LA HORA DEL BLUES

CRITICAS CD's TRIMESTRALES / QUARTERLY CD's REVIEWS

Esta página pretende dar a conocer las novedades discográficas que se publican en el mercado del blues nacional e internacional, que son las mismas que mes a mes se van radiando en el programa y aparecen en nuestra "playlist". Desde aquí podéis visitar las webs de los sellos, de las bandas, de los músicos, o bien sus obtener sus mails para poder contactar con ellos y comprar sus discos. Estas críticas se renuevan mensualmente y permanecen en esta página durante todo un trimestre.

Todas las reseñas anteriores realizadas desde el año 2000 hasta la actualidad (más de 5.000) se encuentran recogidas y archivadas en la página "Criticas Anteriores"

Como podéis ver, además de la reseña, cada cd lleva la clasificación que le corresponde (siempre desde un punto de vista subjetivo, ya que no pretendo sentar cátedra), así como su web o, en su defecto, la dirección o mail.
"La Hora del Blues" es un programa que pretende popularizar, expandir y dar a conocer, a través de las "ondas" en Barcelona y de Internet en cualquier parte del globo, esta música maravillosa que el pueblo afroamericano ha legado, no sólo a los suyos, sino también a todos los que a través del blues vemos un camino para reflejar nuestros sentimientos.... y también porque no, si músicos, grupos, sellos discográficos, distribuidores, aficionados... etc. pueden verse favorecidos de una manera u otra desde estas páginas, mi felicidad habrá sido completa.

QUARTERLY CDS REVIEWS

The aim of this section is to share news of national and international blues new releases. In fact they are the CDs that are on air on La Hora Del Blues each month and they can also be found on the "playlist". These reviews are renewed monthly and stay three months on line.
You will find here a "guideline" that summarizes the most outstanding features of each CD. This will allow people around the world to receive some knowledgeable information before buying new releases.

All previous reviews written since year 2000 (more than 5.000) are collected and filed at the "Previous Reviews" page.

Each CD is "classified" (always done from a subjective point of view as it is not our purpose to give lessons or pontificate) as well as giving it’s website or contact address or e-mail.
"La Hora del Blues" is a blues radio show whose sole purpose is to make blues well known all over the world through radio waves here in Barcelona and through the internet. We hope that everyone can enjoy this wonderful music that is the gift the Afroamerican people have given to the human race, and especially to all of us that by and through the blues see a way to express our feelings. If musicians, bands, labels, record companies, distributors, fans and blues lovers all over the world can enjoy and be helped in any way by these pages, my dream will have been realized. Thank you all.

La Hora del Blues does NOT post reviews of CDs that do not meet radio airplay standards for quality and content. And due to the volume of CDs we receive we cannot guarantee that all CDs received will be reviewed.

Mayo - Abril - Marzo 2018 / May - April - March 2018

MAYO 2018 / MAY 2018

Homesick James “The Sensational Recordings - Shake Your Money Maker”. Wolf 2018.
Hoy en día en que la música es accesible desde cualquier plataforma digital y el aficionado puede confeccionar sus propias listas de canciones, se hace más necesario que nunca la publicación de álbumes que recojan la historia del blues y sus nombres más relevantes. Este es el caso de la compañía austriaca Wolf Records que, desde hace varias décadas, no ceja en el empeño de ofrecer a los aficionado excelentes grabaciones históricas de grandes bluesmen que forjaron este estilo, como es el caso del disco que ahora presentan del gran bluesman Homesick James, representante del mas puro y genuino blues del Chicago South Side. El álbum incluye doce temas grabados en 1979 y 1980 en Austria y otros cinco grabados en Chicago por Christoph Steffl y Hannes Folterbauer propietario de Wolf Records y merecido ganador del premio Keeping The Blues Alive, que otorga anualmente la Blues Foundation a aquellas personas o entidades que llevan toda una vida trabajando por mantener viva la llama del blues. La mayoría de las canciones nos presentan a Homesick James tocando la guitarra y cantando en solitario, mientras en otras está acompañado por su inseparable compañero en el blues, el maravilloso cantante y armonicista Snooky Pryor y en algunas más por Hans Dujmic a la guitarra y Fritz Ozmec a la batería. Un disco histórico que debe tener un lugar destacado en la colección de cualquier aficionado al blues más genuino. IMPRESCINDIBLE. Today that music is available from any digital platform and interested people can download and build up their own song lists, it becomes more necessary than ever that record labels publish albums that let people know the blues history and their most relevant names. This is the case of Austrian label Wolf Records which, for several decades, devotes their efforts to the incredible task of giving excellent historical recordings by the great bluesmen who forged this style to blues followers, as is the case of the album they present now by great bluesman Homesick James, one of the greatest representatives of the most genuine Chicago South Side blues. The album gathers twelve songs recorded in 1979 and 1980 in Austria and five other recorded in Chicago by Christoph Steffl and Hannes Folterbauer, Wolf Records owner and deserved winner of the Keeping the Blues Alive Awards by the Blues Foundation that every year recognize people or organizations which have devoted a lifetime working to keep the blues alive. Most of the songs present Homesick James playing guitar and singing solo, while in some others he is backed by his inseparable blues partner, great singer and harmonica player Snooky Pryor. Finally, in some other ones you will also find Hans Dujmic on guitar and Fritz Ozmec on drums. This is an historical recording that deserves a prominent place in any genuine blues lover collection. ESSENTIAL.

Vance Kelly “How Can I Miss You, When You Won’t Leave”. Wolf 2018.
Si uno está en la ciudad del viento y quiere escuchar buen blues contemporáneo de Chicago, hay que buscar algún club de la ciudad donde actúe Vance Kelly y dirigirse hasta allí. Si se sigue este consejo seguro que no quedará defraudado al verle actuar, pues Vance ofrece un repertorio basado en el blues de doce compases, el rhythm and blues y el funky-soul mas caliente e incendiario que uno pueda escuchar. Nacido en el west side de Chicago en 1954, el cantante, compositor y guitarrista Vance Kelly ha desarrollado prácticamente toda su carrera musical en esta ciudad, aunque tampoco le han faltado giras y conciertos a nivel nacional e internacional. Este es el sexto disco grabado para la compañía austriaca Wolf Records y presenta a un Vance Kelly más innovador que nunca, con un repertorio de catorce temas cuidadosamente elaborados con su particular seña de identidad sonora. Además de Vance Kelly  a la voz y a la guitarra, impulsando y dando fuerza a su sonido nos encontramos también a Gary Salomón y Charles Kimble a los saxos, Johnny Cotton al trombón, John Walls a los teclados, Drum Dayrock al bajo, Johann Ross Jr. y De Shun Burns a la batería y Ethel Reed voces. Inmenso Kelly en este nuevo trabajo que seguro entusiasmará a los buenos aficionados. MUY BUENO. If you are in the windy city and you want to listen to good contemporary Chicago blues, you will have to look for a city club where Vance Kelly plays that night and immediately go there. If you follow the advice you will not be disappointed, because Vance always gives a hot flaming repertoire based on good twelve-bar blues, rhythm and blues and funk-soul. Born in Chicago west side in 1954, singer, songwriter and guitar player Vance Kelly has mostly developed his musical career in that city, although he has also done tours and venues at national and international level. This is the sixth album recorded for Austrian label Wolf Records. This last recording shows a more innovative Vance Kelly than ever, on a repertoire of fourteen carefully build up songs that show his personal identity. Besides Vance Kelly on vocals and guitar, you will find a strong powerful band with Gary Solomon and Charles Kimble on sax, Johnny Cotton on trombone, John Walls on keyboards, Drum Dayrock on bass, Johann Ross Jr. and Shun Burns on drums and Ethel Reed on backing vocals. Vance Kelly looks superb along this new recording, that will thrill all fans. GREAT.

Three Hours Past Midnight “You Can Stay But The Noise Must Go”. Blues Power 2018.
Siempre es una satisfacción descubrir nuevas bandas de bñlues europeas en las que sus músicos son extremadamente jóvenes pero dotados de gran madurez musical y talento. Este es el caso de Three Hours Past Midnight, una banda formada en diciembre de 2012 en Ginebra, Suiza y cuyo músico de mas edad es su guitarrista Laurent Gillieron quien, siendo solamente un niño, quedó maravillado y prendado de los músicos de blues que pudo escuchar durante en Festival de Montreux del año 1982. El resto de la banda se compone de los jovencísimos Juliana Tarris a la voz, Antoine Gillieron al bajo y Baptiste Paracchini a la batería. En el álbum intervienen también The Atomic Horns formados por Alberto Oliva al trombón y Larry Lee al saxo, además de unos invitados de lujo como son Anson Funderburgh a la guitarra, Gentleman John Street al piano y órgano, Sugar Ray Norcia a la armónica, Anthony Geraci al piano y Monster Mike Welch a la guitarra, en un tema cada uno. El grupo suena fresco, vital y excitante. Todos los músicos muestran sus ganas de pasarlo bien y comunicar su alegría a lo largo de las catorce canciones del álbum en las que se puede encontrar un poco de todo, desde blues a rock ‘n’ roll pasando por un poco de swamp pop. Un grupo que habrá que tener en cuenta en un futuro próximo. MUY BUENO. It is always a pleasure to discover new European blues bands where musicians are extremely young but they have already got a big musical maturity and talent. This is the case of Three Hours Past Midnight, a band formed in December 2012 in Geneva, Switzerland, whose older musician is guitar player Laurent Gillieron who, when he was only a child, was totally amazed and fascinated by blues musicians he could see at 1982 Montreux Festival. The rest of the band includes really young musicians as Juliana Tarris on vocals, Antoine Gillieron on bass and Baptiste Paracchini on drums. The album also includes The Atomic Horns with Alberto Oliva on trombone and Larry Lee on sax, besides some deluxe guests like Anson Funderburgh on guitar, Gentleman John Street on piano and organ, Sugar Ray Norcia on harmonica, Anthony Geraci on piano and Monster Mike Welch on guitar, each one on a song. The band sounds fresh, exciting and with a huge vitality. All the musicians show they want to have a good time together and communicate their joy in the fourteen album songs, where you will find a little bit of everything, from blues to rock 'n' roll and even some swamp pop. This is a band to be taken into account in the next future. GREAT.

