tones and sounds while he was travelling around Massachusetts. Back to Texas he surprised all his friends, family and followers, showing he had got a fine harmonica playing technique and an expressive, rich and mature vocal tone. Now with thirty years of experience and thirteen albums on his back, Randy McAllister is a solid rising value. The album cleverly combines with very good taste delicious melodies full of roots music, folk and blues, plus suggestive lyrics that will call the attention of most listeners, as well as a great expressive strength. Besides Randy on vocals, harmonica, drums and washboard, the rest of musicians involved in the album are Rob Dewan on guitar, Maya Van Nuys, on violin, Matt Higgins on bass, Carson Wagner on keyboards and the vocal harmonies of Benita Arterberry-Burns and Andrea Wallace. VERY GOOD.

Derrick Procell “Why I Choose To Sing The Blues”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Derrick Procell trabajaba componiendo canciones para otros artistas junto a Terry Abrahamson, formando un tándem de prestigio. Derrick nunca pensó en dedicarse a la música, sin embargo cuando muchos de los músicos para los que componía canciones se dieron cuenta de su potencial creativo, le animaron a dar un paso adelante pues sus canciones merecían ser interpretadas por él mismo en lugar de convertirse en éxitos de otros artistas. Lo cierto es que Derrick se ha volcado de lleno en esta tarea y lo ha hecho con toda su energía y dedicación. Es ahora cuando se nos muestra como un apasionado y entregado vocalista, además de un aguerrido pianista y armonicista. Este disco contiene doce impecables interpretaciones de sus propios temas arreglados especialmente para la ocasión junto a su gran amigo y colega Terry Abrahamson, en los que está acompañado por su banda, The Parchman Farm, además de contar con la inestimable colaboración de Billy Branch, Bob Margolin o Eddie Shaw como invitados de excepción. El álbum certifica la aparición en la escena de este nuevo artista que irrumpe con fuerza y reclama un lugar destacado en el panorama del blues actual. MUY BUENO. Derrick Procell worked as a composer for other artists together with Terry Abrahamson and both formed a good tandem. Derrick never had thought to devote himself to music but, when most of the musicians that performed the songs he wrote for them realized his creative skills, they encouraged him to take a step forward, as his songs deserved to be played by Derrick himself instead becoming hits performed by other musicians. The true thing is Derrick threw himself into this new facet with energy and commitment. So now he appears as a passionate and delivered singer, as well as a seasoned pianist and harmonica player. This album includes twelve faultless versions of his own songs especially arranged in collaboration with his great friend and colleague Terry Abrahamson. Procell is backed by his band, The Parchman Farm, plus the valuable collaboration of Billy Branch, Bob Margolin or Eddie Shaw as deluxe guests. This recording certifies the arrival of a new artist to the blues scene, who appears with force and claims for a prominent place in the blues world. GREAT.

London Spradlin “No More Blue Mondays”. Self Production / Frank Roszak 2016.
London Spradlin es un versátil guitarrista que pued
e tocar todos los palos del blues con mucha naturalidad y buenas maneras. London se siente a gusto interpretando tanto los blues del Delta como los de la Louisiana, los de Memphis siguiendo la estela de BB  King, los de Texas o incluso colaborando con músicos del denominado blues británico, como es el caso de este disco. El álbum es una reedición del aparecido en 1995 y que London Spradlin grabó con miembros de la banda de Eric Clapton como por entonces eran Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy y Owen Wells. Con semejante banda es fácil comprender que el disco es, no sólo suculento y atractivo sino realmente impresionante. En este trabajo Spradlin fusionó con excelente criterio y vehemencia el feeling del blues negro con la técnica y el desparpajo de los músicos blancos. “No More Blue Mondays” se convierte en una buena muestra para redescubrir a un artista completo y extremadamente sugestivo, donde Spradlin nos regala los oídos con unas variadas y coloristas pinceladas de esta música que tanto nos gusta y con la que London continua haciendo disfrutar y vibrar a las audiencias con renovado entusiasmo. MUY BUENO. London Spradlin is a versatile guitar player who can perform a wide range of blues styles, always with a natural disposition and good technique. London feels comfortable playing not only Delta blues but also Louisiana and Texas blues, but he can also follow the path of BB King’s music and Memphis blues or even collaborate with musicians belonging to those named British blues, as is the case of this recording. The album is a reissue of the one published in 1995 London Spradlin recorded with members of Eric Clapton’s band like were Norman Barratt, Henry Spinetti, Dave Markee, Dan Cutrona, James Gosney, Amoy Levy, Ciceal Levy and Owen Wells. With such a band it is easy to imagine the album is not only tasty and attractive but also really impressive. In this work, Spradlin cleverly combined the feeling of black bluesmen with the technique and self-confidence of white musicians. "No More Blue Mondays" becomes a good way to rediscover a complete and extremely suggestive artist, as Spradlin delights us with varied colourful touches of the music we deeply love, that he still contributes to give it to varied audiences with a joyful renewed enthusiasm. GREAT.

Jr. Johnny “My Radio”. Bohemian 2016.
Jr. Johnny nació en Nueva York. De joven frecuentaba la zona más bohemia de la ciudad y tocaba en algunas bandas de garaje. Un día escuchó a Muddy Waters y desde aquel momento decidió que el blues sería la música que llenaría su vida. A la vuelta de la guerra del Vietnam se trasladó a San Francisco donde conoció a músicos como Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon y tuvo el honor de tocar con John Lee Hooker que fue quien le puso el sobrenombre de Jr. Johnny. Para alimentar a su familia tuvo que dejar la música a un lado y dedicarse a los más variopintos trabajos. Ahora Jr. Johnny ha sentido la necesidad de  volver a tocar y por ello ha grabado un disco relajado e intimista que incluye diez composiciones propias que reflejan una atmósfera sencilla e informal. Las canciones quizás pecan de ser algo similares en cuanto a los tempos y además Jr. Johnny tampoco es un vocalista con amplios registros sino mas bien un cantante en una línea melódica a lo Leonard Cohen o Lou Reed que, en lugar de cantar, lo que suelen hacer es recitar. Junto a Jr. Johnny a la voz y la armónica se encuentran también Peter Corrigan a la guitarra rítmica y slide, Denny Dwyer a la guitarra solista, Tony Perrino a los teclados, Stephen Minnich al bajo y Joe Rocco a la batería. BUENO / GOOD. Jr. Johnny was born in New York. In his youth days he usually was seen around the bohemian area of the city and he also played in some garage bands. One day he listened to Muddy Waters and since that particular moment, he decided blues would be the music that would fulfil his life. When he came back from Vietnam, he moved to San Francisco where he met musicians like Mike Bloomfield, Jimmy Whiterspoon and was honoured to play together with John Lee Hooker who was the one who gave him the nickname of Jr. Johnny. To take care of his family he had to leave the music aside and devote his time to the most varied jobs. Now Jr. Johnny has felt the necessity to come back to the music, so he has recorded a relaxed and intimate album that includes ten original compositions that give us a simple and informal atmosphere. The songs may seem quite similar in tempos and, besides, Jr. Johnny is not a singer with a wide vocal register, so he sings following a melodic line similar to Leonard Cohen and Lou Reed who, instead singing they usually recite. Together with Jr. Johnny on vocals and harmonica you will also find Peter Corrigan on rhythm guitar and slide, Denny Dwyer on lead guitar, Tony Perrino on keyboards, Stephen Minnich on bass and Joe Rocco on drums.

Awek “Long Distance” Self Production 2017.
Awek son una de las bandas francesas con mayor proyección a nivel europeo e internacional gracias a su innegable calidad y por entender perfectamente el verdadero lenguaje del blues. Éste último trabajo se ha grabado a caballo entre Austin en Texas y Toulouse y Angers en Francia. En él los Awek nos presentan catorce temas donde alternan composiciones propias con versiones de algunos de los bluesmen históricos que mas han influido en su carrera como son Muddy Waters con una impresionante la versión de “Long Distance Call’” donde ponen toda la carne en el asador con un enorme feeling, o Jimmy McCracklin, de quien tocan el tema “Think” o T-Bone Walker del que interpretan “The Hustle Is On”, sin contar con la preciosa versión de la composición de Leiber y Stoller “Hound Dog”, donde el armonicista del grupo Stéphane Bertolino clava su solo en el más puro estilo de Kim Wilson. Los Awek tienen el auténtico sonido tanto del blues de Texas como del de Chicago, que interpretan con una enorme solvencia. Por si la calidad de la banda no fuera ya de por si suficiente, cuentan además con la colaboración de unos invitados excelentes como son Julien Brunetaud, Damien Daigneau y el recientemente fallecido Fred Kaplan al piano, Drew Davies y Jean Marc Labbe a los saxos y Dereck O’Brien a la guitarra. MUY BUENO. Awek is one of the most recognized French bands at European and international level, thanks to their undeniable quality and the way they perfectly understand the true language of blues. This last work has been recorded between Austin in Texas and Toulouse and Angers in France. The recording includes fourteen songs that combine own compositions with versions of some of the historical bluesmen who have most influenced them like Muddy Waters they play homage with an impressive version of "Long Distance Call” they play with a terrific feeling and giving the best of themselves, or Jimmy McCracklin with the song "Think", T-Bone Walker with the song "The Hustle Is On", not to mention the delightful version of Leiber and Stoller’s song "Hound Dog", where the band harmonica player Stéphane Bertolino gives us a superb playing in the path of Kim Wilson. Awek have gpt the real Texas and Chicago blues sound, they display with a complete reliability. And if the band quality was not enough, they have also included some excellent guest musicians like Julien Brunetaud, Damien Daigneau and recently disappeared Fred Kaplan on piano, Drew Davies and Jean Marc Labbé on saxos and Dereck O'Brien on guitar. GREAT.

Lucas Haneman Express “Tearing Up The Rails” Self Production / Sarah French 2016.
Canadá posee una amplia cantera de músicos de blues que da vida a una floreciente escena y actividad musical. Una de estas nuevas y originales bandas de blues con una capacidad creativa de amplias miras y unos muy sólidos cimientos estructurales son Lucas Haneman Express. Originarios de Ontario, la banda tiene la habilidad de saber rejuvenecer la tradición del blues con un material fresco y actual lleno de magia y energía y al que estos jóvenes músicos aportan un aire desenfadado y de muy grata escucha. El disco contiene catorce canciones de las que “Give Me Life”, “lind Man’s Blues”y “hat’s The Truth” se grabaron en los legendarios estudios Sun de Memphis en Tennessee con unos resultados mas que positivos, por lo que valió la pena gastarse unos buenos dólares para hacerlo y si no escucha atentamente estos tres temas y seguramente me darás la razón. Lucas Haneman como líder de la formación, cantante, guitarrista y compositor, Martin Newman al bajo y voces, Jeff Asselin a la betería y percusión y Megan Laurence a las voces y tambourine han contado en éste álbum con la colaboración de Steve Marriner a la armónica y Jesse Whiteley al órgano y teclados en algunos cortes. Buen disco realizado con gran amplitud de miras en cuanto a interpretar los blues se refiere. MUY BUENO. Canada has a large pool of blues musicians who bring life to a flourishing scene and musical acts. One of these new and original blues bands which gather a wide creativity and solid structural foundations is The Lucas Haneman Express. Coming from Ontario, the band has the ability to rejuvenate blues tradition with a refreshing very actual material full of magic and energy, these young musicians bring us with a casual air which makes as a result a really pleasant listening. The album includes fourteen songs and these three ones “Give Me Life", "Lind Man's Blues" and "hat's The Truth" were recorded at the legendary Sun Studios in Memphis, Tennessee with a very positive result, so it was worth to spend some dollars to do it, so you have only to listen carefully to them and you will surely realize I am right. Lucas Haneman as band leader, singer, guitar player and songwriter, Martin Newman on bass and vocals, Jeff Asselin on drums and percussion and Megan Laurence on vocals and tambourine have counted for the recording the album with the valuable collaboration in some tracks of Steve Marriner on harmonica and Jesse Whiteley on organ and keyboards. Good album conceived and recorded with a wide vision concerning to blues displaying and performing. VERY GOOD.

Leadbelly “Good Morning Blues”. Wolf Blues Classics 2016.
Leadbelly fue un gran cantante, compositor y multi-instrumentista, aunque a lo que se dedicó principalmente fue a tocar la guitarra. Leadbelly tenia un amplísimo repertorio basado en la música popular tradicional influido por el rico folklore del pueblo afroamericano, aunque por supuesto cantó mucho blues y también fue un excelente y contumaz interprete de work songs y espirituales Huddie Leadbetter, más conocido como Leadbelly, llevó una vida muy azarosa pasando siete años en la cárcel por haber asesinado a un familiar, volviendo dos veces mas a la prisión por peleas con blancos. Afortunadamente John Lomax le contrató como su chófer y le dio la oportunidad de grabar una considerable cantidad de material. Gracias a Lomax fue reconocido por los estudiosos del folklore negro y por los aficionados al folk blancos, siendo uno de los primeros músicos en viajar a Europa. La influencia ejercida por este hombre es más que notable en músicos como Bob Dylan, Jack White, Tom Waits e incluso Kurt Covain. Este álbum recoge con fidelidad y un buen sonido remasterizado algunas de sus canciones mas populares y emblemáticas como pueden ser “Good Night Irene”, “Midnight Special”, “Where Did You Sleep Last Night”, “Good Morning Blues”, “Rock Island Land” o “Cotton Fields” entre un total de veinticuatro maravillosos cortes en un disco básico e imprescindible para todos los amantes del género. Felicitamos una vez más a Wolf Records que, como es habitual en ellos, siempre trabaja infatigablemente en la búsqueda de material histórico y que ahora nos regala otra de sus maravillosas entregas. BUENISIMO. Leadbelly was a great singer, composer and multi-instrumentalist, although he mainly devoted himself to play guitar. Leadbelly had a wide repertoire based on traditional popular music deeply influenced by rich Afroamerican music, although he also sang blues and also was an able and excellent work songs and spirituals performer. Huddie Leadbetter, better known as Leadbelly, had an hazardous life, he was inprisoned for seven years for murdering a relative and he went back to jail two more times accused of fighting and hit some white people. Fortunately John Lomax hired him as his driver and gave him the opportunity to record a considerable amount of his material. Thanks to Lomax he was recognized by black and folk music researchers and white fans and he was also one of the first musicians who travelled and played in Europe with great success. His influence can be found in such great musicians like Bob Dylan, Jack White, Tom Waits and even Kurt Covain. This album faithfully gathers with a good remastered sound of his most popular songs like "Good Night Irene", "Midnight Special", "Where Did You Sleep Last Night", "Good Morning Blues", "Rock Island Land" or "Cotton Fields" in a total of twenty four wonderful songs which have been selected in an album that becomes basic and essential for all lovers of these musical styles. Once again our congratulations to Wolf Records which, as usual, does a tireless work in the research of historical material which now gives us one more example of their excellent recordings. ESSENTIAL. 

Del Rey “Solo”. Hobemian Records 2017.
Del Rey es una verdadera y auténtica trovadora del folk blues cuya misión es llevar este viejo estilo musical a las jóvenes audiencias del nuevo siglo en el que nos encontramos. Ella es una extraordinaria intérprete que, con su voz, su ukelele y su guitarra nos retrotrae a los blues de aquellos pioneros como Bo Carter, Memphis Minnie o Sam Chatmon entre otros muchísimos músicos de blues de los años treinta. Del Rey tiene gusto y aplica su veneración por esta música con criterio, sensibilidad y mucho amor, Del Rey siempre está dispuesta a perpetuar con elegancia y pasión este tipo de música y así o hace en este disco en solitario donde interpreta un total de nueve canciones a cada cual mejor. Si quieres viajar en el tiempo y darte una vuelta por las juke joints que se encontraban  a lo largo y ancho del estado del Mississippi hace ya mas de ochenta años, no tienes mas que escuchar a esta mujer que, aunque no es de piel negra, su corazón y su alma están impregnadas por la intensidad racial de esta música que nuestra heroína hace suya con honor y honestidad. MUY BUENO. Del Rey is a genuine real folk blues troubadour whose mission is to bring this old musical style to the young audiences of the new century. She is an amazing performer who, with her voice, her ukulele and her guitar takes us back to the blues that was played by those pioneers like Bo Carter, Memphis Minnie or Sam Chatmon among many other blues musicians of the 30’s. Del Rey has a tasteful playing and displays it with a clever sensitivity and much love, showing her veneration for the music she plays. Del Rey is always willing to passionately and cleverly perpetuate it and this album confirms it. This is a solo album where she plays nine excellent songs. If you want to travel back in time and do an imagination tour around the juke joints that could be found around Mississippi eighty years ago, you have only to listen to Del Rey’s music who, although she has not a black skin, her heart and soul are full of black people intensity our heroine feels with honesty and pride. GREAT.

Steve James “Live Vol.1”. Hobemian 2017.
Dicen que para el cantante, guitarrista y mandolinista de blues Steve James no hay secreto que se le resista en todo lo que interpreta. James es un profundo estudioso y conocedor del country blues de preguerra capaz de cantar y tocar cualquier canción de aquellos años que se le solicite. James también ha escrito varios libros instructivos acerca de cómo tocar los blues de Texas, Mississippi y Piedmont y ha realizado algunos videos didácticos relacionados con el tema. En este nuevo disco grabado por Steve James en solitario nos encontramos con doce cortes maravillosos donde se explaya y expone con claridad y amplitud de miras su conocimiento del género, a través de doce canciones interpretadas con mucha seriedad y un estilo impoluto. James se mueve entre los blues de Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter o Sam McGee, entr algunos otros de su propia cosecha y lo hace con mucho amor, cariño y honestidad. Dotado de una técnica depurada y nítida, Steve James se va adentrando en el terreno del blues cada vez con más ímpetu y credibilidad, creciéndose con gran suficiencia a medida que van transcurriendo las canciones de este álbum grabado en riguroso directo. MUY BUENO. People say the music that blues singer, guitar and mandolin player Steve James plays has not secrets for him. James is a deep expert and connoisseur of country pre-war blues and he is able to sing and play any song of that particular time he is requested. James has also written several instructional books and videos teaching how to play Texas, Mississippi and Piedmont blues. In this new Steve James’ solo album he brings us twelve wonderful songs where he clearly and widely throws himself into display his knowledge along twelve songs performed in a faultless way and an extreme commitment. James easily moves between those blues coming from Sylvester Weaver, Big Joe Williams, Huddie Leadbetter or Sam McGee and his own compositions and he does it with an extreme respect and honesty. Gifted with a polished acute technique, Steve James gradually goes deep into blues field with an increasing force and credibility, which gives him a growing self-confidence and strength along every song she has selected, all them recorded live. GREAT.

Ron Beer “The Blues Don’t Say It All”. Self Production 2016.
Qué magia, qué gusto, qué interesante es la música de Ron Bear, un cantante que tanto puede vocalizar un blues con gran vehemencia como componer temas de música disco o dance y todo ello con una calidad fuera de serie y una creatividad que nadie puede poner en duda. Ron Bear nació en Ontario, Canadá y es un hombre con una actividad frenética en el terreno musical. Ron ha sido siempre un espíritu inquieto y eso le ha llevado a investigar en numerosos campos y géneros musicales de toda índole. Después de varios viajes a Austin, Texas ahora nos presenta un buen puñado de canciones compuestas por él y de las que Lou Sabatini se ha hecho cargo de las letras. Ambos nos proponen un viaje sin par por el melódico mundo musical del Mississippi, un viaje en el que se convierten en auténticos guías, gurús y maestros. Beer también ha publicado una novela gráfica titulada “Boogie Boy And The Birth Of The Blues”. La historia cuenta de manera suficientemente biográfica un viaje a lo largo del cauce del Mississippi en una pequeña embarcación que le permite ir descubriendo y explicando los diferentes estilos y modos del blues. Ahora puedes apuntarte a este viaje sin salir de casa, gracias a este interesante álbum. Los músicos que intervienen en la grabación son Ron Beer a la voz y guitarra rítmica, Neil Chapman a la guitarra, Bill Evans a los teclados, piano y acordeón, Paul Schofield a los metales, Alex Paris al bajo, John Maydem a la batería y Donna Lajeunesse coros. MUY BUENO. What tasteful magic and how interesting is Ron Bear’s music! He is a singer able to sing blues with a terrific feeling or write disco music and dance songs with an outstanding quality and an incredible creativity. Ron Bear was born in Ontario, Canada. He is a man with a frantic activity in the musical field as he has always been a restless spirit that has led him to investigate in a variety of musical fields and genres. After several trips to Austin, Texas, now he comes back with a good handful of songs he has composed the music and his good friend Lou Sabatini has written all lyrics. Both friends suggest us a beautiful journey around the Mississippi melodic musical world, a journey where they become the best guides, gurus and teachers. Beer has also published a graphic novel entitled "Boogie Boy And The Birth Of The Blues". The story is a rather autobiographical trip along Mississippi river sailing on a small boat which allows him to discover and explain the different blues styles and ways to approach the music. Fortunately you can also go to this suggestive journey without leaving home thanks to this interesting album. The musicians involved in the recording are Ron Beer on vocals and rhythm guitar, Neil Chapman on guitar, Bill Evans on keyboards, piano and accordion, Paul Schofield on metals, Alex Paris on bass, John Maydem on drums and Donna Lajeunesse on backing vocals. VERY GOOD.

