LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad (más de 5.000) se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 (more than 5.000) are collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Diciembre - Noviembre - Octubre 2017 / December - November- October 2017

DICIEMBRE 2017 / DECEMBER 2017

Scott Ellison “Good Morning Midnight”. Red Parlor / Frank Roszak 2017.
El cantante y guitarrista de Tulsa, Oklahoma Scott Ellison lleva más de treinta años moviéndose por los escenarios y los circuitos del rock y del blues de su país con un éxito bastante efectivo. A lo largo de su carrera ha compartido escenario con artists como Joe Cocker, B. B. King, Levon Helm (The Band), The Fabulous Thunderbirds o Buddy Guy. Este nuevo trabajo nos presenta trece canciones en las que el blues se muestra omnipresente de una forma u otra en sus más variados modos y matices. Dotado de una voz perfectamente modulada para cantar el género que nos ocupa y una forma de tocar la guitarra elegante y distinguida limada de asperezas y defectos, Scott se pasea con soltura y desparpajo por el soul-blues en el tema “Gone For Good”, al country blues eléctrico de “Last Breath”, el reggae de “Hope And Faith”, hasta una canción de corte mas jazzy como es el instrumental “Wheelhouse”. Arropado por una banda competente y un excelente plantel de invitados como Jimmy Junior Markham, Chris Campbell, Mike Bennett o Steve Ham, Scott Ellison comparte con el oyente una experiencia inolvidable donde se hace patente todo su inigualable talento. MUY BUENO. Singer and guitar player Scott Ellison comes from Tulsa, Oklahoma. For thirty years he has been active around rock and blues stages and national circuits with a remarkable success. Along his career, he has shared stage with artists like Joe Cocker, B. B. King, Levon Helm (The Band), The Fabulous Thunderbirds or Buddy Guy. This new piece of work brings us thirteen songs where, in one way or another, the blues is omnipresent in the most varied ways and nuances. With a perfectly modulated voice to sing blues and an elegant tasteful guitar playing with no roughness or mistakes, Scott walks with an extreme self-confidence along soul-blues in the song "Gone For Good", to the country electric blues of "Last Breath", the reggae of "Hope and Faith" or the more jazzy instrumental song "Wheelhouse". Surrounded by an able band and an excellent roster of guests like Jimmy Junior Markham, Chris Campbell, Mike Bennet or Steve Ham, Scott Ellison shares with the listener an unforgettable experience that clearly show his unique talent. GREAT.

Ed Maly “Middle Child Goes Wild!” Hot Texas Tunes 2017.
Nuevo disco del siempre bienvenido y entrañable cantante y compositor Ed Maly, quien se luce una vez mas en los dieciséis temas de este disco y lo hace provisto de su mejor arma que, sin duda, es esa voz potente, impagable, llena de matices y bien timbrada que el buen Señor le ha concedido. Son canciones impregnadas de estupendo rockin’ blues, rock ‘n’ roll, swamp rock y rhythm and blues de la Louisiana. Su repertorio es variado, sencillo, jugoso, visceral, emotivo, arrogante y rugiente. Su vena de ‘story teller’ va recorriendo cada una de las canciones del disco, contándonos su particular visión de la vida de forma amena y llena de singularidades. De las dieciséis canciones del álbum, doce son del propio Maly y, de las que no son suyas, destacar en especial “Can’t Always Get What You Want” de Jagger y Richards y “You Can’t Judge A Book” de Willie Dixon. Además de cantar y tocar guitarra acústica y la rítmica en algunos cortes, Ed Maly está acompañado por el bajista Don Irby, los guitarristas Keith Cannon, Larry Scott y Mike Coston, los baterías Mike Snelling y Greg Partyka, el teclista John Blau, el pianista Scott Graham y la sección de vientos a cargo de Eric Demmer y Bryan Baker. Sin duda este es un disco mágico, fuerte y lleno de energía. que impactará favorablemente en cualquiera de los oyentes dispuestos a apostar por la buena música. MUY BUENO. New recording by the always welcomed and beloved singer and songwriter Ed Maly who, once again, shines at a very high level along the sixteen album songs, thanks to his most remarkable quality that undoubtedly is his priceless, powerful well pitched and full of nuances voice God has given him. All tracks ooze great rockin' blues, rock 'n' roll, swamp rock and Louisiana rhythm and blues. His repertoire is varied, cool, juicy, passionate, emotional, and overconfident as a roaring wild lion. His story teller vein is also present along each album song, showing with a joyful pleasant way his particular vision of life. Of the sixteen cd songs, twelve are Maly’s own compositions and, among those that come from other song writers, mention "Can't Always Get What You Want" by Jagger and Richards and "You Can't Judge A Book" by Willie Dixon. Besides singing all tracks and playing acoustic and rhythm guitar in some cuts, Ed Maly is backed by bass player Don Irby, guitar players Keith Cannon, Larry Scott and Mike Coston, drummers Mike Snelling and Greg Partyka, keyboard player John Blau, piano player Scott Graham and a horn section with Eric Demmer and Bryan Baker. This is a strong, energetic and magic album that will deeply impact in those listeners who bet for good music. GREAT.  

Andrew Chapman “Well, It’s About Time!”. Select-O-Hits / Frank Roszak 2017.
Mucho es el tiempo que ha transcurrido desde que el cantante Andrew Chapman decidió unir sus fuerzas con el bajista, guitarrista y teclista Terry Wilson y el batería Tony Braunagel para compartir gustos musicales y pasear sus propuestas musicales allí donde los quisieran contratar. Juntos formaron la banda The Bloontz y durante años se dedicaron en cuerpo y alma al negocio de la música. Desde entonces no pararon de moverse y trabajar duro, saliendo siempre indemnes y reforzados de todos los avatares y obstáculos que les fueron surgiendo a lo largo de su carrera. Aunque seguía disfrutando de la música, durante los últimos años Andrew Chapman se sentía cansado y hastiado de todo lo que le acarreaba el negocio musical, Andrew decidió por tanto retirarse y dedicarse a la hostelería. Sin embargo, hace un par de años, sintió de nuevo que todavía le quedaba mucho por hacer y decir en la música, así que reunió de nuevo a su banda para volver a los escenarios de un modo mucho mas relajado que les permitiera disfrutar cada instante, además de grabar este álbum en el que el grupo se ha sabido rodear de excelentes invitados a lo largo de trece temas en los que el rock, la música ‘americana’, el blues y el soul permanecen firmes y están presentes para despertar al oyente de su letargo y llevarlo por el camino de la alegría y quizás la perdición. MUY BUENO. Much time has gone by since singer Andrew Chapman decided to join forces with bass, guitar and keyboard player Terry Wilson and drummer Tony Braunagel to share their musical tastes and give music to any place where they were booked. Together they created the band The Bloontz and for years they completely devoted themselves to the music business. Since then on they did not stop playing and working hard, leaving always undamaged and reinforced from all problems and difficulties of their music career. Although he was still enjoying music, in the last years Andrew Chapman felt tired of everything that surrounds music business, so he decided to retire from music and devote himself to hotel industry. But a couple of years ago, he felt again he still had something to say and share in music, so he met again with his band mates and came back on stage in a more relaxed way that will allow them to enjoy every single moment, and record this album, where the group is surrounded by excellent guest musicians along the thirteen album songs, where rock, Americana, blues and soul remain firm and always present to awaken listeners from their sleepiness and drive them along joy and even perdition ways. GREAT.

Jason Buie “Driftin’ Heart”. Self Production 2017.
El prestigio del cantante, guitarrista y compositor canadiense Jason Buie no deja de crecer entre los aficionados al blues y al rock blues de Vancouver, donde Jason se ha convertido en los últimos tiempos en toda una institución del blues gracias a su intrínseca e inherente calidad profesional y el mucho feeling que desprenden sus actuaciones. Su música está impregnada de las mejores materias primas como son el blues, el funk, el rock y el soul, músicas todas ellas de las que Jason ha bebido y sigue bebiendo con una sed insaciable, que se hace evidente en este nuevo trabajo que contiene siete temas originales de propio Jason junto al batería John Hunter y cuatro espléndidas versiones como son “House Party” de Amos Milburn, “Driftin’ Heart” de Sue Foley, “You’re Sweet” de Jimmy Rogers y “Cold Cold Feeling” de Jesse Mae Robinson. La excelente banda que da soporte a nuestra estrella está formada por Dave Webb piano y Hammond B-3, George Fenn al bajo y John Hunter a la bateria. Estos cuatro músicos poseen una garra y una intensidad sorprendente y hacen que el disco no tenga desperdicio, por lo que recomiendo encarecidamente una escucha en profundidad para deleitarse con el increíble blues y rockin’ blues que practican estos magníficos músicos. BUENISIMO. Fame  and prestige of singer, guitar player and songwriter Jason Buie has not stop to grown among Vancouver blues and rock fans where, in recent times, Jason has become highly respected, thanks to his natural innate professional qualities and his amazing feeling he communicates in his live shows. His music is full of the best raw materials like blues, funk, rock and soul music Jason has drunk and is still drinking with an undeniable thirst. All this becomes evident along this new work that includes seven original songs by Jason Buie and band drummer John Hunter, together with four splendid versions like "House Party" coming from Amos Milburn, "Driftin' Heart" by Sue Foley, "You're Sweet" by Jimmy Rogers and "Cold Cold Feeling" by Jesse Mae Robinson. The excellent backing band which supports our star includes Dave Webb on piano and Hammond B-3, George Fenn on bass and John Hunter on drums. These four musicians sound energetic, really appealing and always give an extreme intensity. This is an album with not a single bad note on it, so I strongly recommend tp listen to it in depth to enjoy the incredible blues and rockin' blues played by these great musicians. GREAT.

Chris “Bad News” Barnes “Hokum Blues”. Vizztone 2017.
El cantante Chris “Bad News” Barnes nos presenta una exquisita selección de lo que en su tiempo se llamó ‘Hokum Blues’, un estilo que se hizo popular gracias a músicos como Tampa Red, Georgia Tom Dorsey, Big Bill Broonzy (estos tres conocidos como los Hokum Boys), Jazz Gillum o Washboard Sam entre otros grandes representantes de este viejo y maravilloso estilo de los años de la depresión y que eran bastante explícitos en temas como las prácticas sexuales, la prostitución, el juego, la homosexualidad, la droga y otros temas considerados como inmorales o incluso subversivos. En todo momento Barnes plasma con evidente solvencia, desenfado y respeto todo aquel ambiente de los años veinte y treinta, a la vez que recrear el viejo sonido festivo, la atmósfera y el pulso inherente a este estilo musical siempre desde una perspectiva muy actual. Para ello ha seleccionado a un grupo de músicos que han entendido con precisión el sentido, el ambiente y las buenas vibraciones que Barnes buscaba para este disco. Ellos son Jimmy Vivino a la guitarra, Bette Sussman al piano, Steve Guyger a la armónica, Will Lee al bajo y Shawn Pelton a la batería, más una sección de metales que intervienen en algunas canciones formada por Steve Bernstein trompeta, Charlie Pillow saxo y clarinete y Clark Gayton trombón junto a algunos coros vocales que impregnan el repertorio con elegancia y sutileza. MUY BUENO. Singer Chris "Bad News" Barnes comes with a fine selection of a kind of blues that in old times was called 'Hokum Blues', a style that became popular thanks to musicians like Tampa Red, Georgia Tom Dorsey, Big Bill Broonzy (these three ones known as  The Hokum Boys), Jazz Gillum or Washboard Sam among other great representatives of this old and wonderful style, popular during the depression years, that used to display on a quite explicit way topics like sex, prostitution, gambling, drugs, homosexuality and other issues considered as immoral or even subversive. Along the whole recording Barnes gives us with a huge reliability, free and easy but at the same time respectful way all that feeling and the image of 20’s and 30’s, with that old festive sound, as well as the atmosphere and the natural rhythm of those blues, but always from a very actual perspective. To do so he has selected a group of musicians who have accurately understood the sense, background and good vibrations Barnes was looking for this album, as Jimmy Vivino on guitar, Bette Sussman on piano, Steve Guyger on harmonica, Will Lee on bass and Shawn Pelton on drums, plus a horn section in some tracks with Steve Bernstein on trumpet, Charlie Pillow on sax and clarinet and Clark Gayton on trombone, as well as some backing vocals which fill the repertoire with a subtle elegance. GREAT.

Dudley Taft “Summer Rain”. Taft Enterprises / Mark Pucci Media 2017.
Este es el quinto álbum del cantante, compositor y guitarrista de rock blues Dudley Taft con el que quiere rendir tributo a todos esos hombres y mujeres del ejército americano que aceptan marchar a lugares lejanos y separarse de sus familias para defender la libertad. La separación y la angustia de estas personas es lo que Dudley quiere reflejar a través de esos once temas que ha escrito para el álbum y con las que lo consigue al cien por cien. Cada una de estas canciones refleja una situación específica con lo que estos soldados tienen que enfrentarse en su quehacer diario y la última de ellas con la que se cierra el disco titulada “Find My Way Back Home” es especialmente emotiva pues relata la llegada de uno de estos hombres de nuevo a su hogar después de haber cumplido con su deber patriótico. El disco es puro y agresivo rock y country rock de buena factura, inteligente y bien resuelto, con unos músicos que hilvanan y resuelven su trabajo con plena satisfacción para el oyente, además de unas letras emocionantes y bien construidas que, sin duda, se entregará plenamente a él. El álbum contiene todas las letras de las canciones para poder seguirlas con atención y entender su significado. MUY BUENO. This is the fifth studio album by rock blues singer, guitar player and composer Dudley Taft, where he wants to pay homage to all those American Army men and women who decide to go to far away places and leave their families behind only to protect freedom. The separation from their loved ones and the anguish feelings of all these people are what Dudley wants to reflect along these eleven songs and, the true thing, is he has really got it. Each song shows a specific moment or situation these soldiers have to face and handle in their daily work and the last album song entitled "Find My Way Back Home" is especially moving, because it tells us the arrival of one of these men back home after a long separation from his family after having fulfilled his patriotic duties. The album is pure, good and aggressive rock and country rock, solved with intelligence by a bunch of musicians who develop their work with full satisfaction for the listener. A special mention to the moving written lyrics, I’m sure will satisfy most listeners. The album includes all song lyrics in order people can be able to attentively listen to them and understand their deep meaning. VERY GOOD

Rick Estrin And The Nightcats “Groovin’ In Greaseland”. Alligator / Discmedi 2017.
Incisivo blues y grasiento houserockin’ salpicado de rock and roll es la nueva propuesta del fabuloso armonicista y cantante Rick Estrin en este nuevo trabajo que ha grabado para el sello Alligator, compañía con la que tiene contrato desde hace años. Acompañado por sus incondicionales Nightcats formados por Kid Andersen a la guitarra y bajo en tres temas, Lorenzo Farrell al órgano, piano y wurtlitzer y Alex Pettersen a la batería, Rick despliega todo su arsenal de munición artística con un amplio registro que muestra las muchas posibilidades que posee para desarrollar su potencial creativo cuando sopla las armónicas ya sean diatónicas o cromáticas. Con ellas hace mil y una diabluras con las que consigue atraparte de principio a fin. Trece canciones conforman este nuevo álbum en los que la tradición se mezcla con la innovación dando continuidad a lo que fue la legendaria banda Little Charlie And The Nightcats. Además de los ya mencionados músicos se encuentran también los bajistas Jerry Jemmott, Joe Kyle Jr. y Robby Yamilov, Nancy Wright al saxo tenor, Terry Hanck y John Halbleib también a los vientos, Martin Windstad percusión y Jim Pugh al piano RMI Electra. Por si esto no fuera ya suficiente, Bruce Iglauer presidente de la compañía Alligator, ha colaborado y supervisado las mezclas. Estamos delante de uno de esos discos que podríamos considerar como totalmente antológico. IMPRESCINDIBLE. Incisive blues and greasy houserockin' spiced with rock and roll is the new proposal of fabulous harmonica player and singer Rick Estrin for the new work he has published for Alligator Records, where he signed contract years ago. Backed by his faithful and unconditional Nightcats with Kid Andersen on guitar and bass in three cuts, Lorenzo Farrell on organ, piano and wúrtlitzer and Alex Pettersen on drums, Rick displays all of his arsenal of artistic ammunition with a wide instrumental record that shows the many possibilities he has to develop his creative potential when he blows either chromatic or diatonic harmonica. With this small instrument he is able to do thousand and one tricks that will immediately catch you. The album gathers thirteen songs where tradition mixes with innovation and give continuity to the legendary Little Charlie And The Nightcats band. Besides the just mentioned musicians you will also find bass players Jerry Jemmott, Joe Kyle Jr. and Robby Yamilov, Nancy Wright on tenor sax, Terry Hank and John Halbleib on horns, Martin Windstad on percussion and Jim Pugh on piano RMI Electra. And, as if this was not enough, Alligator president Bruce Iglauer has worked and supervised the album mix. In short words, we are facing one of these albums that can be simply defined as anthological. ESSENTIAL.

The Nighthawks “All You Gotta Do”. EllerSoul / Mark Pucci Media 2017.
La legendaria banda de blues y roots del estado de Columbia, The Nighthawks, vuelve de nuevo a lo mas alto del panorama del blues con este nuevo trabajo bajo el brazo y en el que, en una primera escucha, ha despertado en mi una vieja sensación de nostalgia, de la que no sabría decir ni explicar el por qué ni el motivo. Después de aproximadamente cinco décadas de carrera y carretera, la banda ha acumulado una gran experiencia, además de desarrollar y recoger un sin fin de influencias, es por ello que este disco podría definirse en cierto punto como un tanto ecléctico por la variedad de pinceladas y colores musicales que posee, todos ellos enmarcadas por supuesto en el blues. La riqueza musical que se desprende a lo largo de todo el disco es enorme y su innegable atractivo está servido en cada una de las doce canciones que lo componen. La banda se presenta desnuda, sin colaboraciones ni artistas invitados, ellos solos se sobran y se bastan para llenar el disco con ese sonido fuerte, grasiento, punzante, caliente y electrizante a los que nos tienen acostumbrados las buenas bandas de club de sábado noche. Mark Wenner armónica y voz, Paul Bell guitarra y voz, Johnny Castle bajo y voz y Mark Stutso batería y voz redondean un disco de alto voltaje que no debe faltar en vuestra colección de discos. BUENISIMO. Legendary Columbia state blues and roots band The Nighthawks, comes back to the top of the blues scene with this new work that, on a first listening, has awakened in me wistfulness feelings I am not able to explain the reason. After approximately five decades of career and being on the road, the band has gathered a huge experience developing and collecting a lot of different influences, so that is the reason why this album could be defined to a certain extent as an eclectic one for the variety of musical brushstrokes and colours, all them framed in the blues. The musical richness that can be noticed along the whole recording is really amazing and the undeniable attraction it oozes is immediately felt in each an every one of the twelve songs included in the album. The band appears naked, without musical collaborations or guest artists, the four band musicians are more than enough to fill the album with that strong, greasy, straightforward, hot and electrifying sound of the good Saturday night club bands. Mark Wenner on harmonica and vocals, Paul Bell on guitar and vocals, Johnny Castle on bass and vocals and Mark Stutso on drums and vocals round up a high voltage recording that should not miss in your record collection. GREAT.

John Pagano Band One More Round”. Midnight Circus / Rick Lusher 2017.
John Pagano pertenece a esa nueva generación de músicos que combinan con acierto y buen criterio el blues con ritmos más innovadores y con un cierto aire de música de garaje y algo de pop. Junto a su banda ha taloneado a artistas como Joe Bonamassa, Johnny Winter, Chris Beard, Sam Taylor, Robben Ford o Todd Smallie por citar unos pocos en la categoría de los bien conocidos por el aficionado. Este es su quinto disco y en él se presenta en formato de trío junto a Tony Hossri al bajo y Shiloh Bloodworth a la batería. Junto a ellos la guitarra y la voz de John Pagano nos conduce por oscuros universos en los que se mueve como pez en el agua, firmando diez temas provistos de hipnóticas sugerencias, mas una canción original de un buen amigo suyo llamado Hugo. Con ellas el trío se adentra en los tortuosos y turbulentos caminos del rock blues de garaje, estilo del que Pagano es un verdadero estilista y un indudable deudor del rock blues más independiente. MUY BUENO. John Pagano belongs to the new generation of musicians who cleverly and tastefully combine blues with more innovative rhythms and a certain air of garage and pop music. Together with his band he has opened for artists like Joe Bonamassa, Johnny Winter, Chris Beard, Sam Taylor, Robben Ford or Todd Smallie to name a few in the category of well known artists for good fans. This is his fifth album he has recorded on a trio format together with Tony Hossri on bass and Shiloh Bloodworth on drums. With them John Pagano’s guitar and voice drives us to dark universes where he moves like a duck to water along ten original songs displayed with hypnotic suggestions, plus one song coming by a John’s good friend called Hugo. In all them the trio goes along long turbulent and winding roads of garage blues rock, a style where Pagano becomes a true stylist and a doubtless debtor of the most independent rock blues. VERY GOOD.