Carolyn Gaines “Beware Of My Dog”. Polka Dot / Blind Raccoon 2018.
Carolyn Gaines proviene de una familia musical de rancio abolengo. Su padre, el ilustre guitarrista y cantante Roy Gaines acompañó tanto a Billie Holiday como varios años mas tarde a Diana Ross, y su tío, el saxofonista Grady Gaines, ha tocado con Little Richard, Sam Cooke, Gladys Knight y The Supremes entre otros. Su padre la inició en el mundo del blues con los discos que la familia poseía de Bessie Smith. La buena de Carolyn aprendió a cantar los blues escuchando con atención todos aquellos discos de la Emperatriz y de otras cantantes, aunque nunca pensó dedicarse profesionalmente a la música. A lo largo de los años ha realizado muchas actividades relacionadas con el blues y la música en general, participando en programas educativos de blues para las escuelas, ha publicado innumerables artículos y entrevistas, ha trabajado en publicidad y promoción de conciertos y ha sido manager tanto de su padre como de su tío. Sin embargo su carrera no hubiera sido completa si no hubiera decidido sacar a la luz su vena como cantante, lo que ha hecho con indudable calidad y acierto en este su primer álbum. Respaldada por una banda de gran calidad entre los que encontramos a su primo Grady Gaines Jr. y Big Jay McNeeley, ambos al saxo tenor, Carolyn interpreta once temas en los que despliega toda su fuerza, emoción y calidad vocal con unos matices que en ocasiones pueden traer a la cabeza el recuerdo de Big Mama Thornton. Un fabulosos disco de blues y rhythm and blues que no hay que pasar por alto. MUY BUENO. Carolyn Gaines comes from a family with a huge musical pedigree. His father, well known guitar player and singer Roy Gaines, backed both Billie Holiday and, several years later, Diana Ross, and his uncle, sax player Grady Gaines, performed with Little Richard, Sam Cooke, Gladys Knight or The Supremes among others. His father introduced her in the blues world, making her listen to his Bessie Smith records. Carolyn learned to sing the blues listening attentively to all those albums by the Empress and other singers, although she never thought about starting a music career. Over the years she has carried out many activities related to the blues and music in general, participating in Blues On Schools educational programs, as well as publishing countless articles and interviews, worked in publicity and radio promotion and has worked as manager to both his father and his uncle. However her career would not have been complete if she had not decided to show and share her skills as singer, what she has done now with an unquestionable quality and success in this, her first album. Backed by a high quality band where you will find her cousin Grady Gaines Jr. and Big Jay McNeeley, both on tenor sax, Carolyn performs eleven songs where she shows all her strength, emotional passion and vocal qualities, with some nuances that sometimes could bring to mind Big Mama Thornton’s memory. This is a fabulous blues and rhythm and blues album which should not be overlooked. VERY GOOD.

The Reverend Shawn Amos “The Reverend Shawn Amos Breaks It Down”. Put Together / Blind Raccoon 2018.
Los primeros pasos de Shawn Amos en el variopinto mundo de la música fueron como ejecutivo en Rhino Entertainment, produciendo a artistas como Quincy Jones. Tras el suicidio de su madre en 2003 su vida dio un giro total, ordenándose como Reverendo de la iglesia y asumiendo que la música tenía que ser para él un medio para expresar las ideas de justicia, libertad, comprensión y amor, un mensaje que compartir con todos cuantos quisieran escucharle. Amos descubrió los blues gracias a la trilogía de Peter Guralnick “Feel Like Going Home” y, durante algún tiempo, se dedicó a viajar y recorrer todos aquellos lugares que aparecían señalados en aquellos libros de Guralnick, lo que le dio la oportunidad de descubrir a Howlin’ Wolf, Willie Dixon, Junior Wells o Muddy Waters. El disco nos presenta una colección de nueve canciones realizadas bajo un concepto atrevido y diferente a lo que se suele presentar habitualmente en un álbum al uso. Posiblemente el Reverendo Shawn Amos os abrirá el corazón y el alma a nuevos desafíos sonoros, con unas letras comprometidas para, de este modo, haceros descubrir horizontes que no habríais alcanzado por vuestra propia cuenta. BUENO. Shawn Amos’ first steps in the varied music world were as an executive in Rhino Entertainment, producing artists like Quincy Jones. After his mother commited suicide in 2003, his life took a complete turn, and he became a church reverend, assuming the music had to become the most suitable way to express his ideas of justice, freedom, understanding and love, in a message to share with all those who would like to listen to him. Amos got familiar with the blues thanks to Peter Guralnick’s "Feel Like Going Home" trilogy and, for some time, he devoted himself to travel and visit all those places that were described in Guralnick’s book. This gave him the opportunity to discover Howlin' Wolf, Willie Dixon, Junior Wells or Muddy Waters. This album gathers nine songs performed under a daring concept, quite different from what is usually displayed in a commercial album. Possibly the Reverend Shawn Amos will open your heart and soul to new music challenges and, together with his committed lyrics so, will make you discover new hidden horizons you will not have reached by your own. GOOD.

Johnny Tucker “Seven Day Blues”, Highjohn / Blind Raccoon 2018.
Décimo hijo de diecinueve hermanos, Johnny Tucker aprendió los secretos del blues escuchando a su padre tocar cada día la guitarra para su madre en el porche de su casa, después de una dura jornada de trabajo como granjero. En 1964 viajó a Los Angeles, California donde conoció al cantante y guitarrista de blues Phillip Walker. Allí fue donde empezó su andadura como cantante versionando algunos de los éxitos de James Brown, hasta que entró a formar parte como batería en la banda de Phillip Walker en la que estuvo por espacio de treinta y cuatro años viajando por todo el mundo. Tras la muerte de Walker, Tucker inició su carrera en solitario y ahora nos presenta su segundo álbum que ha sido registrado de forma analógica con un equipo de grabación preparado para tal fin, tal y como se hacia en los años sesenta. El disco recoge de forma fidedigna el sonido y el feeling del blues de aquellos años sesenta y setenta, gracias también a la colaboración de los músicos que le acompañan, perfectos conocedores todos ellos del lenguaje del blues y de lo que Tucker buscaba. Bob Corritore, Kid Ramos, Big Jon Atkinson o Bob Welch son solamente cuatro de los ocho músicos que participan en estas grabaciones efectuadas en una sola toma encerrados todos ellos en el estudio, tocando a la vez y todos en la misma habitación. El disco tiene el maravilloso encanto y el feeling de aquellas añejas grabaciones en las que el blues lo envolvía todo. Aprovecha ahora y emborráchate con el blues más auténtico y fiel de aquellos tiempos, porque desgraciadamente ya no volverá. BUENISIMO. Tenth child of nineteen brothers, Johnny Tucker learned most blues secrets listening to his father playing guitar everyday for his mother at his home porch, after a hard working day as sharecropper. In 1964 he travelled to Los Angeles, California where he met blues singer and guitarist Phillip Walker. It was there where he began his career as a singer, performing James Brown’s hits, until he became drummer in Phillip Walker’s band, playing and travelling all over the world for thirty four years. After Walker passed away, Tucker began his solo career and now he has published his second album recorded in an analogue way with an original recording equipment specially made to do it as it was done during the 60’s. The album faithfully brings us the sound and feeling of 60’s and 70’s blues, also thanks to the valuable collaboration of the musicians who back him, all them masters of the blues language and experts to perfectly develop what Tucker was looking for. Bob Corritore, Kid Ramos, Big Jon Atkinson or Bob Welch are only four of the eight musicians involved in these recordings, which were recorded in one take, with all players locked in the studio, playing all together in the same room. The album brings the wonderful charm and feeling of those old recordings where blues wrapped everything. Take advantage now and get drunk with the most genuine and faithful blues of those times, because unfortunately they will not come back. GREAT.

Billy Walton Band “Soul Of A Man”. Vizztone 2017.
Desde muy pequeño Billy Walton tenía claro que quería dedicarse a la música. Como todavía era un niño y no podía conducir, su madre le acompañaba los fines de semana a los clubs de Long Island y así podía entrar y apuntarse a todas las jams donde no paraba de aprender y asimilar los trucos y las técnicas del blues y del rock. Durante años Billy estuvo perfeccionando y desarrollando su puesta en escena hasta que creyó llegado el momento de presentarse en la competitiva escena musical con su banda, The Billy Walton Band. Con ellos ha realizado trece giras por Europa desde el año 2007 y se ha consolidado en la escena del blues-rock británico, colaborando también con bandas como Southside Johnny & The Asbury Jukes. Con ellos participó en la grabación de “Hearts of Stone”, junto a Little Stevens de la banda de Bruce Springsteen. Recientemente Billy y su grupo han firmado contrato con Vizztone y este es su segundo álbum para esta compañía. Con unos arreglos de metales sencillos pero no exentos de elegancia, Billy Walton a la voz y la guitarra y todos sus músicos consiguen plasmar un trabajo digno y eficaz con el que estoy seguro podrán llegar al público de forma rápida y sin complejos, arrancando una respuesta muy positiva de todos los oyentes. MUY BUENO. Since he was a child, Billy Walton knew he wanted to devote himself to music. As he was a small boy and could not drive, on weekends his mother took him to Long Island clubs so, in this way, he could go in and participate in most jams, where he learned and assimilated all blues and rock techniques and tricks. For years Billy developed and improved his music and stage presence until he thought it was time to appear with his band, The Billy Walton Band, in the competitive music scene. With them he has done thirteen European tours since year 2007 and he has get a name in British blues-rock scene, collaborating with bands like Southside Johnny & The Asbury Jukes. With them he has participate in the recording of "Hearts of Stone", with Little Stevens, member of Bruce Springsteen’s band. Recently, Billy and his group have signed a contract with Vizztone and this is his second album for this label. With some simple but elegant and clever horn arrangements, Billy Walton on vocals and guitar and all his musicians have done a remarkable effective work, which will immediately reach out a wide audience, getting a very positive response from them. GREAT.