Andhrea & The Black Cats “New Roads”. Rock CD Records 2016.
Cuarteto gallego proveniente de Santiago de Compostela compuesto por Benjamin Vázquez a la guitarra, Ramón Figueira a la armónica y Alvaro Trillo a la percusión, un trío acústico al servicio de la cantante Andhrea Verdú que se encarga de llevar y dirigir a los chicos por los vericuetos caminos del blues más tradicional y arcaico. En este su primer trabajo nos ofrecen un repertorio de diez temas de autores tan emblemáticos como son Leadbelly, Lil’ Green, Son House, Roosvelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold o incluso una versión de Tom Waits. Con este tipo de repertorio que, básicamente, es el mismo que ofrecen en sus actuaciones en directo, Andhrea & The Black Cats se adentran por los caminos del blues de preguerra intentando con ello instruir y dar a conocer el evangelio del blues a las audiencias que acuden a sus conciertos. Este es un buen trabajo de recuperación y a la vez muy didáctico para las nuevas generaciones, un repertorio ideal para ese público nuevo que se acerca al género y que no está demasiado familiarizado con las raíces del blues. Es encomiable que un grupo de músicos tan jóvenes como son los componentes de esta banda se dediquen con a recuperar el espíritu de aquellos antiguos bluesmen y lo hagan con buen gusto, dignidad y convencimiento. MUY BUENO. From Santiago de Compostela in Galicia comes this four musicians band with Benjamin Vazquez on guitar, Ramon Figueira on harmonica and Alvaro Trillo on percussion, an acoustic trio who put all their skills to the service of singer Andhrea Verdú, who leads them through the winding roads of the most old traditional blues. In this debut album they present a selection of ten songs coming from such legendary musicians like Leadbelly, Lil' Green, Son House, Roosevelt Sykes, Memphis Minnie, Billy Boy Arnold or even they include a Tom Waits’ song version. With this repertoire that, basically, is the same they do in their live performances, Andhrea & The Black Cats go into pre-war blues ways, aiming to give knowledge and teach the ‘blues gospel’ to the audiences who follow them. This is a good revival work and, at the same time, a very educational one for the new generations, a perfect repertoire for new blues lovers who are not very familiar with blues roots. It is praiseworthy that a young group of musicians like Andhrea & The Black Cats devote themselves to restore the spirit of those old bluesmen, always with good taste, graceful dignity and great conviction. VERY GOOD. 

Elliott And The Audio Kings “Elliott And The Audio Kings”. Busted Flat / Sarah French 2016.
Elliott And The Audio Kings es una banda canadiense de la zona de Ontario que practica una música basada en los maestros del viejo post-war blues sobre el que edifican un nuevo concepto y sonido de los shuffles, los boogies y el swing. Acompañado por Scott Fitzpatrick al contrabajo y Jonny Sauder a la batería, el trío condensa y elaboran un blues que captura todo el espíritu de las bandas de carretera pero que, a la vez, también podrían encontrarse actuando en un elegante club privado, una escuela o un teatro de variedades y espectáculos, dirigiendo siempre todos sus esfuerzos a incluir en su música los elementos más esenciales del blues como son poderosas guitarras, ritmos machacones y contagiosos, letras convincentes y solos incisivos e hirientes. Todo ello se da cita a lo largo de un repertorio que contiene once canciones donde el jump blues, el houserockin de carretera y el rock and roll mas ácido y al mismo tiempo muy digestivo se dan la mano para que el oyente disfrute de unos buenos minutos de felicidad, diversión y alegría. Puedo asegurar sin temor a equivocarme que este disco hará vibrar y gozar a más de un entusiasta. MUY BUENO. Elliott And The Audio Kings is a Canadian band coming from Ontario which perform a music based on those old post-war blues masters but building up a new sound and concept to shuffles, boogies and swing music. Together with Scott Fitzpatrick on bass and Jonny Sauder on drums, the trio elaborate a kind of blues that captures the spirit of a roadhouse band but, at the same time, you could also found them playing in an elegant private club, a school or a vaudeville or music theatre, always giving the best of themselves to get in their music the most essential blues elements like powerful guitars, insistent infectious rhythms, convincing lyrics and hurtful heartbreaking solos. All these elements can be found along the eleven album songs where jump blues, houserockin’ roadhouse and acid but at same time digestive rock & roll come together to bring a good dose of fun, joy, and happiness to every listener. Let me say the album will surely please and satisfy most music lovers. VERY GOOD.

Jack Mack And The Heart Attack Horns “Back To The Shack”. SSR Freeroll / Frank Roszak 2017.
El grupo Jack Mack And The Heart Attack Horns lleva ya más de treinta años de carrera, atesorando una gran experiencia, diez álbumes publicados, además de componer diversas bandas sonoras y cientos de actuaciones en televisión y en directo. Con este bagaje y, como no puede ser de otro modo, el resultado de este álbum es realmente increíble y formidable. Su estilo podría definirse como un grasiento pero a la vez pulcro y elegante soul salpicado de groove-poppin’, blues y rhythm & blues de altas miras y muchos kilates de pura y maravillosa energía. La banda se inspira en aquellos legendarios artistas que grabaron para Stax o Volt de quienes no tienen nada que envidiar. La calidad, el esmero y el poderío que desprende este ambicioso álbum integrado por diez excelentes canciones es de gran envergadura. Todos los temas tienen reminiscencias del soul que interpretaban artistas como Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown o Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns es una banda impecable con una poderosísima sección de vientos que sabe empastar, arreglar y cuidar las canciones con brillantez y esmero. Once son los músicos que han intervenido en estas grabaciones bajo la batuta de su impresionante cantante Mark Campbell, un vocalista de mucha solera. MUY BUENO. Jack Mack And The Heart Attack Horns have more than thirty years of career, so they have gathered a huge experience and ten albums published, besides composing different film soundtracks and hundreds of performances on television and live shows. With this baggage and, as it could not be otherwise, this album becomes a fabulous and totally amazing recording. The band style could be defined as greasy but, at the same time, clear and elegant soul with drops of high-minded groove-poppin', blues and rhythm & blues, with tons of pure and wonderful energy. The band finds inspiration in those legendary artists who recorded for Stax or Volt they really have nothing to envy. The album quality, carefulness and strength along the ten excellent songs included is really amazing. All cuts remind that soul music performed by such great artists like Wilson Pickett, Booker T., The Blues Brothers, Eddie Floyd, James Brown or Sam & Dave. Jack Mack And The Heart Attack Horns is a faultless band with a really powerful horn section. They sound really teamed and really know how to arrange and display all songs on a brilliant careful way. Eleven musicians round up the whole recording, cleverly led by the impressive Mark Campbell’s voice, who appears as a first class amazing singer. GREAT.

John Latini “The Blues Just Makes Me Feel Good”. Smokin’ Sleddog / Frank Roszak 2016.
John Latini ha cimentado su nombre como el de un excelente y voluntarioso compositor. Sus canciones han sido galardonadas en diversas ocasiones y ha recibido grandes alabanzas de la crítica así como diversos premios y reconocimientos. Ahora nos presenta su primer álbum de larga duración con el que ha tirado la casa por la ventana reuniendo a una creativa banda de mucha calidad, así como a un buen plantel de músicos invitados y una efectiva y variopinta sección de vientos, que dotan a la música aquí incluida de una impronta fuera de serie. A lo largo de trece composiciones propias John Latini se nos va descubriendo como un mas que interesante y reflexivo guitarrista, además de un convincente cantante pero, sobre todo, como un compositor con enormes y brillantes cualidades. Un trabajo encomiable en el que nuestro hombre da lo mejor de si mismo entregándose a la faena con excepcional habilidad y pasión para mostrar toda su buena disposición y sus enormes posibilidades en este competitivo mercado del blues. MUY BUENO. John Latini has consolidated his name in music as an excellent devoted composer. His songs have been often awarded and he has also received good words by specialized media as well as various awards and recognitions. Now he presents his first full-length album where he has rolled out the red carpet gathering a high quality creative band, as well as a good bunch of guest musicians together with an effective varied horn section, who give to the album an outstanding mark. Along the thirteen own compositions John Latini shows himself as a more than interesting and thoughtful guitar player, but also as a convincing singer and specially as a good composer gifted with huge brilliant qualities. This is a praiseworthy work where John gives the best of himself devoting to music with an exceptional skill and passion to present all his huge potential and good disposition in the actual competitive blues market. VERY GOOD.

Reverend Freakchild “Preachin’ Blues”. Treated And Released / Frank Roszak 2017.
El Reverendo Freakchild es un músico totalmente diferente a lo que uno podría imaginar de un artista de estas características. Tal como dice de él la revista Living Blues, su actitud es irreverente pero su entusiasmo por el blues es indiscutible y no tiene parangón. Trabajador incansable, el Reverendo nunca se deja vencer por mucho que las circunstancias le sean adversas y por él nunca cunde el desánimo frente a los reveses impuestos por la vida, tal como le ocurrió en San Francisco cuando le robaron todas sus guitarras, su equipo y sus pertenencias. El Reverend Freakchild no paró hasta conseguir otra guitarra resonator para poder seguir tocando y predicando la palabra del blues. A partir de ese momento las cosas empezaron a enderezarse en su vida, consiguiendo ser contratado para tocar en diversos festivales, además de poder grabar este disco en los estudios KBOO de Portland, Oregón. El álbum es una buena prueba del talento musical de un artista que muchas veces fue un perdedor pero que, a partir de un determinado momento de su vida, con voluntad y determinación supo convertir la adversidad en nuevas oportunidades, que son las que actualmente le está deparando la vida. MUY BUENO. Reverend Freakchild is a totally different musician of what one could expect of an artist with these features. As was said in Living Blues Magazine, his attitude is irreverent but his enthusiasm for the blues is clear and undeniable. A tireless worker, the Reverend never gets defeated by adverse circumstances, so he never gets discouraged in front of life setbacks, as happened to him in San Francisco when all his guitars, his gear and belongings were stolen. The Reverend Freakchild managed to get another resonator guitar and he continued playing and preaching his blues message. Since that particular moment, things started to improve in his life, as he was booked to play at various festivals and he was able to record this album at KBOO studios in Portland, Oregon. This recording is a good test to see the musical talent of an artist who many times has been a loser but, since a singular moment in his life, with determination and good will he has been able to turn adversity into new opportunities, the ones life is now giving him. VERY GOOD.

Starlite Campbell Band “Blueberry Pie”. Supertone 2016.
Después de tres álbumes en el mercado y cinco años transcurridos desde que decidieron unir sus fuerzas, el dúo y matrimonio formado por Simon Campbell y Suzy Starlite han publicado hace sólo unos meses éste su último trabajo hasta el momento. Además de Simon Campbell a la voz, guitarras y percusión y Suzy Starlite al bajo y voces, en este “Blueberry Pie” colaboran también Steve Gibson a la batería y percusión, Jonny Henderson al Hammond y piano eléctrico Wurlitzer y como invitado especial Danny Boy Sánchez a la armónica en algunos temas. Simon y Suzy han compuesto para la ocasión once canciones en las que se combinan con frescura y acierto los estilos y géneros que mas les gustan y que son una combinación de ‘British blues’ en el que se puede apreciar como planean los espíritus de Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower e incluso Gary Moore, junto a una buena dosis de country, algo de folk y blues contemporáneo y bastante Americana. Estamos ante un disco convincente, interpretado por unos veteranos que saben de donde vienen y hacia donde van, con una visión y una ejecución de las canciones que interpretan muy ajustadas a las normas que el público actual demanda hoy en día. MUY BUENO. After three albums in the market and five years since they decided to join forces, the duo and couple formed by Simon Campbell and Suzy Starlite published a few months ago their last work so far. Besides Simon Campbell on vocals, guitars and percussion and Suzy Starlite on bass and vocals, “Blueberry Pie" also features Steve Gibson on drums and percussion, Jonny Henderson on Hammond and Wurlitzer electric piano and Danny Boy Sánchez as a special guest on harmonica in some tracks. For this album Simon and Suzy have composed eleven songs where they cleverly combine with an extreme good taste the styles and genres they most love, which can be defined as a combination of 'British blues' where you can discover the spirit of Rory Gallagher, Peter Green, Robin Trower and even Gary Moore, with a good dose of country, contemporary folk and blues and a fair amount of Americana. This is a convincing recording, performed by veteran musicians who really know where they come from and where they want to go, who give to their songs a selected vision and a good performance, that perfectly suits with the standards actual audiences demand nowadays. VERY GOOD.

Tim Gartland “If You Want A Good Woman”. Taste Good Music / Vizzable 2017.
Una de las principales características de Tim Gartland es su naturalidad, honestidad y frescura como vocalista, armonicista y compositor de canciones. Tim se curtió en los clubs de Chicago viajando posteriormente a Boston donde consolidó su carrera. Ahora desde Nashville y junto a algunos de los mejores músicos de la escena local, nos presenta su último trabajo que ha sido coproducido por Kevin McKendree uno de los referentes actuales entre los músicos de la zona. El álbum recoge doce composiciones del propio Tim Gartland escritas en colaboración con su teclista Tom West.. Todos estos temas destilan una melódica belleza con acentos de soul y blues además de una estudiada y fina ironía que cualquier aficionado avezado que las escuche sabrá apreciar e incluso le hará sonreir. Tim sabe medir y administrar con mesura los tempos y los recursos que posee para ofrecer al oyente un producto elegante y de fácil asimilación. Además de Tim Gartland a las armónicas y a la voz, también intervienen Tom West piano y órgano, Tom Britt guitarras, Steve Mackey bajo y contrabajo y Lynn Williams batería, más la colaboración de Kevin McKendree al órgano y piano en tres temas. MUY BUENO. One of Tim Gartland’s main qualities is his cool honest and natural way of singing, playing harmonica and song writing. Tim hardened himself as a musician in Chicago clubs, He later travelled to Boston, where he consolidated his career. Now from Nashville, and surrounded by some of the best musicians of the local scene, he brings us his latest work which has been co-produced by Kevin McKendree, one of the actual most respected guys and specially by other musicians in the area. The album includes twelve own Tim Gartland’s compositions he has written in collaboration with his keyboard player Tom West.. All songs are gifted with a melodic beauty and accents of soul and blues music plus a considerable fine irony any good fan will immediately appreciate and even will make him smile. Tim wisely knows how to measure and manage tempos and the various means to offer listeners an elegant easy to assimilate music. Besides Tim Gartland on harmonicas and vocals, the rest of involved musicians are Tom West on piano and organ, Tom Britt on guitars, Steve Mackey on bass and double bass and Lynn Williams on drums, plus the collaboration of Kevin McKendree on organ and piano in three songs. VERY GOOD.

Jon Gindick “When We Die, We All Come Back As Music”. Old Chimney / Blind Raccoon 2016.
Armonicistas de todo el mundo acuden en peregrinación provistos de su pequeño instrumento en el bolsillo al John’s Blues Harmonica Jam Camp, un seminario instruido por Jon Gindick. Sus increíbles lecciones, sus participativas jams y su manera de enseñar hacen de este seminario un acontecimiento único donde todo el mundo puede aprender y expresar sus dotes creativas a través de este pequeño instrumento tan importante en el blues. Entre los armonicistas que intervienen pueden citarse a Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay o Brian Purdy. Este seminario se celebra en The Shack Up Inn en las afueras de Clarksdale, Mississippi y también en Ventura, California. Ahora y con la inestimable ayuda del productor y multi-instrumentista Ralph Carter, Jon ha grabado un álbum fresco y lozano con un total de diez canciones en las que Gindick toca la guitarra, canta y sopla la armónica alternando la segunda y la tercera posición, en canciones que expresan sentimientos y verdades universales en una acertada mezcla de folk, blues, jazz y funk. En el disco han intervenido también Ralph Carter al bajo, teclado y batería y los invitados Chuck Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya y Al Walker. MUY BUENO. Harmonica players from around the world travel on pilgrimage with their small instrument in their pockets to John's Blues Harmonica Jam Camp, led and taught by Jon Gindick. His incredible lessons, his open jams and the way he teaches harp make this seminar a unique event where everyone can learn and express his creative gifts with this small instrument so important in blues. Among the involved harmonica players one can find Cheryl Arena, R.J. Mischo, Hash Brown, T.J. Klay or Brian Purdy. The seminar takes place at The Shack Up Inn near Clarksdale, Mississippi and in Ventura, California. Now and with the valuable collaboration of producer and multi-instrumentalist Ralph Carter, Jon has recorded a cool natural album with ten songs where Gindick plays guitar, sings and blows harp combining second and third position, in songs that express feelings and universal truths, with a successful mixture of folk, blues, jazz and funk. The musicians who have collaborated in the album are Ralph Carter on bass, keyboard and drums and the special guests Chick Kaavoris, Brad Rabuchin, Ken Stange, Bill Bixler, Bobby Loya and Al Walker. VERY GOOD.

Jim Koeppel “RSVP To Paradise”. Jongleur / Blind Raccoon 2016.
Cinco canciones componen este E.P. a cargo del excelente cantante y guitarrista Jim Koeppel, un veterano músico de la escena del blues que ha compartido escenario y acompañado a muchos de los grandes del blues como Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie o Lil’ Ed entre otros. Este soberbio músico también toca en solitario, o con su formación acústica, The Delta Coasters y en formato eléctrico lo hace con Dust My Blues. Ellos son precisamente los protagonistas de este disco que aquí comentamos. Son cinco blues originales de alto voltaje estupendamente interpretados, plasmados con gran feeling, buen gusto y mucho duende. Un disco que rezuma calidad en todas y cada una de las cinco piezas y que se convierte en una pequeña muestra de la calidad que Jim Koeppel atesora. Además del propio Jim también intervienen Tennyson Stephens piano, Welton Gite bajo, James Gadson batería, Norman Palm trombón, Rajiv Halim saxo tenor mas los invitados Billy Branch armónica, Gene ‘Daddy G’ Barge saxo tenor y John Christy Hammond B-3. MUY BUENO.  Five good songs round up this E.P. by excellent singer and guitar player Jim Koeppel, a veteran blues musician who has shared stage and played with many great blues names like Taj Mahal, Rip Lee Pryor, Cash McCall, Watermelon Slim, Billy Branch, Little Charlie or Lil' Ed among others. This superb musician also plays in a solo format but you can also see him with his acoustic band The Delta Coasters and in electric format with Dust My Blues. They precisely are the ones who perform in the album. Five high-voltage original beautiful blues, displayed with great feeling, good taste and magic. An album that oozes quality in each and every one of the five tracks and becomes a good example of the quality Jim Koeppel has got over the years. Besides Jim Koeppel the other musicians involved are Tennyson Stephens piano, Welton Gite bass, James Gadson drums, Norman Palm trombone, Rajiv Halim tenor sax plus guest musicians Billy Branch harmonica, Gene “Daddy G” Barge tenor sax and John Christy Hammond B-3. GREAT.

Gaetano Letizia & The Underworld Blues Band “Resurrection”. Self Production / Blind Raccoon 2016.
Buscando la inspiración en artistas como Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King o Eric Clapton y también en aquel tiempo en el que los músicos eran los dueños y señores de los procesos creativos en lugar de la tecnología más actual, Gaetano “Tom” Letizia se ha embarcado en una aventura atrevida y personal, en aras de plasmar todo lo auténtico y más genuino en este su décimo álbum titulado “Resurrection”. Este cantante, guitarrista y compositor lidera habitualmente un trío de jazz y otro trío decantado hacia el blues, además de una carrera en solitario de cuarenta años largos. Para este trabajo ha unido sus fuerzas junto al grupo The Underworld Blues Rock Band, una banda formada por seis miembros con Larry Keller al bajo, Steve Renco a la batería, Bill Ramson a la percusión y una sección de vientos formada por Tim Keehn al trombón, Mike Fisher a la trompeta y Bob Esterle al saxo tenor. Los catorce temas originales que forman el disco son una mezcla de blues, funk, jazz, pop, reggae, latin y rock. Aunque Gaetano es un virtuoso guitarrista, no por ello monopoliza las canciones sino que deja que el resto de sus compañeros aporten su propia creatividad para de este modo completar un trabajo diferente y muy provocativo. MUY BUENO. Looking for inspiration in artists like Jimi Hendrix, George Benson, B.B. King or Eric Clapton, and also in that time when musicians were the real owners of the creative process instead what happens now with actual technology, Gaetano "Tom" Letizia has get in a personal daring adventure with the aim to capture the real genuine music along this tenth album entitled "Resurrection". This singer, guitar player and composer usually leads a jazz trio as well as another one devoted to blues, besides a solo career of more than forty long years. For this last work he has joined forces with The Underworld Blues Rock Band, a six members group with Larry Keller on bass, Steve Renco on drums, Bill Ramson on percussion and a horn section with Tim Keehn on trombone, Mike Fisher on trumpet and Bob Esterle on tenor sax. The fourteen original album songs are a mixture of blues, funk, jazz, pop, reggae, Latin and rock. Although Gaetano is a virtuoso guitar player, he does not monopolize all songs and he lets the other musicians to express their own creativity to complete a different very provocative work. VERY GOOD.

John Mayall “Talks About That”. Forty Below / Mark Pucci Media 2016.
Me quito el sombrero ante un músico como John Mayall que, a sus ochenta y cuatro años, sigue activo y se mantiene en pie durante las dos horas largas de sus conciertos. Además John se halla en evolución constante, manteniendo su buen olfato y sus dotes para crear nuevas sensaciones y evolucionar en el campo del blues, algo verdaderamente difícil para cualquier músico abocado al género de los doce compases. Mayall no se ha quedado anclado en el ‘British blues’ de los años sesenta, sino que siempre ha innovado y lo sigue haciendo, pues Mayall siempre va un paso por delante de otros muchos que han pretendido seguir su estela. En este álbum ha incluido ocho temas propios y tres versiones “It’s Hard Going Up” de Bettye Crutcher, “Goin’ Away Baby” de Jimmy Rogers y “Don’t Deny Me” de Jerry Lynn Williams. La banda que le acompaña es la habitual de los últimos años formada por Greg Rzab al bajo, Jay Davenport a la batería y Rocky Athas a la guitarra, aunque este último ya no forma parte del grupo de la última gira de John. El disco cuenta también con la colaboración del guitarrista Joe Walsh y de una sección de metales que confieren solidez y empaque en los temas que intervienen. Mayall sigue vivo y bien y este álbum es un fiel reflejo de sus inmortales y personales blues, desarrollados como siempre con habilidad y ejecutados según los cánones habituales en él y que tan profunda huella han ido dejando a lo largo de su larga y dilatada trayectoria. MUY BUENO. I take my hat off in front a musician like John Mayall who, with eighty-four years, is still active and stands up during the two hours of his live shows. Besides, John is in a constant evolution, keeping intact his ability to create new concepts in blues, something quite difficult to any blues musician. Mayall did not get anchored in 60’s British blues, he has always innovated and continues to do so, as he is always one step ahead of other musicians who have tried to follow his trace. In this album he has included eight own songs and three versions, "It's Hard Going Up" coming from Bettye Crutcher, "Goin' Away Baby" by Jimmy Rogers and "Don't Deny Me" by Jerry Lynn Williams. The band musicians who back him are the usual ones in recent years with Greg Rzab on bass, Jay Davenport on drums and Rocky Athas on guitar, although Rocky is no longer member of the band and he did not participate in John’s last tour. You will also find in the album guitar player Joe Walsh and a teamed horn section which give power, quality and variety to the songs where they play. Mayall is still alive and well and this album truly reflects his undying personal blues, as ever developed with great skill and displayed following Mayall’s regular basis, which have always left a deep footprint along his extensive career. GREAT.