Lew Jetton & 61 South “Palestine Blues”. Coffee Street / Frank Roszak 2017.
Este nuevo álbum del cantante, guitarrista y compositor Lew Jetton nos ofrece la posibilidad de descubrir a través de su particular prisma, su propia visión personal, cruda y llena de dureza de diez años de su vida en los que problemas con el alcohol, las drogas, la depresión, el delirio, la frustración y el sentido espiritual de la guerra eran su modo de vida. Según sus propias palabras Palestina es el lugar donde reside en la actualidad y a la vez un lugar sagrado y espiritual con una gran significancia histórica pero, a la vez, una zona de mucho conflicto bélico. Jetton sabe que, en muchas ocasiones, el blues es alegre y festivo aunque sin embargo éste no es el caso que nos ocupa. El álbum es pura emoción, donde Lew refleja y transmite con fidelidad sus sentimientos mas primarios como son la ira, la tristeza, la soledad y el resentimiento, emociones que afloran de lo más hondo de su propio ser y que Lew sabe muy bien como canalizarlas y transmitirlas con total plenitud. Con el único acompañamiento de Otis Walker al bajo, Erik Eicholtz a la batería y J.D. Wilkes a la armónica en un par de temas, Lew Jetton muestra toda su desnudez de forma honesta y absoluta en todas las buenas canciones que componen el disco. MUY BUENO. This new album by singer, guitar player and songwriter Lew Jetton gives us the possibility to discover through his personal eyes, his own raw and hard vision of his life experiences during ten long years, where problems with alcohol, drugs, depression, madness, frustration and the spiritual meaning of the war were present in his life. According to his own words Palestine is the place he lives. It is a sacred place with a great spiritual and historical significance but, at the same time, an area of war and conflict. Jetton knows that, many times, blues is happy and festive, although this is not the case. The album is pure emotion where Lew reflects and faithfully communicates his most primary feelings such as anger, sadness, loneliness and resentment, feelings that blow up from the depths of his soul, Lew knows very well how to fully direct and give them to the audience. With the only help of Otis Walker on bass, Erik Eicholtz on drums and J.D. Wilkes on harmonica in a couple of songs, Lew Jetton shows all his nudity with an absolute honesty in all the good songs that round up the album. VERY GOOD.

Rob Lutes “Walk In The Dark”. Lucky Bear / Frank Roszak 2017.
Situado en la intersección del blues, el folk y la ‘roots music’, la sugestiva y cálida voz de Rob Lutes emerge con claridad y fuerza a través de un repertorio de canciones intimistas provistas todas ellas de variados y multicolores matices. Grabado durante tres días a finales de enero del 2017 en un pequeño y acogedor estudio de grabación, el disco captura con particular precisión toda la esencia de las cualidades que este artista aporta al mundo de la música y lo hace, tanto con su guitarra como con su voz o con sus propias y muy personales composiciones, todo ello bien secundado y arropado por un puñado de músicos fieles que comparten sus mismos gustos personales y participan con la misma ilusión con que Rob lo hace. A lo largo de los trece temas que componen esta grabación, Rob Lutes y los músicos del grupo nos conducen por un territorio, a veces desconocido y en ocasiones también agreste, donde afloran los sentimientos más profundos de la ‘roots music’, tanto de la americana como de la canadiense. MUY BUENO. Placed at the intersection of blues, folk and roots music, Ron Lutes’ suggestive and warm voice bursts with clarity and strength, through an intimistic repertoire of suggestive songs, which show a wide range of varied and colourful nuances. Recorded in three days at the end of January 2017 in a small cozy studio, the album captures with an  accurate precision the real essence of the qualities this artist brings to the music world, with his guitar, his voice and his very personal own compositions, well supported and surrounded by a handful of faithful musicians who share similar musical tastes and participate in the whole project with the same enthusiasm than Rob. Along the thirteen songs that have been included in this recording, Rob Lutes and the rest of band musicians drive us to a sometimes unknown sometimes wild territory, where the deepest feelings of both America and Canadian roots music emerge with force. VERY GOOD.

Tòfol Martínez Blues Band “No Panic!”. Self Production 2016.
Tòfol Martínez es un cantante y guitarrista bien conocido en la escena del blues catalana y en especial en la zona de Girona. Posee una depurada técnica a la guitarra y una voz rota que, a lo largo de los años, ha ido cultivando a través de infinidad de conciertos y actuaciones en un gran número de locales, bares y festivales. En octubre de 2016 Tófol decidió grabar en los estudios Soundclub y en un sólo día algunos de los blues que mas le gustan a nivel personal y que son los que habitualmente suenan en sus conciertos en directo para de este modo reflejar sin trampa ni cartón lo que es una auténtica banda de blues, de aquel blues que se tocaba en los sesenta y setenta con influencias que van desde Peter Green hasta B.B. King. Aparte del cd también se incluye un dvd en directo para que el personal pueda ver a Tófol en vivo ya que, tal como su título indica, no hay que tener miedo de ser auténtico y sincero y no esconder la esencia del blues bajo complicadas técnicas de estudio. El álbum incluye seis temas y otros tantos en el video. El conjunto de ambos repertorios nos da una buena idea de la calidad de la banda en la que, además de Tòfol Martínez a la guitarra, dobro y voz, se encuentran excelentes músicos como son Gerard Nieto al Hammond y voces, Cobre al bajo y voces y Agustí Borrell a la batería y voces. MUY BUENO. Tòfol Martínez is a well-known singer and guitar player in Catalan area blues scene and especially in Girona zone. He has a fine guitar technique and a raw broken voice that, over the years, have grown up, thanks to countless shows and gigs in clubs, bars and festivals. In October 2016 Tòfol decided to record only in one day at the Soundclub studios some of the blues he loves most that are usually present in his live concerts, to reflect the real deal of a genuine blues band which performs the blues that was played during the 60’s and 70’s, with different influences ranging from Peter Green to B.B. King. Besides the CD you will also find a live DVD that will allow you to see Tofol playing live. As the album title says, no need to be afraid of authenticity and sincerity and no need to hide the essence of the blues under complicated studio techniques. The cd includes six songs and six more can be seen in the video. Both repertoires give us a good idea of the band quality where, besides Tòfol Martínez on guitar, dobro and voice, you will also find excellent musicians like Gerard Nieto on Hammond and backing vocals, Cobre on bass and backing vocals and Agustí Borrell on drums and backing vocals. GREAT.

Flaco Barral “UyyyUyUy!!”. Youkali Music 2017.
Hablar de Flaco Barral es hablar de uno de los más interesantes y sugestivos músicos de la escena española y al que, desgraciadamente, ni el público ni los medios le han dado el reconocimiento, el valor y la relevancia que se merece. Jorge “Flaco” Barral lleva más de cuarenta y cinco años en el negocio de la música por lo que es un tipo curtido y experto en mas de mil batallas. Barral fue uno de los pioneros en esto del blues en su Uruguay natal. En 1972 grabó en Buenos Aires para una compañía uruguaya llamada ‘Delaplanta’ el LP ‘Dias de Blues’ con un diseño de portada basado en la carátula del álbum de los Beatles ‘Revolver’, cuando apenas había nada de blues por aquellos parajes, descontando por supuesto a Pappo. No menos importante fue su paso por bandas españolas como las de Azahar, las de Hilario Camacho o la de Azabache. Todas ellas dejaron marca entre el público minoritario y underground de la década comprendida entre 1975 y 1985 con gustos que por aquel entonces se movían entre el rock psicodélico, el flamenco rock y el rock argentino. Canciones antiguas como “Mis Pies Pisan La Roca, Mi Cabeza Sobre Nubes Va Faltando”, “La Casa Del Pozo”, “Soledad y Silencio” “Viaje A Marruecos”… etc, en las que la mano de Jorge Barral asoma siempre con acierto y distinción. Canciones todas ellas que resultan de un enorme calado estético y poético y en las que Flaco aparece ya sea tocando guitarra acústica o el bajo, pero eso si, siempre dotado de gran inspiración y acierto. Con este nuevo disco bajo su propio nombre que aquí presentamos, Barral deja constancia de su gran calidad como compositor con una colección de trece temas que se mueven entre la canción de autor, el blues o el folk, piezas que él desmenuza cual poeta urbano, aunque eso si, muy alejado de otro pòeta urbano llamado Sabina. En suma, estoy seguro de que este nuevo disco de Flaco Barral, dejará un grato sabor de oreja en cualquier oyente. MUY BUENO. To talk about Flaco Barral is to talk about one of the most interesting and suggestive musicians and multi-instrumentalists of Spanish scene who, unfortunately, neither the public nor specialized media have given the recognition, value and importance he deserves. For about forty years Jorge "Flaco" Barral has been active in music business, so he is an experienced, battle-hardened artist. He was one of the blues pioneers in his native Uruguay. In 1972 he recorded in Buenos Aires for a Uruguayan company called Delaplanta the LP 'Days Of Blues' with a cover design based on Beatles album cover 'Revolver', when practically anybody knew about blues there, except legendary Pappo. It was relevant his contribution to different Spanish bands like Azahar, Hilario Camacho or Azabache that left a deep mark on 70’s and 80’s scene and also among those minority underground music fans with tastes that moved into psychedelic rock, flamenco rock or Argentine rock. Old songs like "Mis Pies Pisan La Roca Mi Cabeza Sobre Nubes Va Faltando”, "La Casa Del Pozo", "Soledad y Silencio" "Viaje a Marruecos”… had a huge aesthetic poetical display, where Flaco played acoustic with a clever inspiration. With this album he has recorded under his own name, Barral proves his quality as composer with a collection of thirteen songs that move between a story teller musician, blues and folk, he crumbles into urban poetry pieces. In short words, I am sure Flaco Barral’s new work will give listeners a pleasant good taste. VERY GOOD.

Krissy Matthews “Live At Freak Valley”: Proper 2017.
Cuando el chaval tenia sólo tres años, su padre Keith le hizo subir a un escenario donde para que empezara a foguearse tocando “Pretty Woman” junto al gran Roy Orbison y fue de este modo como todo comenzó para Krissy. En la actualidad este cantante, guitarrista y compositor arrasa todos aquellos escenarios donde pone los pies, gracias a su fuerza, su vigor y esa reputación que ha ido adquiriendo a pesar de su juventud, ya que sólo tiene 25 años. Aunque creció escuchando las canciones de Hank Marvin del que su padre era un acérrimo admirador, Krissy optó por los blues cuando a los once años de edad descubrió este género. Con su séptimo álbum grabado en directo, Krissy Matthews se consagra definitivamente como uno de los mejores guitarristas del panorama actual del rock-blues con claras influencias metal para dejar constancia de su valía como guitarrista y compositor. Interesantes y personales son las versiones que hace de “Searching The Desert  For The Blues” de Blind Willie McTell en formato metal blues y  de “Roadsick Blues” de Jimi Hendrix, bien secundado por Sam Weston y Max Maxwell bajo y batería respectivamente. MUY BUENO. When he was only a three years old little boy, his father Keith made him go up on stage to start getting some experience playing “Pretty Woman” together with Roy Orbison. This was how it all began for Krissy. Now this singer, guitar player and songwriter fires all stages, thanks to his powerful strength and the good reputation that, although his young age of 25, is daily increasing. Although he grew up listening to the songs of Hank Marvin his father deeply admired, Krissy decided for blues when he discovered it only aged eleven. With his seventh album recorded live, Krissy Matthews confirms he is one of the best guitar players of the actual rock-blues scene with clear metal influences too, that prove his worth as guitar player and composer. Very `personal and really interesting are the versions of "Searching The Desert For The Blues" coming from Blind Willie McTell, performed in an amazing metal blues format, and "Roadsick Blues" by Jimi Hendrix, well supported in the whole recording by Sam Weston on bass and Max Maxwell on drums. VERY GOOD.

John McNamara “Rollin’ With It”. Bahool / Frank Roszak 2017.
El cantante y guitarrista de blues y de soul australiano John McNamara ha viajado hasta Memphis para la grabación de este álbum. Lo ha hecho en los legendarios estudios Ardent y se ha sabido rodear de un grupo de notables músicos de la factoría Stax como son el batería Steve Potts (Booker T. & The MG’s), el bajista Michael Toles (Bobby Bland, The Bar-Kays), el pianista y organista Lester A. Snell (Albert King, Isaac Hayes), junto a una poderosa y apetitosa sección de vientos formada por Mark Franklin a la trompeta y flugelhorn, Lannie McMillan al saxo tenor, Jim Spake al saxo barítono, además del competente y enérgico respaldo de Michael Toles como segundo guitarra y Iseula Hingano y Nicole Nehemia a las voces. De las diez canciones de las que se nutre el disco, seis son composiciones del propio John McNamara, mientras el resto son covers de canciones de Otis Redding, Bobby “Blue” Bland o Little Willie John. El álbum es rico en matices y vigoroso, tanto en sonido como en arreglos. No cabe la menor duda de que con semejante elenco, el resultado no puede ser otro que un disco excepcional, donde la voz y la guitarra de McNamara sobresalen por derecho propio con un enorme pundonor y gran altura de miras. MUY BUENO. Australian blues and soul singer and guitar player John McNamara has travelled to Memphis to record this album. It was done at legendary Ardent studios where he was surrounded by a group of outstanding musicians coming from Stax factory as drummer Steve Potts (Booker T. & The MG's), bass player Michael Toles (Bobby Bland, The Bar-Kays), piano player and organist Lester A. Snell (Albert King, Isaac Hayes), together with a powerful and appetizing horn section with Mark Franklin on trumpet and flugelhorn, Lannie McMillan on tenor sax and Jim Spake on baritone sax, besides the able and strong support of Michael Toles as a second guitar and Iseula Hingano and Nicole Nehemiah on backing vocals. Six of the ten album songs are John McNamara’s own compositions, and the rest are covers of songs coming from Otis Redding, Bobby "Blue" Bland or Little Willie John. The album is powerful but at the same time rich in nuances, both on sound and arrangements. With such a line up, the esult can be no other than an exceptional album, where the voice and guitar of McNamara stand out with an undeniable quality, a respectful dedication and a broad mindedness. GREAT.

Richard Van Bergen & Rootbag “Walk On It”. Donor Productions 2017.
Después de la publicación en el año 2014 de su primer álbum titulado “Rootbag”, disco que recibió excelentes criticas y muy buenos comentarios, ahora es tiempo de que la banda holandesa Richard Van Bergen & Rootbag publiquen su segundo trabajo discográfico que, sin duda, dará mucho juego y mucho que hablar en los ambientes del blues europeo y en lo mas indie del mercado, ya que su música se inspira en el hipnótico Delta blues, los grooves de New Orleans y el más pantanoso blues de la Louisiana, todo ello cocinado con la rica salsa que estos músicos han sabido ligar para esta colección de once canciones originales más una versión de un tema tradicional de gospel titulado “I’m Willin’”, que son las que conforman un álbum áspero e intenso y al mismo tiempo lleno del mejor ritmo, sentimiento y pasión. Richard Van Bergen a la guitarra y voz, Roelof Klijn al bajo y voces y Jody Van Ooijen a la batería forman este trío que indudablemente avanza con paso firme por la escena de su país con un repertorio muy atrevido y buenas dosis de calidad. MUY BUENO. After publishing in 2014 his first album entitled "Rootbag" which received excellent reviews and very good comments, now time has come for Dutch band Richard Van Bergen & Rootbag to publish his second one, that undoubtedly will give lots of play and much to talk about in European blues circles and indie music market, as his music finds inspiration in hypnotic Delta blues, New Orleans grooves and deep Louisiana swamp blues, all cooked with the rich savoury and personal sauce these musicians are able to add to this collection of eleven original songs plus a version of a traditional gospel song entitled "I'm Willin'" that round up a raw intense album filled with an amazing groove, soulful feeling and passion. Richard Van Bergen on guitar and vocals, Roelof Klijn on bass and vocals and Jody Van Ooljen on drums are the musicians you will find in this trio which, undoubtedly, moves forward with a firm step along their country scene, thanks to a daring repertoire and a good dose of an undeniable quality. VERY GOOD.

Johnny Big Stone & Sweet Marta “Johnny Big Stone & Sweet Marta Vol. 1”. Self Production 2017.
Tanto Johnny Big Stone como Sweet
Marta lideran sendas bandas de blues eléctrico en las que rinden tributo al blues que mas les gusta como el de Chicago o el de Texas. En esta ocasión se presentan en formato de dúo en un álbum totalmente acústico, con el que quieren rendir tributo a aquellos legendarios blues que se interpretaban a finales de los años veinte del siglo pasado y durante buena parte de los treinta, en los que se describía con crudeza la vida y los problemas de la población de color de aquella época y que forjaron el blues como un estilo con vida propia. Para ello han recuperado con acierto viejos temas de Blind Blake, Floyd Council, Big Bill Broonzy, Jazz Gillum, Chuck Darling, Blind Lemon Jefferson o Reverend Gary Davis, aunque también se permiten alguna incursión en temas más actuales como “Thunder” de Steve Guyger y Paul Oscher, “That’s Allrigh” de Jimmy Rogers o “It’ll Be Me” de Jerry Lee Lewis. La desgarrada y a veces áspera voz de Johnny junto a su impecable toque de guitarra, bien apoyado por la  armónica de Marta y la colaboración de The Walking Stick Man al washboard en algunos temas, obran el milagro de trasladarnos a las riberas del Mississippi, a un viejo porche o a una fiesta campestre, donde el blues era la música por excelencia. Un viaje que os recomiendo hagáis con ellos. MUY BUENO. Both Johnny Big Stone and Sweet Marta lead a couple of electric blues bands where they pay tribute to the blues they like most, as are Chicago or Texas blues. This time they come on a duo format in a completely acoustic album, where they want to give homage to those legendary blues songs that used to be played at the end of last century twenties and most of the thirties, which described a true picture of daily life and hard problems of black people at that time, which forged blues music as a style with a life of its own. To do so they have successfully revived and recovered old songs coming from Blind Blake, Floyd Council, Big Bill Broonzy, Jazz Gillum, Chuck Darling, Blind Lemon Jefferson or Reverend Gary Davis, but they have also allowed themselves to cover some more recent songs like "Thunder" by Steve Guyger and Paul Oscher, "That's Allright” by Jimmy Rogers or "It'll Be Me" by Jerry Lee Lewis. Johnny’s heartbreaking and even rough voice together with his faultless guitar playing, well supported by Marta’s harmonica playing and the special collaboration of The Walking Stick Man at washboard in some tunes, get to work the miracle to make us move to Mississippi banks, to an old back porch or a country party, where blues was the main music you could listen to. An amazing trip I eagerly recommend you to do with them. VERY GOOD.

Johnny Oskam “In My Shadow”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
La escena del ‘power rock blues’ tiene ya un nuevo icono, Johnny Oskam que está sorprendiendo, no sólo por su técnica y juventud sino también por su clarividencia en la composición. Desde muy pequeño Johnny sintió una gran devoción por la música y empezó a interesarse por el canto coral, la música clásica y el piano. No fue hasta los diecisiete años cuando descubrió una música mas contemporánea y acorde con su edad de la que inmediatamente se sintió prendado. No fue hasta después de ver un concierto de Jonny Lang  cuando decidió que quería profundizar en el contexto y conocimiento del blues para de este modo poder expresar y dar rienda suelta a toda su calidad musical y su mundo interior. Para ello se dedicó a escuchar a artistas tan dispares como Son House, B.B. King, Albert King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Derek Trucks, Tab Benoit, Matt Schofield, Phillip Sayce, Doyle Bramhall II, Kenny Wayne Shepherd y, naturalmente, Jonny Lang. Con toda esta amalgama Johnny Oskam ha creado un estilo propio y alternativo que abarca desde los blues, al grunge o el jazz electrónico y de todo esto es de lo que va este disco. MUY BUENO. Power rock blues scene has a new icon, Johnny Oskam, who has surprised, not only for his technique and youth but also for his cleverness in composition. Since he was a very young boy, Johnny felt a great attraction for music, so he started to practice in choral singing, classical music and piano. It was not until he was seventeen that he discovered a more contemporary music much in line with his age, which immediately caught him. After seeing a Jonny Lang’s live show, he decided he wanted to go deep in the blues context and knowledge to be able to express and give free rein to all his musical quality and inner world. To do so, he fully devoted himself to listen to such varied artists like Son House, B.B. King, Albert King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan, Derek Trucks, Tab Benoit, Matt Schofield, Phillip Sayce, Doyle Bramhall II, Kenny Wayne Shepherd and, of course, Jonny Lang. With all this mixture of influences Johnny Oskam has build up an own alternative style that covers from blues to grunge or electronic jazz, so all that is what can be found in this album. VERY GOOD.

Webster Ave “Daylight”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Este es el primer álbum de Webster Avenue, un trío formado por tres veteranos de la escena del estado de Nebraska. Ellos son el cantante y guitarrista David Webster quien, a lo largo de su carrera, ha tocado con músicos como Chuck Berry, Bo Diddley And The Cadillacs, además de ser un reputado músico de sesión, el bajista Tony Mercadante quien, a su vez, ha tocado y grabado con músicos de altura tales como Otis Blackwell de quien Elvis grabó su “Rip It Up”, Otis Rush, Peter Crisps o Kendall Carson y el batería Andrew Caturano, quien ha acompañado a artistas como Otis Rush, Otis Blackwell y Bo Diddley. La buena química surgida entre estos tres músicos les ha llevado a reunirse para grabar este primer álbum en el que combinan el roots rock con el jazz, el reggae, la música americana, el soul, el rythm and blues y el blues. Catorce canciones componen este disco en el que han contado con la inestimable colaboración de los teclistas Benny Harrison y Matt Detroy, Joe Meo al saxo tenor y clarinete, Jammie Finegan a la trompeta y Lissie Newman a los coros. Un disco de amplias miras, que se reflejan en diferentes espejos con diversos caminos que se dan la mano para converger en un disco de indudable y singular calidad. MUY BUENO. Here comes the debut album of Webster Avenue, a trio formed by three veterans of Nebraska state scene. They are singer and guitar player David Webster who, along his career, has performed with musicians like Chuck Berry, Bo Diddley And The Cadillacs, besides working as a requested studio recording musician, bass player Tony Mercadante, who, in his turn, has played and recorded with such great musicians like Otis Blackwell, (his song "Rip It Up" was recorded by Elvis), Otis Rush, Peter Crisps or Kendall Carson and drummer Andrew Caturano, who has backed artists like Otis Rush, Otis Blackwell and Bo Diddley. The good chemistry that has always appeared among these three musicians, have led them to record this first album, where they combine roots rock with jazz, reggae, Americana music, soul, rhythm and blues and blues. Fourteen songs round up an album where they have counted with the valuable collaboration of keyboard players Benny Harrison and Matt Detroy, Joe Meo on tenor sax and clarinet, Jammie Finegan on trumpet and Lissie Newman on backing vocals. This is a broad-minded album, which reflect on different mirrors and a variety of paths that come together to meet in an album of an unquestionable and singular quality. GREAT.  