Víctor Aneiros “Un Extraño Entre La Multitud”. Gaztelupeko Hotsak 2017.
Partiendo del blues como hilo conductor, Víctor Aneiros compone un discurso ameno, jugoso y atrevido a base de composiciones donde el rock y la música pop interpretadas a la manera de hace tres décadas prevalecen por encima de otros argumentos y estilos. A ese pop español de los noventa como el que gestionaban los hermanos Auseron, de quienes interpreta la canción “La Mala Hora”, Víctor añade también a su música toques coloristas de lo que se viene a catalogar como música ‘americana’. A lo largo de varias décadas el cantante, guitarrista y compositor Víctor Aneiros ha publicado ocho discos con letras cantadas tanto en su lengua natal el gallego como también en inglés o castellano, como es el caso de este último disco, quizás el mas ecléctico de todos los que ha grabado hasta el momento. Aneiros nos ofrece una selección de nueve temas en los que refleja algunas de sus vivencias cotidianas más frecuentes, enmarcadas todas ellas con un despliegue de poderosas guitarras eléctricas, amén de una poesía muy personal y algo arrabalera. Además de Víctor Aneiros a la guitarra y voz, el resto de los músicos son Fran Rey teclados, Víctor Gacio bajo y Marcos Sánchez batería. Víctor Aneiros es un músico que nunca defrauda y ésta vez tampoco lo ha hecho. Dale un voto de confianza y hazte con una copia de su nuevo álbum. MUY BUENO. Based on blues as a strong frame, Víctor Aneiros develops a juicy daring speech along different compositions, where rock and pop music are displayed on a quite similar way as it was done three decades ago, something that prevails over other musical lines and styles. To that Spanish pop of the 90’s, similar to that one used to be handled by Auseron brothers, whose song "La Mala Hora" is included in the album, Victor also adds colourful touches of Americana music. Over several decades, singer, guitar player and songwriter Víctor Aneiros has released eight albums with lyrics sung in his native Galician language, as well as in English and Spanish, which is the case of this last album, perhaps the most eclectic one he has recorded up to date. Aneiros gives us a selection of nine songs that reflect some of his daily experiences, all them surrounded by powerful guitars, together with his personal poetry that sometimes becomes a little bit crude. Besides Víctor Aneiros on guitar and vocals, the other band musicians are Fran Rey on keyboards, Victor Gacio on bass and Marcos Sanchez on drums. Víctor Aneiros is a musician who never disappoints and, once again he will not disappoint you. So, give him a vote of confidence and get a copy of his new album. VERY GOOD.

Peter Karp “Blue Flame”. Rose Cottage / Rick Lusher 2018.
Peter Karp es un notable cantante y guitarrista que, en ocasiones, también se atreve a deleitarnos con la armónica y el piano. Lo cierto es que empezó a destacar cuando Mick Taylor le llamó para formar parte de la gira promocional de su tercer álbum. Después de aquella gira firmó un contrato con Blind Pig Records y grabó también junto a Sue Foley. En este nuevo disco nos presenta trece composiciones originales inspiradas todas ellas en recuerdos de algunas conversaciones que pudo mantener con el legendario bluesman Willie Dixon del que aprendió muchas cosas referidas al blues. En estas canciones emoción, humor y sinceridad se mezclan en buena parte con estilos como el funky rhythm and blues, el southern soul, la música americana y el más trepidante y agresivo blues-rock. Para ello Peter Karp ha contado con la colaboración de una banda muy compacta, además de una serie de invitados como Mick Taylor, Paul Carbonara, Todd Wolfe, Kim Wilson y Dennis Gruenling, músicos todos ellos que, con su buen hacer, han contribuido a redondear un álbum de gran interés y calidad envidiable. MUY BUENO. Peter Karp is a remarkable singer and guitar player who, sometimes, also delights us playing harmonica and piano. The true thing is he started to be a well known musician when Mick Taylor called him play on the promotional tour for his third album. After that tour he signed contract with Blind Pig Records and also recorded together with Sue Foley. In this new album he has included thirteen original compositions, all them inspired in the memories of a conversation with legendary bluesman Willie Dixon, which let him discover many blues secrets. In each one of the album songs true emotion, humour and sincerity perfectly match with music styles like funky rhythm and blues, southern soul, Americana and the most thrilling flaming blues-rock. If that was not enough, Peter Karp has counted with the collaboration of a very compact band, `plus some deluxe guest musicians like Mick Taylor, Paul Carbonara, Todd Wolfe, Kim Wilson and Dennis Gruenling, who, with their good professional work, have contributed to round up a recording of great interest and amazing quality. VERY GOOD.

Patrick Coman “Tree Of Life”. Self Production / Mark Pucci 2018.
El cantante y compositor Patrick Coman publica nuevo trabajo en colaboración con dos de sus mejores amigos y compañeros en la música como son el guitarrista Peter Parcek y el batería Marco Giovino. A ellos se les unen Joe Klompus al bajo y contrabajo, Neal Pawley a la tuba, trombón, lap steel, guitarras y mandolina, Tom West a los teclados, órgano y acordeón y finalmente “Beehine Queen” Christine Ohlman, Kylie Harris y Abbie Barrett a las voces y armonías vocales en algún que otro corte. El disco incluye once composiciones propias y una versión del tema “Magic Mirror” de Leon Russell. La banda se mueve musicalmente por terrenos originalmente sembrados a base de pop-folk, country-swampy-pop, rock ‘n’ roll balsámico y soft-rhythm and blues, todo ello bien mezclado y agitado con gracia y abundante originalidad. Todos los temas propios fueron compuestos en los meses previos y posteriores al nacimiento de la primera hija de Patrick Coman y en ellas Patrick se interroga sobre cual será el devenir de su hija y como este nacimiento hará cambiar su propia vida y existencia. BUENO. Singer and songwriter Patrick Coman publishes a new work in collaboration with two of his best friends and colleagues in music like guitar player Peter Parcek and drummer Marco Giovino. They are joined by Joe Klompus on bass and double bass, Neal Pawley on tuba, trombone, lap steel guitars and mandolin, Tom West on keyboards, organ and accordion and finally “Beehine Queen" Christine Ohlman, Kylie Harris and Abbie Barrett on vocals and vocal harmonies in some cuts. The album includes eleven original compositions and a version of the song "Magic Mirror" coming from Leon Russell. Musically speaking the band moves musically along landscapes originally sowed with pop-folk, swampy country pop, soothing rock 'n' roll and soft-rhythm and blues, all well mixed and combines with taste and a good dose of originality. All own songs were composed in the months before and after the birth of Patrick Coman’s daughter. In them he wonders about what will be the future of his daughter and how this birth will change his own life and the sense of existence. GOOD. 

John Mayall “Three For The Road”. Forty Below / Mark Pucci 2018.
Durante más de cincuenta años en el negocio de la música, John Mayall se ha mantenido activo e incansable en la escena del blues, lo que le ha valido ganarse el apodo de ‘The Godfather of British Blues’. Desde aquellos tiempos de los Bluesbreakers, banda en que incluía en sus filas tipos como Eric Clapton, Peter Green o Mick Taylor, Mayall no ha dejado nunca de amar, investigar e innovar en el género de ‘los doce compases’. Un sinnúmero de discos avalan su constante evolución en la materia como posiblemente ningún otro músico lo ha hecho hasta la fecha. Ahora nos presenta un nuevo álbum en el que ha prescindido de Rocky Athas, su guitarrista habitual en los últimos años, y donde John Mayall está a la voz, teclados y armónica, Greg Rzab al bajo y Jay Davenport a la batería. Esta nueva formación le permite interactuar más a fondo y en conseguir una mayor compenetración con sus dos músicos, creando de esta manera un repertorio de diez canciones muy dinámicas, en el estilo habitual al que Mayall nos tiene acostumbrados. A pesar de su edad John Mayall mantiene la misma ilusión y el mismo coraje que en los años de sus legendarios discos “The Turning Point”, “Looking Back”, “Blues Alone” o “Blues From Laurel Canyon” y ya nos anuncia que, en su próximo álbum, contará de nuevo con guitarristas de primera fila. MUY BUENO. After more than fifty years in the music business, John Mayall still remains active and tireless in the blues scene, which has made him to be known as 'The Godfather of British Blues'. From the time of The Bluesbreakers, which included musicians like Eric Clapton, Peter Green or Mick Taylor, Mayall has never stopped to love, investigate and innovate in the twelve-bars music. A good number of albums prove his continuous evolution in blues, as probably no other musician has done up to date. Now he comes back with a new album where he has not included Rocky Athas, his guitar player in recent years, You will find John Mayall on vocals, keyboards and harmonica, Greg Rzab on bass and Jay Davenport on drums. This new trio format allows him to interact in a more active way and get a fluid communication with his two musicians and, in this way, create a repertoire of ten very dynamic songs, displayed in the usual style Mayall normally does. Despite his age John Mayall keeps the same enthusiasm and strength than in the years of his legendary recordings “The Turning Point”, "Looking Back", "Blues Alone" or "Blues From Laurel Canyon" and he even says he is excited with his next album he is now preparing that, once again, will include first class guitar players. GREAT.