The Kentucky Headhunters “On Safari”. Plowboy / Mark Pucci 2016.
Después de editar aquel magnífico álbum titulado “The Rock ‘N’ Roll Jungle” y a la vuelta de una exitosa gira por Europa, The Kentucky Headhunters se reinventan ahora con este su doceavo álbum en estudio. Para ello han encontrado y recogido inspiración de las experiencias vividas en sus recientes viajes y actuaciones. El álbum que comentamos se grabó en circunstancias muy especiales, ya que los hermanos Richard y Fred Young perdieron a su padre tres días antes de comenzar la grabación de este disco lo que hizo que, tanto ellos como el resto del grupo, pusieran si cabe mas ganas y emoción en las canciones que se llevaron a cabo, dedicándoselas a su memoria. Doce canciones que muestran la capacidad de generar buena y excelente música inspirada en el rock sureño, el blues, el rock y también en lo que conocemos como Americana. Los Kentucky Headhunters son Richard Young a la voz y guitarra, Greg Martin a la guitarra solista y voces, Doug Phelps al bajo y voces y Fred K. Young a la batería, percusión y voces, más la colaboración especial en el disco de Kevin McKendree al Hammond. Un buen álbum donde planea el elegante southern rock con capacidad para embelesar a la mayoría de los aficionados a este estilo. MUY BUENO. After publishing a magnificent album entitled "The Rock ¡N' Roll Jungle" and coming back from a successful tour in Europe, now The Kentucky Headhunters reinvent themselves with his twelfth studio album. To do so they have found and gathered inspiration from the experiences lived in their recent travels and live shows. The album was done in very special circumstances, because brothers Richard and Fred Young lost their father three days before starting the album recording, which made that both brothers and the rest of the band put even more enthusiasm and emotion to the songs they were recording and they decided to devote the album to his memory. Twelve songs that show the musicians ability to generate good and excellent music inspired by southern rock, blues, rock and also what we know as Americana. The Kentucky Headhunters are Richard Young on vocals and guitar, Greg Martin on lead guitar and vocals, Doug Phelps on bass and vocals and Fred K. Young on drums, percussion and vocals, plus the special collaboration in the album of Kevin McKendree on Hammond. This is a good recording where you can breathe and feel the elegant southern rock that will surely captivate most fans of this very special style. VERY GOOD.

Tom Craig & The Soul Patch “Get Ready For Me” Self Production / Frank Roszak 2016.
Tom Craig es un poderoso cantante con un feeling increíble. Tom es también un guitarrista y compositor que descubrió su vocación musical escuchando a Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Mel Torme. Sin embargo pronto decidió que sus gurús y maestros serian Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan y los tres reyes, B.B. King, Freddie King y Albert King, además del soul de los sesenta y setenta. Durante la última década Tom Craig ha formado tándem con el batería John O’Connell con quien comparte su pasión por el soul de Memphis, el sonido de la factoría Muscle Shoals, el rhythm and blues y el blues, por lo que en sus actuaciones siempre incluyen versiones de Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, los tres Kings, Buddy Guy, Robert Cray o Joe Louis Walker. Ahora nos presentan un álbum plagado de buenos y tórridos temas en un amplio recorrido por las diferentes caras y facetas de esa música negra que tanto les apasiona y con la que conectan de forma inmediata con el oyente. Para ello han contado con la participación de un excelente plantel de músicos como “Rando” Randy Branning y Dave Gross al bajo, Eric Johnson, al Hammond y teclados, Mickey Junior a la armónica además de una sección de metales formada por Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher y Skyler Hagner barítonos, Dan Young alto y Sean McCusker trombón. Un disco más que recomendable. MUY BUENO. Tom Craig is a guitar player and composed but mainly he is a powerful singer with an incredible feeling. Tom discovered his musical vocation listening to artists like Frank Sinatra, Ella Fitzgerald and Mel Torme. However he soon decided his gurus and masters would be Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan and the three kings, B.B. King, Freddie King and Albert King, as well as 60’s and 70’s soul. During the last decade Tom Craig has formed a good tandem with drummer John O'Connell. Both share the passion for Memphis soul, the particular sound of Muscle Shoals factory, rhythm and blues and blues, so in their live shows they always include versions coming from Wilson Pickett, Otis Redding, Willie Dixon, Muddy Waters, Elmore James, Buddy Guy, Robert Cray, Joe Louis Walker or the three already mentioned kings. With all these ingredients you can easily imagine this is an album full of good and torrid songs tht drive us to a wide tour around the different faces and shapes of the black music they passionately love, which will immediately connect with every listener. To do so, they have counted with the valuable participation of an excellent group of musicians like "Rando" Randy Branning and Dave Gross on bass, Eric Johnson, on Hammond and keyboards, Mickey Junior on harmonica plus a horn section with Vince Glaeason tenor, Mark Gallagher and Skyler Hagner baritones, Dan Young alto and Sean McCusker trombone. In short words this is a more than a recommendable recording. GREAT.

Lisa Biales “The Beat Of My Heart”. Big Song Music / Frank Roszak 2017.
Con este su noveno álbum y tal como su titulo indica, Lisa Biales deja latir su corazón con fuerte pulso a lo largo de un puñado de buenas y destacadas canciones de corte bluesero, realizadas desde la perspectiva de una mujer fuerte e independiente. Biales creció en el seno de una familia muy unida musicalmente y aprendió a cantar gracias a su madre quien la inició en este maravilloso mundo. Hace un par de años Lisa encontró un viejo disco de 78 rpm que su progenitora había grabado en 1947 y que contenía una sola canción titulada “Crying Over You” compuesta y cantada por su madre. Este hallazgo la hizo muy feliz y le dio la idea de incluir la canción en el repertorio de los doce temas escogidos para completar el álbum que aquí comentamos, donde puede escucharse la voz de su madre cuando sólo tenía veinticuatro años en la primera estrofa de la canción, siendo después la propia Lisa Biales quien continúa cantando esta balada jazzy, en un homenaje lleno de cariño y ternura de Biales hacia su madre. En el resto de los temas se hace evidente la potencia vocal y la amplitud de registros de una artista que, sin duda, llegará al corazón de todos aquellos que quieran acercarse a ella. MUY BUENO. With her ninth album and, as its title clearly shows, Lisa Biales leaves his heart beat with a firm pulse, along a handful of good outstanding blues songs, developed from the perspective of a strong independent woman. Biales grew up in family who really loved music and she learned to sing helped by her mother who made her discover this wonderful world. A couple of years ago Lisa found an old 78 rpm record her mother had done in 1947 with only one song entitled "Crying Over You" composed and sung by Lisa’s mother. This accidental discovery gave her the idea to include the song among the twelve songs selected to complete this album, where you will hear her mother’s voice only aged twenty-four in the first song verse, followed by Lisa’s voice which follows on with the tune singing this jazzy ballad, in a tender lovely tribute to her mother. The rest of the album songs prove the powerful voice and wide vocal range of an artist who, I dare say, will undoubtedly reach the hearts of all those people willing to listen to her tasteful music. VERY GOOD.
 

ABRIL 2017 / APRIL 2017

Jack Ingram “Midnight Motel”. Rounder 2016.
Jack Owen Ingram es un artista estadounidense de música country Ha publicado ocho álbumes de estudio, un álbum de recopilación, seis discos en directo y 18 singles. Aunque Ingram se dio a conocer profesionalmente en 1992, no alcanzó el Top 40 de las listas de country de Billboard hasta que apareció su single "Wherever You Are" a finales de 2005. Desde entonces no ha parado de conseguir éxitos y colocarlos en las listas de mas prestigio de los Estados Unidos con temas como “How Many Days” que llegó al número 64 en 1999, “Wherever You Are” que llegó a alcanzar el número 1 durante el año 2005, “Love You” que ocupó el número 12 de Billboard, “Lips Of An Angel” que llegó al número 16, y así sucesivamente han ido llegando sus éxitos hasta el año 2010 que consiguió entrar en el puesto 56 con la canción “Barbie Doll”. Ahora nos llega este último trabajo con canciones en su más puro estilo de country moderno y neo folk, donde cuenta esas historias tan características del día a día que Jack sabe describir como cualquier story teller que se precie. El disco contiene un libreto con las letras de cada una de las canciones que entusiasmará a todos sus fans y admiradores. MUY BUENO. Jack Owen Ingram is an American country music artist who has released eight studio albums, one compilation, six live ones and eighteen singles. Although Ingram became professionally known in 1992, he did not reach Billboard Top 40 country lists until the end of 2005, and he did it with his single "Wherever You Are". Since then on he has got an endless success which has driven him to regularly appear in the most prestigious USA top lists with songs like "How Many Days" which reached number 64 in 1999, "Wherever You Are" which got number 1 in year 2005, "Love You" that was number 12 in Billboard Top Chart, "Lips Of An Angel" which was number 16, and so on have come his song hits until year 2010 his name appeared in number 56 with the song "Barbie Doll". Now comes his latest album with different tunes performed in the most genuine actual country and neo folk styles, with those day to day characteristic stories Jack knows to explain us as a real story teller. The album includes a booklet with each song lyrics that will thrill all his fans and admirers. VERY GOOD.

Dwight Yoakam “Swimmin’ Pools, Movie Stars…”. Rounder 2016.
Formidable este nuevo trabajo del cantante, compositor, actor y guitarrista de country and western Dwight Yoakam, quien inició su carrera a mediados de los años ochenta. El hombre en cuestión es una auténtica leyenda moderna de la música country, pues Dwight lleva publicados más de veinte álbumes, contando los que ha grabado en estudio y los recopilatorios. A lo largo de su carrera ha colocado más de treinta y nueve canciones en las listas de música country de los Estado Unidos empezando por “Honky Tonk Man” que llegó hasta el número 3 en el año 86, al que le siguieron otros éxitos como “Guitars, Cadillacs”, “It Won’t Hurt”, “Little Sister”, “Little Ways”, “Please Please Baby”, “Always Late With Your Kisses”, “Streets Of Backersfield” o “I Sang Dixie” llegando éstas dos últimas al número 1 de las listas de country and western de la revista Billboard, publicación de referencia sobre los mayores éxitos de ventas. Su más reciente entrada en las listas fue “Blame The Vain” que llegó al número 58. Este nuevo trabajo vuelve a poner a Dwight Yoakam en la palestra de los grandes del country actual con una serie de canciones bien conseguidas donde los aficionados que visten botas y sombrero tejano disfrutarán de lo lindo. MUY BUENO. Here comes an excellent new work by actor, country & western singer, guitarist and composer Dwight Macdonald, who began his career in the middle of the 80’s. This man is a real modern legend of country music, as he has published more than twenty albums, counting the ones he has recorded in studio and the compilation ones. Along his career he has placed more than thirty-nine songs in USA country charts, starting with "Honky Tonk Man" which reached number 3 in year 86, that was followed by other hits like "Guitars, Cadillacs", "It Won't Hurt", "Little Sister", "Little Ways", "Please, Please Baby", "Always Late With Your Kisses", "Streets Of Backersfield" or "I Sang Dixie", these last two ones reached number 1 in Billboard Magazine country and western charts, the reference lists in sales figures. His most recent entry in the lists was "Blame the Vain" which reached number 58. This new work puts Dwight Yoakam back in country music front line, with a series of well performed songs, where fans wearing boots and Texas hats will surely enjoy. VERY GOOD.

Brian Sutton “The More I Learn”. Sugar Hill / Concord Music / Rounder 2016.
Dentro del género country Brian Sutton es probablemente el guitarrista acústico de su generación que, en los últimos años más premios y galardones ha recibido. Sutton es un guitarrista elegante y con muchos matices, su estilo tocando bluegrass con la técnica del fingerpicking es simplemente de una belleza cristalina digna de ser escuchada y gozada, una fuente de sutil belleza armónica para los oídos. En Nashville Brian es toda una institución y su guitarra ha sido reclamada en muchas ocasiones como músico de estudio y sideman. Hombre tranquilo y de enorme profesionalidad, en este nuevo álbum Brian Sutton pasea su country y su bluegrass con enorme gusto y sensibilidad a lo largo de las trece canciones, respaldado en todo momento por una pléyade de músicos de primera fila francamente envidiable en el género de la música country como son entre otros Mike Barnett al fiddle, Casey Campbell a la mandolina o Noam Pikelny al banjo. Un disco de country y bluegrass para disfrutar placidamente en el porche de tu casa de campo durante la puesta de sol de un atardecer cualquiera. MUY BUENO. Within country music, Brian Sutton is probably one of the acoustic guitar players of his generation who, in recent years, has received more awards and nominations. Sutton is a guitarist gifted with a fine elegance filled with a variety of nuances. His style when he plays bluegrass using fingerpicking technique has a crystal beauty, a source of a subtle harmonic beauty, worthy to be heard and enjoyed. In Nashville area Brian is an institution and his guitar has been often requested as a studio musician or sideman. He is a quiet very professional artist and in this new album Brian Sutton brings us his country and bluegrass music with great taste and tenderness along the thirteen songs included, backed by an enviable bunch of first class musicians all them experts in country music, like Mike Barnet on fiddle, Casey Campbell on mandolin and Noam Pikelny on banjo among others. This is a country and bluegrass album to be peacefully enjoyed while you are sitting on your home porch on a beautiful sunset time. VERY GOOD.

Doyle Bramhall II “Rich Man”. Concord Music / Rounder 2016.
Doyle Bramhall II es un músico, productor, guitarrista, cantante, percusionista y compositor norteamericano conocido por sus trabajos con artistas como Eric Clapton o Roger Waters entre muchos otros. Doyle es hijo del batería y compositor Doyle Bramhall quien militó en las bandas de Lightnin’ Hopkins o Freddie King. En lugar de usar después de su nombre el clásico Jr., Doyle prefiere ser mas original y usar Doyle Bramhall II. A los 18 años realizó una gira con los Fabulous Thunderbirds y, dos años más tarde, fundó el grupo Arc Angels, junto a Charlie Sexton y los miembros de la sección rítmica de Stevie Ray Vaughan, Chris Layton y Tommy Shannon. Tras la publicación en 1999 de su segundo disco en solitario “Jellycream”, Bramhall recibió la llamada de Roger Waters para unirse a una gira de los Pink Floyd como cantante y guitarrista en sustitución de David Gilmour. Bramhall II también ha tocado con Eric Clapton y B.B. King. En este nuevo disco nuestro hombre no ha dejado ningún detalle a la improvisación, todo está medido y pensado con minuciosidad por lo que el resultado es un álbum sorprendente. Doyle nos muestra su talento y su lado mas poético y sensible, con canciones que van del blues al folk, el country o la música ‘americana’ y todo ello con unos arreglos detallistas, llenos de gusto e imaginación. MUY BUENO. Doyle Bramhall II is an American musician, producer, guitarist, singer, percussionist and composer, best known for his work with artists like Eric Clapton or Roger Waters among many others. Doyle is son of drummer and composer Doyle Bramhall, who was member of Lightnin' Hopkins’ or Freddie King’s bands. Instead of putting after his own name the word Jr., Doyle preferred to be more original and use Doyle Bramhall II. Only aged 18 he toured with The Fabulous Thunderbirds and, two years later, he founded the group Arc Angels with Charlie Parker and Stevie Ray Vaughan’s rhythm section members Chris Layton and Tommy Shannon. After publishing in 1999 his second solo album "Jellycream", Bramhall received a call from Roger Waters requesting him to join as singer a guitar player Pink Floyd band replacing David Gilmour. Bramhall II has also played with Eric Clapton and B.B. King. In this new album our man has left no detail to chance, everything is measured and designed with an attentive commitment, so the result is a really surprising recording. Doyle shows his talent as well as his most poetic and sensitive side, with songs that range from blues to folk, country or Americana and he does it with really careful, imaginative and tasteful arrangements. VERY GOOD.

Frank Bang & The Cook County Kings “The Blues Don’t Care”. Blue Hoss / Rick Lusher 2016.
Si os va el blues clásico interpretado con carisma, fuerza, honestidad, garra y distinción, entonces debéis confiar en este músico y en este álbum que os recomiendo encarecidamente. Frank Bang es un cantante y guitarrista de blues de la escuela clásica de Chicago entroncado en la tradición de los años sesenta y setenta. Líder y protagonista máximo de su grupo The Cook County Kings, ha estado esperando el momento oportuno para editar este estupendo y fantástico álbum titulado “The Blues Don’t Care” que recoge diez canciones que reflejan todo lo que este músico lleva dentro y que es mucho. Para aquellos que no conozcan la trayectoria de este músico decir que en 1999 entró a formar parte de la banda de Buddy Guy donde permaneció por espacio de cinco años. Según manifiesta el propio Frank esté es el álbum que durante toda su vida ha estado esperando poder hacer y lo cierto es que ha valido la pena esperar hasta la llegada de un momento tan crucial e importante en la carrera de este músico que lleva el blues en la sangre y que, por encima de todo, está decidido a mantenerlo vivo en su vida y en su música. MUY BUENO. If you like genuine blues performed with charisma, strength, honesty, power and distinction, then you should certainly trust in this musician and this album I recommend you. Frank Bang is a blues singer and guitarist belonging to the classic Chicago blues school, deeply rooted in 60’s and 70’s tradition. Leader and front man of his band The Cook County Kings, Frank has waited for the right time to publish this great and fantastic album entitled "The Blues Don't Care" which includes ten songs that reflect all what this musician has inside his heart, which is a lot. For those who don't know much about this musician only say that, in 1999, he was member of Buddy Guy’s band remaining there for five years. According to Frank’s words, this is the album he was willing to do for most of his life and the true thing is it has been worth to wait for such a crucial and important moment in the career of a musician who has the blues in his blood and is totally determined to keep it alive in his music and life. GREAT.

Mike Zito “Make Blues Not War”. Ruf 2016.
En pleno siglo XXI la vida transcurre con inusitada rapidez, las noticias vuelan, la gente va de un lado a otro con un estrés adrenalínico que sobrepasa las conciencias colectivas, existe un exceso de sobre-información…. Mike Zito entiende todos estos conceptos que la vida moderna depara a una sociedad cada vez mas ansiosa pero sabe darles un nuevo aire para convertir el agobio en algo mucho más espiritual y todo ello a pesar de su energética y electrizante música. Con una carrera a sus espaldas de mas de dos décadas, Mike se ha convertido hoy en día en un cantante, compositor y guitarrista altamente respetado en los círculos del rock-blues, un estilo y un género que domina a la perfección y que en este nuevo disco presenta servidos en bandeja de oro para que el oyente los disfrute con total plenitud. Según palabras de Mike Zito con este trabajo ha querido transmitir a todos sus fans y seguidores la alegría y la pasión que experimente cuando escucha a músicos como Johnny Winter, Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan o Luther Allison y todos estos sentimientos ha sabido también comunicarlos al resto de los músicos que han participado en el álbum, que se han sentido totalmente a gusto y libres para expresar todo lo que llevan dentro. MUY BUENO. In our twenty-first century life rolls with an unusual speed, news travel fast, people go here and there with an adrenalinic stress that exceeds collective consciences, there is also an excess of over-information…. Mike Zito understands all these concepts modern life brings to an increasingly worried and anxious society, but he knows how to give them a new dimension and transform the stress into something much more spiritual and he manages to do it in spite of his energetic and electrifying music. With a career of more than two decades behind him, today Mike has become an American singer, songwriter and guitarist who is highly respected in rock-blues circles, an style he perfectly knows and is now served on a golden tray in an album listeners will fully enjoy. In Mike Zito’s own words, he had on mind to share in this album with all his fans and followers the joy and passion he feels when he listens to musicians like Johnny Winter, Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan or Luther Allison he has also managed to share these feelings with the rest of the musicians who have participated in the recording, who have felt totally comfortable and free to express their good knowledge and passionate feelings. GREAT.