Steve Howell & Jason Weinheimer “A Hundred Years From Today”. Out Of The Past Music / Blind Raccoon 2017.
Pocos artistas consiguen recrear los viejos blues de Piedmont con un gusto tan exquisito y gracias a una técnica depurada y llena de matices como lo hace el cantante y guitarrista Steve Howell, un verdadero maestro empleando la técnica del ‘fingerpickin’ y, en el caso de estas grabaciones, secundado con mucha corrección por el bajo de Jason Weinheimer, quien también se ha encargado de todas las mezclas y la producción. Desde que en 1965 y siendo todavía muy joven Steve escuchó por vez primera a Mississippi John Hurt, quedó prendado por este viejo bluesman. profundizando de lleno en su estilo y estudiando también la técnica de otros guitarristas de blues de preguerra como Blind Willie McTell, Leadbelly, Robert Johnson, Son House, Reverendo Gary Davis, Blind Willie Johnson o Blind Blake. De ahí pasó a interesarse por aquellas big bands donde los vientos poseían una importancia capital en cuanto al sonido y los arreglos, el hot jazz y la música de New Orleans. Hoy en día Steve Howell es un experto en todos estos estilos aunque, en esta ocasión, nos obsequia con un buen puñado de más que acertadas canciones poéticas e intimistas, todas ellas de bello corte folk-blues. MUY BUENO. Few artists manage to capture old Piedmont blues with a so exquisite taste and a polished full of nuances technique like singer and guitar player Steve Howell, a true master of fingerpickin’ guitar playing and, in these particular recording, well supported by bass player Jason Weinheimer, who also is responsible of all mixing, mastering and final production. It was in 1965 and still very young when Steve heard for the first time Mississippi John Hurt and he was totally fascinated by this old bluesman, so he went deeper in the knowledge of his style but he also began to study the technique of other pre-war blues guitarists like Blind Willie McTell, Leadbelly, Robert Johnson, Son House, Reverend Gary Davis, Blind Willie Johnson or Blind Blake. Lateer on he was also interested on those big bands where horns had a capital importance in the sound and arrangements, hot jazz and New Orleans music. Today Steve Howell is an expert in all these styles although, this time, he gives us a good handful of poetical intimistic songs, all them following a beautiful folk-blues line. VERY GOOD.

Hamilton Loomis “Basics” Ham-Bone / Frank Roszak 2017.
Tal y como el título de este álbum indica, el multiinstrumentista Hamilton Loomis vuelve a los elementos básicos y primarios de su música, que pueden definirse como simples progresiones de acordes, melodías directas y sencillas junto a una instrumentación muy efectiva, con el añadido de unas letras inmediatas y personales que transitan mas allá de las fronteras del tiempo y el espacio. Con esta simplicidad Loomis construye un disco de básicos y apetecibles pilares donde el groove, el funk y el rock-blues se hacen presentes a lo largo de las trece canciones seleccionadas completar este nuevo trabajo. El resultado es un compendio de canciones con una gran dosis de dinamismo y comercialidad que serán bien asimiladas por el oyente de forma inmediata. Un disco que desprende carisma, profesionalidad y experiencia, gracias a una buena puesta en escena por parte de unos músicos competentes y conocedores del terreno que pisan como son Hamilton Loomis a la voz, guitarras, bajo, armónica y teclados, Armando Aussenac batería y voces, Fabián Hernández al saxo y voces, junto a las colaboraciones de Chris Eger a la slide en un tema, Sabrina LaField bajo y voces en un tema, Bo Jordan Loomis maracas y Alex McKown, Zach Person y Michael Bryan-Harris guitarras en la canción “Funky Little Brother”. MUY BUENO. As the title of this album suggests, multi-instrumentalist Hamilton Loomis comes back to the primary basic elements of his music, which could be defined as simple chord progressions, straightforward catching melodies and an effective instrumentation, in addition of some immediate personal lyrics that go beyond time and space boundaries. With an effective simplicity Loomis builds up an album with basic appetizing foundations where groove, funk and rock-blues are present along the selection of thirteen songs that complete his new work. The result is a collection of really dynamic commercial cuts that will immediately attract most listeners. This is an album that communicates a lot charisma and professionalism, thanks to the good display and knowledge of a group of experienced musicians like Hamilton Loomis on vocals, guitars, bass, harmonica and keyboards, Armando Aussenac on drums an vocals and Fabian Hernandez on sax and vocals, plus the efficient collaboration of Chris Eger on slide in one track, Sabrina LaField on bass and vocals on a song, Bo Jordan Loomis on maracas and Alex McKown, Zach Person and Michael Bryan-Harris on guitars in the song "Funky Little Brother". VERY GOOD.

Cassie Keenum & Rick Randlett “Hauntings”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Dos músicos que aman su trabajo como son Cassie Keenum y Rick Randlett han decidido poner en común su conocimiento musical para dar forma a este proyecto dentro de un contexto musical que se ha consolidado  en este álbum donde predominan el folk blues acústico, la roots music y otras sugerentes melodías que se deslizan de un modo coherente y con muy buen criterio. Cassie creció en una familia de profundas convicciones religiosas pues su padre era pastor de una iglesia baptista, aunque su carácter rebelde e independiente la hizo saltarse las normas convencionales de su entorno para empezar a frecuentar oscuros bares y clubs donde los blues sonaban durante toda la noche. Por su parte Rick descubrió los blues en los años setenta siguiendo la estela de Eric Clapton y otros pioneros del rock-blues. La voz y la guitarra acústica de Cassie Keenum se complementan muy adecuadamente con los matices de la guitarra acústica, eléctrica y slap de Rick. El dúo también cuenta con la colaboración de Nicole Wagner al bajo, Rusty Valentine a la batería, Little Mike a la armónica en un par de temas y Mitch Rogers a los teclados en una canción. BUENO. Two musicians who really love their work like Cassie Keenum and Rick Reed have decided to put in common their musical knowledge and give shape to this project in a musical context that is reflected in this album where acoustic folk blues, roots music and other suggestive melodies prevail, displayed in a consistent and clever way. Cassie grew up in a family of deep religious convictions as her father was a Baptist church preacher, but her rebel independent personality made her to skip the conventional rules of her community and devote her time to go to dark bars and clubs where the blues could be heard all night long. On the other hand Rick discovered the blues in the 70’, following artist like Eric Clapton and other rock-blues pioneers. The voice and acoustic guitar of Cassie Keenum easily combine with the nuances of Rick’s acoustic, electric and slap guitar. The duo has also counted with the collaboration of Nicole Wagner on bass, Rusty Valentine on drums, Little Mike on harmonica in a couple of songs and Mitch Rogers on keyboards in another cut. GOOD.

Chino Swingslide “Sacred Cat Session”. Swingslide Productions 2017.
El cantante y guitarrista argentino afincado en Barcelona conocido con el simple nombre de Chino aprovechó una visita a Estados Unidos para grabar este álbum con algunos de los actuales músicos blancos de referencia en la escena del blues de California como Junior Watson a la guitarra en seis de los diez temas que componen el álbum, Nathan James contrabajo, guitarra barítono, guitarra de doce cuerdas, guitarra Resophonic, además de voz en un tema, Marty Dodson batería en seis canciones, Marcus Milius armónica en tres cortes y, naturalmente, la voz y la Resophonic de Chino Swingslide que suena a lo largo del disco con su habitual destreza y desparpajo. El resultado es un álbum fresco y efectivo, donde se dan cita una variedad de estilos de blues pertenecientes a diferentes décadas y regiones, que son abordados con swing, twist y mucho groove. Cuando tengas la oportunidad de asistir a un concierto de Chino, no te olvides de adquirir una copia de este álbum, ya que estoy seguro colmará y satisfará no sólo tu hambre de blues sino también tus más profundas expectativas. MUY BUENO. Argentinian singer and guitar player now living in Barcelona, Spain and simply known as Chino, took advantage of a visit to USA to record this album together with some of the actual best known white musicians of California blues scene like Junior Watson on guitar in six of the ten album songs, Nathan James on bass, baritone guitar, twelve-string guitar, Resophonic, and vocals in one cut, Marty Dodson drums in six songs, Marcus Milius harmonica in three tracks and, of course, Chino’s voice and Resophonic guitar that sound along the album with his usual skill and self confidence. The result is a cool effective recording that presents a variety of blues styles coming from different decades and places, performed with swing, twist and much groove. If you have the chance to see Chino live, do not leave the opportunity to get a cd copy, as I am sure it will fulfil and satisfy not only your blues hunger but also all your biggest expectations. GREAT.

Chino Swingslide & Victor Puertas “Goin’ Away”. Swingslide Productions 2017.
El armonicista barcelonés Víctor Puertas une sus fuerzas y pone toda su musculosa y a la vez depurada técnica junto a uno de los más carismáticos músicos afincados en la ciudad condal como es Chino Swingslide para juntos ofrecernos un álbum realmente interesante y muy intenso, donde básicamente los blues suenan en un derroche de pasión, entrega y naturalidad. Nada es falso en estos dos músicos, nada es negativo en ellos, su autenticidad y su vitalidad se rejuvenecen en todas y cada una de las catorce canciones que integran el disco, desde el primer tema de Jimmy Rogers “Goin’ Away Baby” hasta el último corte composición del propio Chino titulado “The Rain Is Over”. Chino se encarga de la voz y la guitarra Resophonic, mientras Víctor Puertas le da la réplica con la armónica, aplicando con precisión y enorme pericia lo que demanda cada una de las canciones, gracias a su poderoso sonido y fraseo a la armónica y en alguna ocasión también como cantante. Un álbum sugestivo y rico en matices, tanto en el sonido como en la creatividad y calidad de ambos músicos que desgranan un repertorio muy adecuado y de bella factura. MUY BUENO. Barcelona harmonica player Victor Puertas joins forces and gives all his powerful but, at the same time, fine technique with one of the most charismatic musicians settled in the same town, Chino Swingslide. Together, they round up a really interesting and very intense album where, basically, blues sounds with an enormous waste of natural passion, skill and experience. Nothing is false in these two musicians, nothing is negative in them, their genuine vitality is able to give a new youth to each and every one of the fourteen album songs, from the first one "Goin' Away Baby" coming from Jimmy Rogers to the last one, an own Chino’s composition entitled "The Rain Is Over". Chino deals with Resophonic guitar and vocals, while Victor Puertas accurately and mastery replies with his harmonica, applying what each song demands, thanks to his powerful sound, his harmonica deep fat tone and occasionally showing his skills as singer too. This is a suggestive rich in nuances album, both in sound and in the two musicians creativity and quality, which becomes evident along a beautiful convincing repertoire. GREAT.

Dennis Johnson & The Mississippi Ramblers “Rythmland”. Root Tone / Mark Pucci 2017.
El cantante y guitarrista del área de la bahía de San Francisco Dennis Johnson presenta su último álbum en el que ha querido incluir una amplia variedad de estilos, músicas y sonidos con todas sus luces, unas luces que van desde la música americana hasta la roots music, el blues, la música latina, el rock, el folk y también una controlada improvisación. Todo este material lo ha sabido ligar con una extraordinaria técnica a la guitarra slide de la que es un consumado intérprete y en la que nos presenta algunas innovadoras armonías completamente diferentes a las que estamos acostumbrados a degustar. Con todo cuanto hemos mencionado es fácil deducir que este disco posee una rica variedad de estilos y ritmos perfectamente ensamblados de los que ha sabido extraer con precisión todo el jugo que puede dar de sí este experimento. Este experimentado músico llamada Dennis Johnson está bien respaldado por Craig Long a los teclados y voces, Jonathan Stoyanoff al bajo y Tim Metz a la batería. Un disco curioso y atractivo que hará pasar un rato agradable y sosegado a todos los que lo escuchen. MUY BUENO. San Francisco Bay area singer and guitar player Dennis Johnson brings us his last album, where his purpose has been to include a bright variety of styles, music and sounds, a brightness combination that goes from American music to roots music, blues, Latin, rock, folk and even a controlled improvisation. He has connected all this material with an amazing technique on slide guitar he is an accomplished performer and surprises us with some innovative harmonies quite different to what we are used to taste. With all these just mentioned resources, it is easy to conclude this album has a rich variety of perfectly assembled styles and rhythms he has managed to squeeze all the juice of this attractive proposal. This experienced musician called Dennis Johnson has been well supported by Craig Long on keyboards and backing vocals, Jonathan Stoyanoff on bass and Tim Metz on drums. This is a curious attractive album that will give a good relaxing time to everyone who listens to it. VERY GOOD.

The Norman Jackson Band “It’s The Drummer Fault!”. Self Production 2017.
Norman Jackson creció entre Detroit, en Michigan, y el south side de Chicago, ciudad esta última donde aprendió a sentir el blues y el soul de manera apasionada y de la mano de todos aquellos nombres legendarios del género que supieron construir un lenguaje inédito en unas nuevas estructuras que moverían los cimientos de la música tradicional negra que hasta entonces se conocía. Junto al joven saxofonista Rick Shortt al que descubrió cuando solamente tenía doce años, lideran esta banda a la que ellos mismos de forma humorista llaman ‘la peor banda de soul de la tierra’. Danny Williams al bajo y el sobrino de Jackson conocido como The Boogieman a la batería forman una engrasada sección rítmica de una banda que se sienten como una auténtica familia y cuyo principal cometido es transmitir a la gente el genuino blues y rhythm & blues para, de este modo, proporcionar diversión y hacernos olvidar los problemas del día a día. Clasificados en tercera posición en el International Blues Challenge del año 2017, en este ultimo disco nos invitan a un viaje a través de once temas de alta calidad musical, salpicados de unas letras divertidas y una presencia escénica que no dejara a nadie indiferente. ¿Te apuntas a este viaje?... Yo ya lo he hecho. MUY BUENO. Norman Jackson grew up in Detroit, Michigan and the south side of Chicago, where he learned to passionately feel blues and soul music, thanks to all those legendary names of the genre who were able to build up an unheard language in the new structures that shook the foundations of the traditional black music that were known till that moment. Together with the young sax player Rick Shortt he discovered when he was only twelve years old, they lead this band they ironically call 'the baddest soul band in the land'. Danny Williams on bass and Jackson’s nephew known as The Boogieman on drums form a greasy rhythm section on a band which consider themselves as a real family and whose main goals are to communicate people the genuine blues and rhythm & blues, give fun and make us forget the day-to-day problems. Named in third position at the International Blues Challenge of year 2017, with this last album they invite us to an exciting journey along eleven high quality songs, spiced with some funny lyrics and a stage presence that will not leave anyone indifferent. Do you like to join this journey?... I have just done it. VERY GOOD.

Sunday Wilde & Reno Jack “Two”. Hwy 11 Records 2017.
Sunday Wilde y Reno Jack nos ofrecen un álbum con mas versiones que temas originales. Tanto el repertorio de ‘covers’ como las canciones propias escogidas para formar parte del disco han sido tratados desde la perspectiva de una mujer, siempre desde un punto de vista muy femenino. Sunday y Reno se conocen desde hace décadas y la compenetración y el respeto entre ambos músicos es más que evidente. Los devaneos musicales que surgen entre ambos intérpretes en la mayoría de esta grabación tiene mucho de divertido y ameno. Una instrumentación sencilla y sin tremendismos a la vez que efectiva, a base de piano, bajo, batería, armónica y guitarra nos dan un sonido limpio y brillante con muchas referencias a las bandas de los pasados años sesenta. Todo ello da como resultado una mezcla interesante de blues, folk o country and western con un cierto aire añadido de gospel y pop. Hasta el momento el dúo ha grabado ocho discos que han tenido el respaldo de sus seguidores, amigos y diversos medios especializados. BUENO. Sunday Wilde and Reno Jack give us an album with more versions than original songs. Both the repertoire of covers as well as the own songs chosen for the album are displayed from a woman perspective, always with a very feminine point of view. Sunday and Reno know themselves for decades and the chemistry and respect between them becomes more than evident. The musical games that arise between the two musicians along this recording are really funny and joyful. A simple unaffected instrumentation but at the same time really effective, based on piano, bass, drums, harmonica and guitar, give us a clean bright sound with many references to those blues bands of the sixties. All these things give as a result and interesting mixture of blues, folk or country and western with a certain air of gospel and pop. Up to the now the duo has recorded eight albums that have always received the support of their followers, friends and various specialized media. GOOD.

Christian Rannenberg “Old School Blues Piano Stylings”. Acoustic Music 2017.
Piano blues de la vieja escuela y tradición es lo que encontrareis en este trabajo del pianista alemán Christian Rannenberg quien lleva mas de cuarenta años en el negocio del blues y cuyas artimañas con las 88 describen con todo su rigor la razón por la que el blues al piano es crudo y descarnado cuando está interpretado desde lo mas profundo del alma. Quince años han transcurrido desde que Christian realizó su última grabación para este magnífico sello discográfico que es Acoustic Music, pero ahora vuelve con mas fuerza y ganas que nunca con este disco que contiene dieciocho temas que nos transportan a aquellos clubs de Chicago de los años cuarenta, cincuenta y sesenta en los que un hombre al piano conseguía crear una atmósfera tan sugerente, en ocasiones en solitario y otras veces respaldado por un par o tres de músicos, pero donde el feeling, la emoción y la pasión estaban siempre presentes y contagiaban a todo el público. Con este nuevo álbum Christian Rannenberg ha querido rendir homenaje a algunos de sus héroes como Blind John Davis, Sunnyland Slim, Little Brother Montgomery, Curtis Jones, Walter Davis o Big Maceo. El disco se acompaña con un libreto donde se explica el origen y la creación de cada canción. En algunos temas intervienen también Angela Brown voz, Paul Palizzolo armónica y voz, Kai Strauss guitarra eléctrica, Matthias Itzenplitz guitarra acústica y Alex Lex batería. Blues genuino, del bueno, de ese que no puedes perderte MUY BUENO. Genuine old school piano blues is what you will find in this album by German piano player Christian Rannenberg, a musician with more than 40 years in the blues business, whose tricky ability with the 88 perfectly describe the reason why the blues on piano is raw and heartbreaking when it is performed from the deepest part of the soul. Fifteen years have gone since Christian did his last recording for the excellent label Acoustic Music, but now he comes back with more strength and force than ever, on an album that includes 18 songs that drive us to those Chicago clubs of the 40`s, 50´s and 60’s where a man with a piano created a suggestive atmosphere, sometimes alone, sometimes together with two or three musicians, but always with an incredible feeling and emotional passion that immediately caught the audience. With this new album Christian Rannenberg wants to pay tribute to some of his heroes like Blind John Davis, Plano Slim, Little Brother Montgomery, Curtis Jones, Walter Davis or Big Maceo. You will also find an interesting booklet explaining each song origin and creation. Some songs also include the valuable collaboration of Angela Brown on vocals, Paul Palizzolo on harmonica and vocals, Kai Strauss on electric gutar, Matthias Itzenplitz on acoustic guitar and Alex Lex on drums. Genuine and really good blues you should not miss. GREAT.

Trevor Sewell “Calling Nashville”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Durante sus cinco años de carrera el cantante, guitarrista, compositor, bajista, teclista y mandolinista, al menos es lo que hace en este álbum, Trevor Sewell, ha grabado cinco álbums, ha realizado cinco giras por Estados Unidos y ha ganado diecisiete premios. Esto da idea de la fuerza y la originalidad con la que este músico ha irrumpido en el mercado musical, especialmente en el europeo. Después de trabajar muchos años como músico de sesión, Trevor decidió iniciar su propia carrera en solitario. Su primer disco llegó al número uno en las listas de ‘roots music’ estadounidenses. En Reino Unido, su tierra natal, es uno de los músicos mas solicitados para tocar en cafés, bares o festivales y artistas como Janis Ian o Tracy Nelson, quienes también intervienen en el disco, han reconocido su innegable calidad artística. El álbum que comentamos nos ofrece once temas de su propia autoría en la que se ha sabido rodear de diez músicos que realzan y embellecen sus sugestivas canciones. MUY BUENO. Along his five-year career, singer, composer, guitar, bass and keyboards player and mandolinist, at least in this last recording, Trevor Sewell has recorded five albums, done five tours in America and received seventeen awards. This gives us an idea of the strength this original musician has appeared in the music market, especially at an European level. After working for many years as a session musician, Trevor decided to start his own solo career. His first album climbed to number one in USA roots music charts. In United Kingdom, his native country, he is one of the most popular musicians to play at cafes, bars or festivals and artists like Janis Ian or Tracy Nelson, who have also participated in the album, have recognized his undeniable quality. This last album gives us eleven own songs where he is surrounded by ten excellent musicians who enhance and brighten up Trevor’s always suggestive songs. VERY GOOD.