The Bluesbones “Chasing Shadows” Naked 2018.
Siempre es gratificante comprobar el desarrollo y la evolución de la escena del blues europeo. Países como Bélgica ofrecen un amplio abanico de excelentes y poderosas bandas que practican e interpretan el blues en sus más variadas formas y estilos. The Bluesbones aportan naturalidad e imaginación al desarrollo de una particular manera de enfocar un rock-blues de altos vuelos, siempre dotado de mucha originalidad. Su nuevo álbum incluye once composiciones propias que se mueven entre el rock-blues, las baladas, el blues sucio y pantanoso y el rock progresivo. En 2016 The Bluesbones quedaron en segunda posición en el European Blues Challenge celebrado en la villa Horsens (Dinamarca). El grupo está formado por Nico De Cock a la voz, Stef Paglia a la guitarra y voces, Edwin Risbourg al órgano Hammond, Fender Rhodes y voces, Geert Boeckx al bajo y Koen Mertens a la batería. Entre todos forman un conglomerado en el que recrean un sonido envolvente, cálido, fuerte, directo y tremendamente robusto, siempre de forma ávida y risueña, no exenta de una innegable belleza sonora. MUY BUENO. It is always gratifying to realize the development and evolution of European blues scene. Countries like Belgium offer a wide range of excellent powerful bands which perform the blues in the most varied shapes and styles. The Bluesbones bring a natural air full of imagination, which helps them to develop a particular way of approaching a high flying rock-blues repertoire displayed with a good dose of originality. The new album includes eleven original compositions that move along rock-blues, ballads, dirty muddy blues and progressive rock. In 2016 The Bluesbones reached the second place at the European Blues Challenge held in Horsens (Denmark). The bands musicians are Nico De Cock on vocals, Stef Paglia on guitar and vocals, Edwin Risbourg on Hammond organ, Fender Rhodes and vocals, Geert Boeckx on bass and Koen Mertens on drums. All they form a conglomerate that recreates a wrapping strong and warm sound, direct and extremely robust, performed on a eager cheerful way, not exempt of an undeniable beauty. VERY GOOD.

Gregor Hilden Organ Trio “First Take”. Acoustic Music 2018.
Cuando tres excelentes músicos como son el cantante y guitarrista Gregor Hilden, el organista Wolfgang Roggenkamp y el batería Dirk Brand deciden formar un trío en el que el órgano adquiere protagonismo en toda su plenitud y belleza, el resultado no puede ser otro que el de un disco sobresaliente donde la improvisación, el groove, el funk y las influencias del blues y del jazz brillan a gran altura y están presentes en cada uno de los doce temas que integran el disco. Setenta y cinco minutos de música en los que el swing se muestra desbordante. La mayoría de las canciones han sido compuestas por Gregor Hilden, quien fue el iniciador de este proyecto, además de llevar íntegramente a cabo la producción de toda la grabación. La compañía alemana Acoustic Records ha dado nuevamente en el clavo con la publicación de este álbum de un gran nivel interpretativo, donde la técnica, la creatividad y el feeling se dan la mano para satisfacer la demanda de un público ávido y exigente a la hora de escuchar buena música. MUY BUENO. When three excellent musicians like singer and guitar player Gregor Hilden, organ player Wolfgang Roggenkamp and drummer Dirk Brand decide to form a trio where organ gets the main role developing all its fullness and beauty, the result can be no other than an excellent album, where improvisation, groove, funk and blues and jazz influences shine at a very high level. All this can be found in each one of the twelve songs included in the recording. Seventy-five minutes of good music dressed with an overflowing swing. Most of the album songs are Gregor Hilden’s own compositions, but he also was the initiator of the project, besides fully carrying out the whole album production. One more time German label Acoustic Records has hit the nail on the head with the release of a recording of amazing musicians gifted with a high performing level, where technique, creativity and feeling go hand in hand to satisfy the most avid and demanding audiences in the choice of first class music. GREAT.

Ray Austin & Friends “A Piece Of Heaven”. Wonderland 2017.
Ray Austin nació en 1943 en Yorkshire. En 1970 se trasladó a Freiburg, Alemania, donde fundó el Folk & Blues Club. En 1973 empezó a actuar como cantante y compositor publicando cinco discos. A lo largo de todos estos años Ray ha seguido regentando un pub musical y ha trabajado como presentador musical en la radio y la televisión alemanas. En la actualidad toca la trompeta en dos bandas diferentes de jazz, además de cantar, tocar la guitarra y la armónica en una banda de country-folk-blues que lleva por nombre Friends. La compañía germana Wonderland que, si no estoy equivocado, es una subsidiaria de Acoustic Records, publica ahora este álbum en el que Ray Austin da rienda suelta a su fervor por el folk, el rock acústico y el country, rindiendo homenaje a algunos de sus compositores preferidos de estos estilos como son John Prine, Ralph McTell o Bert Jansch, en un total de diecisiete canciones, cuatro de ellas composiciones propias. Un disco con una atmósfera intimista y bucólica capaz de sosegar el cuerpo, el alma y el espíritu, proporcionando la paz necesaria en estos tiempos tan convulsos que nos ha tocado vivir. Un disco en el que intervienen instrumentos an relajantes como el dobro, la mandolina, el violín o el acordeón. MUY BUENO. Born in 1943 in Yorkshire, Ray Austin moved In 1970 to Freiburg, Germany, where he founded the Folk & Blues Club. In 1973 he began to play as singer and composer and he published five records. During all these years Ray has continued running a music pub and working presenting music in German radio and television. Now he plays trumpet in two different jazz bands and he also sings, plays guitar and harmonica in a country-folk-blues band simply named Friends. German label  Wonderland which, if I am not wrong, is a division of Acoustic Records, now publishes this album where Ray Austin gives free rein to all his love to folk, acoustic rock and country music, paying homage to some of his most favourite composers in these styles like John Prine, Ralph McTell or Bert Jansch, on a total of seventeen songs, four of them own compositions. This is an album with an intimate bucolic atmosphere, able to calm body, soul and spirit, providing the necessary peace needed in these troubled times we live in. You will also find such relaxing instruments like dobro, mandolin, violin or accordion along the whole recording. VERY GOOD.

Janiva Magness “Love Is An Army”. Blue Élan 2018.
Una de las voces más prominentes de la escena de la ‘american-roots-music’ contemporánea como es la cantante Janiva Magness, vuelve una vez mas a la primera fila de la escena discográfica con este nuevo trabajo titulado “Love Is An Army” que es el que hace el número catorce de su carrera. En él Janiva tiende un puente entre el pasado y el presente, mezclando el soul de corte clásico y la música country con un sonido muy actual a la vez que reivindicativo. El disco incluye doce canciones impregnadas del rhythm and blues de Memphis que, en algunos momentos, pueden traernos a la memoria el viejo sonido Stax, como es el caso de las canciones “Back To Blue” o “Hammer”, tema este último en el que cuenta con la colaboración del legendario armonicista Charlie Musselwhite.  La música de Nashville está también presente en el tema “On And On”, donde podemos escuchar el maravilloso sonido de la pedal steel de Rusty Young. Además de su propia banda, Janiva cuenta con otros invitados de lujo como son Delbert McClinton a la voz, Cedric Burnside a la guitarra, Courtney Hartman al banjo y Phil Parlipiano al piano. Arropada por todos ellos, la voz de Janiva Magness sobresale por derecho propio con una ingente cantidad de matices que enriquecen este álbum de manera exquisita. MUY BUENO. One of the most prominent voices of contemporary American-roots-music scene like singer Janiva Magness, comes back to the first line of the recording scene with this new work entitled "Love Is An Army" that makes number fourteen published till now. In this recording Janiva builds up a bridge between the past and the present, blending the classic soul and country music with a very actual and, at the same time, vindictive sound. The album gathers twelve songs filled with Memphis rhythm & blues that, sometimes could bring to the mind the old Stax sound, as in the songs "Back To Blue" or "Hammer", this last one with the special collaboration of legendary harmonica player Charlie Musselwhite. Nashville music is also present in the song "On And On", where you will find a delightful pedal steel performed by Rusty Young. Besides her own band, Janiva has counted with some deluxe guests like Delbert McClinton on vocals, Cedric Burnside on guitar, Courtney Hartman on banjo and Phil Parlipiano on piano. Surrounded by all these musicians, the voice of Janiva Magness excels in its own right, displaying an amazing palette of nuances that give exquisite vivid colours to the whole album. GREAT.