Mississippi Heat “Cab Driving Man”. Delmark / Frank Roszak 2016.
Apasionado, inspirado y a la vez melódico armonicista, Pierre Lacocque lidera sin ambages ni tapujos y con mano de hierro el grupo Mississippi Heat del que es cabeza visible e inspirador. Este nuevo y ultimo trabajo nos presenta once temas propios, tres compuestos por el guitarrista de la banda Michael Dotson quien también los canta y dos covers, “Don’t Mess Up A Good Thing” y “Smooth Operator”. Todos estos temas nos conducen por un amplio recorrido en el que el ‘vintage low down Chicago blues’, el Delta blues, los ritmos latinos y las baladas en clave de rhythm and blues se dan la mano y tienen cabida a lo largo de las canciones que se incluyen en el álbum. Ese amplio espectro y recorrido por la música negra hace que la grabación sea fresca, divertida, sumamente agradable de escuchar y disfrutar. Este es su sexto álbum para la compañía de Chicago Delmark y, como siempre, la banda suena empastada y jugosa gracias al excelente trabajo de Pierre a las armónicas, Inneta Visor a la voz, Michael Dotson a la voz y guitarra, Giles Corey también a la guitarra, Brian Quinn al bajo y contrabajo y Terrence Williams a la batería, a los que se les unen unos invitados de lujo como son Ricky Nelson, Kenny Smith, Chris “Hambone” Cameron, Sumito Ariyo, Dave Specter, Rubén Alvarez y Sax Gordon. Un mas que recomendable disco que hará las delicias y colmará de satisfacción a todos aquellos enamorados del buen blues perfectamente interpretado. MUY BUENO. Passionate, inspired but, at the same time, a melodic harmonica player, Pierre Lacocque openly leads with an iron hand Mississippi Heat band, where he is the inspired and visible head. This new and latest work brings eleven own songs, three of them by the band's guitarist Michael Dotson who also sings them, plus two covers, "Don't Mess Up a Good Thing" and "Smooth Operator". All of these songs drive us to an extensive tour where vintage low down Chicago blues, Delta blues, Latin rhythms and rhythm & blues ballads come together in the songs included in the album. This broad black music range of sounds rounds up a cool, fun, pleasant and joyful recording. This is his sixth studio album for Chicago label Delmark Records and, as usual, the band sounds really teamed and juicy, thanks to the excellent work of Pierre on harmonica, Inneta Viewer on vocals, Michael Dotson on vocals and guitar, Giles Corey on guitar too, Brian Quinn on bass and double bass and Terrence Williams on drums, who are joined by some very special guests such as Ricky Nelson, Kenny Smith, Chris "Hambone" Cameron, Sumito Ariyo, Dave Specter, Ruben Alvarez and Sax Gordon. This is a more than recommendable album that will give delight and satisfaction to all those who look for vey good performed blues. GREAT

Big Creek Slim “Keep My Belly Full”. Straight Sooter / Gateway 2016.
Auténtico y genuino exponente del blues acústico con raíces, el cantante y guitarrista Big Creek Slim nos ofrece un repaso lleno de intensa y vistosa calidad por las mas variopintas y vigorosas esencias del ‘back porch blues’ del Delta con una especial sensibilidad y elegancia, tanto en su exposición como en su discurso rico y lleno de matices que atrapan al oyente desde las primeras notas de la canción “By By Blues” de Tommy Johnson que es el blues con que se abre el álbum hasta un final lleno de sustancia con el tema “Dry Spell Blues” de Son House. Es curioso que un músico nacido en el centro de Dinamarca consiga un feeling tan genuino y sea capaz de interpretar los blues tal como lo hace Big Creek Slim quier, en todo momento, consigue captar la esencia primigenia de este estilo musical. La razón nos la da el mismo Big Creek cuando dice que para él el blues es un sentimiento universal que conecta muy bien con su forma de ser, ya que a él siempre le ha gustado investigar y encontrar la raíz y el origen de las cosas, pues además de ser un excelente intérprete de blues es un estudioso de las raíces de la cultura escandinava, interpreta música irlandesa (aunque no en este disco) y se siente fascinado por los orígenes de la samba brasileña. En este disco está espléndidamente respaldado por unos músicos que comulgan con placer en su discurso honesto y lleno de sensibilidad. Un gran disco que no debe pasar desapercibido para ningún aficionado al género. MUY BUENO. Original and genuine musician of acoustic roots blues, singer and guitar player Big Creek Slim gives us a wide, intense and colourful range of high quality Delta back porch blues performed with a special sensitivity and elegance in the content and layout, both rich and full of nuances that will catch listeners from the first notes of the song "By By Blues” coming from Tommy Johnson that opens the album up to an end full of delicious flavours in the song "Dry Spell Blues" by Son House. It is quite surprising that a musician who was born in the middle of Denmark gets a so genuine feeling and is able play the blues as Big Creek Slim does, as he really knows how to capture the essence of this musical style. The answer comes from Big Creek himself, when he says the blues is a universal feeling that connects very well with his personality, as he always likes to investigate and find the roots and origin of the things he loves. Besides an excellent blues performer, he is also an expert in the roots of Scandinavian culture, Irish music (though he does not play it in this album) and he is also fascinated by the origins of Brazilian samba. Here you will find him perfectly backed by a bunch of musicians who pleasantly agree with his honest and full of sensitivity speech. This is a great album that should not go unnoticed for any blues and good music lover. GREAT.

Tomislav Goluban “Kaj Blues Etno”. Spona 2016.
Durante más de dos décadas el armonicista croata Tomislav Goluban no ha parado de trabajar y de realizar una constante labor para popularizar el blues en su Croacia natal. Además de actuar regularmente en su país, en Europa e incluso en Estados Unidos, es fundador del Etno Blues Festival que tiene lugar en su zona natal en el noroeste de Zagreb y realiza asimismo un programa radiofónico a nivel nacional. Este es su octavo disco que graba en estudio en el que incluye veintiún temas donde fusiona la música popular y tradicional de su país con el blues y la ‘world music’. Muchas de las canciones tienen la particularidad de estar interpretadas por una serie de instrumentos muy originales como la cornamusa, bagpipe, la flauta doble, la tambura, el violín, la mandolina o instrumentos más exóticos como el tapan, el daf, la darbuka o el tambor udu. El disco se convierte en un imaginativo ejemplo de cómo combinar la música popular de esa zona de Europa con el blues, para desembocar en un sonido totalmente nuevo y diferente de lo que se escucha normalmente. Más de treinta músicos han participado en la confección de estas veintiuna canciones que van a sorprender a mas de uno. Un disco muy recomendable para amantes del folklore del mundo y de la armónica blues. MUY BUENO. For more than two decades Croatian harmonica player Tomislav Goluban has done an endless work on a tenacious effort to make blues popular in his native Croatia. Besides performing regularly in this country, in Europe and even in USA, he is founder of Etno Blues Festival which takes place in his home region northwest Zagreb and he also hosts a national radio show. This is the eighth studio album with twenty-one songs that combine his country traditional and popular music with blues and world music. Most songs have the particularity to gather a series of very original instruments as bagpipe, double flute, tambura, violin, mandolin or even more exotic ones like tapan, daf, darbuka or udu drum. The album becomes an imaginative example of how to mix popular music of that particular European area with the blues and, in this way, end in a totally new sound completely different of what we are used to listen. More than thirty musicians have participated in these twenty-one songs that will surprise more than one. This is a highly recommended recording for world folklore and harmonica blues lovers. VERY GOOD.

Petra Börnerová Duo & Besenyei Csaba “Acoustic Session 2”. Pure Music 2015.
La cantante y acordeonista checa Petra Börnerová y su marido el guitarrista húngaro-eslovaco Tomás Bobek Bobrovniczký nos presentan su álbum “Acoustic Session 2” que es continuación de su anterior disco “Acoustic Session 1” publicado en 2012 y que contó con la participación de diversos músicos invitados venidos de diversos países. En esta segunda entrega han invitado al cantante y armonicista húngaro Besenyei Csaba, el guitarrista australiano Gwyn Ashton, el cantante eslovaco Juraj Dura Turtev, el bajista húngaro Bornemissza Ádám y en el ‘bonus track’ se encuentra el hijo de la pareja., Tomás, que con sólo seis años ya toca la batería. El álbum contiene quince canciones de las que siete son originales, estando la primera dedicada a la memoria de B.B. King. Ambos músicos gozan de un reputado prestigio en los ambientes del blues de la Europa del este y hace un par de años decidieron dar un salto cualitativo en su carrera que para colocarse en la escena del panorama del blues europeo. Esperamos que el gran público acoja con ilusión y la suficiente estima a esta pareja de músicos enamorados del blues para que puedan confirmar con autoridad su valía. MUY BUENO. Czech singer and accordionist Börnerova Petra and her husband Hungarian-Slovak guitar player Thomas Bobek Bobrovniczký present their new album "Acoustic Session 2" which follows the path of their previous one "Acoustic Session 1" published in 2012, that counted with the participation of some guest musicians coming from various countries. For this second one they have invited Hungarian singer and harmonica player Besenyei Csaba, Australian guitarist Gwyn Ashton, Slovakian singer Juraj Dura Turtev, Hungarian bass player Bornemissza Ádám and, in the bonus track, you will find the couple's son, Tomás who, with only six years, plays drums. The album gathers fifteen songs, seven original ones, where the opening one is dedicated to the memory of B.B. King. Both musicians have a reached a notorious prestige in blues circles of Eastern European countries and, a couple of years ago, they decided to take a big step up in their career to place themselves in the context of European blues scene. Let’s hope general audiences welcome with enthusiasm and enough recognition these two blues lover musicians, and confirm their undeniable value. VERY GOOD.

Diana Rein “Long Road”. Rude Mood 2016.
La cantante y guitarrista rumana Diana Rein emergió prácticamente de la nada en el pasado año 2016 para directamente embolsarse un par de premios que le concedieron a la mejor cantante femenina y al mejor cd editado por una mujer, álbum que llevaba por título “Long Road” y que es el mismo que estamos comentando ahora. Con anterioridad había grabado un primer álbum titulado “The Back Room” que contenía ocho canciones y que pasó bastante desapercibido. Sus mas acérrimos admiradores le han puesto el sobrenombre de ‘Six String Siren’ por la forma en que se desliza a través de las canciones que interpreta, con esas letras agudas y llenas de ingenio que proyecta a través de su garganta de oro y por sus solos de guitarra melódicos y a la vez contundentes, lo que la convierte en una auténtica ‘killer’ muy en la línea de sus admirados Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix y Buddy Guy. Diana Rein reside en Chicago y habitualmente se la puede ver y escuchar en garitos del extrarradio como el The Double Door, el Fitzgerald’s Joe’s Bar o el Lucille. Si os gusta el Indie blues y el rock blues alternativo, entonces no dudéis que Diana Rein es la opción más apropiada para que disfrutéis con su música y sus canciones. MUY BUENO. Romanian singer and guitar player Diana Rein practically appeared out of nowhere last 2016 to directly receive a couple of awards as best female singer and best cd edited by a woman, for her album "Long Road" which is the one we are reviewing now. She had previously released a first album entitled "The Back Room" with eight songs, which was rather unnoticed. Her most faithful fans call her the 'Six String Siren' for the way she glides on the songs she performs, thanks to the acute inventive lyrics she is able to sing and project through her gold throat together with her melodic but at the same time strong guitar, which make her become a real killer in the path of her always admired Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix and Buddy Guy. Diana Rein lives in Chicago and she usually can be seen playing at outskirts of town clubs like The Double Door, Fitzgerald's Joe's Bar or Lucille. If you like Indie blues and alternative rock blues, then do not hesitate to discover Diana Rein, because she is one of the best options you will find to enjoy music and her songs. VERY GOOD.

Aaron West “504 Soul”. Self Production 2016.
Este joven compositor que también toca la guitarra y canta llamado Aaron West creció en Nueva Gales del Sur, Australia y, desde muy joven, descubrió su amor por la música. A los diez años tocaba la guitarra con la suficiente habilidad como para recibir todo el ánimo y el empuje de sus progenitores. Su primera influencia fue Stevie Ray Vaughan y enseguida absorbió todos los géneros de blues gracias a la colección de discos que su padre tenía en casa. Así pudo empaparse de la música de B.B. King, Muddy Waters, Little Walter, Buddy Guy, Howlin’ Wolf, Jimmy Reed… etc. Después de terminar sus estudios de secundaria empezó a estudiar música en el Conservatorio, donde educó su talento musical tanto con la guitarra de jazz como en el jazz vocal. Desde entonces Aaron West no ha parado de ganarse la vida como músico profesional tanto tocando con su banda como participando en grabaciones como músico de sesión. En este disco vais a encontrar un buen muestrario de material original de estilos como el funk, jazz, gospel, soul, disco o rhythm and blues, realizados con unos arreglos exquisitos y una producción más que notable. MUY BUENO. This young composer who also plays guitar and sings called Aaron West grew up in New South Wales, Australia and, when he was a child, he discovered his love for music. Only aged ten he played guitar with skill enough to receive all the encouragement and push of his parents. His first great influence was Stevie Ray Vaughan and soon he discovered and took up all blues genres, thanks to the record collection his father had at home. In this way he was able to learn the music of B.B. King, Muddy Waters, Little Walter, Buddy Guy, Howlin' Wolf, Jimmy Reed… and so on. After finishing Secondary school he studied music at the Conservatory of Music, where he learned and polished his musical talent both to jazz guitar and vocal jazz. Since then on Aaron West has not stopped to work and earn his life as a professional musician playing with his band or collaborating as a studio musician in other artists recordings. In this album you will find a good selection of original material ranging from different styles like funk, jazz, gospel, soul, disco or rhythm and blues, all them performed with exquisite arrangements and a more than a remarkable final production. VERY GOOD.

Trudy Lynn “I’ll Sing The Blues For You”. Connor Ray Music / Mark Pucci 2016.
Trudy Lynn no necesita presentación para todos los que conocen el blues en profundidad. Cantante de enorme expresividad, Trudy siempre da lo mejor de sí misma y en este nuevo proyecto vuelve una vez más a ofrecernos una demostración de cómo cantar el blues y entregarse a ello en cuerpo y alma. Este nuevo disco lleva el sugestivo titulo de “I’ll Sing The Blues For You” y la idea surgió cuando su hija le regaló unas tarjetas de visita en las que junto a su nombre aparecía esa misma frase. Cuando Trudy le dio las gracias por el regalo, ésta le contestó que eso era lo que ella hacía desde que era una artista, es decir, cantar el blues para que cada uno de los que la escuchan lo sienta como algo propio. Por eso Trudy se ha esmerado en comunicar todo lo que lleva dentro. El material escogido para este disco ha sido perfecta y cuidadosamente seleccionado. Son diez temas a cual mejor que abarcan desde canciones de la propia Trudy Lynn como ese blues a medio tempo con ritmo funky que es “Thru Chasin’ You”, hasta el estupendo shuffle “Alright Baby” de Big Mama Thornton o “Down On Bended Knee” de Johnny Copeland. Un disco tremendamente intenso, muy bailable, admirablemente cantado y con unos músicos francamente buenos que ahondan con fervor, muchas ganas y profundo calado en el blues más sensual, genuino y absorbente. BUENISIMO. Trudy Lynn needs no introduction for those who deeply know blues. Singer gifted with a great expressivity, Trudy always gives the best of herself and, in this new project, she again shows how to sing the blues and give it from the deepest part of her heart and soul. This new album has the suggestive title of "I'll Sing The Blues For You" and the idea came to her when her daughter gave her a gift of business cards where, after her name, it was written that particular sentence. When Trudy thanked her daughter for the gift, she said those words described what she had always done, sing the blues on a way that every listener could make it feel as his own. So Trudy has done her best to communicate along the whole album all what she carries deep in her heart and soul. The whole material has been perfectly and carefully selected. Ten amazing songs ranging from some Trudy Lynn’s own compositions like “Thru Chasin’ You”, a mid-tempo blues with a funky rhythm, to the catching shuffle "Alright Baby" coming from Big Mama Thornton or "Down On Bended Knee" by Johnny Copeland. This is a terrific, intense and very danceable recording, sung with an extreme power, and the collaboration of a bunch of really good musicians who put all their commitment, devotion and intense feeling to pe4rform the most genuine, sensual and possessive blues. GREAT

The Jimmys “Live From Transylvania”. Brown Cow Productions / Blind Raccoon 2016.
Prepárate a disfrutar con todo el feeling y el swing que emana de este grupo llamado The Jimmys, liderados por Jimmy Voegeli al piano, Hammond B-3 y voz, junto a Perry Weber a la guitarra y voz, John Wartenweiler al bajo, Mauro Magellan a la batería, Darren Sterud al trombón y voz, Charley Wagner a la trompeta y Pete Ross al saxo tenor. El disco se grabó en el Festival de Blues de Sighisoara en Rumania y está dedicado a la memoria de Candye Kane con la que compartieron cartel en dicho festival. Candye estaba ya muy enferma, apenas podía caminar, el dolor se reflejaba en su cara, por lo que todos los miembros de The Jimmys quedaron profundamente impresionados por la gran profesionalidad de aquella mujer tan enferma y con tantas ganas de vivir, unas ganas que mantuvo hasta el último de sus días. La selección de temas que se recogen en este álbum son una verdadera fiesta para los sentidos, un auténtico placer y un regalo para todos aquellos que amamos los blues, el jump, el rock ‘n’ roll y la diversión total y absoluta. En el concierto que comentamos The Jimmys dieron lo mejor de sí mismos, poniendo la sala patas arriba y este disco se convierte en el fiel reflejo de lo que vivieron durante aquella inolvidable noche todos los afortunados que acudieron al Mihai Eminesco Concert Hall de la ciudad de Sighisoara en Rumania. MUY BUENO. Get ready to enjoy with the unbelievable feeling and swing that will bring you this excellent band called The Jimmys, led by Jimmy Voegeli on piano, Hammond B-3 and vocals and Perry Weber on guitar and vocals, John Wartenweiler on bass, Mauro Magellan on drums, Darren Sterud on trombone and vocals, Charley Wagner on trumpet and Pete Ross on tenor sax. The album was recorded at Sighisoara Blues Festival in Romania and has been devoted to the memory of Candye Kane who was also playing in the Festival. Candye was very sick, she barely could walk and pain could be seen in her face, so all The Jimmys’ musicians were deeply impressed by the professional attitude of a so sick woman but so eager to live, a behaviour she kept until her last living day. The album song selection becomes a real pleasure for the senses, a feast and gift for all those who love joyful blues, jump and a rock 'n' roll party. In that particular show The Jimmys gave the best of themselves, put the hall upside down, so the album is the faithful reflect of what could live all those people who were fortunate to be in that unforgettable night at the Mihai Eminesco Concert Hall in Sighisoara, Romania, GREAT.

Rev. Billy C. Wirtz & The Nighthawks “Full Circle”. EllerSoul 2016.
El Reverendo Billy C. Wirtz vuelve de nuevo a la carga con más fuerza y vitalidad que nunca para transmitir al oyente la palabra y la música divina, en su misión de redimir al pueblo de todos sus pecados. Aunque a menudo suele predicar acompañado únicamente de su propio piano, en esta ocasión se ha rodeado de unos excelentes y legendarios acólitos como son The Nighthawks, formados por Mark Wenner armónica y voces, Mark Stutso batería, Johnny Castle bajo y voces y Paul Bell guitarra, además de Bob Driver a la guitarra en cinco cortes, Steve Riggs bajo en un tema y Lil’ Ronnie Owens a la armónica en un par de canciones. A lo largo de las quince canciones que componen el álbum el Reverendo desgrana sus blues, su rock and roll y algún que otro tema de country & western con convicción y mucha fe, para satisfacer y reconfortar las almas de sus feligreses. Toda la sabiduría de este cantante y pianista ferviente admirador de su mentor Sunnyland Slim y Jerry Lee Lewis se funden en un cálido abrazo en este disco, con el que Wirtz contagiará al oyente con toda la fuerza, la magia y la convicción que solamente este cantante y pianista es capaz de transmitir. MUY BUENO. Once again Reverend Billy C. Wirtz comes back with more strength and vitality than ever to preach the divine words and music, to follow his mission of redeeming the sins of listeners who faithfully come to his shows. Although he often preaches only backed by his piano, this time he is surrounded by excellent legendary altar guys like The Nighthawks, with Mark Wenner on harmonica and vocals, Mark Stutso on drums, Johnny Castle on bass and vocals and Paul Bell on guitar, plus Bob Driver, guitar in five cuts, Steve Riggs bass in one song and Lil' Ronnie Owens, harmonica on a couple of cuts. Along the fifteen album songs, Reverend preaches his blues, rock and roll and some country & western tunes with energy and faith, to satisfy and give comfort to the audience souls. All the wisdom of this singer and piano player, who deeply admires his mentor Sunnyland Slim and Jerry Lee Lewis, melt in a warm hug along the whole recording, where Wirtz will catch listeners with the strength, magic and conviction only this singer and piano player is able to communicate. GREAT.

Nina Van Horn “Sings Nina Simone”. Wolf Productions 2016.
Nina Van Horn siempre se impone nuevos retos de mucha envergadura que afronta con decisión y mucho brío. En esta ocasión ha decidido cantar a Nina Simone, una cantante a la que toda su vida ha admirado, tanto por las letras de sus canciones como por su forma libre de vivir la vida y su genialidad, aunque siempre poniendo y articulando su propio y original estilo en todas y cada una de las catorce canciones que ha seleccionado con esmero para este nuevo proyecto. Nina Van Horn sale airosa del reto que se ha marcado ya que sabe darles una vida nueva junto a una jugosa y emotiva vitalidad donde naturalmente impone su personalidad y su sello a unas canciones ya de por si excelentes, gracias a su entrega total y a la colaboración de unos músicos bien seleccionados para llevar a cabo este trabajo como son Lea Worms al piano, Mathias Bernheim a la batería y percusión, Masahiro Todani a las guitarras y Denis Aigret al bajo. Estamos ante un disco diferente y sabroso, donde Nina Van Horn nos acerca desde su particular punto de vista y perspectiva a algunas de las canciones que Nina Simone tenia en su repertorio, con la única finalidad de transmitirnos con su propia sensibilidad su respeto y admiración por esta legendaria cantante. MUY BUENO. Nina Van Horn always sets herself new demanding challenges she approaches with determination and commitment. This time she has decided to sing Nina Simone, a singer she has always admired, both by her song lyrics, her genius and her free way of living, but always giving Van Horn’s own and personal style in each and every one of the fourteen songs she has carefully selected for this new project. Nina Van Horn has succeed in the challenge, because she knows how to give a new life to the songs she performs, pervading them with a juicy emotional vitality that reflects her own personality to an already excellent songs, thanks to her total dedication and the collaboration of a bunch of well selected musicians able to carry on this her project like Lea Worms on piano, Mathias Bernheim on drums and percussion, Masahiro Todani on guitars and Denis Aigret on bass. We are facing an original tasty album, where Nina Van Horn drives us from her particular perspective to some of the songs Nina Simone had in her repertoire, with the only purpose lo let us know her sensitive respect and admiration for that legendary singer. VERY GOOD.