Al Basile “Quiet Money”. Sweetspot / Mark Pucci Media 2017.
Muchos años han transcurrido desde que Al Basile entró a formar parte como trompetista en la banda Roomful Of Blues. En la actualidad sus grabaciones en solitario siguen despertando el interés de los aficionados y sus seguidores, imprimiendo el mismo sello característico que tenía el grupo, es decir, jump blues, Texas blues, swing y ryhthm and blues de los años cincuenta. Las canciones de este álbum están musicalmente inspiradas e impregnadas del sabor de músicos de la talla de Buddy Johnson, Lowell Fulson, Jimmy McCracklin, Saunders King o Charlie Rich, pero todas ellas aderezadas con el excelente gusto musical del propio Al Basile, junto a unas letras muy personales que pueden seguirse en el libreto que acompaña al cd. Duke Robillard ha producido este álbum en el que también interviene a la guitarra, Al Basile se encarga de la voz, corneta y arreglos y junto a ellos se encuentran Doug James al saxo tenor y barítono, Rich Lataille al saxo tenor, Jeff “Doc” Chanonhouse a la trompeta, Bruce Bears al piano, Brad Hallen al bajo y Mark Teixeira a la batería. Esta excelente formación redondea un ya de por si fantástico disco que dejará en el aficionado una profunda huella difícil de olvidar. BUENÏSIMO. Many years have gone since Al Basile joined as trumpet player the band Roomful Of Blues. Now his solo recordings still catch the attention and interest of blues fans and all his followers, because they keep the same musical stamp of that legendary band, that is to say, jump blues, Texas blues, swing and 50’s ryhthm and blues. The album songs are musically inspired and display all the flavour of those great musicians like Buddy Johnson, Lowell Fulson, Jimmy McCracklin, Saunders King or Charlie Rich, but always dressed up with Basile’s excellent musical taste, together with very personal lyrics that can be read in the cd booklet. Duke Robillard has produced the album as well as playing all guitars, Al Basile is on vocals, cornet and has done the whole arrangements. Together with them Doug James is on tenor and baritone sax, Rich Lataille on tenor sax, Jeff "Doc" Chanonhouse on trumpet, Bruce Bears on piano, Brad Hallen on bass and Mark Teixeira on drums. This excellent line-up rounds up a fantastic album, which will leave among most listeners a deep difficult to forget mark. . GREAT.
 

NOVIEMBRE 2017 / NOVEMBER 2017

Budda Power Blues & Maria Joao “Blues Experience”. Moby Dick Records 2017.
Budda Guedes es un guitarrista y cantante portugués completamente dedicado a la música que no para de trabajar e investigar en los vericuetos caminos de la música. En la actualidad lidera varios proyectos como la Budda Power Band con la que representó a Portugal en el European Blues Challenge celebrado en Torrita di Siena en 2016, o el dúo de blues acústico junto a Nuno Andrade entre otros, además de dar clases y estar siempre involucrado en mil y una historias blueseras o cercanas al blues. Por su parte la cantante Maria Joao es muy conocida en los ambientes de jazz de Portugal. Ambos coincidieron en el escenario y enseguida surgió una buena amistad tanto a nivel personal como musical, por lo que decidieron llevar a cabo este disco que ahora comentamos. El álbum nos presenta diez temas compuestos por el propio Budda a los que Maria pone su voz siempre elegante y llena de matices. Ambos comparten su pasión y respeto por el blues y el jazz lo que hace que esta grabación se convierta en un producto altamente recomendable. Junto a Maria Joao a la voz y Budda Guedes a la guitarra, teclados, mandolina y voz intervienen también músicos de la banda Budda Power Blues como son Nico Guedes a la batería y coros y Pedro Ferreira al bajo, Hammond y coros. Un álbum más que interesante y con una calidad fuera de toda duda. MUY BUENO.  Budda Guedes is a Portuguese guitar player and singer totally involved with music who always does a non-stop work to investigate along music windy roads. He leads different projects like Budda Power Band which represented Portugal at 2016 European Blues Challenge in Torrita di Siena, or the acoustic blues duo with Nuno Andrade among other projects, besides teaching guitar or devote himself to many other bluesy activities. On the other hand singer Maria Joao is well known in Portugal jazz circles. Both meet on stage and immediately appeared a good friendship both personal and at a musical level, so they decided to record this cd. The album includes ten Budda Guedes’ own songs where Maria puts her always elegant and full of nuances voice. Both share their passion and respect for blues and jazz which makes this recording become a highly recommended one. Together with Maria Joao on vocals and Budda Guedes on guitar, keyboards, mandolin and vocals you will also find Budda Power Blues musicians like Nico Guedes on drums and backing vocals and Pedro Ferreira on bass, Hammond organ and backing vocals. This is a more than interesting album with an undeniable quality. GREAT.

Doug Macleod “Break The Chain” Reference Recordings 2017.
Doug Macleod es un prolífico compositor de verbo ágil, dinámico y feroz, así como también un hiriente y excelente cantante. Asimismo es un hábil guitarrista y un contador de historias que consiguen llaman poderosamente la atención por el interés de todo lo que cuenta y como lo cuenta, adornado siempre con gracia y vehemencia. Como no podía ser de otro modo, en este nuevo álbum nos obsequia con un puñado de canciones mordaces e incisivas, producto todas ellas de su fértil y lúcida imaginación que, como podréis observar difícilmente podrán pasar inadvertidas. En ellas trata temas como la violencia, el abuso de menores, el amor, la pasión o las relaciones humanas, siempre enfocados desde un punto de vista satírico que a veces raya en lo sublime, en lo políticamente incorrecto e incluso en lo extemporáneo. El álbum ha sido coproducido por Janice Mancuso y el propio Doug Macleod. En algunas canciones intervienen Denny Croy al bajo, Jimmy Bott a la batería y Oliver Brown a la percusión, mientras que el resto de los temas corren a cargo del propio Doug en solitario acompañándose exclusivamente de su guitarra acústica. El disco fue grabado en directo sin tomas alternativas ni overdubs. MUY BUENO. Doug Macleod is a prolific songwriter, gifted with a fluent dynamic and fierce speech, but also he is a cutting excellent singer. Doug is also is a skilled guitar player and a story teller who immediately calls listeners attention, thanks to the undeniable interest of what he tells us, he knows to wrap it with a vehement grace. As it could not be otherwise, in this new album he gives us a handful of biting cutting songs, coming from his rich and clever imagination that can hardly go unnoticed. In these songs he deals with subjects like violence, child abuse, love, passion or human relationships, always focused from a satirical point of view that sometimes becomes sublime, politically incorrect or even extemporaneous. The album was co-produced by Janice Mancuso and Doug Macleod himself. Some songs include other musicians like Denny Croy on bass, Jimmy Bott on drums and Oliver Brown on percussion, while the rest present Doug MacLeod singing alone only backed by his acoustic guitar. The album was recorded live with no alternative takes and overdubs. VERY GOOD.

The Gordon Meier Blues Experience “Magic Kingdom”. Reverberocket / Blind Raccoon 2017.
Según palabras del propio Gordon Meier, cada músico es producto de sus influencias. Para él no sería honesto negar lo mucho que ha aprendido de artistas como B.B. King, Muddy Waters o Lightnin’ Hopkins. Sin embargo también reconoce que sus mayores influencias han sido Freddie King y Magic Slim. Ambos bluesmen llegaron a convertirse en una verdadera obsesión en su vida, viajando incluso desde Europa hasta Chicago para conseguir las grabaciones más oscuras, desconocidas y descatalogadas de Freddie. Allí descubrió a Magic Slim quedando atrapado por su carisma. La segunda vez que le vio en directo fue a saludarle y desde aquel momento se estableció entre ellos una larga y profunda amistad. Durante todos aquellos años Gordon pudo tocar en muchas ocasiones con Magic Slim, John Primer y el resto de los Teardrops. De hecho fue Magic quien le animó a empezar una carrera en solitario. Ahora que han transcurrido unos pocos años del fallecimiento de Magic Slim, éste álbum se convierte en un sentido homenaje a la memoria de Slim y de Freddie King. Un espléndido disco de blues con doce temas absolutamente recomendados, donde el espíritu y el sonido del blues de Chicago discurre con placentera fluidez. MUY BUENO. As Gordon Meier always says, each musician is product of his influences. For him it would not be honest to deny he has learned from bluesmen like B.B. King, Muddy Waters or Lightnin' Hopkins. Anyway he recognizes his major influences have always been Freddie King and Magic Slim. Both bluesmen became a real obsession in his life, and he even travelled from Europe to Chicago looking for Freddie’s unknown and out of print recordings. There he discovered Magic Slim and he was immediately caught by his incredible charisma. The second time he saw him playing live he introduced himself to him and since that particular moment they became good and very close friends. During all those years, Gordon performed and played often with Magic Slim, John Primer and the rest of The Teardrops. In fact, it was Magic who encouraged him to start a solo career. Now that some years have gone after Magic Slim’s death, this album becomes a sincere tribute to the memory of Magic Slim and Freddie King. This is an splendid blues album with twelve absolutely recommended songs, where Chicago blues spirit and sound run with a pleasant fluency. GREAT.

Michael Packer “I’m The Blues – My Story Vol.3”. Iris Music Group / Blind Raccoon 2017.
Este es un álbum póstumo de Michael Packer, quien falleció el pasado mes de mayo de 2017. Michael fue un peso pesado del blues. Cantante, guitarrista y compositor, en la última etapa de su vida Packer fue también alcohólico, drogadicto, vagabundo, convicto y además vivía en las calles de New York. Sin embargo su alma estaba impregnada de una enorme devoción por la música y el arte, que le hicieron ser un hombre honesto durante toda su vida, virtudes que le acompañaron hasta el momento de su partida, dejándonos un bello y emocionante legado de canciones, que inconscientemente han quedado retenidas en la memoria de todos aquellos que le hemos escuchado. Michael fue siempre un soñador que creía en el poder del blues. Durante sus buenos años fue querido, admirado y respetado por una gran parte de la comunidad del blues. Ya en el ocaso de su vida nos dejó estas grabaciones que ahora comentamos en las que se puede apreciar su deterioro pero que, sin embargo, en ningún momento pierden la compostura, la honestidad y el frescor con el que interpreta su discurso musical que fluye elegantemente a través de siete canciones con sus correspondientes narraciones. MUY BUENO. This is a posthumous album by Michael Packer, who passed away in May 2017. Michael was a blues heavyweight. He was singer, guitar player and composer and, during the last stage of his life, he was also alcoholic, drug addict, convicted and a homeless in New York streets. However his soul was full of an enormous devotion for music and art, which always guided and made him be an honest man, virtues he kept until his death, leaving us a beautiful legacy of touching songs, that unconsciously remain in the minds of all those of us who have listened to them. Michael was always a dreamer who believed in the power of blues. During his good years he was well loved, admired and respected by the majority of the blues community. When life was leaving him, he wanted to give us these recordings, where you will notice his bad health condition but where he never looses his composure, his honesty and the relaxed atmosphere he develops in his musical speech, that flows with elegance along the seven album cuts and in the explanations he gives us before each song.. VERY GOOD.

Karen Lovely “Fish Outta Water”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Karen Lovely es una cantante bastante diferente de las vocalistas habituales que estamos acostumbrados a escuchar hoy en día. Dotada de una magnífica y bien timbrada voz, posee un estilo y un encanto muy personal. Intérprete apasionada donde las haya, su estilo se fundamente en las antiguas cantantes de blues, en aquellas mujeres de los años veinte y treinta como Ma Rainey, Bessie Smith o, por citar alguna mas reciente, la siempre añorada Janis Joplin. La concepción de su música encierra una rabiosa actualidad, rompiendo clichés y copias a menudo desnaturalizadas. Sus tres álbumes anteriores recibieron excelentes críticas y la catapultaron al estatus del que goza en la actualidad entre sus muchos seguidores. Con este cuarto trabajo, Karen Lovely confirma todo lo dicho anteriormente, además de mostrar todo su talento a lo largo de las doce canciones que se mueven entre el blues y la música ‘americana’, que han sido perfectamente seleccionadas para este “Fish Outta Water” que, sin ninguna duda, arrasará entre todos sus incondicionales. MUY BUENO. Karen Lovely is a quite different singer from the vocalists we are nowadays used to listen to. Gifted with a magnificent and well pitched voice, she has a very personal and charming style too. Passionate performer, her style is rooted in old times blues singers, those 20’s and 30’s women like Ma Rainey, Bessie Smith or, to mention a more recent one, the always missed Janis Joplin. Her musical conception is totally up-to-date, as she breaks clichés and unnatural copies. Her three previous albums received great reviews and launched her to the status she enjoys today among her many followers. With this fourth work, Karen Lovely confirms everything said till now and she shows all her talent in each an every one of the twelve album tracks that move between blues and Americana, songs that have been perfectly selected to round up this "Fish Outta Water" that undoubtedly will make all her unconditional followers go crazy. VERY GOOD.

Jim Allchin “Decisions” Sandy Key Music / Blind Raccoon 2017.
Los aficionados a las guitarras limpias pero a la vez incendiarias, al rock-blues y la música ‘americana’ de calidad, están de enhorabuena con el regreso a primera línea del impresionante cantante y guitarrista Jim Allchin, un virtuoso intérprete de cálido sonido y con un exquisito sentido del gusto en el fraseo. Con este su tercer disco Jim confirma una vez más su excelente puesta a punto y su buena forma, con un discurso positivo y elegante, capaz de liderar a las nuevas generaciones de guitarristas del rock-blues. El álbum fue grabado en los famosos Blackbird Studios de Nashville y contó con la producción de un fuera de serie, Tom Hambridge, ganador de un Grammy, además de ser un estupendo batería y compositor. Bajo la excelente dirección de Tom y del propio Jim, se escogieron catorce canciones que fueron construidas y desarrolladas por un nutrido grupo de profesionales y capacitados músicos que en todo momento trabajaron con la profesionalidad, la calidad y la entrega necesarias para, de este modo, conseguir redondear un producto de una enorme calidad que sin duda satisfará a un amplio espectro de público. Con todos estos ingredientes, el resultado es el un disco que sobresale por encima de muchas otras grabaciones que se publican hoy en día. MUY BUENO. Fans of clean but, at the same time, incendiary guitar, rock-blues and high quality Americana music, are lucky with the comeback to the first line of the impressive singer and guitar player Jim Allchin, a virtuoso performer, gifted with a warm sound and an exquisite guitar phrasing. With this third album Jim again confirms he is in an excellent good form, displayed with a positive elegant speech, able to lead the new rock blues guitarist generations. The album was recorded at the famous Blackbird Studios in Nashville, with the superb production the exceptional Grammy award winner, great drummer and composer Tom Hambridge, With Tom’s and Jim’s clever leadership, they selected fourteen songs which were build up and developed by an amazing group of able and very professional musicians, who worked with the quality and commitment necessary to round up a high quality recording that will surely please a wide audience. With all these ingredients, the result is an album that stands out over many other actual recordings. GREAT.

Flo Bauer Blues Project ”Flo Bauer Blues Project And Guests”. Self Production 2017.
Dos generaciones de músicos se unen en este disco alrededor de una misma pasión, que no es otra que la de tocar e interpretar los blues. Por un lado tenemos a Flo Bauer, un joven músico alsaciano que, desde el año 2014, no cesa de agrandar su fama en el mundo del blues y por otro lado tenemos a Ben Seyller y Pierrot Bauer, dos pesos pesados de la escena francesa del blues. Una mezcla explosiva de modernidad y experiencia se combinan en todos los temas compuestos por el propio Flo Bauer, canciones que se abren a un público más amplio pero conservando siempre el alma y la esencia del blues que planea a lo largo de los diez temas incluidos en este álbum. Después de participar con gran éxito en la final de 2017 del Mississippi Blues Trail Challenge organizado por el Festival de Blues de Cahors en Francia, ahora nos presentan su último trabajo en el que, además de Flo Bauer a la guitarra y voz, Benoit Seiller al bajo y percusión y Pierrot Bauer a la batería, este interesante trío ha contado con la colaboración de mas de una decena de músicos invitados para redondear un ya de por si excelente disco. MUY BUENO. Two different musician generations come together in this album, showing they are closely connected by the same passion, which is to perform and play blues. On one side there is Flo Bauer, a young Alsatian musician who, since year 2014, is gradually increasing his fame and popularity in the blues world and, on the other hand, we have Ben Seyller and Pierrot Bauer, two French blues scene heavy weights. An explosive mixture of modernity and experience that combine in all Flo Bauer’s own compositions, songs that open themselves to a wider audience but always preserving the blues soul and essence that always overflies along the ten album songs. After their successful participation at the final of 2017 Mississippi Blues Trail Challenge organized by Cahors Blues Festival in France, they now present this last piece of work where, besides Flo Bauer on guitar and vocals, Benoit Seiller on bass and percussion and Pierrot Bauer on drums, this appealing trio has counted with the collaboration of more than a ten guest musicians to round up an already excellent recording. VERY GOOD.

Tucci “Olivia”. Hideaway Music 2017.
El cantante, compositor y gran guitarrista Steve “Doc” Tucci acaba de publicar su nuevo disco en el que se recogen once buenos cortes musicados en formato bluesero, estilo que mezcla con habilidad y buenas aptitudes con algo de rock y buenas dosis de ‘americana’. Tanto él como el resto del grupo demuestran estar bien versados en el conocimiento y el lenguaje de estas músicas. Provenientes de Sarasota, Florida, todos los músicos que intervienen llevan varios años dedicándose al negocio musical y conocen sobradamente los resortes, guiños y trucos para llegar a tocar la fibra del oyente, con una música bien hecha, fácil y muy digerible. La banda está formada por Steve Tucci a la guitarra y la voz, Shawn Murphy al saxo y voz, Harry Debusk al bajo y voz y Michael Tucci a la batería. En este disco cuentan también con varios excelentes invitados de la zona de Florida, entre los que sobresalen el cantante y guitarrista Larry McCray y el también guitarrista Dan Toler entre otros buenísimos músicos que realizan grandes colaboraciones. Un disco rocoso, atractivo, intenso e incendiario que quemará las grasas acumuladas en el cuerpo en cuanto uno se ponga a bailar todas las canciones que se incluyen en el álbum, siempre a ritmo de Tucci. MUY BUENO. Singer, songwriter and great guitar player Steve "Doc" Tucci has just released his new album with eleven good bluesy tracks, he cleverly and tastefully mixes with a good dose of rock and 'Americana'. Tucci and the rest of the group immediately prove they are experts in the knowledge all these musical languages. Coming from Sarasota, Florida, all the musicians have been involved for several years into the music business and they perfectly know all the secrets and tricks to touch listeners’ hearts with a well done, easy, very digestible music. The band musicians are Steve Tucci on guitar and vocals, Shawn Murphy on sax and vocals, Harry Debusk on bass and vocals and Michael Tucci on drums. The album also includes several excellent guest Florida area musicians like singer and guitar player Larry McCray and guitar player Dan Toler among other great performers, who do really great collaborations. This is a rocky, attractive, intense and incendiary recording that will burn out all your greasy calories when you start dancing all songs included in the album, always with the incredible touch of Tucci’s rhythm. GREAT

Martin Lang “Ain’t No Notion”. Random Chance 2017.
Martin Lang ha estado involucrado en el blues durante más de veinticinco años. Desde que llegó a la ciudad de Chicago en 1989 para estudiar en la universidad, su vida no ha parado de girar en torno al género que nos ocupa. En esta ciudad conoció al estudioso Dave Waldman quien le introdujo en el blues y especialmente en los secretos de la armónica. A partir de entonces Martin se sumergió en cuerpo y alma en este mundo, frecuentando todos y cada uno de los clubs de la ciudad desde el norte hasta el sur, al tiempo que se cultivaba escuchando a los grandes maestros del género como Little Walter, Walter Horton, James Cotton, Dave y Louis Myers o Johnny Burgin. Hoy en día Lang se ha convertido en un auténtico referente en lo que al sonido de la armónica de los años cincuenta se refiere. Este disco es una excelente prueba de todo ello e incluye trece canciones con referencias a Junior Wells, Jimmy Rogers, Little Walter o Frank Frost. Además de Martin Lang a la voz y la armónica, también encontramos a Rusty Zinn y Billy Flynn a las guitarras, Oscar Wilson a la voz, Illinois Slim y Jimmy Upstairs al bajo, Dave Waldman al piano y Dean Haas a la batería. Un espectacular ejercicio del mas puro y ortodoxo blues de Chicago tal y como se cocinaba en los años cincuenta y sesenta. BUENISIMO. Martin Lang has been involved in the blues for more than 25 years. Since he travelled to Chicago in 1989 to study at the university, his life has not stopped to turn around and be focussed in that music. In Chicago he met Dave Waldman, a blues expert who introduced him to the blues and especially to the harmonica secrets. Since that moment Martin was totally caught by blues, going to each and every one of the city clubs and, at the same time, he learned from great masters like Little Walter, Walter Horton, James Cotton, Dave and Louis Myers or Johnny Burgin. Today, Lang has become an outstanding reference in 50’s harmonica sound. This album becomes a real proof along the thirteen songs included, with references to Junior Wells, Jimmy Rogers, Little Walter and Frank Frost. Besides Martin Lang on vocals and harmonica, you will also find Rusty Zinn and Billy Flynn on guitars, Oscar Wilson on vocals, Illinois Slim and Jimmy Upstairs on bass, Dave Waldman on piano and Dean Haas on drums. This is a spectacular exercise of the most pure and orthodox Chicago blues like it was cooked during the 50’s and 60’s. GREAT.