Laurie Jane And The 45s “Midnight Jubilee”. Down In The Alley / Frank Roszak 2018.
Louisville en Kentucky es el lugar donde tiene su residencia la banda Laurie Jane And The 45s. En su nuevo álbum titulado “Midnight Jubilee” nos presentan algunos de los ritmos que caracterizan a esta ciudad como son el country soul, el rhythm and blues o el rockabilly. De las trece canciones incluidas en este álbum, diez son composiciones originales del guitarrista, pianista y lap steel Cort Duggins. El resto de la banda está formada por Scott Dugdale percusión, Jason Embry contrabajo y Laurie Jane Duggins voz, una cantante esta última dotada de una voz vibrante y aterciopelada, que sabe controlar y modular para conseguir una completa interacción con la audiencia. A ello se le une una fuerte y comunicativa presencia escénica y un dominio del escenario muy profesional y de un innegable atractivo. En suma, una banda compenetrada y original, con un sonido muy comunicativo aunque a veces resulte algo sombrío a la vez que hipnótico, capaz de enamorar al oyente que se haga con una copia de este disco que aquí comentamos. MUY BUENO. Louisville in Kentucky is the place where Laurie Jane And The 45s band develops his main activities. This new album entitled "Midnight Jubilee" includes some of the rhythms that can be usually found in that city, like country soul, rhythm and blues and rockabilly. Ten of the thirteen songs come from the band guitar, piano and lap steel player Cort Duggins. The rest of the musicians are Scott Dugdale on percussion, Jason Embry on double bass and Laurie Jane Duggins on vocals, this last one shows she is a singer gifted with a vibrant velvety voice, who knows how to control and modulate it to reach a complete interaction with different audiences. Also she has a strong communicative stage presence together with an undeniable attraction and a professional self assurance. This is an original well teamed band which always displays an engaging sound although, sometimes, it becomes a littler bit dark and hypnotic, that will always make listeners fall in love with them if they decide to get a cd copy. VERY GOOD.

Wentus Blues Band “Throwback”. Ramasound 2018.
Sin duda la Wentus Blues Band es actualmente una de las mejores bandas del blues europeo, deudores del mas estricto y goloso blues del west side de Chicago de los años sesenta. Han realizado un montón de giras y actuaciones por Europa y Estados Unidos y se han convertido en una auténtica institución y referentes del blues primigenio en los países escandinavos, incluida Finlandia de donde son originarios. Kim Wilson ha dicho de ellos que interpretan el blues de tal forma que en los Estados Unidos se sentirían orgullosos de ellos. En este último trabajo han querido rendir tributo a algunos de sus héroes y mentores como son Canned Heat, Eddie Kirkland, Louisiana Red, Phil Guy o Carey Bell, interpretando algunas de sus canciones favoritas escritas y compuestas por estos legendarios artistas, hasta completar un total de quince temas que son los que figuran en el álbum, interpretados todos ellos con enorme solvencia, mucho ataque y buena actitud. La banda está formada por Juho Kinaret a la voz, Niko Riippa a la guitarra, Pekka Gröhn a los teclados, Robban Hagnäs al bajo y Daniel Hjerppe a la batería. Un fantástico disco que rezuma auténtico y verdadero blues. MUY BUENO. It is undeniable Wentus Blues Band has become now one of the best European blues groups, greatly indebted of the most original and appetizing 60’s Chicago west side blues sound. They have done countless tours and shows in Europe and USA and they have become a real institution and a primal blues benchmark in Scandinavian countries and especially in Finland where they come from. Kim Wilson once said they perform blues in a way that USA would feel proud about. In this last work they want to honour some of their heroes and mentors like Canned Heat, Eddie Kirkland, Louisiana Red, Phil Guy or Carey Bell, by playing some of their favourite songs written by these legendary artists, to complete a total of fifteen songs that round up the album, all performed with an amazing credit, unbelievable attack and good attitude. The band musicians are Juho Kinaret on vocals, Niko Riippa on guitar, Pekka Gröhn on keyboards, Robban Hagnäs  on bass and Daniel Hjerppe drums. This is a fantastic recording that brings us a good dose of genuine real blues. GREAT.

Ismo Haavisto “The Blues Has Choosen Me”. Lake Water 2018.
Desde el frío y bello país de Finlandia nos llega el último y más reciente trabajo de Ismo Haavisto, que reúne diez temas originales tanto en la música como en la letra, dos de ellos interpretados en solitario y el resto en formato de trío. Haavisto canta, toca las guitarras y también desliza su bottleneck por las cuerdas y sopla asimismo la armónica, mientras que Ville Vallila se encarga de tocar el bajo y apoyar con su voz algunos temas y Mikko Järvinen está a la batería, el washboard y la percusión. Ismo Haavisto representó a Finlandia en el European Blues Challenge del año 2012 celebrado en Berlín. El siguiente año participó también en el International Blues Challenge que anualmente organiza la Blues Foundation en Memphis Esta grabación ofrece al buen aficionado la oportunidad de apreciar las dos facetas de este artista, en formato acústico y en eléctrico, con una variedad de sonoridades bien diferentes entre si, aportando con su buen hacer novedosos y sugestivos sonidos y matices al nuevo blues del siglo XXI. MUY BUENO. From the cold and beautiful country of Finland comes the last and most recent piece of work by Ismo Haavisto, that gathers ten own compositions, both in music and lyrics, two of them performed solo and the rest on a trio format. Haavisto sings, plays guitar, slides his bottleneck on the guitar strings and he also blows harmonica, while Ville Vallila does a good work on bass and backing vocals in some cuts and Mikko Järvinen is responsible of drums, washboard and percussion. Ismo Haavisto represented Finland at 2012 European Blues Challenge in Berlin. The following year he also participated at the International Blues Challenge that is yearly organized by the Blues Foundation in Memphis This recording gives the opportunity to all good fans to enjoy Ismo Haavisto’s two facets, that is to say, in electric and acoustic format, with a variety of quite different sounds, that with its innovative and evocative music full of colourful nuances contribute to widen the new blues of the twenty-first century. VERY GOOD. 

Bernard Allison “Let It Go”. Ruf 2018.
Sin duda Bernard Allison tuvo un gran maestro en su padre, el legendario cantante y guitarrista Luther Allison, de quien ha heredado su particular y bien timbrado tono de voz, además de su magistral fraseo y sonoridad con la guitarra. Con el paso de los años Bernard Allison ha consolidado su carrera de forma imparable y hoy en día se ha convertido en uno de los nombres destacados del panorama del blues actual. Con este disco Bernard vuelve al sello alemán Ruf Records, el mismo que en 1994 acogió a su padre, devolviéndole a la primera línea de los bluesmen negros americanos en Europa, como ya lo había hecho años atrás el sello francés Black And Blue cuando Luther grabó aquel delicioso e inolvidable LP titulado “Love Me Papa”. Volviendo al disco que nos ocupa, Bernard Allison ha ganado en madurez y creatividad y este álbum es buena prueba de ello, gracias a un repertorio en el que el blues y el funky-blues adquieren un protagonismo esencial y en el que Allison ha prescindido de instrumentación adicional como teclados o sección de vientos para ofrecernos el blues mas personal y descarnado. Bernard Allison está a la voz y guitarras, John T. McGhee como segundo guitarrista, George Moye al bajo y Mario Dawson batería y percusiones varias. La química surgida entre todos ellos y el buen trabajo de todos ellos se hace evidente en este destacable álbum. MUY BUENO. Bernard Allison had a great master in his father, legendary singer and guitar player Luther Allison. He has inherited his particular and well pitched vocal tone, besides his masterful guitar phrasing and sound. As years have gone passing by Bernard Allison has consolidated his career and today he has become one of the mist prominent names of actual blues scene. With this album, Bernard comes back to German label Ruf Records, the same one that, in 1994, served as home to his father and made him return to the first line of Afroamerican bluesmen in Europe, as some years before also did French label Black And Blue where Luther recorded that delicious and unforgettable LP called "Love Me Papa". Coming back to the album, Bernard Allison has gained in maturity and creativity and the whole recording proves it, with a repertoire where blues and funk-blues get a prominent essential role. For the album Allison decided not to include additional instrumentation like keyboards or a horn section, to display his most personal raw and fundamental sound. Besides Bernard Allison on vocals and guitars, the band musicians are John T. McGhee on rhythm guitar, George Moye on bass and Mario Dawson on drums and percussion. The chemistry as friends and bandmates, together with their good work, becomes evident along this remarkable recording. GREAT.