John Weeks Band “Dark Angel”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Este no es un disco de blues al uso, ya que está pasado por el filtro y el tamiz de las diferentes influencias que John Weeks ha ido recibiendo desde muy joven y que le han ido formando musicalmente. Nacido en Francia, durante los años noventa estuvo desplegando todo su arte y buen hacer como guitarrista tocando por diferentes clubs de Paris. Por su parte la vocalista Stacey Turpenoff reside habitualmente en Saint Louis, Missouri donde ha asimilado toda la cultura de la música afroamericana que sabe transmitir con coraje y solidez. Por su parte el teclista Dan Haynes ha desarrollado su carrera entre Austin, Texas y Australia. Todos ellos han sabido combinar y asimilar sus diversas influencias para plasmarlas a lo largo de un álbum variado, diferente y muy original, bien respaldados por Stephen Whitfield al bajo y Robert Fiorino a la batería y percusión. Son diez temas muy agradables, divertidos, bailables y bien combinados entre si, donde destacan la fuerza, el ritmo y la melodía por encima de otras consideraciones. El álbum fue grabado y mezclado en los Macy Sound Studios en Denver, Colorado por el ingeniero John Macy. MUY BUENO. This is not a classic usual blues recording, as it has been passed through the filter of the different influences John Weeks has received since he was a young guy, that have gradually formed his musical tastes. Born in France, during the 90’s he gave his guitar skills and good work playing in different Paris clubs. On the other hand, singer Stacey Turpenoff usually lives in Saint Louis, Missouri where she has taken up Afroamerican music feeling, she knows well to communicate with a fierce credible attitude. Also keyboardist Dan Haynes has developed his career between Austin, Texas and Australia. All together have managed to assimilate and cleverly mix their different influences to display them along a varied, different and very original album, well supported by Stephen Whitfield on bass and Robert Fiorino on drums and percussion. Ten very pleasant, funny, danceable and well combined songs, where the powerful rhythm and delicious melodies prevail over other considerations. The album was recorded and mixed at Macy Sound Studios in Denver, Colorado by engineer John Macy. GREAT.

Mr. Sixty “Secrets That We Share”. Pol & Lo 2016.
Fruto de su colaboración en un concierto en Castelldefels, Barcelona junto a otros músicos invitados, el cantante, compositor y armonicista norteamericano afincado en España Mike Shannon entró en contacto con el bajista Frank Andrada y el guitarrista Santi Picó. La compenetración y buen rollo que surgió entre ellos dio como resultado que decidieran colaborar juntos y grabar este estupendo álbum que aquí comentamos. Para ello reclutaron al batería Francesc Rabassa y, después de unos pocos ensayos, se pusieron manos a la obra, grabando siete canciones originales del propio Mike Shannon y tres versiones de los temas “Statesboro Blues” de Blind Willie McTell, “One Way Out” de Sonny Boy Williamson II y “Whipping Post” de Gregg Allman. El disco se saborea con fruición y pasión, gracias a unos músicos curtidos en mil y una batallas que, bajo el nombre de Mr. Sixty, han plasmado de manera original y novedosa todas las ideas musicales de Shannon, en canciones donde han sabido combinar con gusto y buen criterio los sonidos de la música pop de los años sesenta con el rock y el blues mas actual y vigente. Como siempre Mike sopla la armónica con gusto y buena técnica apostillando efectivos y precisos riffs. También destacan sus excelentes dotes vocales, puestas al servicio de la buena música que aquí encontramos. MUY BUENO. Thanks to a special collaboration together with other guest musicians on a show in Castelldefels, Barcelona, American singer, songwriter and harmonica player now settled in Spain Mike Shannon was introduced to bass player Frank Andrada and guitar player Santi Picó. Thanks to the good feeling and musical understanding among them, they decided to collaborate and record this great album we have on hands. They recruited drummer Francesc Rabassa and, after a few rehearsals they got to work, recording seven Mike Shannon’s original songs and three versions like "Statesboro Blues" coming from Blind Willie McTell, "One Way Out" by Sonny Boy Williamson II and "Whipping Post" by Gregg Allman. This is an album to be passionately savoured, thanks to the good work of these experienced battle tanned musicians who, with the name of Mr. Sixty, express in an original and innovative way all Shannon’s musical ideas in a repertoire where they manage to tastefully and cleverly combine the sounds of sixties pop music with the most actual and strong rock and blues. As ever Mike blows harp with an amazing elegant technique, along effective and accurate riffs. Also mention his excellent vocal qualities he always puts in service to the good music gathered in the album. GREAT.

Knickerbocker All-Stars “Texas Rhody Blues”. JP Cadillac / JPG Media 2016.
Este álbum es el tercero de la saga que lleva por título “Knickerbocker All-Stars”. Este proyecto cuenta con el soporte del Knickerbocker Music Center, una organización sin ánimo de lucro que colabora con The Rhode Island Philarmonic Orchestra & Music School. Ambas organizaciones trabajan en la educación musical y en la organización de excelentes conciertos. En esta tercera entrega han vuelto a reunir a la ‘crème de la cr+eme’ de los músicos de blues de la zona de la costa noreste norteamericana, todos ellos perfectos exponentes del blues tejano en su más pura concepción, forma, estilo y sonido como son los cantantes Duke Robillard, Sugaray Rayford, Brian Templeton y Willie J. Laws, los pianistas Al Copley, Bruce Bears y Matt McCabe, los guitarristas Jimmie Vaughan, Monster Mike Welch y el ya mencionado Duke Robillard, Dug James al saxo tenor y barítono, Rich Lataille al saxo alto y tenor, Doc Chanonhouse a la trompeta, Carl Querfurth al trombón, Brad Hallen bajo y contrabajo y Mark Teixeira a la batería. Como es fácil de imaginar el resultado es realmente excepcional, un disco de blues fuera de serie, impecable, elegante y a la vez rocoso, una explosión de blues de alto voltaje que golpea fuerte en las entrañas y en el corazón de todos los amantes del género y de la música en general. IMPRESCINDIBLE. This is the third album of the series entitled "Knickerbocker All-Stars". The project has the support of the Knickerbocker Music Center, a non-profit organization that collaborates with Rhode Island Philharmonic Orchestra & Music School. Both organizations work in musical education and the organization of excellent concerts. For this third recording they have recruited the ‘crème de la crème’ of Northeast coast blues musicians, all them the very best representatives of the most genuine Texas blues in its conception, style and sound, such as singers Duke Robillard, Sugaray Rayford, Brian Templeton and Willie J. Laws, piano players Al Copley, Bruce Bears and Matt McCabe, guitar players Jimmie Vaughan, Monster Mike Welch and the previously mentioned Duke Robillard, Dug James on tenor and baritone sax, Rich Lataille on alto and tenor sax, Doc Chanonhouse on trumpet, Carl Querfurth on trombone, Brad Hallen on bass and double bass and Mark Teixeira on drums. As you can easily imagine the result is a really exceptional, an outstanding faultless blues recording, elegant and rocky at the same time, a high-voltage blues explosion that will beat hard the heart and soul of every blues fan and general music lovers as well. ESSENTIAL.

Joanna Connor “Six String Stories” MC Records 2016.
Joanna Connor está revolucionando la escena del blues rock. En poco tiempo se ha convertido en uno de los nuevos fenómenos de la guitarra slide. Su estilo incendiario y electrizante no deja a nadie indiferente y si a ello añadimos una voz poderosa, bien timbrada, con unos amplios y bien coordinados matices, entonces no es nada extraño que esté sorprendiendo a las audiencias que acuden a sus conciertos. En este álbum Joanna ha incluido diez poderosas canciones llenas de energía y mucho gancho, ocho de las cuales han sido compuestas por ella misma junto a Marion Lance Lewis quien en el disco también se encarga de tocar la batería y el bajo. Este es un disco electrizante e incendiario, puesto que los temas que interpretan en el disco son parte del repertorio que están paseando actualmente en sus actuaciones y que ponen patas arriba todos los clubs y locales en los que tocan. Aunque Joanna Connor reconoce que es una artista de ‘directo’, en este disco se ha sentido muy cómoda, suelta y relajada, consiguiendo atraer poderosamente la atención del público europeo y americano, además de los medios especializados, lo que la ha llevado a dar un salto adelante y ser ya reconocida a un mayor nivel internacional. MUY BUENO. Joanna Connor is making a revolution in rock blues scene. In a short time she has become one of the new slide guitar aces. She has got an incendiary electrifying style that does not leave anyone indifferent and if we add she is also gifted with a powerful well pitched voiced with wide well-coordinated nuances, it is not strange she always surprises audiences who go to her live shows. For this album Joanna has selected ten powerful energetic and catching songs, eight own compositions she has done in cooperation with Marion Lance Lewis who also plays drums and bass. This is an electrifying flaming album, as most of the songs included belong to the usual repertoire, that get to put upside down all the clubs and venues where she plays Although Joanna Connor always says she is a live show artist, she felt very comfortable, relaxed and loose during the whole recording sessions, and this album has made her to powerfully call the attention of European and American audiences and specialized media as well, which has helped her to do a great step forward and get an international recognition. VERY GOOD.

La Pana Brothers “Devil Inside” Self Production 2016.
Fruto de un encuentro casual mientras tocaban en la calle en mayo del 2015, el cantante y guitarrista Pablo Carrascal y el armonicista Cristóbal Oteros “Pobas” decidieron que debían unir sus fuerzas y formar un dúo para interpretar y recrear los viejos blues del Mississippi en formato acústico, seleccionando un repertorio basado en algunos de los bluesmen que más admiran como Robert Johnson, Lightnin’ Hopkins, Sonny Boy Williamson o Lonnie Johnson entro otros y diversos viejos arquetipos del blues más añejo. Con el nombre de La Pana Brothers, ambos músicos han recorrido la mayoría de salas, locales y bares de Andalucía, participando asimismo en algunos de los festivales que se realizan en el sur de España. Después de haber grabado un E.P. en el año 2015, ahora nos presentan este disco que contiene catorce blues en el que participan dos músicos invitados como son Toni Travé al banjo, guitarra y voz en tres canciones y Fernando Beiztegui a la voz y percusión en dos cortes más. Ambos músicos destilan buen gusto, delicadeza, sensibilidad y mucha astucia en todas y cada una de las canciones que abordan en el álbum, entre las que personalmente destacaría “Kansas City”, “That’s Allright” o “Goin’ Down South”. MUY BUENO. Thanks to a chance encounter while playing on the street in May 2015, singer and guitar player Pablo Carrascal and harmonica player Cristóbal Oteros "Pobas" decided they could join forces and form a duo, to perform and bring back Mississippi old blues in acoustic format, selecting a repertoire based on blues songs coming from their most admired bluesmen like Robert Johnson, Lightnin' Hopkins, Sonny Boy Williamson or Lonnie Johnson among other varied old representatives of the most genuine blues. Under the name of La Pana Brothers, they have played in most Andalucia bars, clubs or venues and they have also participated in some of the festivals which take place in the south of Spain. After recording an E.P. in year 2015, now they have published this album including fourteen blues where you will also find two guest musicians, Toni Travé on banjo, guitar and vocals in three songs and Fernando Beiztegui in vocals and percussion in two cuts. Both musicians play with a remarkable good taste, delicacy, sensitivity and cleverness in each and every one of the album songs, where I personally would highlight "Kansas City", "That's Allright" or "Goin' Down South" VERY GOOD.

Johnny Max Band “Roadhouse Soul”. Pour Soul 2016.
A lo largo de los años The Johnny Max Band se han ganado con creces la reputación de ser una banda que sabe como entretener, atrapar y hacer disfrutar a las audiencias, gracias a una música divertida, atractiva y llena de ritmo, junto a un repertorio bien escogido y unas letras que poseen un gran y abundante sentido del humor. Todo lo bueno que el grupo ofrece en directo saben también trasladarlo a sus discos, como ocurre en este último trabajo donde presentan diez temas en los que se aprecian el conocimiento musical y la amplia experiencia de estos músicos. Johnny Max a la voz, Kevin Vienneau a las guitarras, mandolina y voces, Rob Gusevs a los teclados, Russ Boswell al bajo, Jim Casson a la batería y Quisha Wint coros y armonías vocales, consiguen entre todos crear una atmósfera cálida y envolvente con la que enganchan al oyente, llevándole a un terreno que la banda pisa con un completo dominio tanto del tempo, como del ritmo, la melodía y la composición. MUY BUENO. Over the years The Johnny Max Band have over gained a reputation of a band which really knows to entertain, catch and give joy to different audiences, thanks to a funny, attractive and full of rhythm music, together with a well-chosen repertoire and song lyrics that always have an extreme and accurate sense of humour. All the good things the band gives in his live shows are also well reflected in every album they publish, which happens in this latest work where they have included ten songs to let us discover their musical knowledge and extensive experience. Johnny Max on vocals, Kevin Vienneau on guitars, mandolin and vocals, Rob Gusevs on keyboards, Russ Boswell on bass, Jim Casson on drums and Quisha Wint on backing vocals and harmonies, manage to create a warm atmosphere and an engaging background that will delight listeners, taking them to a musical field the band mastery knows, where they show their complete control of tempos, rhythms, melodies and composition skills. VERY GOOD.

Jeff Chaz “This Silence Is Killing Me”. JCP Records / Frank Roszak 2016.
Jeff Chaz es un músico muy activo en la zona de New Orleans. Ahora nos presenta su segundo álbum grabado durante el pasado año 2016 en el que, rodeado de una excelente big band, nos brinda once canciones propias que se convierten en un homenaje a algunos de los músicos que mas ha admirado como son B.B. King, Albert King, Duke Robillard, Little Milton o Roy Buchanan. Todas estas influencias se ven reflejadas en este álbum muy bien concebido y trabajado, además de contar con unos arreglos magníficos. Después de décadas sobrevolando infinidad de lugares por los que ha paseado sus blues formándose como un buen cantante y un eficaz guitarrista, es ahora cuando su solvencia y madurez han llegado a lo más alto, lo que se hace plenamente visible a lo largo de este nuevo álbum capaz de conectar y entusiasmar a todos aquellos que se acerquen a escucharlo y en el que Jeff se siente cómodo al igual que todos los músicos que han intervenido en la confección y contribuído en el excelente resultado de este álbum. No se puede obviar que nuestro hombre está cómodo y relajado, ya sea interpretando ‘low down dirty blues’ como rhythm and blues o funky. Un disco muy completo que estoy seguro satisfará las expectativas que se pongan en él. MUY BUENO. Jeff Chaz is a very active musician in New Orleans area. Now he presents the second album he recorded during the past year 2016 where, surrounded by an excellent big band, brings us eleven own songs that become a tribute to some of his most admired musicians like B.B. King, Albert King, Duke Robillard, Little Milton or Roy Buchanan. All these influences can be found in this well conceived and perfectly build up new album which also includes magnificent arrangements. After decades of giving his blues in countless gigs and places which have helped him to mature as a good singer and guitar player, he has now reached an undeniable top quality and reliability, that becomes evident along this new album that will immediately catch all those who come to listen to it, as Jeff feels totally comfortable as well as all the musicians who have been involved and contributed to this excellent recording. You will immediately realize Jeff feels very relaxed either playing low down dirty blues, rhythm and blues or funky music. This is a very complete album I am sure will fulfil the expectations put on it. GREAT.

John Richard “Lost In Dublin”. Self Production / Sarah French 2016.
El cantante y compositor de folk canadiense John Richard quedó totalmente fascinado cuando visitó la ciudad de Dublin. En la capital de Irlanda, John sintió que la música y los históricos lugares de la ciudad le proporcionaban la inspiración suficiente como para componer un nuevo repertorio y material alejado de los patrones de los doce compases, por lo que, solo y sin obligaciones, decidió quedarse en la ciudad por un tiempo indefinido y mucho más de lo que en principio había previsto. Fue así como John Richard se dedicó a estudiar y explorar todos aquellos lugares, rincones y gentes que habitan la ciudad. El resultado de esta investigación es este álbum que musicalmente se nutre sobre todo de folk, soul, blues, e incluso hay alguna referencia al metal. En lo que se refiere a los textos John escribe sobre temas como el amor, la soledad, la enfermedad y también incluye una de las leyendas de Dublin cuyo protagonista es Satán. En el disco colaboran algunos músicos importantes del blues y del folk de la costa este canadiense como son Marc Doucet, Keith Hallett, Carter Chaplin y Charlie Phillips. Una rareza que sobresale entre las curiosidades que hoy en día se editan y que, por su calidad intrínseca, merece ser resaltado positivamente. MUY BUENO. Canadian folk singer and composer John Richard was totally fascinated when he visited the city of Dublin. In the capital of Ireland, John felt the city music, the sites and the historical places provided him the necessary inspiration to compose and create a new repertoire and music material far away of the twelve bars patterns so, alone and with no specific plans, he decided to remain there more than he has previously thought. He devoted himself to study and explore all those places, hidden corners and people living there. The result is this album musically based on folk, soul, blues, and even with some metal references and for what concerns to the lyrics the topics talk about love, loneliness, wealth and it also includes a local Dublin legend featuring Satan. The recording also gathers some important blues and folk Canadian east coast musicians such as Marc Doucet, Keith Hallett, Carter Phillips and Charlie Chaplin. This is a rarity that stands out among most of the daily published curiosities that should be noticed for its special quality. VERY GOOD.

Stevie J. Blues “Back 2 Blues”. Mississippi Delta / PK Music / Frank Roszak 2016.
Después de un largo período sin entrar en los estudios, el compositor, cantante, guitarrista y productor Stevie J. Blues publica finalmente este disco que comentamos. Stevie se ha dedicado profesionalmente a la música durante prácticamente toda su vida. Hijo de un predicador y pastor de la iglesia anglicana, como no podía ser de otro modo, sus primeras influencias provienen del gospel y del southern soul, aunque pronto descubrió el blues, música que le atrajo y fascinó desde el primer momento. A principios del nuevo siglo entró a formar parte de la banda de Bobby Rush, grabando y realizando diversas giras. Stevie J. Blues grabó su primer álbum en solitario en el año 2008 al que siguieron un par más. Hoy en día se ha convertido en uno de los mas reputados entertainers de la escena del blues de este nuevo siglo XXI. Con este disco Stevie J. pretende llevar al blues a las nuevas audiencias y poner al género en primera línea, gracias a unas canciones con unos arreglos bailables, divertidos y contagiosos con influencias de soul, gospel y dance music. Para ello ha contado con unos excelentes músicos y unos arreglos de metal francamente soberbios. Según sus propias palabras Stevie espera que con este proyecto todos los oyentes puedan entender, sentir y compartir su visión del futuro más inmediato que le espera al blues. MUY BUENO. After a long period without visiting the recording studios, singer, guitar player, composer and producer Stevie J. Blues has finally published this last album. Stevie has worked professionally as a musician most of his life. Son of a preacher and pastor of the Anglican Church, as it could not be otherwise, his early influences came from gospel and southern soul, but he soon discovered the blues, a music that immediately attracted and fascinated him. At the beginning of this new century he was member of Bobby Rush’ band, recording and performing in some tours. Stevie J. Blues published his first solo album in year 2008, which was followed by a couple more. Today, he has already become one of the most outstanding entertainers of the new century blues scene. With this album Stevie J. wants to make the blues well known to new audiences and put this music again in the first line, thanks to a bunch of songs with danceable, funny and catching arrangements with big influences of soul, gospel and dance music. He has also recruited very excellent musicians and a superb horn section. According to his own words, with this project he would like all listeners could understand, feel and share his vision of how the immediate future of blues should be. GREAT.
 

MARZO 2017 / MARCH 2017

Charlie Wheeler Band “Blues Karma And The Kitchen Sink”. Self Production / Blind Raccoon 2016.
El respetado grupo The Charlie Wheeler Band se ha curtido conduciendo y participando en innumerables jam sessions en las que tanto los músicos como el público disfrutan con un enorme entusiasmo hasta altas horas de la madrugada. Esto les ha proporcionado una gran energía y una experiencia que desarrollan a lo largo de un repertorio de rock-blues y power pop con influencias de Black Crowes, The Allman Brothers Band o Pearl Jam. Ahora presentan su cuarto disco que fue grabado en los Graphite Sound Studios en Warren, Pennsylvania bajo la supervisión y dirección de Anthony Brown. Doce canciones compuestas todas ellas por el propio cantante y guitarrista Charlie Wheeler quien, junto a Dave Fink al bajo y voces y Rad Akers a la batería, han realizado un trabajo sólido y muy compenetrado con un Wheeler pletórico y autosuficiente que conduce el discurso con autoridad y relevancia. Las letras de las canciones están llenas de referencias a la personal forma de vivir la vida a tope que a menudo ellos pregonan, donde se cuentan historias de amor, vida o diversión tal como la pueden contar quienes provienen de un entorno lleno de dificultades. MUY BUENO. Highly respected group The Charlie Wheeler Band hardened themselves leading and participating in countless jam sessions where both musicians and audiences enthusiastically enjoyed them till the break of day. That provided them a good dose of energy and experience they develop on a rock-blues and power pop repertoire with influences that come from Black Crowes to The Allman Brothers Band or Pearl Jam. Now they bring us their fourth album recorded at the Graphite Sound Studios in Warren, Pennsylvania under the clever supervision and direction of Anthony Brown. Twelve songs all them composed by singer and guitar player Charlie Wheeler who, together with Dave Fink on bass and vocals and Rad Akers on drums, manage to do a solid well teamed work where Wheeler appears on top form and totally self confident, leading the band with authority and relevance. The song lyrics are full of references to the personal way of living life to the full extent they often do, with stories of love, daily life experiences or funny moments which is what can be expected of people who come from a full of difficulties environment. VERY GOOD.