Bobby G With Curtis Grant Jr. & The Midnight Rockers “Still Standing” Third Street Cigar Records 2017.
Es bastante curioso y al mismo tiempo extraño que un artista de calidad y excelentes cualidades vocales grabe su primer disco a los setenta y tres años. Esto es lo que le ha ocurrido a Bobby G quien, rodeado de una banda soberbia como son Curtis Grant And The Midnight Rockers y producido por el siempre honorable Johnny Rawls, se nos presenta ahora en este álbum como uno de esos viejos talentos escondidos de los que siempre es un placer descubrir. Bobby posee una voz llena de registros, sugerente y llena de intensidad y emoción, además de comunicar feeling a raudales, tanto cuando aborda los blues como cuando arremete con el soul y el rhythm and blues, tres géneros que para él no tienen secretos. Nacido en Winterville, Mississippi, como tantos otros niños su infancia transcurrió trabajando en los campos de algodón. A los once años se escapaba a las juke joints donde escuchaba a B.B. King, Mississippi Slim o Bobby Bland y soñaba llegar a ser algún día un cantante como ellos. Sin una sola moneda en el bolsillo, marchó a Toledo, Ohio donde durante treinta y nueve años trabajó dando tumbos por los más variados oficios y empleos y cantando los fines de semana en diferentes clubs, bares, restaurantes, cafés y barbacoas. Dejó a un lado la música para dedicarse a su familia, volviendo de nuevo hace ya algún tiempo. Ahora, en el ocaso de su carrera, ha tenido la oportunidad de mostrar todo su innegable talento y valía en esta excelente grabación que esperamos le ayude a conseguir el reconocimiento que sin duda merece. BUENISIMO. It is surprising and rather strange that an artist with quality enough and excellent vocal qualities has published his first album aged seventy-three. This is what has happened to Bobby G who, backed by an excellent band like Curtis Grant And The Midnight Rockers and with the clever production of the always respectable Johnny Rawls, appears with this album as one of those old hidden talents which is always a pleasure to discover. Bobby has a suggestive voice gifted with a broad vocal range. He also gathers an emotional intensity, which communicates a great feeling, both when he sings blues or when he performs soul and rhythm and blues, three styles that have no secrets for him. Born in Winterville, Mississippi, like so many other children, he had to work in the cotton fields. Only aged eleven, he tried to get in juke joints where he listened to B.B. King, Mississippi Slim or Bobby Bland and he dreamed he will one day become a singer like them. Without a single coin in his pocket, he moved to Toledo, Ohio where, for thirty-nine years, he worked here and there in the most diverse jobs and sang on weekends in different clubs, bars, restaurants, cafes or barbecues. He left aside the music to devote himself to his family, coming back again some time ago. Now, in the twilight of his career, he has had the opportunity to show all his undeniable talent in this excellent recording that I hope will help him to get the recognition he deserves. GREAT.

Tom Gould “Distractions”. Bossa Nova Beatniks 2017.
Durante más de treinta años el bajista Tom Gould y el batería George Vahamonde han trabajado juntos y compartido su amor por la música. Durante todos estos años George siempre comentaba que no le entusiasmaba nada grabar con metrónomo, tal como las canciones de Tom demandaban. Después de tantos años juntos, finalmente Tom ha decidido satisfacer a su amigo y grabar un disco sin usar el metrónomo y volver de nuevo a la sencillez y a las raíces del rock and roll. Ambos músicos se pasaron un mes seleccionando los temas y cuando los tuvieron ya decididos se los llevaron al guitarrista Ron Rahilly quien, despuyés de escucharlas varias veces en su casa, se reunió con ellos en el estudio e inmediatamente se integró en el sonido y el espíritu que los otros dos músicos querían plasmar. Como no podía ser de otra forma el disco se grabó sin metrónomo, en directo, sin overdubs, ni tomas alternativas. El resultado fue tan satisfactorio para todos ellos que Tom decidió apostar por este álbum y darle la mayor difusión posible. Un total de diez canciones completan este disco titulado “Distractions”. A todos cuantos les guste tanto el rollo indie como el hardcore o la música alternativa basada en el blues, el rock and roll o el garaje, pueden tener por seguro que este disco cumplirá las expectativas depositadas en él y les garantizará una más que completa satisfacción. BUENO. For more than thirty years, bass `player Tom Gould and drummer George Vahamonde have worked together and shared their love for music.. During all these years George always said he was not really enthusiastic about recording with click track, as Tom’s songs demanded. After so many years together, finally Tom decided to satisfy his friend and record an album without click track and come back again to the simplicity and rock and rock and roll roots. Both musicians spent a month selecting the songs and when they had already chosen them, they forwarded them to guitar player Ron Rahilly who, after listening to them at home, came to the studio and felt immediately integrated in the sound and the spirit that the other two musicians wanted to capture. As it could not be otherwise, the album was recorded live with no click track, overdubs or alternate takes. The result was so gratifying for the musicians that Tom decided to bet on this album and give it the widest promotion he could. Ten personal tracks complete the album entitled "Distractions". To all those who like not only indie music but also hardcore and alternative music based on blues, rock and roll and garage, be sure this recording will fulfil your expectations and guarantee a more than a complete satisfaction. GOOD.

Johnny Ray Jones “Feet Back In The Door” Moondogg / Frank Roszak 2017.
El fantástico cantante Johnny Ray Jones es bien conocido en toda el área del sur de California. A lo largo de su carrera ha cantado con y junto a Sam Taylor, Tina Mayfield (mujer de Curtis) o The Red Devils por citar solamente tres nombres conocidos de los aficionados. Con su banda también ha compartido cartel con Leon Russell, John Mayall o Steppenwolf. Por diversas circunstancias nunca había podido grabar un álbum bajo su propio nombre y eso que en 1995 se encerró en un estudio y grabó cuatro temas que no llegaron a publicarse nunca. Afortunadamente durante los años 2015 y 2016 Johnny Ray Jones pudo finalmente grabar este disco que ahora ha visto la luz y que no dejará a nadie indiferente por el brillo, la calidad, la fuerza expresiva, la elegancia y el feeling, que despierta y estimula en el oyente a través de esta colección impagable. Diez temas, uno de ellos proveniente de aquellas grabaciones del año 95, y el resto composiciones que van desde Sam Taylor, Allen Toussaint o Leon Russell hasta desembocar en alguna del propio Johnny Ray Jones, en las que ha contado con un excelente plantel de músicos e invitados de la categoría como Coco Montoya, Mike Finnigan, Jimmy Powers, Johnny Lee Schell o una poderosa sección de vientos. ¡Un disco para ser disfrutado durante mucho, mucho, mucho tiempo! MUY BUENO. Fantastic singer Johnny Ray Jones is well known along southern California area. During his career he has sung with and next to Sam Taylor, Tina Mayfield (Curtis’ wife) or The Red Devils to only mention three well known names among fans. With his band he has also opened for Leon Russell, John Mayall or Steppenwolf. Due to some circumstances he had no opportunities to record an album under his own name, even though in 1995 he came to the studio and recorded four songs that have never been released. Fortunately, during 2015 and 2016, Johnny Ray Jones could finally record this album that has now seen the light and will not leave anyone indifferent, thanks to its undeniable brightness, quality, expressive strength, elegance and feeling, which will immediately awake and stimulate all listeners who listen to this priceless collection. Ten songs, one of them coming from those 1995 recordings and the rest different compositions by Sam Taylor, Allen Toussaint or Leon Russell and even one by Johnny Ray Jones himself, where he has counted with an excellent group of musicians and guests like Coco Montoya, Mike Finnigan, Jimmy Powers, Johnny Lee Schell and a powerful horn section among others. An album to be enjoyed for a long, long, very long time! GREAT.

Greg Sover “Songs Of A Renegade” Self Production / Frank Roszak 2016.
Hay gente que nace predestinada para la música. Este es el caso del cantante, compositor y guitarrista Greg Sover quien, a los cinco años, aprendió a tocar la guitarra de manera autodidáctica escuchando y viendo videos de Stevie Ray Vaughn y Jimi Hendrix. Poco a poco y paso a paso fue desarrollando su propia técnica imbuido cada vez más por el rock-blues, una música que siempre le apasionó y por la que había quedado atrapado y que le llevó a hacerse un nombre entre los aficionados a este género. Ahora Greg Sover nos presenta su primer disco en el que incluye nueve composiciones propias y una escrita por Bill Withers. Con un fraseo espeluznante y muy directo, nuestro hombre se mueve con facilidad por una serie de caminos atractivos y correosos, todos ellos llenos de visiones oníricas y casi paranoicas, a base de solos de guitarra, a veces incendiarios y otras veces apocalípticos que cautivan al oyente de principio a fin. Para la realización de este álbum ha contado con la valiosa colaboración de tres veteranos de la escena de Philadelphia como son Garry Lee como bajista, director musical y productor, Allen James como segundo guitarra y Tom Walling como batería. MUY BUENO. Some people are born with a predestined future in music. This is the case of singer, songwriter and guitar player Greg Sover. When he was only five years old, he self taught to play guitar only listening and watching videos by Stevie Ray Vaughn and Jimi Hendrix. Little by little and step by step he developed his own technique that increasingly was directed to rock-blues, a music that had always fascinated and caught him, which led him to get a name and a good reputation among rock blues fans. Now Greg Sover presents his first album that includes nine original compositions and one written by Bill Withers. With a terrific straightforward phrasing, our man comfortably moves along different attractive and tough ways, all of them full of dreamlike an almost paranoid visions, based on sometimes incendiary and other times apocalyptic guitar solos that will immediately captivate most listeners. To round up the album he has counted with the valuable collaboration of three veterans of Philadelphia scene such as Garry Lee as bass player, musical director and producer, Allen James as second guitar and Tom Walling as drummer. VERY GOOD.

Lightnin’ Willie “No Black No White Just Blues”. Little Dog / Frank Roszak 2017.
Lightnin’ Willie es un músico diferente que llama la atención tanto por su presencia escénica como por la forma de abordar e interpretar los blues. Su sonido es una mezcla irresistible de tradición y espontaneidad creativa, en la que en todo momento pone mucho énfasis en el groove, alcanzando altas cotas de expresividad con gran prontitud y celeridad. Es por esto que en todos sus shows el público no puede dejar de moverse, bailar e interactuar con la banda. Lightnin’ Willie se desenvuelve con facilidad a la guitarra, a la vez que posee una voz ronca e inconfundible, además de ser también un buen compositor. Todo ello confiere a su música un sello distintivo y peculiar que le auspicia hacia un futuro próspero y lleno de buenos momentos. Todo cuanto he mencionado queda reflejado en las diez canciones que componen este disco, en el que Lightnin’ Willie se ha sabido rodear de buenos músicos de su entorno como son Pete Anderson al bajo y armónica, Michael Murphy y Doña Oxford (esta última en un tema) al piano, Skip Edwards al Hammond B-3 y acordeón, Jesper Kristensen y Jerry Olson a la batería, Ron Dzubla a los saxos y finalmente Lucky Miller en los bellos arreglos de cuerda del tema “Thinking Of You”. MUY BUENO. Lightnin' Willie is a very particular musician who calls the attention both for his stage presence and the way he approaches and performs the blues. His sound is an irresistible blend of tradition and creative spontaneity, but he also puts a special emphasis in the groove, which makes him to immediately reach an outstanding expressiveness level. This is why his live shows become a party where audiences cannot stop moving, dancing and interact with the band. Lightnin' Willie easily moves and plays guitar and, at the same time, he has a hoarse unmistakable voice, showing he is also a good composer. All these qualities give to his music a peculiar hallmark that drives him towards a successful future full of happy musical moments. Everything I have just mentioned can be found along the ten songs that round up this album, where Lightnin' Willie is perfectly surrounded by a good bunch of musicians he knows well, like Pete Anderson on bass and harmonica, Michael Murphy and Doña Oxford (this last one on a song) on piano, Skip Edwards on Hammond B-3 and accordion, Jesper Kristensen and Jerry Olson on drums, Ron Dzubla on sax and finally Lucky Miller performing beautiful string arrangements in the song "Thinking Of You" VERY GOOD.

Dani Wilde “Live At Brighton Road”. Vizztone 2017. (CD + DVD).
Desde que en el año 2007 Dani Wilde se dio a conocer internacionalmente como telonera de Jools Holland  en el Royal Albert Hall, su fama no ha dejado de crecer entre los aficionados y la prensa especializada, lo que ha hecho que no haya dejado de recibir grandes elogios procedentes de diversos lugares del globo. Thomas Ruff la escogió para participar en la gira ‘Girls With Guitars’, con producción de Mike Zito, junto a Samantha Fish y Cassie Taylor con las que viajó actuando por toda Europa, Estados Unidos, Canadá y África. Este álbum está grabado en estudio con su actual banda de acompañamiento, presentando además a su hermano Will Wilde a la armónica. El disco se divide en dos partes, las primeras cinco canciones nos presentan a Dani en formato acústico, mientras que las cinco restantes están interpretadas acompañada de su banda en formato eléctrico, lo que nos permite apreciar en toda su magnitud la versatilidad de esta cantante y guitarrista tanto en su forma mas intimista como en un formato mas indómito y salvaje. Junto a este cd Dani Wilde nos regala un dvd del que no quiero desvelar su contenido para que el posible comprador se lleve una agradable sorpresa al visionarlo sentado cómodamente en el sofá de su casa. MUY BUENO. Since that very special day, back in 2007, Dani Wilde was internationally known when she opened for Jools Holland at the Royal Albert Hall, her fame has not stopped to grow among fans and specialized media, which has made her to receive excellent praising words. Thomas Ruff chose her for the tour 'Girls With Guitars' a tour that counted with the clever Mike Zito’s production, together with Samantha Fish and Cassie Taylor, which made her travel around Europe, United States, Canada and Africa. This recording was recorded in studio with his actual backing band and also introduces her brother Will Wilde on harmonica. The album is divided in two parts, the first five songs present Dani Wilde in acoustic format while, in the other five songs, Dani plays together with her band in electric format, which allows us to fully discover and appreciate the versatility of a singer and guitar player both in her most intimistic way as well as in her most warm, untamed wild facet. With this cd Dani Wilde also gives us a DVD I will not reveal its content, in order all potential buyers get a pleasant surprise when they comfortably look at it sitting in their home sofa. VERY GOOD.

The Patrik Jansson Band “So Far To Go”. Sneaky Foot 2017.
Con este su tercer álbum Patrik Jansson da un paso al frente en su carrera musical que se augura con muy buena estrella. Profundamente influenciado por el blues de Chicago, su música ha evolucionado siguiendo los pasos de músicos de la nueva generación del rock-blues como Joe Bonamasa, Walter Trout, Gary Moore, Buddy Whittington, Coco Montoya, Jeff Healey, Robert Cray o Matt Schofield, sin dejar por ello de lado a los grandes arquetipos del viejo blues como B.B. King, Stevie Ray Vaughan o Freddie King, guitarristas de cinco estrellas de los que se nutre y que fluyen a raudales a través de su música. El disco se convierte en una excelente exposición de blues, baladas, blues-rock contemporáneo, funky, groove y rock energético, todo ello perfectamente construido e interpretado por unos músicos que saben pulsar en cada momento el resorte correcto en todas y cada una de las nueve composiciones que conforman este interesante disco. El plantel que interviene en este “So Far To Go” está formado por Patrik Jansson a la guitarra y voz, Gustaf Andersson al Hammond B-3, Fender Rhodes y piano, Thomas Andersson al bajo y Martin Forsstedt a la batería, mas la colaboración del campeón mundial de armónica del año 2013 Mikael “Mike” Fall en la canción “Too Blind To See”. MUY BUENO. With his third album Patrik Jansson goes a step forward in his musical career that foresees with a promising future. Deeply influenced by Chicago blues, his music has evolved following in the footsteps of the new rock blues generation musicians like Joe Bonamasa, Walter Trout, Gary Moore, Buddy Whittington, Coco Montoya, Jeff Healey, Robert Cray or Matt Schofield, without letting aside the great old blues names like B.B. King, Stevie Ray Vaughan or Freddie King, five stars guitar players who feed and are immediately noticed in his music. The album becomes an excellent exhibition of blues, ballads, blues-rock, funk, groove and energetic rock, all them perfectly built and performed by a group of musicians who really know to activate all the best resources in each and every one of the nine compositions that round up this interesting album. The list of the musicians involved in this "So Far To Go" includes Patrik Jansson on guitar and vocals, Gustaf Andersson on Hammond B-3, Fender Rhodes and piano, Thomas Andersson on bass and Martin Forsstedt on drums, plus the special collaboration of 2013 harmonica world champion player Mikael “Mike” Fall in the song "Too Blind To See”. GREAT.  

Scottie Miller “Stay Above Water”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Scottie Miller vuelve de nuevo a la carga con un trabajo bajo el brazo, calentito y apetecible, en el que combina una sólida ejecución moderna y a la vez muy atractiva. Para el disco Miller ha compuesto una serie de canciones con unas letras que dejarán perplejo a más de uno por lo introspectivas pero a la vez llenas de una gran fuerza interpretativa. Además de ser un mas que buen vocalista que, en algunas ocasiones, incluso pudiera recordar al Dr. John, Miller es también un instrumentista muy capacitado para expresarse a través los de tres instrumentos que toca, piano, órgano y mandolina, con los que se mueve muy a gusto a lo largo de las doce canciones que componen el álbum. Partiendo del rhythm and blues de New Orleans y la música ‘americana’ como base, Scottie construye y diseña un repertorio muy a su medida en el que no faltan ingredientes como son el blues y el gospel a lo largo de unas canciones concebidas con inteligencia y buen gusto y cuyos ritmos incitan al baile y a la diversión mas absoluta. Arropado por una excelente sección de vientos, mas la generosa aportación de Patrick Allen a la guitarra y voces, Dik Shopteau al bajo y voces, Mark O’Day a la batería y percusión, además de la colaboración de la cantante Ruthie Foster en el tema “Keep This Good Thing Going”, toda la grabación contagia belleza, satisfacción y alegría a partes iguales. En definitiva, un álbum que crea adicción por su enorme y variada calidad. MUY BUENO. Scottie Miller comes back to the front line with a new warm appetizing work on his hands, which combines an actual solid execution but at the same time an undeniable attraction. For the album Miller has composed a series of songs with lyrics that will leave more than one totally astonished for the introspective items they propose that at the same time are filled with a great interpretative strength. Besides a good vocalist who sometimes could make us remember Dr. John, Miller is also a highly skilled instrumentalist who expresses himself through the three instruments he plays, piano, organ, and mandolin, that show he feels very comfortable along the twelve songs included in the album. Starting with New Orleans and some Americana music as solid basis, Scottie designs and bulls up a personal repertoire, where you will find different ingredients like blues and gospel along clever and tasteful songs whose rhythms invite to dance and have fun. Backed by an excellent horn section as well as the generous contribution of Patrick Allen on guitar and vocals, Dik Shopteau on bass and vocals, Mark O'Day on drums and percussion, plus to the collaboration of singer Ruthie Foster in the song "Keep This Good Thing Going", the whole recording communicates beauty, satisfaction and joy in equal parts. In short words, this is an album that creates addiction by its outstanding quality and tasteful variety. GREAT.

The Halley DeVestern Band “Keep Pon Playin’”. Devestunes & Li’l.t / Blind Raccoon 2017.
The Halley DeVestern Band es un grupo de blues, funk y rock de la ciudad de New York que pueden combinar interpretaciones acústicas y eléctricas a partes iguales. Con el fin de darse a conocer entre el público y la critica internacional, la banda ha publicado un pequeño trabajo en el que se incluyen cinco temas, cuatro de ellos de la propia Halley DeVestern y el quinto una composición de todo el grupo, que son completamente representativos de lo que ellos interpretan en sus actuaciones en directo. Además de liderar el grupo, la vocalista Halley DeVestern perteneció a la banda de Janis Joplin, Big Brother And The Holding Company. Junto a ella se encuentran David Patterson a la guitarra, Steve Jabas a los teclados, guitarras y coros, Tom Heinig al bajo y Rich Kulsar a la batería. En este pequeño compendio de sus temas Halley demuestra ser una cantante vigorosa y apasionada que se entrega a su labor de manera intensa y sincera, respaldada por unos músicos creativos, dedicados a su trabajo y muy diestros en el manejo de sus herramientas. MUY BUENO. The Halley DeVestern Band is a blues, funk and rock group coming from the city of New York which combines in equal parts acoustic and electric performances. To make themselves well known to general audiences and international media, they have just published a small album with five songs, four of them written by Halley DeVestern and the fifth one coming from the whole group, that fully represent what they perform in their live shows. Band leader and singer Halley DeVestern belonged to Janis Joplin’s Big Brother And The Holding Company. The other musicians who surround her are David Patterson on guitar, Steve Javas on keyboards, guitars and backing vocals, Tom Heinig on bass and Rich Kulsar on drums. With this small selection of songs, Halley proves she is a passionate emotional singer who delivers to work with and an amazing intensity and honesty, always surrounded by really creative devoted musicians, able on using their music tools. VERY GOOD.