Kike Jambalaya & The Swanee River Band “Back Home Again”. Rockanbole    ///   Kike Jambalaya “Hard Times”. Snap   ///   Kike Jambalaya “Rock ‘N’ Roll Brother¨". Snap.
Si hay un pianista en España que domina el rockabilly, el boogie woogie, el swing, el pop, el rock ‘n’ roll o el estilo de New Orleans, este es sin duda Kike Jambalaya, un pianista completo y ecléctico como pocos pueden presumir, con un dominio elegante y un fraseo rico y expresivo que hace las delicias de todos los que le escuchan, ya sea enlatado o en vivo y en directo, además de ser un vocalista más que notable y nada afectado.
Tenemos en las manos tres de sus discos. En el primer álbum que lleva por titulo “Back Home Again” Kike está acompañado por The Swanee River Band y en él recrea el sonido del Tin Pan Alley de New York, donde el ragtime, el jazz y las baladas populares contribuyeron a crear esos inolvidables standards de ayer de hoy y de siempre como por ejemplo “Stormy Weather”, “You Made Me Love You” o “Tootsie”, grandes joyas y perlas impagables de aquellas primeras décadas del pasado siglo.
El segundo disco titulado “Hard Times” nos presenta su faceta ‘american folk roots music’ en la que se dedica a repasar y recrearse en canciones de músicos como Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan, Johnny Cash, Kris Kristofferson, Randy Newman, John Lee Hooker, Tom Waits, llegando incluso a versionar al propio Bruce Springsteen, aunque dando siempre un toque mas rock al repertorio que propone. En el álbum Kike muestra su resistencia emocional y psicológica, impulsando toda la furia y el salvaje feeling del que puede ser capaz un hombre cuyas raíces provienen del rock and roll. En el disco Jambalaya nos muestra de forma fehaciente su habilidad, no solamente como pianista, sino también como guitarrista, instrumento junto al dobro que toca a lo largo de todo el disco.
Finalmente en su tercera entrega cuyo titulo es “Rock ‘N’ Roll Brother!” nuestro hombre vuelve a sus orígenes con un álbum dedicado completamente al puro, duro, desnudo y desgarrado rockabilly, con algunas concesiones al country como en los temas “You Win Again” o “Cold Cold Heart” de Hank Williams o también “Folsom Prison Blues” de Johnny Cash y guiños al rhythm and blues como “Good Rockin’ Tonight” de Roy Brown. Un álbum intenso, poderoso, divertido y bailable donde el swing invade los sentimientos mas primitivos.En definitiva, tres discos a cual mejor que nos permiten apreciar la enorme dimensión y la versatilidad de este excelente músico llamado Kike Jambalaya, además de poder comprobar que todos los músicos que le acompañan poseen un alto nivel cualitativo. BUENISIMOS. If there is a piano player in Spain who really knows how to play rockabilly, boogie woogie, swing, pop, rock 'n' roll or New Orleans, undoubtedly is Kike Jambalaya, an eclectic player with a rich elegant control as few musicians can show, who is also gifted with an expressive phrasing that will delight listeners, either in his recordings or in his live shows, besides singing with a remarkable unaffected voice.
Here come three Kike Jambalaya’s albums. In the first one entitled "Back Home Again" he is backed by The Swanee River Band. The album drives us to those times of Tin Pan Alley in New York City, where ragtime, jazz and popular ballads were the germ to create those unforgettable all times standards like "Stormy Weather", "You Made Me Love You" or "Tootsie", that have now become priceless treasures coming from those last century early
The second album, "Hard Times" shows us his facet as an American folk roots music performer He develops his skills in songs coming from musicians like Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan, Johnny Cash, Kris Kristofferson, Randy Newman, John Lee Hooker, Tom Waits and he even dares with Bruce Springsteen, but always giving to every song a more rockin’ air. In the album Kike shows his emotional psychological resistance, pushing out all the furious wild feelings a man whose roots come from rock and roll is able to do. Jambalaya displays his amazing qualities, not only as a piano player, but also as a guitar and dobro performer, he also plays in every album song.
Finally, in the third recording, "Rock 'N' Roll Brother!", our man comes back to his roots with an album entirely devoted to pure, hard, undressed and wild rockabilly, with some approaches to country music as in the songs "You Win Again" or "Cold Cold Heart" coming from Hank Williams or "Folsom Prison Blues" by Johnny Cash or a tribute to rhythm and blues like in the song "Good Rockin' Tonight" by Roy Brown. This is an intense, powerful, joyful and dancing album, where swing steeps the most primitive feelings.
In short words, three amazing albums that make us realize the mastery knowledge and versatility of this excellent musician named Kike Jambalaya, as well as be aware of the high quality level and professional work of all the musicians who back him. GREAT.

Boo Boo Weavils “Mud & Honey”. Self Production 2018.
Afincados en la zona de Madrid, los Boo Boo Weavils han surgido con fuerza arrolladora en el panorama del blues español, gracias al conocimiento del género y el plantel de buenos músicos que forman la banda. Alba Castillo a la voz aporta una gran dosis de fuerza y energía, mientras que Francisco Javier Gonzalo a la guitarra y Chema Contreras al bajo muestran su experiencia acumulada en ocho intensos años con la banda The Forty Nighters. A ellos se les une un multiinstrumentista como es Benito Diaz a la batería, quien en todo momento consigue el beat y el groove adecuados para que todos los temas suenen compactos, aportando solidez e intensidad al sonido del grupo y que en este disco también toca guitarra acústica en la canción “Deadlines”, armónica, guitarra acústica y bajo en “It Ain’t Me, Babe” y todos los instrumentos en “Getting Colder”. Para este nuevo disco han seleccionado nueve temas, seis de ellos composiciones propias, más tres versiones, “Voodo Woman” de Koko Taylor, “Nutbush City Limits” popularizada por Ike & Tina Turner y “It Ain’t Me, Babe” de Bob Dylan. Todos los temas se mueven entre el grasiento blues, el soul más primigenio o el original rock and roll que, en definitiva, son los estilos que más les gustan y en los que se sienten realmente cómodos.  MUY BUENO. Coming from Madrid area, The Boo Boo Weavils emerge with an overwhelming force in the Spanish blues scene, thanks to their knowledge of the good musicians who form the band. Alba Castillo on vocals brings a good dose of strength and energy, while Francisco Javier Gonzalo on guitar and Chema Contreras on bass show the experience they have gathered along eight intense years in The Forty Nighters band. They are joined by multi-instrumentalist Benito Diaz on drums, who always gives the real beat and groove to produce a compact sound in every cd song, providing strength and intensity to the group, but also playing other instruments, as acoustic guitar in the song "Deadlines", harmonica, acoustic guitar and bass in "It Ain't Me Babe" and all the instruments in "Getting Colder." The recording includes nine songs, six own compositions and three versions, "Voodoo Woman" coming from Koko Taylor, "Nutbush City Limits" a hit by Ike & Tina Turner and "It Ain't Me, Babe," by Bob Dylan. All songs move along greasy blues, primitive soul and original rock and roll which, in fact, are the styles they most like and feel really comfortable with. VERY GOOD. 

Jesper Theis “Narrow Line”. Straight Shooter 2018.
De vez en cuando uno se encuentra con una agradable sorpresa en forma de disco. Este es el caso del músico danés Jesper Theis que me ha sorprendido gratamente con esta su primera propuesta discográfica titulada “Narrow Line”. El álbum se compone de dos partes diferentes que se grabaron en dos sesiones bien diferenciadas, realizadas ambas en el estudio de Tommy Leino en Finlandia. La primera de ellas es completamente acústica, con Jesper Theis a la guitarra y voz y Peter Nande a la armónica. En la segunda sesión semi-acústica, la voz y la guitarra de Jesper Thais se funden al contrabajo de Jaska Prepula y la batería y la percusión de Mikko Peltola, además de contar con Tommy Leino como segundo guitarrista y Jakob Munch Mortensen al trombón, ambos en algunas canciones. Toda esta combinación musical y de esmerada cercanía musical al entorno del blues, se presenta envuelta en atractiva y elegante fantasía, donde se recogen momentos muy cálidos dotados de emotiva intimidad, además de una profunda y mágica belleza. Actualmente Jesper vive en Vilanova y La Geltrú (Barcelona) donde ha empezado a colaborar con músicos locales como el armonicista y cantante Xiscu Rubio. MUY BUENO. From time to time one gets a pleasant surprise listening to a new album. This is the case of Danish musician Jesper Theis, I have been pleasantly surprised with this first recording entitled "Narrow". The album is divided in two different parts that were recorded in two different sessions, both in Tommy Leino’s studios in Finland. The first one is totally acoustic, with Jesper Theis on guitar and vocals and Peter Nande on harmonica. In the second semi-acoustic recording session, Jesper Thais’ voice and guitar perfectly match with accurate work of Jaska Prepula on bass and Mikko Peltola on drums and percussion, also including Tommy Leino as second guitarist and Jakob Munch Mortensen on trombone, both in some songs. This musical combination of careful closeness approach to blues music is wrapped with an attractive elegant fantasy, where you will find warm emotional moments, together with a deep magical beauty. Jesper is living now in Vilanova y La Geltrú (Barcelona, Spain) and has started collaborations with local musicians like singer and harmonica player Xiscu Rubio. VERY GOOD.
 

            ABRIL 2018 / APRIL 2018

Charles Ponder “Ponder In The Spotlight”. Inside Sounds 2017.
Si hoy en día existe un artista versátil e inquieto en la escena de Memphis, sin duda es el cantante Charles Ponder. Desde ópera hasta funk, Charles ha interpretado los más variados estilos que uno pueda imaginar. También ha participado en numerosas grabaciones como “Art Of The Motorcycle: Songs Of The Open Road” y ha contribuido destacadamente en los estupendos volúmenes dos y cuatro de la colección “Fried Glass Onions: Memphis Meets The Beatles”, en la que se interpretan temas de los Beatles con ritmos y arreglos tanto del soul de Memphis como del sonido Stax. Apasionado del teatro musical y de los grupos doo-wop de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, Charles se ha convertido en un vocalista destacado, con un amplio registro y enormes cualidades tonales. Este es el primer álbum que graba bajo su propio nombre y por él desfilan un variado y sofisticado abanico de géneros, siempre enmarcados en lo que se ha dado en llamar ‘American roots music’ que, a lo largo de su carrera, han contribuido a definir su experiencia musical. En el disco Ponder se ha rodeado de un largo número de músicos de enorme profesionalidad. Todo ello da como resultado un disco de primera magnitud. MUY BUENO. If there is now a versatile restless minded artist in Memphis scene, undoubtedly it could be no other than singer Charles Ponder. From opera to funk, Charles has performed the most varied styles one can imagine. He has also collaborated in numerous recordings like "Art Of The Motorcycle: Songs Of The Open Road" and has prominently contributed in the great two and four volumes of the collection "Fried Glass Onions: Memphis Meets The Beatles", where the Beatles’ songs are performed with amazing arrangements and rhythms coming from Memphis soul and Stax sound. Passionate lover of musical theatre and late 50’s and early 60’s doo-wop music, Charles has become a prominent vocalist, gifted with an extensive huge range of tone qualities. This is his first album recorded under his own name, where you will find a sophisticated variety of genres, always framed in what is known as American roots music that, along his career, have helped him to define his musical experience. In the album Ponder is surrounded by a good number of high professional musicians, which gives as a result a first class recording. GREAT.