Dave Keller “Right Back Atcha”. Tastee-Tone / Rick Lusher 2016.
Después de grabar su anterior álbum “Soul Changes” en Memphis junto a la banda de Al Green, disco que fue nominado a los Blues Music Awards, el cantante, compositor y guitarrista Dave Keller nos presenta ahora su más reciente trabajo, grabado en Vermont acompañado de los fieles miembros de su banda compuesta por Brett Hoffman a la batería, Gary Lotspeich al bajo e Ira Friedman al órgano y piano, además de contar con la colaboración de The Mo’ Sax Horns, una sección de cuerda a base de viola, violín y violoncello en tres temas y un par de bellas y sexys coristas como voces de acompañamiento. El disco se compone de once canciones originales fruto de la creatividad del propio Keller y una oscura versión de un tema soul titulado “It’s Time You Made Up Your Mind”. En todas ellas se aprecian las influencias que Keller ha recibido desde su juventud y que van desde Ronnie Earl a Mighty Sam McClain, Robert Ward o Wilson Pickett. Con este álbum Dave Keller se consagra definitivamente como un de los mejores y más atractivos artistas de ’soul-blues’ de su generación. El disco cuenta además con una producción elegante y muy cuidada, lo que siempre es un plus para hacerse con una copia. MUY BUENO. After recording his last album "Soul Changes" in Memphis together with Al Green’s band, an album which was nominated for the Blues Music Awards, now singer, songwriter and guitarist Dave Keller brings us his most recent work, recorded in Vermont and backed by his faithful band members with Brett Hoffman on drums, Gary Lotspeich on bass and Anger Friedman on piano and organ, besides counting with the valuable collaboration of The Mo' Sax Horns, a string section including viola, violin and cello in three cuts and a pair of beautiful sexy voices as backing vocals. The recording gathers eleven original songs that show Keller’s wide creativity and a dark version of a soul song entitled "It's Time You Made Up Your Mind". In all songs one can immediately realize the influences Keller has received since he was a young man, that come from Ronnie Earl to Mighty Sam McClain, Robert Ward or Wilson Pickett. With this album Dave Keller has definitively become one of the best and most exciting soul blues artists of his generation. The recording has an elegant and very careful production, which becomes a plus to get a copy. VERY GOOD.

Colin James “Blue Highways”. True North / Mark Pucci / Rick Lusher 2016.
Después de una exitosa gira realizada durante tres meses del año 2015 en la que Colin James estuvo acompañado por una banda competente y con la que se sintió muy a gusto y bien arropado, James decidió que ese mismo grupo sería el que le acompañaría en su siguiente proyecto discográfico que es el que aquí comentamos. Este disco fue producido por Colin James y Dave Meszaros y grabado en The Warehouse Studios en Vancouver, Canadá, e incluye una colección de algunas de las canciones preferidas de Colin, por lo que este álbum se convierte en un tributo varios de sus venerados ídolos y grandes héroes como Howlin’ Wolf, Jimmy Reed, Amos Milburn, Freddie King, Buddy Guy, Junior Wells, Robert Johnson, Jimmy Rogers, Memphis Slim, Blind Willie Johnson o Muddy Waters entre otros y también al único músico blanco que merece contarse entre sus influencias, el gran Peter Green, verdadero icono y fuente de inspiración para muchos de los guitarristas de la generación de los años sesenta y setenta. En poco más de una semana se grabó este disco brutal, intenso, musculoso… o simplemente magnífico. Un álbum que sobresale por encima de otros por su calidad, fuerza, pasión y entrega. Mi consejo es que no dejéis escapar la ocasión de haceros con una copia del mismo. BUENISIMO. After a successful three months tour during year 2015, where Colin James was backed by a really able band he felt very comfortable with and warmly surrounded, James decided the same musicians would play with him in his next recording project, that has recently been published. The album was produced by Colin James and Dave Meszaros and recorded at The Warehouse Studios in Vancouver, Canada. It includes a collection of some of Colin’s favourite songs, so this recording becomes a tribute to several of his idols and great heroes like Howlin' Wolf, Jimmy Reed, Amos Milburn, Freddie King, Buddy Guy, Junior Wells, Robert Johnson, Jimmy Rogers, Memphis Slim, Blind Willie Johnson or Muddy Waters among others and also to the only white musician who deserves to be included among his influences, the great Peter Green, a true icon and a source of inspiration for many guitar player of 60’s and 70’s generation. This terrific intense, powerful… or simply magnificent album was finished on practically one week and becomes an album that stands out over other ones for the quality, strength, passion and commitment all involved musicians put on it. My advice is you should immediately get a copy. You will not be disappointed. GREAT.

Sugar Ray & The Bluetones “Seeing Is Believing”. Severn / Mark Pucci 2016.
A estas alturas poco puede decirse ya de Sugar Ray & The Bluetones que los aficionados al blues no conozcan. Después de treinta y cinco años de carrera todavía disfrutan y se entregan con pasión a su labor de llevar el blues allí donde vayan o donde estén. Es por eso que tanto en sus actuaciones en directo como en sus discos siempre se refleja y se desprende la frescura y entusiasmo de unos debutantes, pero a la vez el increíble buen gusto, el swing y la enorme fuerza de una banda con mucha experiencia. Si a ello añadimos la excelente técnica como instrumentistas y conocedores del género, el resultado no puede ser más que un disco exultante, con una energía que desgarra las entrañas del aficionado. Sugar Ray & The Bluetones son blues en estado puro de ese que te arrolla de principio a fin. Es el blues interpretado con la pasión y el orgullo que solamente unos pocos escogidos pueden comunicar. Sugar Ray & The Bluetones nunca dejan a nadie indiferente, por sus venas corre la esencia y la magia de esta música. Nominados y ganadores de innumerables premios como banda y como instrumentistas, Sugar Ray Norcia armónica y voz, Monster Mike Welch guitarra, Anthony Geraci piano y Hammond, Michael “Mudcat” Ward al bajo y contrabajo y Neil Gouvin a la batería están simplemente magníficos en este formidable álbum que incluye once temas propios y una versión instrumental de “You Know I Love You” de B.B. King con un trabajo de guitarra de Monster Mike Welch realmente impagable, para deleite y disfrute de los sentidos. Un disco que no puedes pasar por alto. BUENISIMO. At this point, nothing can be said about Sugar Ray & The Bluetones blues fans do not already know. After thirty-five years of career they still enjoy and deliver with passion to bring the blues to every place they go. That is the reason why, either in their live performances as in their recordings, you will always find the same cool enthusiasm as if they were just beginners but, at the same time, the incredible good taste, swing and tremendous strength only an experienced band can communicate. If we add the excellent technique as instrumentalists and masters of the style, the result cannot be other than a rapturous album, with such an energy that will hurt deep in your heart. Sugar Ray & The Bluetones are pure blues and they will knock down listeners from the beginning to the end. They are the blues and they play with the passion and pride only a few chosen ones can do. Sugar Ray & The Bluetones never leave anyone indifferent, the essence and magic of blues runs through their veins. Nominees and winners of countless awards as a band and as instrumentalists, Sugar Ray Norcia harmonica and vocals, Monster Mike Welch guitar, Anthony Geraci piano and Hammond, Michael "Mudcat" Ward on bass and double bass and Neil Gouvin on drums simply appear magnificent along this fabulous album that gathers eleven songs and an instrumental version of "You Know I Love You" by B.B. King with the priceless guitar work of Monster Mike Welch, to delight and enjoy our senses. Definitely this is an album you should not ignore. ESSENTIAL.

The Fabulous Thunderbirds “Strong Like That”. Severn 2016.
Si en la anterior reseña hemos mencionado que todo estaba dicho sobre Sugar Ray & The Bluetones, también en esta ocasión poco podemos añadir sobre The Fabulous Thunderbirds, probablemente la banda que mejor sabe mezclar el blues con el pop y el soul. Sólo hace falta leer los nombres de los músicos que integran los nuevos Thunderbirds y que son Kim Wilson armónica y voz, Johnny Moeller guitarras, Kevin Anker teclados, Steve Gomes bajo y Robb Stupka a la batería para darse cuenta de que este álbum no puede defraudar al oyente, pero es que además el disco cuenta con una excelente sección de vientos y la colaboración especial de diversos invitados en algún tema como por ejemplo Anson Funderburgh a la guitarra. El álbum no tiene desperdicio alguno y el más actual soul y blues se combinan con buen gusto, eficacia y habilidad, creando unos grooves de una gran solidez y un swing sumamente absorbente, en los que la técnica y la maestría de todos los solistas brillan a gran altura, apoyándose en una maquinaria rítmica de alto nivel cualitativo. Un disco especialmente dedicado a los amantes del funk, el soul, el pop, el groove y el blues pero también a todos los seguidores de la música negra en general. MUY BUENO. If in the previous review I mentioned everything was already said about Sugar Ray & The Bluetones, this time few thinks can also be said about The Fabulous Thunderbirds, probably the band that best mixes blues with pop and soul. You only need to read the names of the musicians who form the new Thunderbirds, who are Kim Wilson on harmonica and vocals, Johnny Moeller on guitars, Kevin Anker on keyboards, Steve Gomes on bass and Robb Stupka on drums, to realize this album will not disappoint any listener but, if this was not enough, the recording includes an excellent horn section and the special collaboration of some guest musicians in some cuts like guitar player Anson Funderburgh. The album does not have any bad single note on it, the most actual soul and blues combine with very good taste and an effective skill, creating some strong grooves and a terrific wrapping swing, where the technique and mastery of all the soloists shine at a very high level, relying on a greasy rhythm engine. This is an album especially devoted to funk, soul, pop, groove and blues lovers, but also to all black music followers. GREAT.

Mark Crissinger “Night Light”. Self Production / Sarah French 2016.
Desde 1987 el cantante y guitarrista Mark Crissinger ha tocado en innumerables bares, clubs y otros garitos con diferentes formaciones. Más de 1.500 shows realizados hasta el año 2007 avalan la trayectoria de este músico. A partir de ese año decidió dar un giro a su carrera y formar su propia banda The Crissinger Band. Con ella ha conseguido el prestigio y el respeto del público que sin duda merece. Este es el quinto álbum que publica bajo su propio nombre y en el que mezcla algo de blues tradicional con unos arreglos de gran viveza y actualidad realmente bien conseguidos, además de componer unas letras inspiradas y muy creativas. Según sus propias palabras Mark se siente muy satisfecho del resultado que ha conseguido plasmar en este disco, ya que se ha sentido completamente libre para llevar a cabo su proyecto y sus ideas con total honestidad. También ha contado con el respaldo de unos excelentes músicos que le entienden a la perfección, compenetrándose todos ellos con gran habilidad. Por todo ello está grabación es un producto digno y agradable de escuchar que proporcionará una gran satisfacción al oyente. MUY BUENO. From 1987 singer and guitarist Mark Crissinger played with different bands in countless bars, clubs and other venues. More than 1.500 gigs he performed until year 2007 give support to his musical experience. From that year 2007 he decided to give a turn to his career and form his own band, The Crissinger Band. Since then on he has managed to gain prestige and respect among wide audiences he undoubtedly deserves. This is the fifth studio album he publishes under his own name, where he mixes some traditional blues with well made, very actual and lively arrangements, besides writing inspired and very creative lyrics. According to his own words, he is very satisfied with the album final result, because he felt completely free to carry on his project and ideas and he managed to display them with total honesty. He has also benefited with the support of some excellent musicians who understand him and skilfully work well together. For all these reasons this recording is worthy and very nice to listen to, so it will provide great satisfaction to every listener. VERY GOOD.

Fabrizio Poggi “Texas Blues Voices”. Appaloosa / Blues Dreams Productions 2016.
Fabrizio Poggi es un armonicista italiano que ha visto realizado y cumplido uno de sus mayores sueños con la publicación de este disco. Con ilusión y muchas ganas se ha embarcado en el proyecto de reunir en un álbum a algunos de los mejores cantantes y músicos de Texas y la verdad es que lo ha conseguido. Tener en un solo disco a artistas invitados como Ruthie Foster voz, W.C. Clark voz y guitarra, LaVelle White voz, Mike Zito voz y slide, Carolyn Wonderland voz y guitarra, Bobby Mack voz y guitarra, Guy Forsyth voz y National Resophonic, Mike Cross voz y guitarra acústica y Shelley King voz y guitarra acústica, no está al alcance de cualquiera, pero mira, ahí está Poggi para conseguir lo que parecía imposible. Además de Fabrizio Poggi a la armónica, la banda de base está compuesta por Bobby Mack y Joe Forlini guitarras, Cole El-Saleh piano y Hammond, Donnie Price bajo y Dony Winn batería y percusión. La variedad de intérpretes es magnífica y el resultado es realmente impresionante. Un precioso y jugoso disco de blues, con una gran variedad de estilos y una producción excelente que, además, contiene un atractivo libreto con una fotografía de cada uno de los músicos invitados junto a un pequeño texto que ilustra la canción en la que interviene cada uno de ellos. MUY BUENO. Fabrizio Poggi is an Italian harmonica player who has now fulfilled one of his greatest dreams by publishing this album. With enthusiasm and eagerness he has embarked on a project that was to collect in an album some of the best Texas singers and musicians and the true thing is he has succeeded. To have on an album a list of guest artists like Ruthie Foster vocals, W.C. Clark vocals and guitar, LaVelle White vocals, Mike Zito vocals and slide, Carolyn Wonderland vocals and guitar, Bobby Mack vocals and guitar, Guy Forsyth vocals and National Resophonic, Mike Cross vocals and acoustic guitar and Shelley King vocals and acoustic guitar, is not a possibility open to everyone, but… look!, here comes Poggi to do what at first sight could seem impossible. Besides Fabrizio Poggi on harmonica, the backing band includes Bobby Mack and Joe Forlini on guitars, Cole El-Saleh on piano and Hammond, Donnie Price on bass and Dony Winn on drums and percussion. The variety of performers is really amazing and the final result impressive. This is an album with the most beautiful and juicy blues, that displays a wide range of styles plus an excellent final production. Besides, you will also find an attractive booklet with a picture of each guest musicians together with a small text that illustrates the song each artist plays. GREAT.

Big Dave McLean “Better The Devil You Know”. Black Hen Music / Mark Pucci 2016.
Después del éxito conseguido con el álbum “Faded But Not Gone”, el sello Black Hen Music ha decidido publicar una segunda entrega de este veterano bluesman canadiense llamado Big Dave McLean. Influenciado por el gran Long John Baldry, durante décadas Big Dave ha interpretado y paseado los blues a lo largo de todo Canadá. Su proyección entre los aficionados ha ido subiendo enteros, por la calidad y el modo que tiene de abordar el blues, siempre desde la perspectiva de la tradición y el respeto por el género. Su entrega y la pasión que comunica cuando entra de lleno en los blues son tremendamente efectivas. McLean es blues en estado puro, intenso y muy cálido, y en este nuevo trabajo titulado “Better The Devil You Know” Dave lo plasma con acierto y predisposición. Una selección de trece canciones majestuosamente escogidas, bien expuestas y muy trabajadas conforman el nuevo disco de este caballero del blues que es el cantante, armonicista y guitarrista Big Dave McLean. Un álbum semi-acústico que suena de forma increíble, donde Dave está magnifico tanto cantando como tocando la guitarra acústica, la National steel y la armónica, al igual que sus compañeros de viaje Steve Dawson a la guitarra acústica y eléctrica, banjo, pedal steel, mandolina, dobro y National steel, Gary Craig a la batería y percusión, Jon Dymond al bajo y contrabajo, Kevin McKendree al piano y órgano, Fats Kaplin al violín y mandolina y las maravillosas voces de Ann y Regina McCrary. Un disco de bella factura que debe figurar en la colección de cualquier buen aficionado al blues. MUY BUENO. After the success of the previous album "Faded But Not Gone", Black Hen Music record label decided to publish a second one by this veteran bluesman called Big Dave McLean. Influenced by the great Long John Baldry, Big Dave has for decades performed and given the blues all over Canada. His impact among fans has gradually improved, thanks to the undeniable quality and the special way he deals with blues, always from the outlook of the true tradition and respect for the genre. The delivery and passion he communicates when he dives himself in the blues are really effective. McLean is pure, intense and warm blues and he successfully reflects his positive attitude in this new work entitled "Better The Devil You Know”. A selection of thirteen magnificent, well developed and complete songs round up the new album of this blues gentleman who is singer, harmonica and guitar player Big Dave McLean. This is a semi-acoustic album with an incredible sound, where Dave does a great work both singing and playing acoustic guitar, National Steel and harmonica, together with his band mates Steve Dawson on acoustic and electric guitar, banjo, pedal steel, mandolin, dobro and National Steel, Gary Craig on drums and percussion, Jon Dymond on bass and double bass, Kevin McKendree on piano and organ, Fats Kaplin on violin and mandolin and the wonderful backing voices of Ann and Regina McCrary. This is a good recording that should be included in any good blues lover record collection. GREAT.

Mitch Kashmar “West Coast Toast” Delta Groove 2016.
En la época de postguerra Chicago fue sin duda la ciudad emblemática para los armonicistas de blues. Sin embargo, a finales de los años 50, este instrumento se hizo también muy popular en la costa oeste, lugar en el que aparecieron figuras como George “Harmonica” Smith, Rod Piazza, William Clarke o Kim Wilson. Con el paso de los años surgieron nuevos nombres, como es el caso de Mitch Kashmar, quien absorbió con los cinco sentidos todo el conocimiento de sus maestros, desarrollando un estilo único y personal tanto con la armónica como en la manera de cantar, en la que se aprecian unas inflexiones vocales muy curiosas. Todo ello le ha llevado a convertirse en una de las figuras más prominentes del West Coast blues. Este es su tercer álbum en estudio para el sello Delta Groove en el que Mitch rinde y paga tributo al legado del sonido jump blues, a través de diversos covers extremadamente bien seleccionados junto a algunas composiciones propias que transmiten la esencia de lo que el blues de la costa oeste es hoy en día. Mitch está acompañado por grandes músicos como son Junior Watson a la guitarra, Fred Kaplan al piano y Hammond, Bill Stuve al contrabajo y Marty Dodson a la batería. Como no puede ser de otro modo, con una formación de lujo como la que tenemos aquí, el resultado se convierte en un álbum magnífico y excelso. Sólo puedo decir que estoy seguro vais a disfrutarlo y saborearlo con gusto y enorme avidez. BUENISIMO. Undoubtedly during post-war period Chicago was the most emblematic city for blues harmonica players. However, at the end of the fifties, this instrument became very popular in West Coast area too, where there came out such amazing harmonica players like George "Harmonica" Smith, Rod Piazza, William Clarke or Kim Wilson. As the years were passing by new names burst in like Mitch Kashmar, who took up with his five senses all the knowledge of those masters, developing a unique and personal style both with the harmonica and with his voice, which got very peculiar vocal inflections. All this led him to become one of the most prominent West Coast blues names. This is his third studio album for Delta Groove, where Mitch pays tribute to the legacy of jump blues sound, thanks to some extremely well selected covers together with own compositions that communicate the essence of the most actual West Coast blues. Mitch is perfectly backed by some amazing musicians like Junior Watson on guitar, Fred Kaplan on piano and Hammond, Bill Stuve on double bass and Marty Dodson on drums. As it can’t be otherwise, with such a deluxe band, the result is a magnificent sublime album. Let me only say I am sure you will avidly enjoy and savour it from the beginning to the end. GREAT.

The Joey Gilmore Band “Respect The Blues” Mosher St. 2016.
Los amantes del soul y del blues están de enhorabuena con la aparición del nuevo disco de Joey Gillmore y su banda. Bajo el sugerente titulo de “Respect The Blues” se incluyen once canciones bien construidas y de alto voltaje, perfectamente ensambladas e inundadas de apasionada entrega. Todas ellas están desarrolladas con esmero y edificadas sobre unas bases explosivas, donde la perfecta y conjuntada puesta en escena de la sección de ritmo y el colchón del órgano constituyen el recurso singular donde apoyar su voz y sus incendiarios solos de guitarra. Todo ello se ve embellecido por unos metales envolventes llenos de fuerza, expresividad y colorido. Con este álbum Joey, bien arropado por un grupo eficaz y eficiente, da un paso de gigante en su carrera musical, en el que además rinde homenaje a algunos de los músicos que mas le han influído a lo largo de su vida como son Johnny Adams, Lou Pride, Beau Locque, Little Milton, William Bell o Johnny Rawls. Además de Joey Gilmore voz y guitarra ese encuentran Ivan Chopik a la guitarra, Sonny Boy Williams a los teclados, Robert “Hi-Hat” Carter al bajo y Raúl Hernández y Maurice Dukes a la batería, contando también con la participación de Rockin’ Jake armónica, Drew Preston guitarra, una sección de cuerdas y metales dirigida por Yoel Hyman y las voces de Edlene Hart, Domino Johnson y Arlene Coutee. Un disco buenísimo para degustar, bailar y disfrutar repetidamente. MUY BUENO. Soul and blues lovers can feel happy with the new album by Joey Gillmore and his band. With the suggestive title of "Respect The Blues" you will find eleven high-octane songs, well built and perfectly flooded with a passionate delivery. All tracks have been developed with an extremely care and an explosive display, where the perfectly teamed rhythm section and the backing organ become the best support to enhance Joey’s voice and incendiary guitar solos. If this was not enough, a horn section helps to create an expressive colourful wrapping atmosphere. With this album, Joey, well supported by an effective band, takes a giant step forward in his musical career. The album pays tribute to some of the musicians who have most influenced him, such as Johnny Adams, Lou Pride, Beau Locque, Little Milton, William Bell or Johnny Rawls. Besides Joey Gilmore vocals and guitar, the band musicians are Ivan Chopik on guitar, Sonny Boy Williams on keyboards, Robert "Hi-Hat" Carter on bass and Raúl Hernández and Maurice Dukes on drums, with the special collaboration of Rockin' Jake harmonica, Drew Preston guitar, a string and horn section led by Yoel Hyman and the beautiful voices of Edlene Hart, Domino Johnson and Arlene Coutee. A superb album to enjoy, dance and savour again and again. GREAT.