The Jon Spear Band “Hot Sauce”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
El secreto de un buen plato sureño es que esté cocinado a fuego lento, tenga el sabor del humo de las brasas pero, sobre todo, al que no le falte una buena salsa picante, a base de guindillas tal y como se cultivan en los viejos estados sureños. “Hot Sauce” es el título que de este nuevo trabajo de Jon Spear Band, cuyo resultado es una buena mezcla de ritmos y estilos, que van desde aquellos que se pueden bailar en una fiesta de sábado noche, hasta otros de alto contenido sociopolítico, eso si, todos ellos estampados a sangre y fuego por la impronta de aquellos viejos trovadores del pasado siglo que, a lo largo de su carrera, han dejado en ellos una huella imborrable que permanece todavía en su retina. Poderoso country, soul y blues se dan la mano a lo largo de doce canciones todas ellas originales del grupo con las que consiguen conectar de inmediato con la audiencia. La banda está formada por dos virtuosos de la guitarra como son Jon Spear y Dara James, este último también a la armónica, además de ser ambos los cantantes principales del grupo y muy buenos por cierto. A estos se les añaden Andy Burdestsky al bajo y voces y John Stubblefield a la batería y voces. Un disco que desprende imaginación y buen gusto, apto para todo tipo de públicos. MUY BUENO. The secret of a good Southern dish is to be slowly cooked to get a smoky taste and, over all, with a generous dose of hot sauce, prepared with those chilli peppers that grow in old southern states. "Hot Sauce" is the title of the new Jon Spear Band work, and the result is a good mixture of rhythms and styles, ranging from those ones to dance at Saturday night parties to other ones with a high socio-political content, all them marked blood and fire by the stamp of past century old story tellers who, along the band career have left an indelible mark on them that still remains in their minds. Powerful country, soul and blues come together along the twelve original band songs, all them originals, which immediately connect with the audience. The Jon Spencer Band includes two guitar virtuosos like Jon Spear and Dara James, this last one also playing harp, who show they are very good singers too. The rest of the musicians are Andy Burdestsky on bass and backing vocals and John Stubblefield on drums and backing vocals. This is an album that shows an overflowing imagination and good taste, which makes it become a highly recommended recording for the most wide and varied audiences. GREAT.

Antry “Devil Don’t Care”. Tres Lobas Enterprises / Blind Raccoon 2017.
Desde joven el cantante y guitarrista Antry sintió una especial afición por la música. Cuando era estudiante de secundaria, un compañero le comentó que tenía que apuntarse al coro de la escuela porque allí cantaban unas chicas muy guapas y atractivas. Antry no se lo pensó dos veces y así lo hizo. El director del coro era también director de la Opera de Tulsa y enseguida se dio cuenta de las potenciales cualidades vocales que Antry poseía, así que se preocupó de forma especial por su aprendizaje y durante años cada sábado le enseñó a cantar, modular la voz y a controlar la respiración, trabajando diafragma y caja torácica. Desgraciadamente la vida llevó a Antry por otras direcciones muy alejadas de la música, dedicándose a crear y desarrollar su propia empresa y a cuidar de su familia. Ahora, con una posición más estable y menos obligaciones, nuestro hombre ha decidido volver a su vieja pasión de antaño, aprendiendo los secretos de la guitarra, formando su propia banda y grabando su primer trabajo en Nashville, Tennesse, en compañía de un puñado de buenos músicos donde sus cualidades vocales se hacen notar y lucen a lo largo de los cuarenta minutos de buena música que se incluyen en el álbum. MUY BUENO. Since his younger days singer and guitar player Antry felt a special attraction for music. When he was at high school, a class mate told him he had to apply to the school choir because some very beautiful and attractive girls sang there. Antry did not think twice and did it. The choir director was also director of Tulsa Opera and he immediately realized Antry’s potential vocal qualities, so he took a special care about him. For years every Saturday he taught him to sing, modulate his voice and get a breathing control, with diaphragm and thoracic cavity exercises. Unfortunately life carried Antry out of music and drove him to another direction far away from the music. He devoted himself to create and develop his own business and take care of his family. Now, with a more stable position and less duties, our man has decided to come back to the old passion of his younger days, learning all guitar secrets, creating his own band and recording his first album in Nashville, Tennessee, together with a handful of good musicians who help to enhance his vocal qualities which can immediately be noticed and really shine along the forty minutes of good music included in the album. VERY GOOD.

Stacy Jones “Love Is Erywhere”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Stacy Jones ha logrado ser considerada como una de las mejores voces del country rock americano. Su música ha sido descrita comúnmente como una combinación de whiskey y agua bautismal que enlaza con un bello puente musical los ríos del blues y el country rock contemporáneo. Su música está firmemente construida y asentada sobre los pilares de la ‘roots music’, aunque Stacy también suele rendir su personal tributo y homenaje al blues y lo hace experimentando sobre este, mezclándolo graciosamente con algunas gotas propias de la música ‘americana’ y del country, con una poderosa, extraordinaria y dinámica fuerza vocal, a lo que se le añaden unas letras llenas de honestidad con las que se confiesa al oyente con absoluta y sincera religiosidad. Todo ello queda fielmente reflejado en este su séptimo álbum que contiene once temas, de los cuales diez están escritos por la propia Stacy. Además de Stacy Jones a la voz, dobro, guitarras acústica y eléctrica, armónica, Hammond B-3 y piano, también se encuentran Jeff Menteer a la guitarra eléctrica y voces, Tom Jones al bajo y Rick Bowen a la batería y voces. MUY BUENO. Stacy Jones has managed to be now considered as one of the best American country rock voices. Her music has been described as a combination of whiskey and water baptism that lace with a beautiful musical bridge the rivers of blues and country rock. Her music is strongly rooted and built up over roots music pillars, although Stacy also pays her personal tribute and homage to the blues, but she also experiments by gracefully mixing it with a few drops Americana' and country music, with a dynamic amazing vocal strength, where she adds powerful and honest lyrics as a way to confess to all listeners her most hidden feelings with absolute and sincere religiosity. All these things are perfectly reflected in this seventh album that gathers eleven songs, ten of them Stacy’s own compositions. Besides Stacy Jones on vocals, dobro, acoustic and electric guitars, harmonica, Hammond B-3 and piano, the other musicians involved are Jeff Menteer on electric guitar and vocals, Tom Jones on bass and Rick Bowen on drums and vocals. VERY GOOD.  

Altered Five Blues Band “Charmed & Dangerous” Blind Pig / Blind Raccoon 2017.
Formados en el año 2002, Altered Five Blues Band nos presentan ahora su último trabajo que, por otra parte, es el primero que realizan para la compañía Blind Pig Records. Producido por el galardonado con un Grammy Tom Hambridge (Buddy Guy, Susan Tedeschi, George Thorogood, James Cotton…), este disco presenta una calurosa y bienvenida selección de ‘house rockin’ soul, clásico rhythm and blues y un brutal ‘hard drivin’ blues’ del bueno, del más gustoso y mejor, todo ello realizado e interpretado con arrestos y mucha contundencia. En todas las canciones destaca sobremanera la magnífica y grandiosa voz de Jeff Taylor que, en ocasiones, ha sido comparada a las de B.B. King, Joe Turner o Bobby ‘Blue’ Bland. A su lado Jeff Schroedl a la guitarra, Mark Solveson al bajo y contrabajo, Raymond Tevich a los teclados y el anteriormente mencionado Tom Hambridge a la batería y percusión consiguen sonar de forma muy compenetrada, eficaz y contundente, extrayendo lo mejor de las trece canciones que se incluyen en el disco. En definitiva, estamos ante un álbum explosivo, musculoso, con un sonido años setenta muy conseguido que, sin duda, cautivará a la inmensa mayoría de los oyentes. BUENISIMO. Formed in year 2002, Altered Five Blues Band bring us his last work that is also the first one recorded for Blind Pig Records. Produced by the Grammy award winner Tom Hambridge (Buddy Guy, Susan Tedeschi, George Thorogood, James Cotton…), the album presents a warm and welcomed selection of house rockin’ soul, genuine rhythm and blues and a thrilling hard drivin' blues, that can be qualified as good, appetizing and savoury, developed and performed with a strong determination. The magnificent impressive voice of Jeff Taylor stands out in all songs, a voice that sometimes has been compared with the ones of B.B. King, Joe Turner or Bobby 'Blue' Bland. Next to him Jeff Schroedl on guitar, Mark Solveson on bass and double bass, Raymond Tevich on keyboards and the just mentioned Tom Hambridge on drums and percussion get a teamed, effective and strong sound, pulling out the best of the thirteen songs selected for the recording. In short words, we are facing an explosive, muscular album, with a 70’s vintage sound which, undoubtedly will captivate a wide majority of listeners. GREAT.

Linsey Alexander “Two Cats”. Delmark 2017.
Transcurrido cierto tiempo después del enorme éxito alcanzado con sus dos anteriores discos, el sello discográfico de Chicago especializado en blues Delmark Records publica ahora un tercer álbum de uno de los más populares y talentosos artistas de la escena del blues contemporáneo de Chicago como es Linsey Alexander. Nacido en el estado de Mississippi, pasó su infancia en Memphis, emigrando a Chicago en busca de una vida mejor. Allí se forjó su carrera como cantante y guitarrista de blues junto a todos los grandes del género. En este álbum Alexander se muestra en plena forma, con una sólida y aposentada madurez, fruto de la experiencia acumulada y de su propia capacidad musical, atributos todos ellos inherentes a su personalidad artística, en un repertorio construido a base de sólidos y contundentes blues que le van como anillo al dedo, con unos arreglos perfectos y construidos a su medida. Linsey Alexander se ha rodeado de un nutrido número de músicos excelentes y de un muy buen nivel como son Anthony Palmer a la guitarra, Roosevelt Purifoy al piano, órgano y Fender Rhodes, E.G. McDaniel al bajo, Bryant  Parker a la batería, Kenny Anderson a la trompeta, Hank Ford al saxo tenor, Norman Palm al trombón y Paul Hanover a la armónica en tres temas. Puro y genuino blues de Chicago west side de los años setenta y ochenta con una interpretación acorde al siglo XXI. BUENISIMO. Some time has gone by after the amazing success of the two previous albums published by specialized Chicago blues label Delmark Records. Now they have decided to release a third album by one of the most popular and talented artists of contemporary Chicago blues scene, Mr. Linsey Alexander. Born in Mississippi and raised in Memphis, he travelled to Chicago looking for a better life. There he forged his career as blues singer and guitar player side by side with all the great names of the genre. In this album Alexander appears in top form, with a solid and settled maturity, fruit of the experience he has got during the years, as well as his own musical ability and skills natural of his artistic personality, along a repertoire built over solid convincing blues that fit him like a glove, with perfect arrangements to enhance his musical qualities. Linsey Alexander has surrounded himself with a large number of excellent very professional musicians like Anthony Palmer on guitar, Roosevelt Purifoy on piano, organ and Fender Rhodes, E.G. McDaniel on bass, Bryant Parker on drums, Kenny Anderson on trumpet, Hank Ford on tenor sax, Norman Palm on trombone and Paul Hanover on harmonica in three tracks. Pure and genuine 70’s and 80’s Chicago west side blues displayed according to XXI century demands. GREAT.

Travis “Moonchild” Haddix “See What I Want To See”. Wann-Sonn 2017.
Una vez más el cantante y guitarrista Travis ‘Moonchild’ Haddix vuelve por sus fueros con un nuevo trabajo bajo del brazo para obsequiarnos con sus blues auténticos y maravillosos donde, con diez nuevas canciones, perpetúa nuevamente el blues con elegancia y muy buen control. Su conocimiento y disciplina del lenguaje del blues es patente y lo resuelve dando todo lo que lleva dentro con intensidad y feeling, cualidades que precisamente a Haddix no le faltan. Diez blues sobriamente desgranados que impactan por su generosidad y entrega, Arropado por un plantel de músicos de enorme talla, Travis Haddix se encarga de la voz, la guitarra, además del bajo en tres temas. A destacar los arreglos de metal a cargo de los trompetas Scott Tenney y Jeff Hager, Tony Fortunato al saxo barítono, David Ruffin  al saxo tenor y Norman Tischler al saxo alto, quienes está presentes en todas las canciones del disco, imprimiendo el característico sello del blues de Kansas City. El estado de Ohio tiene en Travis “Moonchild” Haddix a uno de los mejores discípulos de la escuela de B.B. King, MUY BUENO. Once again, singer and guitar player Travis “Moonchild” Haddix comes back with a new album on his hands and the same remarkable qualities than ever to please us with his wonderful genuine blues where he perpetuates the blues with ten elegant, well displayed and restrained new songs. His knowledge and self discipline of the blues language becomes evident as he always gives the best of himself with intensity and feeling, qualities Haddix is really gifted with. Ten blues songs displayed with moderation that impact for his generous dedication and commitment, perfectly surrounded by a group of impressive musicians, Travis Haddix is on vocals, guitar and on bass in three songs. A special mention to the hot horn arrangements by trumpet players Scott Tenney and Jeff Hager, Tony Fortunato on baritone sax, David Ruffin on tenor sax and Norman Tischler on alto sax, which perform in all album songs and give that special stamp of Kansas City blues. The state of Ohio has in Travis “Moonchild” Haddix one of the best disciples of B.B. King school. GREAT.
 

OCTUBRE 2017 / OCTOBER 2017

Jean-Paul Amouroux “Plays Boogie Woogie Improvisations”. Black And Blue 2016.
Excepcional pianista y profundo conocedor del lenguaje del boogie-woogie en su más pura forma, estilo, tradición y ejecución, Jean-Paul Amouroux nos presenta un magnífico disco con veintiuna canciones propias inspiradas en los grandes maestros del blues y del boogie-woogie de los años treinta y cuarenta. Hombre de fina elegancia estilística, Amouroux se pasea por el teclado llevándonos a los tiempos en los que Pete Johnson, Meade Lux Lewis, Jimmy Yancey, Memphis Slim y demás grandes del boogie florecían y brillaban en este género musical que se caracteriza porque desde sus primeras notas y compases atrapa al oyente haciéndole levantar de su asiento y dejando que sus pies vuelen. Con una discografía impresionante, cuarenta y cuatro discos hasta el 2006, en este álbum Amouroux ha recogido una serie de improvisaciones en torno al boogie-woogie grabadas en 1994 a piano solo con alguna incursión a la celeste, el clavecín y el órgano. Siempre es un riesgo ofrecer una hora de piano en solitario sin ningún tipo de acompañamiento, sobre todo cuando se trata de interpretar boogie-woogie, ya que éste es un estilo que no tolera la mediocridad y debe ser siempre ejecutado con buenas dosis de swing para no caer en la monotonía, pero Jean Paul sale airoso de este desafío, ejecutando todos los temas con una gran fuerza y una ilimitada sensibilidad, lo que le confiere un swing, un groove y un ritmo extraordinarios. MUY BUENO. Exceptional piano player with a deep knowledge of boogie-woogie language in its most pure form, style, tradition and approaching, Jean-Paul Amouroux brings us a magnificent album with 21 songs inspired by 30’s and 40’s great masters of blues and boogie-woogie styles. With a fine stylistic elegance, Amouroux walks along the piano keys, driving us to those times where Pete Johnson, Meade Lux Lewis, Jimmy Yancey, Memphis Slim and other great boogie masters were popular and at their pick in this musical genre, which main feature is it catches listeners from the first notes, making them raise up from their seats to dance. With an impressive discography of forty-four records until 2006, for this album Amouroux has collected a series of improvisations recorded in 1994 of boogie-woogie piano except one song he plays with celesta, another with harpsichord and another one with organ. It is always a risk to produce an album with an hour of piano solo with no backing instruments, especially if you play boogie-woogie, an style where mediocrity becomes immediately evident and demands to be performed with a good dose of swing to avoid to fall into monotony, but Jean Paul succeeds in this challenge, playing all songs with an amazing strength and an unlimited sensitivity, which gives a lot of swing, an unbelievable groove and an extraordinary rhythm. GREAT.

Gina Sicilia “Tug Of War”. Blue Élan / Frank Roszak 2017.
He aquí el séptimo álbum de la cantante Gina Sicilia con el que se consagra definitivamente como una de las voces más interesantes del panorama del vigente blues-rock. Durante los años de carrera Gina ha atesorado una gran madurez artística que se ha visto plasmada en todas y cada una de las once canciones de este nuevo disco, de las que ocho han están firmadas por ella. El hilo conductor de este álbum es la complejidad que la vida nos depara a cada uno de nosotros, en este caso de la suya, ya que según palabras de la propia Sicilia durante los últimos tres años ha sufrido mucho debido a una dolorosa y traumática experiencia, lo que hizo que se replanteara su vida y necesitara volver a empezar. Para ello se trasladó a Nashville, un lugar donde nadie la conocía personalmente, para iniciar un nuevo período como cantante y compositora. Este proceso ha hecho que mejorara como artista y a la vez le ha permitido centrarse totalmente en su carrera para de este modo abrir el campo de su música hacia otros estilos que no son estrictamente blues, pero que no por ello dejan de tener un enorme interés para el oyente. MUY BUENO. Here comes the seventh album by singer Gina Sicilia that definitely confirms her as one of the most interesting voices of actual blues-rock. During her years of career Gina has gathered a wide artistic maturity which becomes evident in each and every one of the eleven songs of her new album, eight of them Gina’s own compositions. The common thread of this recording is the complexity of life and especially for her as, according to her own words, she has suffered a lot for the last three years due to a painful traumatic experience, which made her to reconsider her life and feel she had to start again. So she moved to Nashville, a place where no one knew her personally, to begin a new period as singer and songwriter. This process has improved her as artist but, at the same time, has allowed her to completely focus on her career, opening new fields for her music developing other styles which are not strictly blues, but that also have an undeniable interest for most of her followers and general listerners. VERY GOOD.

North Mississippi AllStars “Prayer For Peace”. Legacy / Vizzable 2017.
Desde la publicación de su primer álbum en el año 2000, The North Mississippi AllStars han mantenido viva la llama y la particular tradición del “hill country blues” y de las músicas primigenias del estado de donde provienen. El grupo se fundó en 1996 gracias al empeño del cantante y guitarrista Luther Dickinson y de su hermano el batería, teclista y cantante Cody. Desde entonces se han ganado a pulso el respeto de la comunidad del blues gracias a su extrema sensibilidad musical, su energía sin fin y el potente y poderoso mensaje de positivismo y esperanza. En este nueva entrega la North Mississippi AllStars exploran con desenfreno y sin contemplaciones nuevos ritmos, modos y formas musicales que van mas allá del “hill country blues” contando para ello con un buen puñado de músicos invitados como son los bajistas Dominic Davis, Graeme Lesh y Oteil Burbridge (Allman Brothers Band, Dead & Company), las vocalistas Sharisse Norman y Danielle Nicole y finalmente Shardé Thomas al flautín y la voz, este último hijo de Otha Turner que también tocaba el fife (flautín). Rock, garaje e indie Mississippi blues se funden de la mano de estos contumaces especialistas del género. MUY BUENO. Since their first album that was published in year 2000, The North Mississippi AllStars have kept alive the flame and the special tradition of hill country blues and the original music of the state they come from. The group was founded in 1996 thanks to the involvement and determination of singer and guitar player Luther Dickinson and his brother, drummer, keyboard player and singer Cody. Since then on, they have gained respect of among blues community thanks to their extreme musical sensitivity, endless energy and the powerful message of positivism and hope. In this new work The North Mississippi AllSars wildly explore new rhythms, ways and musical forms that go further up hill country blues, together with a handful of good guest musicians like bass players Dominic Davis, Graeme Lesh and Oteil Burbridge (Allman Brothers Band, Dead & Company), backing vocalists Sharisse Norman and Danielle Nicole and finally Shardé Thomas on fife and vocals, this last one son of Otha Turner who also played fife. Rock, garage and Indie Mississippi blues come together thanks to these fierce Mississippi music performers. VERY GOOD.

Jimmy Barnatán & The Cocooners “Bourbon Church” Gaztelupeko Hotsak 2017.
Si hay algo que el cantante y actor Jimmy Barnatan tiene claro es que su música debe reflejar siempre y en todo lugar su enorme personalidad como hombre libre y rebelde ante el mundo y sus circunstancias. Una forma de ver y vivir la vida en la que cree firmemente y que en el escenario la transforma en pura energía y espectáculo, porque para él no hay música sin espectáculo y no hay espectáculo sin música. Es por ello que Barnatán se siente bastante influenciado por Javier Gurruchaga y la música de la Orquesta Mondragón en general, además de otras muchas influencias que ha ido recibiendo a lo largo de los años. Para plasmar su música cuenta con sus Cocooners formados por Sergio González composición y guitarra, Dani Simons al bajo y Rubén Rodríguez a la batería y para este álbum ha contado asimismo con un grupo de voces femeninas, siete en concreto, a las que ha bautizado como The Cocoonettes. Evidentemente el disco resulta atractivo, Barnatán y sus chicos ponen toda la carne en el asador con un trabajo en el que los cuatro se pasean con comodidad por el funk, la bossa, el gospel, la balada, el country, el rock y por supuesto el blues. MUY BUENO. If there is something singer and actor Jimmy Barnatán is sure about is every time he plays his music needs to reflect his unique personality as a free man as well as his rebel attitude in front of world and life circumstances. This is the way he firmly believes in, so on stage he turns into pure energy and show, because for him there is no music without show and there is no show without music. That is the reason Barnatán has got influences from Javier Gurruchaga and the music of La Orquesta Mondragon, as well as many other influences he has gathered over the years. To display his music the relies on his Cocooners with Sergio González as composer and guitar player, Dani Simons on bass and Ruben Rodriguez on drums. To round up the album he has also counted with a group of seven female voices he has named The Cocoonettes. Undoubtedly this is an attractive album, where Barnatán and his mates work their hearts out to bring us an album where the four musicians feel comfortable playing some funk, bossa, gospel, ballads, country, rock and, of course, blues. VERY GOOD.