Various Artists “International Blues Challenge # 33”, The Blues Foundation / Frank Roszak 2017.
Como cada año a finales de enero se celebra en Memphis el International Blues Challenge que organiza la Blues Foundation, evento que reúne a un sinfín de músicos provenientes de todos los rincones de los Estados Unidos, así como del resto del mundo. Por ejemplo el pasado año 2017 se presentaron mas de doscientas cincuentas bandas y más de ochocientos músicos, algo completamente impensable para cualquier otro concurso que no sea el organizado por la Blues Foundation. El disco es fruto de la colaboración surgida entre el publicista Frank Roszak y la Blues Foundation. En el disco se encuentran catorce artistas que consiguieron llegar a la final del pasado International Blues Challenge, en las dos categorías establecidas ‘solo/dúo’ y ‘bandas’. El álbum se inicia con Down Tyler Watson ganadora en la categoría ‘banda’ y la quinta cancón es la de Al Hill, ganador en la categoría ‘solo duo’. Mencionar también que la canción número nueve es la de nuestro compatriota Felix Slim que consiguió llegar a la final del concurso. Este álbum se convierte en una excelente muestra para conocer a los  participantes mas sobresalientes del pasado concurso, por ello esta grabación se convierte en un ejemplo representativo de la enorme calidad y el nivel de sus finalistas. En el cd es fácil encontrase con músicos y grupos que quizás ahora no son demasiado conocidos, pero que, a buen seguro, muchos de ellos serán más populares en los próximos años. Además de los tres mencionados anteriormente, el resto de los finalistas incluidos en el album son Johnny Fink & The Intrusion, Randy McQuay, Brody Buster’s One Man Band, Sobo Blues Band, Ruth Wyand & The Tribe Of One, Suliz Band Feat. Sugar & Spice, Wes Lee, Sam Joiner, Rae Gordon & The Backseat Drivers, King Bee y, finalmente, Sugar Brown, Una muestra de lo más nuevo y mejorcito que se puede encontrar actualmente en este estilo que nos cautiva. MUY BUENO. As every year in January, a new edition of The International Blues Challenge runs in Memphis organized by the Blues Foundation, an event that brings together an endless list of musicians coming from all corners in United States as well as from all around the world. In 2017 edition there were about two hundred fifty seven participants with more than nine hundred musicians, something impossible for any other challenge except for an organisation like The Blues Foundation. The album is the result of the fruitful collaboration between publicist Frank Roszak and The Blues Foundation. It gathers fourteen artists who managed to reach the IBC final in the two established categories 'solo/duo' and 'bands'. The cd opens with Down Tyler Watson, winner in band category and the fifth song belongs to Al Hiller, winner in solo/duo category. A special mention to the ninth album song, that comes from our Spanish musician Felix Slim, who reached the final too. The recording becomes an excellent way to introduce some of the most outstanding participants of the past challenge and lets us discover the impressive quality and high level of all finalists. You will find in musicians and groups that probably you are not familiar with, but most of them will surely become popular in the next future. Besides the three previously mentioned artists, the names of other finalists included in the album are Johnny Fink & The Intrusion, Randy McQuay, Brody Buster’s One Man Band, Sobo Blues Band, Ruth Wyand & The Tribe Of One, Suliz Band Feat. Sugar & Spice, Wes Lee, Sam Joiner, Rae Gordon & The Backseat Drivers, King Bee and, finally, Sugar Brown. The recording becomes a good example of the new and good pool of players you will be able to find nowadays playing the style we deeply love. GREAT.

Jim Shaneberger Band “Above And Below”: Self Production / Frank Roszak 2017.
Desde West Michigan nos llega el segundo trabajo del guitarrista, cantante, bajista y compositor Jim Shaneberger, en el que muestra de forma fehaciente todo el atrevimiento de su power-blues. Jim lidera la banda con aplomo, fuerza y decisión. Junto a él se encuentran el bajista Jeffrey Baldus y el batería Steve Harris quienes añaden toda su presencia escénica y su fuerza estilística a todas y cada una de las nueve canciones incluidas en el disco. Con influencias de artistas como Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan o Led Zeppelin, la banda mezcla con fuerza y mucho dinamismo poderoso rock nuclear de alto voltaje, pero por si eso no fuera poco, el trío añade a su música algunas gotas de funk, soul y blues que les ayuda a conseguir un sonido propio y bien trabajado. Las canciones del disco fueron escritas por Jim Shaneberger en colaboración con los otros dos miembros del grupo y en todas ellas el trabajo de la sección rítmica adquiere también un papel predominante y contundente, consiguiendo de este modo redondear un disco de personal trascendencia. MUY BUENO. From West Michigan comes the second job by singer, guitarist, bass player and composer Jim Shaneberger, who reliably shows the audacity of his power-blues. Jim leads the band with self confidence, strength and decision. Next to him you will find bass player Jeffrey Baldus and drummer Steve Harris who add all their stage presence and stylistic power to each and every one of the nine songs included in the album. With influences that come from artists like Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan or Led Zeppelin, the band mixes with strength and a good dose of dynamism, high voltage powerful and nuclear rock. If this was not enough, the trio adds a few drops of funk, soul and blues to their music which enables them to get their own deep worked sound. The album songs have been written by Jim Shaneberger together with the other two band members, so in all them the rhythm section reaches a dominant role to, in this way, round up a recording with an undeniable personal significance. VERY GOOD.

Backtrack Blues Band “Make My Home In Florida”. Harpo / Frank Roszak (CD+DVD) 2017.
Desde su formación en Florida en 1980, Backtrack Blues Band no ha dejado de maravillar y encandilar al público, gracias al sonido y al repertorio que practican, basado siempre en el blues de Chicago del cual son unos rigurosos y conversos practicantes. Seis cd’s y un dvd les han consagrado como una de las bandas mas entretenidas y admiradas de la escena de los clubs por los que se mueven a lo largo y ancho de la Bahia de Tampa, Florida. Este nuevo disco ha sido grabado en directo desde el Palladium Theater en St. Petersburgh, en una actuación memorable que dejó encantado a todo al público asistente, en la que junto a temas propios del cantante y armonicista del grupo Sonny Charles se intercalaron standards del blues de Chicago como “Checkin’ On My Baby” y “Your Funeral And My Trial” de Sonny Boy Williamson II, “Woke Up This Morning” de B.B. King, “T-Bone Shuffle” de T-Bone Walker o “Nobody But You” de W. Spriggs. En este digipack viene también incluido el dvd de la actuación para que todo el que adquiera su disco pueda también beneficiarse de la oportunidad de visionar el concierto. Además de Sonny Charles a la voz y armónica, la banda se completa con Kid Royal y Little Johnny Walter a las guitarras, Stick Davis al bajo y Joe Bencomo a la batería. Si no conoces a este grupo pero disfrutas con los Blues Brothers, The Nighthawks o Little Mike, entonces puedes estar seguro de que Backtrack Blues Band te van a convencer. MUY BUENO. From the moment they started to play in Florida in 1980, The Backtrack Blues Band has not stopped to amaze and dazzle audiences, thanks to their sound and repertory, always based on Chicago blues, which has made them become a rigorous convincing players. Six cd's and a dvd have driven them to be one of the most admired, entertaining and joyful bands of Tampa Bay Fl. club scene they usually move around. This new album was recorded live from the Palladium Theater in St. Petersburgh, during an incredible show that delighted the audience where, together with band singer and harmonica player Sonny Charles’ own songs, they also included blues standards like "Checkin' On My Baby" and "Your Funeral And My Trial" coming from Sonny Boy Williamson II, "Woke Up This Morning" by B.B. King, "T-Bone Shuffle" by T-Bone Walker or "Nobody But You" by W. Spriggs. This digi-pack comes with a  dvd of that particular show, so everyone who gets a copy will alsp have the opportunity to enjoy and see that amazing gig. Besides Sonny Charles on vocals and harmonica, the rest of band members are Kid Royal and Little Johnny Walter on guitars, Stick Davis on bass and Joe Bencomo on drums. If you don’t know them but you enjoy artists like The Blues Brothers, The Nighthawks or Little Mike, then be sure, Backtrack Blues Band will totally convince you. VERY GOOD.

Mike Vernon & The Mighty Combo “A Little Bit More”. Cambaya / Karonte 2017.
Desde hace unos diecisiete años el legendario productor de blues británico Mike Vernon buscó su retiro en los plácidos y tranquilos parajes del interior de la provincia de Málaga. Su primera idea era vivir su retiro alejado del bullicio de la industria de la música, pero Mike es una persona inquieta y llena de proyectos por lo que pronto empezó a relacionarse con los músicos de blues de la escena andaluza como Mingo Balaguer, Quique Bonal, Kid Carlos, Antonio Blanco… Buscando nuevos desafíos, en el año 2014 empezó a colaborar como cantante con el grupo Los García grabando su primer disco en solitario titulado “Just A Little Bit”. Como resultado de todo ello surgió la idea de consolidar una gira por España y el Reino Unido. Esto le llevó a formar The Mighty Combo. Con ellos ha grabado este mini-cd titulado “A Little Bit More” que incluye seis temas, dos de ellos son versiones y los otros cuatro composiciones del propio Vernon en compañía de Quique Bonal y Carlos Moreno. El grupo lo forman Mike Vernon voz y percusión, Kid Carlos y Gaby Robledo a las guitarras, Andrea Salvadori al piano y órgano, Antonio Blanco al bajo y Stefano Di Rubbo a la batería. El resultado final es un álbum robusto e intenso, con un lenguaje que se identifica plenamente con el blues negro de Chicago. MUY BUENO. About seventeen years ago, legendary British blues producer Mike Vernon decided to settle for his retirement in the peaceful beautiful landscapes of Malaga countryside. His first idea was to live there, far away of music business hustle and bustle, but Mike is a restless man and his mind is always full of new projects, so soon he got in touch with local Andalusian blues musicians like Mingo Balaguer, Quique Bonal, Kid Carlos, Antonio Blanco… Looking for new challenges, in year 2014 he began to sing with the group Los García, recording his first solo album entitled "Just A Little Bit." As a result he had the idea of starting a tour in Spain and United Kingdom. This led him to form The Mighty Combo. With them he has recorded this mini-CD entitled "A Little Bit More" which includes six songs, two versions and four own compositions he has done together with Quique Bonal and Carlos Moreno. The band includes Mike Vernon on vocals and percussion, Kid Carlos and Gaby Robledo on guitars, Andrea Salvadori on piano and organ, Antonio Blanco on bass and Stefano Di Rubbo on drums. The final result is a vigorous intense album, with a music language that can be fully identified with black Chicago blues. GREAT.