Levee Town “Takin’ & Givin’”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Este es el sexto álbum de Levee Town, una banda de Kansas City que, en los últimos tiempos, ha alcanzado una gran notoriedad por ser el grupo residente del famoso club Knuckleheads Saloon. En este local la banda se ha curtido y ha disfrutado de un sinfín de increíbles noches de gloria, acompañando a artistas como Louisiana Red, Kenny Neal, Lazy Lester, Lee McBee, Gary Nicholson, Big Bill Morganfield o Watermelon Slim. Durante los últimos catorce años han desarrollando una carrera imparable realizando innumerables giras a lo largo y ancho de los Estados Unidos y Canadá. El disco incluye una buena variedad de estilos de blues, seleccionados para todos los gustos, con sabores que van desde el blues tejano a lo Albert Collins, pasando por el swing, el jump o el rock and roll, para desembocar en las nuevas y mas modernas tendencias del blues actual. El álbum contiene trece temas propios y una versión de la canción “I’m A Damn Good Time” de Ace Moreland. Un grupo impecable lleno de fuerza y técnica que trasciende mas allá de lo que uno espera encontrar en una banda de blues de estas características. Seis músicos que conocen el oficio y la música que interpretan como la palma de la mano, completamente dispuestos a hacerte la vida mucho mas agradable de lo que te imaginas. Escúchalos y te aseguro que lo agradecerás. MUY BUENO. This is the sixth studio album by Levee Town, a band coming from Kansas City which, in recent years, has gained a great reputation as the house band of the famous club Knuckleheads Saloon. There the band got a huge experience and enjoyed many incredible sessions and nights of glory backing artists like Louisiana Red, Kenny Neal, Lazy Lester, Lee McBee, Gary Nicholson, Big Bill Morganfield or Watermelon Slim. For the past fourteen years they have developed a non-stop career and they have also performed in countless tours all over USA and Canada. The recording includes a good variety of blues styles, carefully selected to pleasure all tastes, with flavours that go from Texas blues, in the path of Albert Collins, to swing, jump or rock and roll, to finally culminate in the most actual and new blues trends. The album gathers thirteen own songs and a cover of "I'm A Damn Good Time" coming from Ace Moreland. This is a faultless group, which play with an amazing strength and an extreme good technique, which goes beyond of what one could expect to find in a blues band like this one. Six musicians who know their work and the music they perform like the palm of their hands, fully devoted to make life much happy than you can imagine. Listen to this album and you will be really grateful. GREAT.

Teresa James & The Rhythm Tramps “Bonafide”. Jesi-Lu / Frank Roszak 2016.
Originarios de Houston, Texas, Teresa James y su banda The Rhythm Tramps han trabajado duro durante años para labrarse un nombre por toda la zona de Los Angeles, además de participar en festivales tanto de Estados Unidos como de Europa. Teresa ha compartido escenario con artistas como Levon Helm, Delbert McClinton, Eric Burdon, Marcia Ball, Tommy Castro y ha puesto su voz en diferentes grabaciones de músicos como Randy Newman, Eric Burdon, Bill Medley o Walter Trout. Este es su noveno álbum en el que ha querido compartir un amplio abanico de estilos musicales en los que Teresa se encuentra muy cómoda, arropada por su grupo que forman una serie de músicos de la zona de Los Angeles que conocen al dedillo su estilo y sus maneras de desplegar todo su arte vocal, siempre con acierto, gusto y profesionalidad. Teresa posee unas cualidades interesantes, precisas y sabe como desarrollar una garra inconmensurable gracias a un tono gutural y ligeramente nasal, lo que le confiere personalidad y una honda sensualidad por la cadencia con la que arrastra las vocales. Nominada en el año 2008 por la Blues Foundation en la categoría de “Contemporary Blues Female Artist”, desde ese momento Teresa se ha convertido en una de las nuevas divas del blues actual de California. MUY BUENO. Teresa James and her band The Rhythm Tramps come from Houston, Texas. For years they have worked hard to get a name along Los Angeles area, but they have also participated in festivals both in United States and Europe. Teresa has shared stage with artists like Levon Helm, Delbert McClinton, Eric Burdon, Marcia Ball or Tommy Castro and she has also put her voice in different recordings by musicians like Randy Newman, Eric Burdon, Bill Medley or Walter Trout. This is her ninth studio album, where she wants to share a wide range of musical styles she feels comfortable with, surrounded by her band formed by a bunch of very professional Los Angeles musicians who perfectly know her style and the way she has to display her tasteful vocal qualities. Teresa gathers some interesting very precise skills she develops with an immeasurable punch, thanks to a throaty slightly twangy tone, which gives her an special personality and a deep sensuality for the cadence she rolls the vowels. Nominated in year 2008 by the Blues Foundation to the Blues Music Awards in "Contemporary Blues Female Artist" category, since that particular moment Teresa has already become one of the new California blues divas. VERY GOOD.

Blas Picón & Iker Piris “Heartbreakin’ Men”. Self Production 2016.
Siempre es curioso que dos músicos que viven en diferentes provincias del territorio español, uno en Guipuzcoa y el otro en Barcelona, consigan una unión y una comunión musical tan fluida y llena de compenetración como si estuvieran tocando cada día juntos. Este es el caso del guitarrista y cantante Iker Piris y del armonicista y cantante Blas Picón quienes, además de deleitarnos en sus actuaciones en directo, nos presentan ahora su nuevo proyecto discográfico que incluye ocho canciones propias repartidas de las siguiente manera, “Heart Breakin’ Men” firmada por ambos músicos, “Good Husband” de Iker Piris, “Diversity” de Blas Picón, “!The Way To Change Your Mind” de Blas Picón, “Get Your Love” de Iker Piris, “I’m Gonna Move” de Iker Piris, “Just Walkin’” de Blas Picón y “Time’s Up” de Blas Picón. Naturalmente cada uno canta sus propias composiciones con la excepción del primer tema firmado por ambos donde se reparten los vocales. En todas ellas estos dos excelentes músicos muestran su conocimiento, respeto y amor por el viejo folk-blues, con influencias que van desde Sonny Terry hasta Washboard Sam, pasando por el rag o los blues de Piedmont. MUY BUENO. It is rather unusual that two musicians who live in different Spanish provinces, one in Guipúzcoa and the other in Barcelona, reach a so fluent and teamed musical union like if they were playing together every day. This is the case of guitar player and singer Iker Piris and harmonica player and singer Blas Picón who, besides delight us in their live shows, they now bring their new recording project that includes eight own songs distributed in the following way, "Heart Breakin' Men" signed by both musicians, "Good Husband" coming from Iker Piris, "Diversity" by Blas Picón, "!The Way To Change Your Mind" by Blas Picón, "Get Your Love" by Iker Piris, "I'm Gonna Move" by Iker Piris, "Walkin'" by Blas Picon and finally "Time's Up" by Blas Picón. Each musician sings his own compositions, with the exception of the first one signed by Blas and Iker where they share vocals. These two excellent musicians show all their knowledge, respect and love for the old folk-blues, with influences ranging from Sonny Terry to Washboard Sam and, of course, rag and Piedmont blues. VERY GOOD.

Sven Zetterberg “Something For Everybody”. Gamlestans Grammofonbolag 2016.
Cerrando los ojos uno podría imaginar que está escuchando a un cantante de soul norteamericano de color en la línea de Otis Redding, Wilson Pickett o Solomon Burke. Sin embargo nada más lejos de la realidad pues Sven Zetterberg ha sido considerado como uno de los mejores vocalistas de soul y blues de Suecia, además de tocar también la guitarra y la armónica. Desgraciadamente Zetterberg falleció en Estocolmo este pasado mes de diciembre a la edad de sesenta y cuatro años con todavía mucha carrera por delante y mucha calidad y buena música que ofrecernos. Su trayectoria musical fue larga y fructífera, su primer trabajo discográfico data de 1975 cuando tocaba con un grupo llamado Telge Blues. Desde entonces y hasta 1981 Sven pasó por diferentes bandas como The Blues Rockers, The Blue Fire y The Four Roosters y, a partir de ese año y hasta 1996, fue miembro de los Chicago Express con los que se hizo un hueco muy importante entre las bandas de blues de Suecia, componiendo incluso la música para una película titulada “Baba’s Cars”. Sven tuvo también la oportunidad de poner su talento al servicio de Jimmy Rogers, Louisiana Red, Eddie Boyd, Jimmy McCracklin o Luther Allison. Este álbum que aquí comentamos brilla a gran altura y suena con una fuerza, un poderío y una calidad irresistibles. Estamos ante un álbum que contiene todos los requisitos indispensables para que el blues y el soul bien interpretados lleguen a lo mas profundo del corazón del aficionado. Sven y los músicos que le acompañan tienen toda la magia y el encanto que debe poseer cualquier músico con un mínimo de calidad y ellos la derrochan a raudales. BUENISIMO. Closing the eyes one could easily imagine he is listening to an American black soul singer in the path of Otis Redding, Wilson Pickett or Solomon Burke. However nothing is further from reality, as Sven Zetterberg has been considered as one of the best Swedish soul and blues singers, besides a good guitar and harmonica player. Unfortunately Zetterberg died in Stockholm last December only aged sixty-four, with still a successful career ahead and lots of high quality good music to give us. His musical legacy is long and fruitful. He released his first album in 1975 when he was playing in a band called Telge Blues. From that time and until 1981 Sven was member of different groups like The Blues Rockers, The Blue Fire and The Four Roosters, and, from 1981 to 1996, he played with The Chicago Express which became one of the most recognized and appreciated Swedish blues bands of that time. He also wrote music for a film entitled "Baba's Cars". Sven had also the opportunity to play with great bluesmen like Jimmy Rogers, Louisiana Red, Eddie Boyd, Jimmy McCracklin or Luther Allison among others. The album we have on hands becomes a real treasure, thanks to Sven’s powerful strength and amazing quality. This is a recording with all the indispensable ingredients to make the best blues and soul go deep into your heart. Sven and the musicians who back him have the magic and charm any musician should have to be outstanding artists and the true thing is they burst them generously. ESSENTIAL.

The Marshals “Les Courriers Session”. Freemount 2016.
A la hora del crepúsculo que precede a una de esas cálidas noches de verano en las que el reloj se para por completo y el tiempo parece que nunca acabará, en una de esas noches en que las que apetece beber un vaso de bourbon junto a una fresca cerveza para sacarse el polvo de la garganta de una América seca y áspera, ahí es donde aparecen la música y las canciones de The Marshals y lo hacen como si el tiempo se hubiese detenido esperando a que ellos hicieran su aparición. Este álbum podría estar escrito e interpretado con el corazón desde uno de esos destartalados porches del Mississippi en el que con algo de imaginación podrían haberse dado cita Stevie Ray Vaughan, John Fogerty, Z.Z. Top o incluso Jimi Hendrix, dirigidos todos ellos por Quentin Tarantino, naturalmente todo esto dejando volar la imaginación. Lo cierto es que este disco se grabó en Francia y los músicos que lo han hecho posible son Julien Robalo guitarra y voz, Laurent Siguret armónica, Thomas Duchézeau batería y Mike Chassaing tambourina y palmas. El disco contiene ocho canciones, seis de ellas compuestas por Julien Robalo, mas dos versiones de los temas “Folsom Prison Blues” de Johnny Cash y “Rockin’ Dady” de Howlin Wolf. BUENO. At the twilight hour that comes before one of those warm summer nights where the clock stops and time seems never end, in one of those nights where you need to drink a bourbon glass and a cold beer to take off the dust of dry rough America out of your throat, this is the precise moment where The Marshals music and songs appear as if time had stopped waiting for them to come. This album could have been written and performed from one of those old back porch of Mississippi houses where, letting your imagination run free, you could see Stevie Ray Vaughan, John Fogerty, Z.Z. Top or even Jimi Hendrix, all them directed by Quentin Tarantino sitting, drinking and playing. But what is true is this album was recorded in France and the musicians who have made it possible are Julien Robalo on guitar and vocals, Laurent Siguret on harmonica, Thomas Duchezeau on drums and Mike Chassaing on tambourine and claps. The recording gathers eight songs, six Julien Robalo’s own compositions, plus two versions, "Folsom Prison Blues" coming from Johnny Cash and "Rockin' Daddy" by Howlin Wolf. GOOD.

Adam Karch “Moving Forward”. Disques Bros / Sarah French 2016.
Aunque Adam Karch es de Montreal, su música está empapada de todo el espíritu de la música americana con raíces. Adam suele tocar un repertorio de blues acústico y de folk-rock salpicado de un preciso fingerpicking inspirado en artistas como Chet Atkins y Kelly Joe Phelps, junto a una innovadora técnica a la percusión que da a su música un aire mas actual y a la vez poético e intimista. En este álbum Adam ha seguido básicamente inspirándose en el folk sin dejar de lado algunos momentos bluesy para construir con sensibilidad y gusto un puñado de canciones que interpreta en solitario solamente con su guitarra o bien con el respaldo de Marc-André Drouin al bajo y Bernard Deslauriers a la batería y percusión a los que se les unen en momentos puntuales Kim Richardson a la voz, Guy Bélanger a la armónica y Dimitri Lebel-Alexandre al pedal steel en un tema cada uno. Grabado en Montreal, este álbum refleja el talento que Adam atesora como compositor y guitarrista, donde la autenticidad de su voz conecta con precisión matemática con la música que interpreta. En resumen, un buen disco que habrá que tener en cuenta. MUY BUENO. Although Adam Karch comes from Montreal, his music is totally full of the spirit of Americana music. Adam usually plays an acoustic blues and folk-rock repertoire spiced with a precise fingerpicking technique, inspired by artists like Chet Atkins and Kelly Joe Phelps, together with an innovative percussion technique that gives to his music a more actual but at the same time poetic and intimate air. In this album Adam has once again got inspiration in folk music without leaving aside some bluesy moments, to build up a tasteful sensitive handful of songs he plays alone only backed with his guitar or with the support of Marc-André Drouin on bass and Bernard Deslauriers on drums and percussion who. in some moments, are joined by Kim Richardson on vocals, Guy Bélanger on harmonica and Dimitri Lebel-Alexandre on pedal steel. Recorded in Montreal, the album reflects Adam’s talent as a composer and guitar player, where the sincerity of his voice connects with mathematical precision with the music he performs. In short words, here comes a good album that should be taken into account. VERY GOOD.

Sue Palmer & Her Motel Swing Orchestra “The Thunderbird Sessions”. Self Production 2016.
Siempre es reconfortante escuchar las nuevas propuestas de esta fantástica pianista llamada Sue Palmer quien nuevamente nos ofrece una variada muestra de blues y de swing orquestado tal y como nos tiene acostumbrados en casi todas sus entregas discográficas. En una pequeña calle cerca de la autopista 101 de la costa de San Diego, California se encuentra el Thunderbird Studio donde el ingeniero Thomas Yearsley (bajista también del grupo The Paladins) se ha dedicado a producir y restaurar una cinta analógica con este maravilloso concierto que Sue Palmer And Her Motel Swing Orchestra realizaron en el mismo estudio ante una selecta audiencia la cual tuvo la fortuna de disfrutar de este magnifico show. Thomas ha conseguido convertir esta grabación en directo en una auténtica joya que se presenta como algo formidable, lleno de magia, que recoge fielmente todo el jump, el swing, el rock and roll, el blues, la alegría del boogie woogie y la comunicativa algarabía de aquellas orquestas de baile tan en boga durante los años cuarenta. Son doce canciones de compositores como Buddy Johnson, Benny Carter, Earle Hagen o Fats Waller entre otros, pero también hay un par de composiciones de la propia Sue y dos más de Willie Dixon y Ike Turner. Un álbum impresionante donde el swing fluye a raudales a cargo de una siempre inspirada y elegante Sue Palmer, acompañada de una orquesta que imprime a todos los temas unos arreglos desbordantes y pletóricos. MUY BUENO. It is always pleasant to listen to every new proposal coming from this fantastic piano player called Sue Palmer who, once again, gives us a varied selection of big band blues and swing as we are used to find in her recordings. In a small street near Coast Highway 101 in San Diego, California, one can find the Thunderbird Studio where engineer Thomas Yearsley (bass player of The Paladins) has devoted himself to produce and restore the analogue tape where was recorded the amazing concert Sue Palmer And Her Motel Swing Orchestra performed in that studio in front of a selected small audience who had the great chance to be there and enjoy that magnificent show. Thomas has managed to turn this live recording to a real gem that becomes something wonderful and full of an incredible magic, which faithfully reflects all the jump, swing, rock and roll, blues, boogie woogie joy and communicative happiness of those dance orchestras which were so in fashion during the 40’s. Twelve songs coming from such great composers like Buddy Johnson, Benny Carter, Earle Hagen or Fats Waller among others, together with a couple of Sue’s own compositions and two more by Willie Dixon and Ike Turner. An impressive album where swing flows out thanks to an always inspired and elegant Sue Palmer, backed by her faultless orchestra which manage to give the most overflowing energetic arrangements along the whole recording. GREAT.

The Smoke Wagon Blues Band “Cigar Store”. Self Production / Frank Roszak 2016.
Cincuenta minutos de intenso y clásico rhythm and blues contemporáneo, swampy boogie, soul, algo de funk y blues es lo que nos proponen The Smoke Wagon Blues Band, un grupo muy preparado con un largo bagaje y experiencia de más de veinte años a sus espaldas. La banda se formó en Ontario, Canadá donde inmediatamente alcanzaron una gran popularidad como festivos animadores de los locales donde tocaban, todo ello gracias a la solidez de su cantante y armonicista Corey Lueck un tipo con un especial carisma, además de la técnica de su guitarrista Mike Stubbs, el swing de su pianista y organista Nick Succi, los excelentes y vibrantes arreglos del saxofonista Gordon Aeichele y una engrasada y bien dispuesta sección rítmica procesada para contener y a la vez dar empuje y dinamismo al resto de los músicos, formada por Jason Colavecchia bajo y voces, Tibor Lukacs batería y voces y Steve Sherman percusión, órgano y bajo en algunos temas. Letras donde se nos habla de historias que nos transportan a Yukon, Nueva Orleans, el voodoo, los viejos e históricos trenes, los amores perdidos y no rescatados jamás o las noches de luna llena en el campo, que nos recuerdan aquellos tiempos en que los contadores de historias y su música estaban en primera línea de fuego en la historia, gracias a aquellos poetas y músicos beatniks. MUY BUENO. Fifty minutes of intense traditional rhythm and blues, swampy boogie, soul, some funk and blues is the new proposal of The Smoke Wagon Blues Band, a well qualified experienced group with more than twenty years of career behind their backs. The band was formed in Ontario, Canada where they immediately reached a great popularity as some of the most happy entertainers in the clubs and bars where they usually played, thanks to the strength and personal sound of singer and harmonica player Corey Lueck, a man gifted with a special charisma, together with Mike Stubbs’ guitar technique, the swing of piano and organ player Nick Succi, the excellent and bright arrangements by sax player Gordon Aeichele and a greasy teamed rhythm section with Jason Colavecchia on bass and vocals, Tibor Lukacs on drums and vocals and Steve Sherman on percussion, organ and bass in some songs, a rhythm section which restrains but at the same time gives dynamism to the rest of the band musicians. Lyrics that tell stories that drive us to Yukon, New Orleans, voodoo, old and historical trains and railroads, lost loves that will never come back or full moon nights in the country, that remind us those times when storytellers, beatnik poets and their music were in the front line of the history. VERY GOOD.

Lady ‘A’ “Loved Blessed & Blues”. Self Production 2016.
Durante muchos años Lady A ha sido una de las divas del blues, del funk y del soul mejor consideradas por los aficionados. Lady A es conocida como “The Hardest Workin’ Woman”. Su amor por los blues es algo bien sabido y apreciado por sus admiradores, quienes dicen que la música que cocina es como una gustosa olla del gumbo que se hace en la Louisiana. Su voz seductora y ronca hipnotiza a cualquier persona que la escucha y si no que se lo digan al publico que acude en masa a sus conciertos ya sea en Oregón, Tenessee o Mississippi. A lo largo y ancho de los Estados Unidos y Europa Lady A no ha parado de cosechar éxito y buenas criticas. Además ha teloneado a Denise LaSalle, Little Milton, Shemekia Copeland o Dr. John y ha compartido escenario cantando junto a Bobby Rush, Eden Brent, Dexter Allen, Super Chikan, Michael Burks, Janiva Magness, Kenny Neal y muchos mas. Lady A es un verdadero espectáculo cuando pisa un escenario, un auténtico torbellino que desprende sensualidad por dondequiera que pasa. Este álbum es un terremoto sonoro de blues, soul y funk con un feeling y una energía tremenda a cargo de esta mujer llamada Lady A, que está acompañada por unos músicos impresionantes, verdaderas máquinas que funcionan con absoluta precisión. MUY BUENO. For quite a long time Lady A has been one of the most appreciated blues, funk and soul divas. Lady A is known as "the hardest workin' woman", because her love for blues is well known and really appreciated by fans, who say the music she cooks is like a tasty Louisiana gumbo pot. Her seductive hoarse voice hypnotizes anyone who listens to it and if you do not believe it, all the people who goes to her shows either in Oregon, Tennessee or Mississippi can confirm it. Lady A has reached an endless success and excellent reviews all over USA and Europe. Besides, she has opened for Denise LaSalle, Little Milton, Shemekia Copeland or Dr. John and has shared stage singing with Bobby Rush, Eden Brent, Dexter Allen, Super Chikan, Michael Burks, Janiva Magness, Kenny Neal and many others. Lady A is a real entertainer on stage, a true whirlwind full of sensuality and charisma. The album is an earthquake of blues, soul and funk sounds, performed with an amazing feeling and energy by a woman called Lady A, who is backed by a bunch of musicians who become a precise greasy engine. GREAT.

Boo Boo Weavils. “Who The Hell Are The”. Self Production 2016.
Boo Boo Weavils es una banda que funciona desde el año 2014, gracias a una serie de circunstancias propicias y del encuentro de unos músicos, todos ellos grandes amantes de la música negra. Provenientes de la banda madrileña The Forty Nighters, el guitarrista Francisco Javier Gonzalo y el bajista Chema Contreras han unido sus fuerzas a la poderosa cantante Alba Castillo y al batería Benito Díaz para plasmar en esta nueva formación todas sus inquietudes musicales. En 2016 producen este su primer álbum titulado “Who The Hell Are The” en el que se incluyen nueve temas propios que muestran claramente el eclecticismo, siempre dentro de los ritmos y vertientes mas negroides, de unos músicos que en todo momento demuestran su amor por el género, aportando todo lo que tienen dentro, liderados por su vocalista que da empaque y solidez a la banda. Grabado en los estudios Enfasis, este disco proporciona una buena oportunidad de descubrir a una de las bandas emergentes en el panorama de la música negra que, aunque todavía deben curtirse en ciertos aspectos, pueden llegar a alcanzar notoriedad a poco que se lo propongan. BUENO. Boo Boo Weavils is a band formed in year 2014, thanks to a series of favourable circumstances that made possible the casual meeting of these musicians, all them great black music lovers. From legendary Madrid band The Forty Nighters, guitar player Francisco Javier Gonzalo and bass player Chema Contreras joined forces with the powerful singer Alba Castle and drummer Benito Diaz to express in a new band all their musical concerns and feelings. In 2016 they produced his first album entitled "Who The Hell Are The" which includes nine own songs that clearly reflect the eclecticism, always related with black music, of these musicians who always show the love for this musical genre giving all they have inside their hearts, led by a good singer who gives a big impact and solidity to the band. Recorded in Enfasis studios, this album provides a good opportunity to discover one of the emerging bands in Spanish black music scene and, although they have still to polish certain aspects, they will certainly be able to reach notoriety if they persevere. GOOD.