The Lucky Dices Band “The Lucky Dices Band”. Self Production 2017.
Cuarteto barcelonés que fundamentalmente enfocan su música hacia el clásico soul de los años 60 y 70, aunque también conocen e incluyen algún que otro blues en su repertorio, como pueden ser ”Way Down In A Hole” o “Messin’ With The Kid”. Liderados por la excelente cantante Rocío Angue, la formación se completa con Toni Mena a la guitarra, Xavi Grau al bajo y Miguel Ballester a la batería. El grupo se formó en el año 2015 y ahora nos presentan este trabajo compuesto por diez temas cuidadosamente seleccionados donde mezclan canciones bien conocidas por el aficionado junto a pequeños tesoros escondidos de la música soul con la que se sienten especialmente motivados. Rocío Angue se muestra como una cantante de amplios recursos y excelente voz que sabe modular según las necesidades del tema que interpreta. El resto de los músicos conocen bien el género que practican y lo plasman de forma sobria pero a la vez eficaz, consiguiendo todos ellos redondear un álbum más que interesante que sin duda satisfará a los amantes del soul, el funk y el blues por lo que mi consejo es que os hagáis con una copia de este su primer álbum. MUY BUENO. Here comes this Barcelona four musician band which mainly focus his music on 60’s and 70’s classic soul, although they also love and include some blues in their repertoire like "Way Down In A Hole" or "Messin' With The Kid”. Led by excellent singer Rocio Angue, the band includes Toni Mena on guitar, Xavi Grau on bass and Miguel Ballester on drums. The group was formed in year 2015 and now they present their first work with ten carefully selected songs, where they tastefully mix well known tunes with small hidden soul music treasures that particularly inspire them. Rocío Angue reveals herself as singer with good vocal resources and an excellent voice she knows to modulate depending to the song she performs. The rest of musicians show a good knowledge of the style they play and they display in a restrained but at the same time effective way, getting to round up a more than interesting album that will undoubtedly delight all soul, funk and blues music lovers, so my advice is to get a copy of this good album. VERY GOOD.

Oscar Wilson “One Room Blues”. Airway 2017.
Aunque grabado en el 2017 este es un disco que por su concepción y sonido parece sacado de aquellas viejas grabaciones de los años cincuenta de sellos como Specialty, Chess o Modern y, además, es fruto de una simple casualidad. El saxofonista Sam Burckhardt había sido contratado para tocar en la edición de 2017 del Basel Blues Festival en Suiza. Sam se puso enseguida manos a la obra y contactó con el guitarrista Joel Paterson para formar una banda para tal evento. Ambos decidieron reclutar una serie de músicos de Chicago que, por diversas circunstancias, no habían tenido jamás la oportunidad de tocar juntos. Estos músicos fueron el vocalista Oscar Wilson que se mostró entusiasmado con la idea, Pete Benson al órgano y piano, Beau Sample al bajo y Alex Hall a la batería. De ahí surgió la idea de grabar este disco para presentarlo en el festival. El resultado de esta unión y del buen ambiente que se generó entre todos los músicos se puede ahora saborear y degustar en estas magnificas sesiones de blues a la vieja usanza, con un excelente repertorio y un auténtico y sobrio sonido que impacta en el oyente desde las primeras notas del álbum,. Si te gusta el blues de ayer de hoy y de siempre, no puedes desperdiciar la ocasión de hacerte con una copia de este disco tan especial. MUY BUENO. Although It has been recorded in 2017 this is an album that, for its conception and sound, could belong to those old 50’s recordings coming from Specialty, Chess or Modern labels and, besides, it is the result of some lucky circumstances. Sax player Sam Burckhardt was booked to play at 2017 Basel Blues Festival in Switzerland. He got in touch with Joel Paterson to form a band for that particular event. Both decided to recruit a number of Chicago blues musicians who, for different working reasons, never had the opportunity to play together on a band. These musicians were singer Oscar Wilson who immediately felt enthusiastic with the idea, Pete Benson on organ and piano, Beau Sample on bass and Alex Hall on drums. Together they decided it was a good idea to record this album to be presented at the festival. The good atmosphere among all the musicians and the good music they played together can now be savoured and enjoyed along these magnificent old time blues sessions, including an excellent repertoire with a restrained genuine sound that will catch listeners from the first album notes. If you like yesterday, today and forevermore blues, you certainly cannot miss the opportunity to get a copy of this so special and interesting album. GREAT.

The Mark Cameron Band “Live At Blues On The Chippewa” COP / Blind Raccoon 2017.
Aquí nos llega la nueva producción de The Mark Cameron Band. Posiblemente esta banda no sea muy conocida para los aficionados y supongo que, con este trabajo, su propuesta se hará mas cercana para muchos de vosotros para, de este modo, familiarizarse con ellos. De hecho, no tenían pensado realizar ninguna grabación pero, en agosto del año 2016, fueron contratados para tocar en el Blues On The Chippewa. Allí el equipo de sonido era magnífico y el bajista de la banda Scott Lundberg arregló las cosas para que el técnico de sonido grabara la actuación en directo. Después seleccionaron diez temas propios mas una versión de la canción “Killin’ Floor” de Howlin’ Wolf y de esta forma quedó completado el álbum que estamos ahora comentando y que les sirve como presentación a nivel internacional. Además de Mark Cameron a la voz, guitarra y composición, se encuentran Bill Keyes a la armónica y voz, el ya mencionado Scott Lundberg al bajo y voz, Dan Schroeder a la batería y Sheri Cameron a la flauta, percusión y voz. Todos ellos consiguen conectar con el público gracias a sus propias composiciones que interpretan con honestidad y sin fatiga. A ello le añaden un toque de humor que casa muy bien con ellos. BUENO. Here comes The Mark Cameron Band new work. Possibly they are not well known among fans so I guess this recording will make them become more popular. In fact, they did not have in mind to produce any recording but, in August 2016, they were booked to play at Blues On The Chippewa. Audio equipment was superb there, so band bas player Scott Lundberg managed with sound technicians to record the band set. After the show they chose ten own compositions of the repertoire plus their version of the song "Killin' Floor" coming from Howlin' Wolf and the album we have on hand was ready and serves to introduce the band at an international level. Besides Mark Cameron on vocals, guitar and composition, the rest of musicians are Bill Keyes on harmonica and vocals, the previously mentioned Scott Lundberg on bass and vocals, Dan Schroeder on drums and Sheri Cameron on flute, percussion and vocals. All of them manage to connect with the audience with their own songs performed with sincerity and honesty and a particular sense of humour that matches very well with their own personality. GOOD.

Guy Bélanger “Traces & Scars”. Bros / Sarah French 2017.
Este es el séptimo álbum del compositor y virtuoso armonicista Guy Bélanger. En este disco Guy ha incluido diez composiciones instrumentales cuyas formas estilísticas se mueven entre el folk y el blues, junto a otros dos excelentes temas, uno de ellos cantado por Luce Dufault. Para la realización del disco Guy Bélanger se ha rodeado de un buen puñado de instrumentistas muy capacitados que se ponen al servicio del líder con diligencia y disciplina. Estos músicos son André Lachance a las guitarras, Marc-André Drouin al bajo, guitarras y piano y Michel Roy a la batería y percusión. Con este álbum Guy quiere celebrar sus victorias personales pero también asumir sus fracasos y miserias que las tiene como todo buen hijo de vecino, mostrando los pasos que le han llevado al éxito y las cicatrices que la vida le ha ido deparando en el transcurso del tiempo. El cd es una muestra de la calidad de este intérprete que le ha llevado a ser reconocido con numerosos premios a lo largo de su dilatada carrera. Un disco cargado de buenas sensaciones, sosegado y listo para ser saboreado con tranquilidad y sin prisas. MUY BUENO. This is the seventh album of song writer and virtuoso harmonica player Guy Bélanger. For this album Guy has chosen ten instrumental compositions, with stylistic forms that move between folk and blues, plus two other great songs, one of them sung by Luce Dufault. In this recording Guy Bélanger is surrounded by a handful of real able instrumentalists who put their knowledge, always with commitment and self engagement, to enhance the leader’s skills. These musicians are André Lachance on guitars, Marc-André Drouin on bass, guitar and piano and Michel Roy on drums and percussion. With this recoding Guy wants to celebrate his personal victories but also assume the failures and miseries he and all of us suffer, showing the traces that have driven him to succeed and the scars of the fights life has brought him. The cd becomes a good example his undeniable quality which has led him to be recognized with numerous awards along his long career. This is an album that comes full of good delightful feelings, ready to be calmly savoured many times with no hurry. VERY GOOD.

The Mojo Glove “No Half Steppin’. Self Production 2017.
The Mojo Glove es una banda madrileña que se pone al servicio de interpretar groove y blues para de este modo mostrar que en España existen buenos músicos para presentar dichos estilos con dignidad y profesionalidad. Para ello han grabado este álbum que incluye doce canciones con el que simplemente desean rendir homenaje a algunos de sus grandes maestros como son Albert Collins, Eddie Taylor, Ronnie Earl, Chris Cain, Sean Costello, Earl Hooker, Snooks Eaglin, T-Bone Walker, Grant Green o Little Charlie Baty. Viendo los músicos a los que rinden tributo, el resultado no puede ser otro que un buen disco de blues con algunas incursiones al groove, el jazz o el funk, donde todos los participantes lucen y muestran su conocimiento y profesionalidad en la interpretación. La banda está formada por Sergio Álvarez García a la guitarra y voz, David Nogales García al piano, Gabriel Ramos Samudio al bajo y Pablo García Villuendas a la batería. A ellos se les han añadido una serie de músicos invitados bien conocidos de la escena madrileña que han contribuido a realzar un trabajo ya de por si bien concebido y de fácil escucha. MUY BUENO. The Mojo Glove is a band coming from Madrid who put themselves to the service of groove and blues music to show there are good musicians in Spain able to perform these styles with grace and professionalism. To prove it they have recorded this album that includes twelve songs where they simply want to give homage to some of the great masters which have influenced them like Albert Collins, Eddie Taylor, Ronnie Earl, Chris Cain, Sean Costello, Earl Hooker, Snooks Eaglin, T-Bone Walker, Grant Green or Little Charlie Baty. Looking at the musicians they pay homage, the result can only be good blues album with some drops of groove, jazz or funk, where all musicians show their knowledge and performing professional skills. The band is formed by Sergio Alvarez Garcia on guitar and vocals, David Nogales Garcia on piano, Gabriel Ramos Samudio on bass and Pablo García Villuendas on drums. You will also find in the recording a number of well-known guest musicians of Madrid scene who contribute to enhance a well conceived enjoyable album. VERY GOOD.

Andy T Band “Double Strike”. American Showplace Music 2017.
El veterano guitarrista Andy T nos presenta un nuevo disco de una calidad y una solvencia contrastadas plagado de grandes músicos y con excelentes momentos llenos de blues de alto nivel cualitativo. Para ello Andy ha contado con los cantantes Alabama Mike en seis temas y Nick Nixon, cantante habitual de su banda, en los siete restantes. Junto a ellos aparecen también Larry Van Loon y Mike Flanagin al piano y Hammond, Johnny Bradley al bajo y contrabajo, Jim Klingler a la bateria, Anson Funderburgh a la guitarra, Greg Izor a la armónica y una sección de vientos formada por Kazz Kazanoff, John Mills y Al Gómez. Con estos mimbres el resultado no puede ser otro que una cesta rebosante y plagada de excelentes frutos musicales en forma de blues ya sea en menores, shuffles o slows. Son trece temas, la mayoría de ellos originales, junto a algunas versiones que los músicos tejen con lucidez y efectividad. Si te gusta el blues tradicional con arreglos actuales en plena vigencia tanto en su concepción como en su puesta en escena, entonces este disco colmará completamente todas tus expectativas. Un álbum que no tiene desperdicio y que no defraudará a nadie con un mínimo gusto e interés por el blues bien interpretado. BUENISIMO. Veteran guitar player Andy T comes back with a new album that proves his quality and reliability, which also includes a good number of great musicians and excellent intense bluesy moments. Andy has recruited singers Alabama Mike in six tracks and his band singer Nick Nixon in the other seven songs. The rest of musicians are Larry Van Loon and Mike Flanagin on piano and Hammond, Johnny Bradley on bass and double bass, Jim Klingler on drums, Anson Funderburgh on guitar, Greg Izor on harmonica and a horn section including Kazz Kazanoff, John Mills and Al Gomez. With these wickers the result cannot be other than an overflowing basket full of excellent musical blues fruits, either in minor keys, shuffles or slows. Thirteen songs, mostly original ones, as well as some versions all musicians weave with an effective cleverness. If you like traditional blues with actual arrangements and an amazing strength both in its conception and development, then this album will fulfil all your expectations. This is an album with not a bad single note on it that will not disappoint tasteful listeners interested in good blues. GREAT.

Charlie Morris “The Bluescoast Sessions”. Bluescoast 2017.
Después de una animada velada con jam session incluida en el Dean Hermain’s Green Iguana, a la que acudieron grandes músicos de alto nivel, el cantante y guitarrista Charlie Morris pensó que aquellos momentos intensos, únicos, irrepetibles y llenos de magia, esos momentos que solamente aparecen de vez en cuando en una jam session, tenían que quedar plasmados en un álbum. La idea fue tomando forma y consistencia en la cabeza de Charlie hasta el punto de llegar a quitarle el sueño, así que Morris fue invitando a algunos de sus músicos favoritos a participar en su proyecto. Durante años y siempre que el tiempo y las circunstancias lo permitían, el legendario Panda Studio se convertía en una especie de club donde no faltaba la comida, la bebida y, por supuesto, el ambiente propicio y relajado de una jam session. Lógicamente el álbum se grabó sin ensayos ni tomas alternativas, por lo que el resultado no pudo ser más refrescante y satisfactorio, recogiendo una música abrasadora y de alta calidad. Mas de veinticinco músicos desfilan a lo largo de los quince temas que componen el álbum entre los que podemos citar a Alan Craig, Betty Fox, Bill Wharton, Damon Fowler, Dave Reinhardt, Jimmy Griswold, Lucky Peterson, Rob McDowell, Shawn Brown o Tom Bell. Un disco magnífico donde la espontaneidad y la esencia del blues, del rock y del country quedan capturadas en este excelente trabajo. MUY BUENO. After a lively evening on an amazing jam session at Dean Hermain's Green Iguana, with high-level great musicians, singer and guitar player Charlie Morris thought those intense, unique, unrepeatable and full of magic moments that only appear from time to time on a jam session, had to be captured in an album. The idea was gradually taking shape in Charlie’s mind till the point it kept him up at night, so Morris decided to invite some of his favourite musicians to participate in his project. Over the next years, when time and other circumstances let him, legendary Panda Studio became a kind of smoky club, with lots of food, drinks and specially, the most favourable atmosphere to play in a relaxing jam session. As you may think, the album was recorded with no rehearsals or alternative takes, so the result was totally cool and satisfying, gathering the most burning and high quality music. More than twenty five musicians can be found along the fifteen songs that round up the album, such as Alan Craig, Betty Fox, Bill Wharton, Damon Fowler, Dave Reinhardt, Jimmy Griswold, Lucky Peterson, Rob McDowell, Shawn Brown or Tom Bell among others. This is a magnificent album where the spontaneous essence of blues, rock and country is reflected in every single song. GREAT.

Paul Dougherty “Spankin’ Hankin’“. Bake It Black 2017.
Aquí llega raudo y veloz el nuevo trabajo del veterano cantante y guitarrista de Nashville que, en la actualidad reside en Munich, Paul Dougherty. El álbum es una perfecta y conseguida simbiosis de blues, swing, gospel, country y roots music, donde Paul da rienda suelta a toda su emotiva creatividad. Para ello Dougherty se ha aplicado con sus cinco sentidos en brindar al público un trabajo expuesto con buen criterio, gusto y fantasía. En el álbum aparecen influencias de músicos como Ray Charles, Tom Waits, Les Paul y por supuesto Hank Williams del que Paul ha seleccionado algunas de sus canciones menos conocidas. Además de la producción y la grabación, Paul también toca todos los instrumentos y lo hace con un resultado final del que muy probablemente Hank Williams se hubiera sentido orgulloso y le hubiera felicitado. Son un total de catorce canciones interpretadas con verdadera honestidad, en las que Paul Dougherty consigue transmitir al oyente todo el ambiente intimista y relajado que este artista está dispuesto a compartir con todo aquel que quiera rendirse ante su música. MUY BUENO. Like a speedy car, here comes the new piece of work by Nashville veteran singer and guitar player now living in Munich, Paul Dougherty. The album is a perfect combination of blues, swing, gospel, country and roots music, where Paul gives free rein to all his emotional creativity. Paul Dougherty has put his five senses on it to provide to all his listeners a well developed album he has done with a clever good taste and imagination. The recording shows deep influences of musicians like Ray Charles, Tom Waits, Les Paul and, of course. Hank Williams, Paul has chosen some of his lesser-known songs. Besides production and recording, Paul also plays all the instruments with a final result that probably Hank Williams would have felt proud of. You will find fourteen songs all them performed with a truly honesty, where Paul Dougherty manages to communicate listeners all the intimistic and relaxed atmosphere he is willing to share with all those who want to get caught by his music. VERY GOOD.

The Románticos “Good Vibrations”. Gaztelupeko Hotsak 2017.
The Románticos es una banda del norte de España que se mantiene fiel a la auténtica tradición del blues. Liderados por el cantante, compositor y guitarrista Iker Piris, todos los músicos de la banda sienten, viven y están totalmente inmersos en este estilo ahora ya centenario como es el blues. Este álbum ofrece una interesantísima amalgama de estilos tan básicos en la música negra afroamericana como son los shuffles, los sonidos del rhythm and blues de New Orleans, el blues rural, o el jump blues de la costa oeste. La buena labor de Iker a la voz y la guitarra se completa con el sonido cálido, denso y envolvente que le proporcionan Ricky Ávila al bajo y Adrián Carrera a la batería. Para la realización de este álbum el trío ha contado con la colaboración de Julián Kanevsky a la guitarra slide, Juan Ortiz a los teclados y la sección de vientos conocida como Los Broken Brothers en algunos cortes. Un disco que nos brinda la ocasión de penetrar en lo mas profundo del alma de The Románticos, donde la madurez y el buen gusto se dan cita, así como palpar la progresión de su líder, lo que nos confirma que estamos ante una banda más que interesante en el panorama del blues nacional. MUY BUENO. The Románticos is a group coming from the north of Spain, which remains faithful to the genuine blues tradition. Led by singer, songwriter and guitar player Iker Piris, all band musicians feel, live and are totally immersed in old real blues style. This album offers a very interesting mixture of Afroamerican black music basic styles such as shuffles, New Orleans rhythm & blues sounds, rural blues or West Coast jump blues. The good work of Iker Piris on vocals and guitar is completed with the warm, thick and wrapping sound of Ricky Avila on bass and Adrian Carrera on drums. To round up the album the trio has counted with the collaboration of Julian Kanevsky on slide guitar, Juan Ortiz on keyboards and a horn section known as The Broken Brothers in some cuts. This is an album that will give us the opportunity to go deep into The Románticos music and soul, where maturity and good taste come together and also makes us realize the good progression of the band leader, that confirms we are facing a more than interesting band of Spanish blues scene. GREAT.

Dan Livingstone And The Griffintown Jug Addicts “Dan Livingstone And The Griffintown Jug Addicts”. Self Production 2017.
Dan Livingstone es un cantante y virtuoso guitarrista que domina el estilo fingerpickin’ y también el dobro, que alterna en estas grabaciones con dinamismo y mucha soltura. Junto a su banda acústica The Griffintown Jug Addicts recrean con maestría, intensidad y pasión el ragtime, el roots blues, el swing e incluso se atreven a coquetear con los espirituales. Es así como estos músicos van creando una atmósfera y un clima cálido que va ‘in crescendo’ imbuido de todo aquel ambiente en el que la simplicidad y la diversión eran elementos esenciales del quehacer diario de la gente de color en aquellos los viejos tiempos. Además de Dan Livingston a la voz, dobro y guitarra acústica, la banda se completa con Julia Narveson al washtub bass y vox, Brad Levia al washboard y vox y Colin Perry a la guitarra acústica y banjo. Asimismo intervienen un par de invitados en la canción “I Like My Chicken Frying Size” como son Dom Desjardins al banjo y Jérome Dupuis-Cloutier a la trompeta. Un disco delicioso, con bellos temas de Fred McDowell, Reverend Gary Davis o Blind Blake, todos ellos interpretados desde el fondo del corazón con honestidad y un profundo respeto y conocimiento del género. MUY BUENO. Dan Livingstone is a singer and virtuoso guitar player who mastery knows fingerpickin' style, as well as dobro, he combines in this recording with a loose dynamism. Together with his acoustic band The Griffintown Jug Addicts, he and the group mastery perform with intensity and passion ragtime, roots blues, swing and they even dare to play spirituals. In this way the musicians create a warm atmosphere that gradually grows up filled with that particular environment where simplicity and fun were essential elements in those old times black people daily lives. Besides Dan Livingston on vocals, dobro and acoustic guitar, the band also includes Julia Narveson at the washtub bass and vox, Brad Levia on washboard and vox and Colin Perry on acoustic guitar and banjo. A couple of guest musicians collaborate in the song "I Like My Chicken Frying Size", Dom Desjardins on banjo and Jerome Dupuis-Cloutier on trumpet. This is a delicious album, with beautiful songs coming from Fred McDowell, Reverend Gary Davis or Blind Blake, all of them performed from the bottom of their hearts with honesty and a deep respect and knowledge of these particular styles. GREAT.

Jason Ricci & The Bad Kind “Approved By Snakes”. EllerSoul / Frank Roszak 2017.
Entre los aficionados al blues Jason Ricci es bien conocido como un más que interesante cantante y virtuoso armonicista de la nueva escuela moderna donde los ‘overblows’ suelen estar muy presentes en su fraseo. Ahora nos presenta un álbum muy personal, que se aparta casi totalmente del blues en cuanto a forma, métrica y concepto, a pesar de que éste estilo siempre está presente en toda su obra. En el disco que comentamos Ricci experimenta y da rienda suelta a todos sus devaneos y fantasías musicales, y lo hace con la imaginación más calenturienta y excitante de la que puede hacer gala, que plasma con una impactante brutalidad a la que el oyente puede no estar acostumbrado. A lo largo de los once temas que se incluyen podemos descubrir el lado más oscuro de este provocador artista, que nos deja ver su calidad para de este modo sumergirnos en universos oníricos y llenos de secretismo. Por si todo esto no fuera poco, las letras de las canciones son tremendamente crudas y explicitas, en ellas Jason destila veneno suficiente como para pervertir al oyente, contribuyendo todavía más a completar un álbum tremendamente duro e inquietante. MUY BUENO. Jason Ricci is well known among blues fans as a more than interesting and virtuoso singer and harmonica player belonging to the new actual school, where the overblowing technique is always present in their phrasing. Now he brings us a very personal album, which mostly turns away from blues in formal definition, concept and metrics, although this style can always be found in his work. In this particular album Ricci experiments and gives free rein to all his musical fantasies and deliriums, and he does it with the most feverish and exciting imagination he can boast displayed with an impressive brutality listeners can’t be used to. Along the eleven album songs you will discover the darker side of this provocative artist, which will enable you to see his undeniable quality but at the same time immerse you in his oniric and secret universe. If all this were not enough, the song lyrics are extremely crude and explicit, where Jason distils poison enough to pervert listeners, which contribute to complete a terrific, extremely hard and disturbing album. VERY GOOD.

The Cash Box Kings “Royal Mint”. Alligator 2017.
Liderados por el excelente armonicista y también cantante Joe Nosek, The Cash Box Kings nos ofrecen, en este su debut para el sello Alligator, un recital de genuino blues del Chicago mas vintage y auténtico que se pueda imaginar y al que no le faltan aportaciones de apasionado Delta blues, brillante rock ‘n’ roll y lo que ellos llaman ‘bluesabilly’ que es una mezcla del blues de Chicago y del tradicional rockabilly de Memphis de principios de los años cincuenta. Desde su fundación en Wisconsin junto a otro de los pilares de la banda, el cantante Oscar Wilson, la banda se ha ganado un reconocido prestigio que ahora se ve culminado con esta impresionante grabación para Alligator. Trece temas, seis de ellos originales de Nosek mas uno de Wilson, y el resto versiones de Robert Johnson, Muddy Waters, Junior Wells, Clifton Chenier, Amos Milburn y Jimmy Reed, hacen de este álbum una auténtica joya imprescindible para cualquier aficionado al sonido de los viejos blues de la ciudad del viento. El plantel de músicos que aparecen a lo largo del disco es asimismo impresionante, todos ellos verdaderos conocedores del género como Oscar Wilson a la voz, Joe Nosek armónica y voz, Billy Flynn y Joel Paterson a las guitarras, Kenny Smith y Mark Haines como baterías y Brad Ver al bajo y contrabajo. Junto a ellos desfilan como invitados Lee Kanehira al piano y órgano, Mel Ford a la guitarra rítmica, Alex Hall a la batería y la sección de vientos The C-Note Horns. El disco está dedicado a la memoria del maravilloso pianista Barrelhouse Chuck, tristemente desaparecido y que fue miembro de la banda. IMPRESCINDIBLE. Led by amazing harmonica player and good singer Joe Nosek, The Cash Box Kings bring us their first recording for Alligator Records. The album becomes an incredible parade of genuine, vintage and real Chicago blues, together with tasteful contributions to passionate Delta blues, rock 'n' roll and what they call 'bluesabilly' they define as a mixture Chicago blues and early 50’s Memphis traditional rockabilly. Since the band foundation in Wisconsin by Nosak and singer Oscar Wilson, they have gained an undeniable prestige that now reaches its peak with this impressive album for Alligator. Thirteen songs, six of them Nosek’s own song plus one by Wilson, and the rest versions of songs coming from Robert Johnson, Muddy Waters, Junior Wells, Clifton Chenier, Amos Milburn and Jimmy Reed, make it a must for any Windy City old times blues sound lovers. The list of musicians involved in the album is really impressive, all experienced masters of the genre, like Oscar Wilson on vocals, Joe Nosek on harmonica and vocals, Billy Flynn and Joel Paterson on guitars, Kenny Smith and Mark Haines as drummers and Brad View on bass and double bass. You will also find some guest musicians like Lee Kanehira on piano and organ, Mel Ford on rhythm guitar, Alex Hall on drums in one song and the horn section The C-Note Horns. The album is a tribute to lovely piano player and band member Barrelhouse Chuck, who sadly passed away some time ago. ESSENTIAL.  

Little Willie Farmer “I’m Coming Back Home”. Wolf 2017.
Aprovechando su viaje a Memphis en 2017 para recoger el premio ‘Keeping The Blues Alive’ otorgado por la Blues Foundation, Hannes Folterbauer, propietario de la compañía austríaca Wolf Records, hizo un pequeño alto en el camino en Duck Hills, Mississippi, para visitar a Little Willie Farmer, un bluesman completamente desconocido y del que apenas nadie había oído hablar fuera de su circulo de amistades y fieles seguidores de sus actuaciones los fines de semana en el circuito de juke joints de la zona. De hecho Hannes lo había descubierto en youtube, quedando gratamente impresionado por su voz y su forma de tocar la guitarra. La ocasión fue propicia para grabar este álbum ‘in situ’, es decir en casa de Farmer con solamente un pequeño equipo de grabación, recogiendo en catorce canciones y con fidelidad absoluta todo el sabor, el espíritu, el ambiente y el magnetismo del blues mas profundo del Mississippi. Nacido en 1959, Little Willie Farmer es un verdadero exponente de esos bluesmen que todavía se pueden descubrir en esas pequeñas aldeas del Mississippi junto a otros músicos como Johnnie Billington, Jimmy ‘Duck’ Holmes, McKinney Williams, Arion Babybell o Sam Scott entre otros que, después del duro trabajo diario, pasan su tiempo tocando blues o simplemente enseñando los secretos del blues del Delta a los chicos negros de la comunidad. MUY BUENO. During his trip to Memphis in 2017 to receive Blues Foundation ‘Keeping the Blues Alive’ award, Hannes Folterbauer, owner of Austrian record label Wolf Records, took a break in his journey at Duck Hills, Mississippi, to visit Little Willie Farmer, an unknown bluesman few people have heard about, except his close circle of friends and the faithful followers of his weekends shows in old local juke joints. In fact, Hannes had discovered him on youtube, and he was impressed by his voice and the way he played guitar. So it was the right time to record this album 'in situ', that is to say, in Farmer’s house with only a small recording set, to collect fourteen songs that faithfully gather and reflect all the flavour, the spirit, the atmosphere and the magnetic attraction of deep Mississippi blues. Born in 1959, Little Willie Farmer is a true representative of those bluesmen who can still be discovered in Mississippi small villages, together with other musicians like Johnnie Billington, Jimmy 'Duck' Holmes, McKinney Williams, Arion Babybell or Sam Scott among others who, after daily hard work, spend their spare time playing blues or simply teaching Delta blues secrets to community young black people. GREAT.

Willa Vincitore And Company “Better Days”. Building / Frank Roszak 2017.
La cantante y compositora Willa Vincitore se curtió durante años en la banda de Chris O’Leary. Después de iniciar su carrera en solitario Willa ha conseguido una legión de seguidores y admiradores en la zona del valle del Hudson, gracias a sus composiciones en las que mezcla con buen gusto y criterio blues, soul, rock y funk pero, sobre todo, gracias a su increíble voz que brota con una energía y una fuerza totalmente arrolladoras y se convierte en una locomotora de fabricar excelentes registros. La voz de esta mujer ha sido comparada con la de Susan Tedeschi, Shemekia Copeland, Bonnie Raitt e incluso con la de Janis Joplin. Hacía ya tiempo que sus muchos seguidores reclamaban que grabara un álbum y ahora Willa ha complacido estos deseos llevando a cabo este proyecto que se ha convertido en su primer disco, en el que ha contado con un nutrido grupo de músicos que en todo momento han puesto su genialidad al servicio de esta inmensa vocalista. Sin ningún género de dudas esta primera grabación de Willa Vincitore conseguirá atraer la atención de muchos de los medios especializados, así como del público en general. MUY BUENO. For many years, singer and songwriter Willa Vincitore hardened and got experience as member of Chris O'Leary’s band. Then she started a solo career and, since then on, she has got a legion of followers and fans along Hudson Valley area, thanks to her good own compositions where she tasteful and cleverly mixes blues, soul, rock and funk but, over all, thanks to her incredible voice that flows with the overwhelming energy and strength of an engine that manufactures excellent wide vocal ranges. She has often been compared to Susan Tedeschi, Shemekia Copeland, Bonnie Raitt, and even Janis Joplin. For a long time her many followers claimed she should publish an album and now Willa has fulfilled her fans expectations with a project that has ended with her first album, where she has counted with the collaboration of a bunch of musicians who have put their tasteful knowledge to the service of this amazing singer. Undoubtedly Willa Vincitore’s debut album will call the attention of most of the specialized media as well as general audiences. GREAT.

Joseph Veloz “Offerings”. Big O / Frank Roszak 2017.
Joseph Veloz es un versátil y ecléctico bajista que se siente cómodo en diversos géneros musicales como el blues de Chicago, el swing, el reggae, el groove, el jazz rock, el funk o el rhythm and blues. Por si ello fuera poco hay que destacar también que posee un alto y valioso potencial creativo y una imponente presencia escénica. Todo esto se encuentra en este álbum en el que Joseph se ha encargado de escribir muchos de los arreglos y realizar el trabajo de producción. Como Joseph Veloz no es cantante, ha querido invitar a algunas voces de alto nivel que dan fuerza y realzan algunas de las canciones que nos presenta en este álbum. Vocalistas como Biscuit Miller, Lucky Peterson, Greg Nagy, Jennifer Westwood y Joey Spina desfilan a lo largo del álbum dejando tras de si su mágica impronta e innegable calidad interpretativa. Aunque el álbum sólo incluye ocho temas, estos son suficientes para valorar muy positivamente la calidad de este músico que sabe lo que quiere y como lo quiere y que se ha rodeado de un puñado de músicos con una calidad fuera de toda duda. Este es uno de esos discos que durante mucho tiempo dejan en el oyente un grato sabor de boca. MUY BUENO. Joseph Veloz is a versatile and eclectic bass player who feels comfortable in a wide range of musical genres like Chicago blues, swing, reggae, groove, jazz rock, funk or rhythm and blues. And if this was not enough, it is important to highlight he has been gifted with a valuable and high creative potential as well as an incredible stage presence. All these qualities can be found in this album, where Joseph has also written most of the arrangements and he is responsible of final production too. As Joseph Veloz is not a singer, he has invited some first class voices which give strength and enhance some of the album songs. Vocalists like Biscuit Miller, Lucky Peterson, Greg Nagy, Jennifer Westwood and Joey Spina come along the album, giving their magical hallmark and undeniable performing quality. Although the album only includes eight tracks, there are enough to let us give very positive words of a musician who knows what he wants and how to get it, who is also surrounded by a handful of musicians with a more than interesting quality. In short words, this is one of those albums which will satisfy and please most listeners for quite a long time. GREAT.

Jeff Dale & Jeff Stone “The Southside Lives”. Pro Sho Bidness / Bluestone 2017.
El cantante y guitarrista Jeff Dale y el armonicista Jeff Stone nacieron y se criaron en el southside de Chicago. Son amigos desde la infancia, más exactamente desde que tenían siete años. Ambos crecieron escuchando y viendo tocar en directo a Muddy Waters, Hound Dog Taylor, Howlin’ Wolf, J.B. Hutto o Koko Taylor por hacer una pequeña referencia al ambiente que vivieron desde sus jóvenes años. Sus vidas han estado siempre relacionadas con el blues, Dale tocando en las bandas de Lowell Fulson, Pee Wee Crayton y Etta James hasta formar su propio grupo y Stone regentando el legendario club de blues Babe & Ricky’s Inn. o bien acompañando a Charlie Love o el Reverendo KM Williams. Curiosamente sus carreras musicales nunca habían coincidido, hasta que finalmente se han encontrado ahora en este disco que incluye once temas originales de Jeff Dale basados todos ellos en las historias que le contaba uno de sus mentores y buen amigo el gran Honeyboy Edwards. En este álbum Jeff Dale está a la guitarra, cigar box y voz, junto a Jeff Stone que sopla la armónica y juntos han desarrollado un álbum acústico, intimista y lleno de complicidad que les transporta a aquellos años en que ambos adolescentes se sentaban juntos para ver, disfrutar, escuchar y aprender de los bluesmen históricos del lugar. MUY BUENO. Singer and guitar player Jeff Dale and harmonica player Jeff Stone were born and grew up in Chicago southside. They were friends since childhood, exactly since they were seven years old. Both listenned the same music and often they saw live shows by artists like Muddy Waters, Hound Dog Taylor, Howlin' Wolf, J.B. Hutto or Koko Taylor, so you can easily imagine the musical background they could enjoy in their young years. Their lives have always been involved with the blues, Dale played in the bands of Lowell Fulson, Pee Wee Crayton and Etta James and he also found his own group, while Stone managed legendary blues club Babe & Ricky's Inn and he also backed Charlie Love or Reverend KM Williams. Curiously their musical careers never met, until finally they have now matched up in this recording that includes eleven original Jeff Dale’s songs based on the stories told by one of his mentors and good friend, great Honeyboy Edwards. In the album you will find Jeff Dale on guitar, cigar box and vocals while Jeff Stone blows harmonica. Together they develop an acoustic, intimistic album, performed with an incredible complicity that drives them and all listeners to those years where both teens sat together to watch, enjoy, listen and learn from the historical bluesmen who lived there. VERY GOOD.

King Bee “The Beginning”. Hivemaster 2017.
Fantástico y descarnado sonido ‘raw’ es el que transmiten los músicos de esta banda llamada King Bee que hacen del blues algo personal y dinámico, además de interpretar con descaro el rock y el funk más directo que se practica hoy en día en el sur de Alabama. La banda ha irrumpido con fuerza en el panorama del blues, después de haber quedado finalistas en el International Blues Challenge del año 2017. En este su primer álbum cuyo titulo no puede ser más expresivo y adecuado, incluyen seis canciones de su propia autoria mas cuatro covers muy bien escogidos, todos ellos bien equilibrados y atractivos. Curiosamente las canciones que interpretan nos transportan a los mas variados paisajes estilísticos del sur, canciones que parecen sacadas de una iglesia evangelista del sur, o bien canciones que podrían estar interpretadas en el viejo porche de una cabaña de Georgia o canciones que uno podría escuchar en un destartalado juke joint, pero todas ellas con la fuerza suficiente para animar una fiesta de un sábado noche cualquiera… Todo esto y mucho más es lo que se puede encontrar y saborear en la música de estos músicos que parecen estar ya curtidos por la música, la cerveza y el Bourbon. La banda está formada por Jeff Cummings a la armónica y voz, Dan Cunnigham a la guitarra y voz, Emery Kidd al bajo, congas y voces y AJ “Maestro” Hebrev a los teclados y batería. El disco se completa con algún músico invitado y una eficaz sección de vientos. MUY BUENO. Fantastic gritty and raw sound is what the musicians of this new band named King Bee communicate, to make their blues something very personal and dynamic, fiercely performing the most straightforward rock and funk you can now find in southern Alabama. The band has strongly appeared in blues scene, after reaching the final at 2017 International Blues Challenge. In this first album with an appropriate and expressive title, they have included six well balanced attractive own songs and four well chosen covers, songs that drive us to the most varied stylistic deep south landscapes, from a southern Baptist church to those songs you could listen to in a Georgia old back porch, or songs that could be played at a wooden juke joint, but all them with power enough to make us dance at a Saturday night party… All that and many more things is what you will find and enjoy in the music performed by all band musicians who look like as if they have got experience by playing music and drinking beer and bourbon. The band members are Jeff Cummings on harmonica and vocals, Dan Cunnigham on guitar and vocals, Emery Kidd on bass, congas and vocals and AJ "Master" Hebrev on keyboards and drums. In the album you will also findf a couple of guests and a powerful horn section. VERY GOOD.

Theo & The Boogie Sinners “Made With Greece”. Self Production / Michael Limnios 2017.
Como todos sabemos, en la actualidad el blues goza de buena salud en el territorio europeo, prueba de ello es que cada vez mas proliferan buenas bandas de blues en todos y cada uno de los países del viejo continente y por eso desde Grecia nos llega el segundo trabajo de Theo & The Boogie Sinners. Liderada por el guitarrista, cantante, compositor Theo Alexiou, en la actualidad son uno de los grupos de referencia en su país. La banda ha realizado también giras por New Jersey, New York y Florida con una mas que buena aceptación, apadrinados por uno de sus mentores, el veterano Tommy McCoy. Blues pesado, hipnótico y contundente desfila por este disco con distintas visiones y colores del blues de Chicago y del sur en general. El disco contiene once canciones originales de la banda escritos en colaboración con Tommy McCoy durante el verano del 2015. La formación está compuesta por Theo Alexiou guitarra y voz, Kostas Tenezos a la armónica, Dimitris Georgopoulos al bajo y John Dimoulas a la batería. Con este álbum el grupo quiere abrirse paso internacionalmente y demostrar que el idioma del blues está también presente en Grecia sin tener nada que envidiar al de otros países. MUY BUENO. It is accepted and well known blues is now in good health all over Europe, which is proved by the increasingly growing of good blues bands in every European country. From Greece comes the second album by Theo & The Boogie Sinners. Led by guitar player, singer and songwriter Theo Alexiou, thy have now become one benchmark group in their country. They have also toured with a good acceptance along New Jersey, New York and Florida with the clever advice of one of their mentors, veteran Tommy McCoy. Hard, hypnotic, straightforward blues can be found in this album, which covers different visions and colours of Chicago and southern blues. Eleven band original songs written in collaboration with Tommy McCoy during the summer of year 2015 round up the recording. The musicians are Theo Alexiou on guitar and vocals, Kostas Tenezos on harmonica, Dimitris Georgopoulos on bass and John Dimoulas on drums. With this album, the group wants to open international doors and show the blues language is in good form in Greece and has anything to envy to the blues played in other countries. VERY GOOD.  

Delta Wires “Born In Oakland”. Mudslide / Mark Pucci 2017.
Lo que empezó como un proyecto estudiantil del líder de esta banda Ernie Pinata en Oakland, creando un pequeño combo para mostrar la evolución del blues desde el que interpretaban aquellos aparceros que trabajaban en los campos de algodón del Mississippi hasta Chicago o el West Coast, se ha convertido hoy en una banda de siete músicos donde la sección de vientos y la armónica adquieren una relevancia y un protagonismo muy especial. A pesar de practicar un blues muy actual, no dejan de lado los orígenes del sonido primigenio del Delta. El nombre de la banda se inspira en la imagen de un grupo electrificado con un repertorio muy actual que pretende a la vez sonar añejo, vintage y muy excitante, además de buscar en todo momento que su música sea original, versátil y auditivamente impactante, hasta tal punto de dejar marcado a sangre y fuego el corazón y el alma de cualquier oyente que escuche su música y sus canciones. Este es el séptimo álbum del grupo y muestra su total madurez, tanto en sus composiciones como en los arreglos que incluyen en todas ellas. En la actualidad Delta Wires está formado por Ernie Pinata a la armónica y voz, Tom Gerrits al bajo y voces, Richard Healy a la guitarra, Tony Huszar a la batería, congas y tambourine, Gerry Jonutz al saxo alto y barítono, David Bowman al trombón y John Christensen a la trompeta. ¡Un muy buen álbum, si señor! MUY BUENO. What started as a student project by band leader Ernie Piñata in Oakland, forming a small young combo to show the blues evolution since the time it was played by Mississippi cotton fields workers to Chicago and West Coast blues, has now become a seven musicians band, where the horn section and harmonica prevail and have a very outstanding role. In spite they perform a very actual blues repertoire, they do not leave aside the original Delta sound. The band name reflects the image they want to communicate, that is to say, they are an electrified band with a 21st century sound which, at the same time, aims to get a vintage very exciting as well as original, versatile and  impressive sound, which will mark with blood and fire listeners hearts and souls with their music and songs. This is their seventh album which clearly shows the band full maturity, both in compositions and songs arrangements. Delta Wires include Ernie Piñata on harmonica and vocals, Tom Gerrits on bass and vocals, Richard Healy on guitar, Tony Huszár on drums, congas and tambourine, Gerry Jonutz on alto and baritone sax, David Bowman on trombone and John Christensen on trumpet. ¡A very good album, indeed! GREAT
 

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