Raphael Wressnig & Igor Prado “The Soul Connection Captured Live”. ZYX Music 2016.
Después del éxito de su álbum “Soul Gumbo” grabado en New Orleans, Raphael Wressnig vuelve de nuevo a la carga con un disco doble que hará las delicias de todo aquel aficionado al groove y al blues con inflexiones jazzy. El primero de estos dos cds lleva por titulo “The Soul Connection” y para su grabación Wressnig viajó a Sao Paulo, Brasil para unir sus fuerzas con el excelente guitarrista de blues Igor Prado. Juntos confeccionaron y cocinaron una buena cazuela de soul, ‘old school rhythm and blues’, funk, groove, blues y jazz y para ello contaron con la participación de los vocalistas Wee Willie Walker, David Hudson y León Beal quienes en sus intervenciones pusieron toda la carne en el asador, con unos vocales intensos, agradables, gustosos e impecables, gracias al colchón de Raphael, Igor y una una sección de ritmo portentosa y eficaz que confirieren poderío y swing a todas y cada una de las trece canciones contenidas en este primer cd. El segundo álbum que se incluye en este doble cd se titula “Captured Live” y en él se incluyen nueve temas en los que Raphael está acompañado por The Soul Gift Band mas la colaboración especial de Deitra Farr. En este segundo disco el Hammond B-3 reemplaza a la voz, con la excepción de los temas en los que canta Deitra Farr y, de esta forma, se convierte en el protagonista absoluto de lo que Wressnig define como ‘heavy organ soul & funk’. Un doble disco de excepcional calidad con los que una vez mas el rey europeo del groove Raphael Wressing, se supera a si mismo y nos ofrece un producto de un alto nivel cualitativo. MUY BUENO. After the success of his previous cd "Gumbo" recorded in New Orleans, Raphael Wressnig comes back with a double album that will delight all groove and jazzy blues lovers. "The Soul Connection" is the title of the first one. Wressnig travelled to Sao Paulo, Brazil to join forces with the excellent guitarist Igor Prado. Together they prepared and cooked a good stew of soul, old school rhythm and blues, funk, groove, blues and jazz, together with singers Wee Willie Walker, David Hudson and Leon Beal who work their heart out with some Intense, pleasant, and cool singing, always with the good support of Raphael, Igor and a fantastic effective rhythm section who gave power and swing to each and every one of the thirteen songs of this first cd. “Captured Live” is the title of the second album of the double cd and includes nine songs where Raphael is backed by The Soul Gift Band plus the special collaboration of Deitra Farr. Here the Hammond B-3 replaces the voice, with the exception of songs sung by Deitra Farr, so organ gets the main role in what Wressnig defines as 'heavy organ soul & funk'. This is a double album with an incredible quality where the European king of groove, Mr. Raphael Wressing, excels himself with a terrific work. GREAT.

Donald Ray Johnson & Gas Blues Band “Bluesin’ Around”. Self Production / Frank Roszak 2016.
El cantante y batería de Texas Donald Ray Johnson ha dedicado toda su vida a la música. Ha tocado con leyendas como Big Mama Thornton, Percy Mayfield, Lowell Fulson o Phillip Walker, pero también se ha dedicado al rhythm and blues y a la música disco colaborando con The Isley Brothers, The Commodores o Teddy Pendergrass. Durante estos últimos años Johnson ha vuelto al blues, colaborando asiduamente con la banda francesa The Gas Blues Band creada hace cinco años por el guitarrista Gaspard “Gas” Ossikian, grupo del que también forman parte Philippe “Pompon• Scemama al bajo, Yannick “Papayan” Urbani a la batería y Pierre “Little Peter” Cayla también a la guitarra. Este soberbio álbum incluye once blues que Johnson y la Gas Blues Band han tocado juntos a lo largo de los años, por lo que el resultado es magnífico, con una excelente serie de blues interpretados con la garra y el buen hacer de estos músicos franceses que saben convencer totalmente al oyente. El afroamericano Ray Johnson se encuentra como pez en el agua respaldado por la Gas, dando lo mejor de si mismo y elevando el blues hasta unas cotas de calidad de altísimo voltaje. Un disco magnífico a tener muy en cuenta. MUY BUENO. Texas singer and drummer Donald Ray Johnson has devoted his whole life to music. He has played with legendary artists such as Big Mama Thornton, Percy Mayfield, Lowell Fulson or Phillip Walker, but he has also performed other music styles like rhythm and blues or disco music, collaborating often with The Isley Brothers, The Commodores or Teddy Pendergrass. In recent years Johnson has come back to the blues, working regularly with French group The Gas Blues Band, which was formed five years ago by guitar player Gaspard "Gas" Ossikian, a band that also includes Philippe "Pompon" Scemama on bass, Yannick "Papayan" Urbani on drums and Pierre "Little Peter" Cayla on guitar too. This is a superb album which gathers eleven blues songs Johnson and The Gas Blues Band have played together over the years, so the result is a magnificent recording with an excellent series of blues played with the intensity these good French musicians have, who always do a good work and really know how to fully convince listeners. The Afroamerican Ray Johnson feels very comfortable backed by The Gas Blues Band, so he gives the best of himself to raise the blues to an exceptional high quality level. This is a magnificent recording to have on mind. GREAT.

Tas Cru “Simmered & Stewed”. Crustee Tees / VizzTone 2016.
Áspero, rocoso, excéntrico, irreverente, pero también dulce como la miel y con una extrema amabilidad musical. Estos han sido algunos de los adjetivos mas empleados para calificar a Tas Cru, uno de los bluesmen mas originales del panorama del blues actual. Este nuevo álbum presenta once temas propios en los que Tas se ha rodeado de un nutrido grupo de buenos músicos y amigos que le acompañan con profesionalidad y buen gusto, como Dick Earl Ericksen a la armónica, Chip Lamson, David Liddy y Guy Nirelli al piano y al órgano, Jeremy Walz a la guitarra, junto a varios bajistas, baterías y vocales entre otros, hasta llegar a un total de diecisiete músicos que forman parte de este proyecto, dando forma y contenido al disco. Todos ellos contribuyen en gran medida a que la voz, la guitarra, la Resonator y la cigar box de Tas Cru suenen con gran vivacidad y una pasión desbordante que contagia y atrapa completamente al oyente. Por si ello fuera poco Tas Cru es un importante activista que lleva su música, no solo a festivales de todo el mundo, sino también a numerosas escuelas, hospitales y centros sociales. Particularmente pienso que este es el disco mas ambicioso que Tas Cru ha grabado hasta el momento. MUY BUENO. Rough, rocky, eccentric, irreverent but at the same time sweet as honey and extremely kind. These are some adjectives that have been usually employed to qualify Tas Cru, one of the most original bluesmen of actual blues scene. This new album features eleven own songs where Tas is surrounded by a wide group of good musicians and friends who back him with a very professional and tasteful work, like Dick Earl Ericksen on harmonica, Chip Lamson, David Liddy and Guy Nirelli on piano and organ, Jeremy Walz on guitar, together with several bass players, drummers and vocalists, to complete a total amount of seventeen musicians who contribute to the project, giving shape and content to the whole recording. All of them help in a large measure that Tas Cru’s voice, guitar, Resonator and cigar box reach a vivacious passionate sound that fully captures all listeners. And if that was not enough Tas Cru is a tireless activist who always brings his music, not only to festivals around the world, but also to countless schools, hospitals and social centres. My personal opinion is this is the most ambitious album Tas Cru has recorded up to date. VERY GOOD.

Marc Lelangue Trio “Lost In The Blues”. Naked 2016.
Desde que era un niño el cantante y guitarrista belga Marc Lelangue se sintió rápidamente atraído por el blues. Casi sin apenas saber leer y escribir se aprendía de memoria las letras de las canciones de Blind Lemon Jefferson, Blind Boy Fuller pero, sobre todo, las del disco que se publicó en Bélgica bajo el nombre de ‘Chant Du Monde’ de Big Bill Broonzy, que figuraban en el libreto interior del disco. Ya algo más mayor empezó a tocarlas en la calle, construyendo un repertorio de blues rural y de preguerra que, en aquella época, todavía nadie lo llamaba ‘unplugged’. Su encuentro con Luther Tucker, sobrino de Robert Jr. Lockwood, fue providencial para que Marc se abriera camino en el territorio del blues. Después de formar varios grupos, ahora Marc Lelangue se presenta acompañado de dos de sus músicos habituales como son Lacy Horse a la mandolina, guitarra slide y armónica y René Stock al contrabajo, en un delicioso disco acústico con doce maravillosos temas impregnados todos ellos de aquellos viejos blues que se a menudo se pueden escuchar en los ‘back porch’ de las casas del sur de los Estados Unidos. En estas canciones se mezclan temas propios con bellos covers de Tampa Red, Brownie McGhee, Leroy Carr o Robert Hicks. Una formidable selección de blues interpretados con cariño, sentimiento y mucha pasión. MUY BUENO. Since he was a child Belgian singer and guitar player Marc Lelangue felt totally attracted by blues. Without almost knowing how to read and write he learned by heart the lyrics of songs by Blind Lemon Jefferson, Blind Boy Fuller but, specially, those of the album that was published in Belgium with the title of 'Chant Du Monde' by Big Bill Broonzy, that were included in its liner notes. Some years later he began to play on the streets, building up a repertoire based on pre-war and rural blues that, at that time, no one called unplugged yet. He met Robert Lockwood’s nephew Luther Tucker and this was providential to open new ways in Marc’s career in the blues land. After forming several groups, now Marc Lelangue comes backed by two of his habitual musicians Lacy Horse on mandolin, slide guitar and harmonica and René Stock on double bass, in a delicious acoustic album with twelve wonderful songs, all them full of those old blues that can often be heard on back porches of USA southern houses. You will find a good mixture of own songs with beautiful covers by Tampa Red, Brownie McGhee, Leroy Carr and Robert Hicks. Here comes a good selection of blues performed with deep love, great feeling and much passion. GREAT.

Walter Broes & The Mercenaires “Movin’ Up”. Rootz Rumble 2016.
Después de cuatro años de la desaparición de su banda The Seatsniffers, Walter Broes, conocido en el mundillo del rockabilly como ‘el padrino de la escena belga de la roots music’, vuelve de nuevo a la primera línea de fuego con este trabajo repleto de rockabilly, rock ‘n’ roll y blues. El álbum contiene once canciones originales, impregnadas todas ellas del más puro sabor de la música originaria americana pero también con influencias de The Cramps, Los Lobos, Dwight Yoakam y hasta incluso se pueden apreciar en su música influencias de Louis Jordan. No en vano Walter ha sido el único músico belga en ser reconocido por las audiencias y la critica de Texas, California, Arizona y Nuevo Méjico, estados por los que ha paseado su arte impresionando profundamente a todos aquellos que han acudido a sus conciertos. Además de Walter Broes a la voz y la guitarra, le acompañan Bas Vanstaen al bajo y Lieven Declercq a la batería, pero también han colaborado Chantal Acda al vibráfono y coros, Tom Vanstiphout al pedal steel, Roel Jacobs a los saxos y Ruben Block coros. Un disco original lleno de personalidad y atractivo. MUY BUENO. Four years after falling apart from the band The Seatsniffers, Walter Broes, known in rockabilly circles as 'the godfather of Belgian roots music scene', comes back again to the front line with a new work fulfilled of rockabilly, rock 'n' roll and blues. The recording includes eleven own songs, all them full of the most original American music flavour but also with influences coming from The Cramps, Los Lobos, Dwight Yoakam and even one could discover in his music some Louis Jordan’s details. Not in vain Walter has been the only Belgian musician who has been recognized by Texas, California, Arizona and New Mexico audiences and specialized media, where he has displayed his music and deeply impressing all those who have crowded his shows. Besides Walter Broes on vocals and guitar, you will also find Bas Vanstaen on bass and Lieven Declercq on drums, with the special collaboration of Chantal Acda on vibraphone and backing vocals, Tom Vanstiphout on pedal steel, Roel Jacobs on saxes and Rubén Block on backing vocals. This is an original album full of an amazing and attractive personality. VERY GOOD.

JW-Jones “High Temperature”. Solid Blues / Sarah French 2016.
JW-Jones es un músico inquieto que en cada uno de sus nuevos discos intenta explorar nuevos caminos y nuevas fórmulas que trasladar a los blues. En esta ocasión ha contado con la inestimable colaboración de Colin Linden que ha producido este disco con gran sabiduría y buen gusto, impregnando de una enorme energía e inspiración cada una de las treces canciones que se incluyen. Colin ha realizado la grabación de forma analógica, lo que le ha conferido un plus de calidez y calidad que se percibe desde los primeros compases de la canción “Price You Pay” con la que se abre el álbum. Artistas de la talla de Buddy Guy, Charlie Musselwhite o Dan Aykroyd han reconocido este disco como uno de los mejores trabajos del pasado año. JW-Jones también ha sido invitado recientemente a participar con su banda en la gira de George Thorogood & The Destroyers. Hoy en día JW-Jones es una bocanada de aire fresco en el abigarrado y difícil mercado del blues del siglo XXI, gracias su evolución como cantante y guitarrista, además de la honestidad con la que lleva a cabo su profesión. Un excelente álbum a tener muy en cuenta. MUY BUENO. JW-Jones is a restless musician who always explores new ways and formulas to add to the blues he includes in his recordings. This time he has counted with the valuable collaboration of Colin Linden, who has cleverly and tastefully produced the album, giving a powerful energy and inspiration to each of the thirteen songs gathered in it. Colin has done it on an analogue way, which gives a warmer atmosphere and higher quality to the cd, that can be noticed since the first notes of the song "Price You Pay" that opens the album. Such recognized artists like Buddy Guy, Charlie Musselwhite or Dan Aykroyd have said this is one of the best recordings of the past year. JW-Jones has been recently invited to participate with his band in George Thorogood & The Destroyers’ extensive tour. Today JW-Jones is a breath of fresh air in the motley and difficult market of XXIst century blues, thanks to his remarkable evolution as a singer and guitar players, also helped by the honesty he has been carrying out his career. This is an excellent album to keep on mind. GREAT.

Alex “Guitar” García “Tarifa Wind”. HitSound 2016.
El guitarrista y cantante Alex “Guitar” García es en la actualidad y desde hace años uno de los máximos exponentes españoles en preservar los blues tanto urbanos como de preguerra. Trabajador incansable, con pocos medios a su alcance realizó esta grabación que es una verdadera joya para todos aquellos amantes del blues acústico, con canciones propias o de Buka White, Blind Lemon Jefferson o Arthur Crudup entre otros. Su buen amigo Hank Soto, miembro de los Stony Creek de New York, le pidió que le enviara una copia de la grabación antes de que ser publicara y, al poco tiempo, recibió varios cds con diversas colaboraciones de los músicos de los Stony Creek para que Alex viera lo que mas le gustara de esas colaboraciones. Alex decidió no tocar nada de lo que le habían enviado y junto a Lluis Cuadrench realizó las mezclas definitivas en el estudio La Locomotora de Terrasa. El buen feeling y las ideas aportadas por Lluis y los músicos neoyorkinos que colaboraron a dar forma al resultado final del álbum se refleja a lo largo de las trece canciones que conforman un disco fresco, vibrante y honesto. Se puede percibir que, a pesar de la distancia, Hank Soto, Dave Maswick, Brian Melick y Mike Lomaestro han entendido perfectamente lo que debían hacer para resaltar el trabajo de Alex. MUY BUENO. By now and from many years, singer and guitarist Alex "Guitar" Garcia has been and is one of the greatest musicians devoted to preserve both urban and pre-war blues. He is a tireless worker and, with very few resources and technical means, he did a recording that now becomes a real treasure for all acoustic blues lovers, that gathers some own songs as well as versions coming from Buka White, Blind Lemon Jefferson or Arthur Crudup among others. His good friend Hank Soto, member of the group Stony Creek from New York, asked him to send a copy of the recording before it was published and soon Alex received some cds with different collaborations of Stony Creek musicians in order Alex could see what he liked most. Alex decided not to change a single note of what he had received and together with Lluís Cuadrench did the final mixture and production at La Locomotora studios in Terrassa. The good feeling and clever ideas provided by Lluís and New York musicians who helped to give shape to the whole album, can be perfectly felt along the thirteen songs that round up a cool, vibrant and honest album. You will immediately realize that, in spite of the long distance, Hank Soto, Dave Maswick, Brian Melick and Mike Lomaestro perfectly understood what they had to do to enhance Alex’ good work. VERY GOOD.

Bobby Rush “Porcupine Meat”. Rounder 2016.
Aquí llega el último trabajo y ganador de un Grammy del gran cantante, armonicista, entertainer, showman y letrista Bobby Rush, que no va a dejar a nadie indiferente. Un álbum trepidante lleno de fuerza y expresividad, con unos arreglos brillantes, poderosos y coloristas. Los metales explotan precisos y contundentes en el tema con el que se abre el álbum “I Don’t Want Nobody” que suena exuberante y con un ritmo machacón y envolvente. Bobby experimenta e investiga con sonidos y arreglos que van desde el soul al blues o la música disco, y lo hace con acierto y un gusto exquisito, mostrándose en todo momento muy inspirado tanto con los arreglos armónicos que se han llevado a cabo en cada una de las doce canciones, así como por su personal manera de soplar la armónica que suena potente y a la vez equilibrada cada vez que la incluye y que es bastante a menudo. Su voz y su entrega es brutal y en el blues lento “Got Me Accused”, Bobby Rush muestra con toda su crudeza y temperamento la intensidad que es capaz de comunicar cuando siente el blues dentro de sí. En el disco intervienen muchos y excelentes músicos, además de tres invitados como son Joe Bonamassa, Vasti Jackson y Keb’ Mo’ en un tema cada uno, que dan un plus de comercialidad y empaque a este formidable nuevo disco del gran Bobby Rush, un músico siempre a tener en cuenta y que jamás defrauda. MUY BUENO. Here comes the last Grammy winner work of great singer, harmonica player, entertainer, showman and lyricist Bobby Rush, I dare say will not leave anyone indifferent. This is an exciting album full of an expressive strength and colourful bright arrangements. Horns exploit with a precise energy in the opening song "I Don't Want Nobody" that communicates an incredible wrapping hypnotic rhythm and a lush sound. Bobby experiences and investigates with different sounds and arrangements ranging from soul to blues or disco music and he does it with great skill and an exquisite taste, showing a total inspiration both with the arrangements that have been included in the twelve album songs, but also with his personal way of blowing harmonica that sounds powerful and balanced every time he includes it along the recording. His voice, delivery and commitment is really amazing and in the slow blues "Got Me Accused", Bobby Rush shows the rawness and passionate intensity he is able to communicate when he feels the blues deep inside his heart. Many excellent musicians have been involved in the recording, as well as three great guest musicians like Joe Bonamassa, Vasti Jackson and Keb' Mo', each one in one song, who give a plus of commercial interest to this superb new album by the incredible Bobby Rush, a musician to keep always in mind, because he never disappoints the audience. GREAT.

The Time Jumpers “Kid Sister”. Rounder 2016.
The Time Jumpers es un grupo entroncado en la tradición del country, formado por diez miembros que tocan la guitarras acústicas y eléctricas, el violín, la pedal steel, el acordeón, el piano, la batería y el contrabajo. The Time Jumpers fusionan con elegancia sus voces con el country más clásico, el swing, el jazz, el bluegrass y el western swing, un estilo este último que ellos dominan a la perfección como buenos herederos actuales de los viejos maestros como Bob Wills o Milton Brown. En el año 2013 la banda fue nominada a dos premios Grammy y por ello Rounder Records los lanzó casi al estrellato. En Nashville todo el mundo conoce a este estupendo grupo de country que se ha convertido en una de las mejores atracciones para todos los aficionados a este género. Entre los músicos admiradores de The Time Jumpers se encuentran Bonnie Raitt, Reba McEntire, Norah Jones, Jimmy Buffet o Kelly Clarkson. Si os gusta el country moderno pero siempre basado en la antigua tradición y sonido de Nashville, entonces The Time Jumpers no os defraudarán con este disco estupendamente interpretado donde se entrelazan con elegancia los violines eléctricos con las guitarras y el resto de instrumentos. MUY BUENO. The Time Jumpers is a band deeply rooted in the country tradition, which includes ten musicians who play acoustic and electric guitars, violin, pedal steel, accordion, piano, drums and upright bass. The Time Jumpers mix their elegant voices with the most genuine country, swing, jazz, bluegrass and western swing, a style they perfectly know, as they hve already become the actual heirs of the old masters such as Bob Wills and Milton Brown. In year 2013 the band was nominated for two Grammy Awards and Rounder Records launched them to conquer the stardom. In Nashville everybody is familiar with this great country group which has become one of the best attractions for all lovers and followers of this particular style. Among the musicians who have recognized The Time Jumpers talent you will find Bonnie Raitt, Reba McEntire, Norah Jones, Jimmy Buffet or Kelly Clarkson. If you like actual country always rooted in Nashville old sounds, then The Time Jumpers will not disappoint you along this album performed with an extreme beauty, where electrified violins, guitars and other instruments tastefully combine. VERY GOOD.
 

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