Memphis Slim & Jean-Paul Amouroux “Boogie For 2 Pianos. Vol. 1”. Jazztrade 1981.
Los dúos de pianos son muy populares en el boogie.woogie. A lo largo de los años han sido innumerables los pianistas que han tocado juntos en una simbiosis y una comunión perfectas, dando lo mejor de si mismos y brindando momentos de gran intensidad. En esta ocasión se unieron dos pianistas increíbles. el malogrado Memphis Slim, uno de los nombres legendarios hoy injustamente olvidado, junto a Jean-Paul Amouroux, actualmente considerado uno de los pianistas punteros, no solamente en Francia, sino también en toda Europa. Ambos músicos nos ofrecen un recital de doce blues y boogie-woogies instrumentales de factura propia que constituyen un auténtico repaso a estos estilos. Juntos construyen un álbum de excelente ejecución y enorme belleza, aplicando todos los resortes del género y dibujando con sus manos izquierdas figuras de ocho notas por compás, mientras que con sus derechas frasean con originalidad, finura y destreza múltiples riffs que contrastan con el ritmo y el tempo de ambas manos izquierdas, consiguiendo con ello un swing brutal e irrepetible. En algunos temas están acompañados por Gilles Chevaucherie al contrabajo y Michel Denis a la batería. En definitiva, un disco que ningún aficionado al blues y al boogie-woogie debe pasar por alto. IMPRESCINDIBLE. Piano duos have become very popular in boogie-woogie music. Over the years a good number of pianists have played together in a magical symbiosis and perfect understanding, giving the best of themselves and providing moments of an incredible intensity. This time two amazing piano players joined forces, the late Memphis Slim, one of most legendary names who unfortunately is now quite forgotten, and Jean-Paul Amouroux, who is one of the most outstanding and recognized pianists, not only in France but also in the rest of Europe. Both musicians give us a virtuoso lesson along twelve own instrumental blues and boogie-woogies, that become a complete overview of these styles. Together, they build up a high quality beautiful album, developing all tricks and devices of the style, drawing with their left hands eight notes figures in each bar, while their right hands play original phrases and fine skilful multiple riffs that match with the rhythm and tempo of both left hands, which makes as a result a terrific unbelievable swing. You will also find Gilles Chevaucherie on bass and Michel Denis on drums in some songs. In short words, this is an album all blues and boogie-woogie fans should certainly take into account.. ESSENTIAL

Jay Willie Blues Band “Jay Walkin’“. ZOHO / Jazz Promo Services 2017.
Jay Willie Blues Band nos presenta su quinto trabajo discográfico para la compañía ZOHO Music de New York, que viene a ser una continuación de sus trabajos anteriores y que ha sido producido bajo la supervisión de Jochen Becker. Jay Willie y su banda son  Jay Willie a la voz, guitarra y slide, Bob Callahan, guitarra y voz, Paul Opalach, bajo, teclados, lap steel, tambourina y voces y Bobby T. Torello (Johnny Winter), batería y voces. En este álbum también colaboran la vocalista Malorie Leogrande en dos canciones y el armonicista Jason Ricci en dos temas más. La banda quiere rendir tributo a los músicos de soul y rhythm and blues especialmente de los años cincuenta y sesenta que, con su personal estilo, crearon y contribuyeron al desarrollo de la música negra americana, aunque en el disco también encontramos dos temas muy antiguos como son “44 Blues” del cantante y pianista de blues Roosvelt Sykes que se publicó en 1929 y otro de 1930 a cargo del bluesman Blind Willie Johnson titulado “Soul Of A Man”. Versiones libres y temas propios se combinan de forma convincente y ecléctica convirtiendo el álbum en un producto crudo pero a la vez lleno de bellos momentos, cuyo propósito es simplemente entretener y agradar al oyente de forma satisfactoria y gratificante. MUY BUENO. Jay Willie Blues Band comes with his fifth album recorded for ZOHO Music in New York, which follows the same line of the previous ones. It has been produced and supervised by Jochen Becker. Jay Willie and his band are Jay Willie on vocals, guitar and slide guitar, Bob Callahan on guitar and vocals, Paul Opalach on bass, keyboards, lap steel, tambourine and vocals and Bobby T. Torelló (Johnny Winter) on drums and vocals. In the recording also collaborate singer Malorie Leogrande in two songs and harmonica player Jason Ricci in two more tunes. The group aims to pay tribute to soul and rhythm and blues musicians, especially those of the 50’s and 60’s who, with their personal style, created and contributed to develop American black music The cd also includes two old songs "44 Blues" coming from blues singer and piano player Roosevelt Sykes, which was published in 1929 and the one from 1930 “Soul Of A Man” by bluesman Blind Willie Johnson. Free versions and own songs match in a convincing eclectic way which make as a result a raw but at the same time full of beautiful moments album, whose purpose is simply give pleasure and entertainment to all listeners on a satisfying rewarding way. VERY GOOD.

Bobby Kyle “It’s My Life”. Juicy Baby / Rick Lusher 2017.
Bobby Kyle lleva casi cuarenta años viajando y propagando sus blues por doquier. A lo largo de su carrera ha tenido la suerte de formar parte de las bandas de algunos de sus grandes maestros y mentores: a finales de los setenta junto a Lonnie Mack, entre 1979 y 1981 con el armonicista blanco de la zona de New York, Bill Dicey, entre 1983 y 1989 junto a Eddie Kirkland y de 1989 a 1997 con Johnny Copeland. Con todo ese bagaje a sus espaldas, Bobby Kyle ha logrado atesorar conocimiento y experiencia suficientes como para desarrollar una carrera en solitario no sólo como cantante y guitarrista sino también como compositor y productor, además de liderar a su propia banda, The Administers. Este nuevo trabajo constituye una de sus obras más completas hasta el momento en cuanto a sonido, arreglos y composiciones, todas ellas perfectamente ensambladas por todos los músicos que han colaborado en el proyecto, un total de diez, además del propio Kyle. El disco contiene doce temas, seis de ellos propios y el resto versiones de artistas como Johnny Copeland, Eddie Kirkland, Denise LaSalle o Robert Lockwood Jr. Un más que apetecible y notable trabajo que colmará las expectativas de todos aquellos que busquen la belleza musical a través de un blues original y lleno de personalidad. MUY BUENO. Bobby Kyle has been travelling for almost forty years spreading the blues around. Along his career he has been lucky enough to be member in the bands of some of his great masters and mentors: at the end of the 70’s with Lonnie Mack, between 1979 and 1981 with New York area white harmonica player Bill Dicey, between 1983 and 1989 with Eddie Kirkland and from 1989 to 1997 with Johnny Copeland. With all this experience on his back, Bobby Kyle has managed to get knowledge and mastery enough to develop a solo career, not only as a singer and guitar player but also as a composer and producer, besides leading his own band, The Administers. This new recording is his most complete one up to date in terms of sound, arrangements and compositions. All songs are perfectly assembled by all the musicians who have participated in the project, a total of ten performers plus Kyle himself. The album gathers twelve songs, six own ones and the rest versions of artists like Johnny Copeland, Eddie Kirkland, Denise LaSalle or Robert Lockwood, Jr. This is a more than appetizing remarkable work which will satisfy the expectations of those people who look for musical beauty through an full of personality original blues. GREAT.

Fede Aguado y Osi Martínez + Txus Blues & José Bluefingers “Juntos Y Revueltos”. SBB 2017.
Es frecuente que entre formaciones que practican un estilo similar, surjan rivalidades y envidias. Este no es el caso de los dos dúos punteros en España que, a lo largo de los años, han cantado blues en castellano como son Txus Blues & Jose Bluefingers desde Barcelona y Fede Aguado & Osi Martínez desde Madrid, estos últimos desgraciadamente disueltos recientemente. Ambos dúos han colaborado y tocado juntos en infinidad de ocasiones, consiguiendo siempre entretener y hacer aflorar más de una sonrisa a los espectadores. Fruto de esta amistad ha sido la grabación de este disco que, para deleite de sus innumerables seguidores, es un compendio de algunas de sus canciones más emblemáticas. La grabación se efectúo en un concierto en directo de los dos dúos, con los cuatro músicos en el escenario, alternándose, complementándose y haciendo las delicias de todo el  público presente. Txus Blues a la armónica y voz, José Bluefingers a la guitarra, Fede Aguado a la guitarra y voz y Osi Martínez a la armónica dejan constancia en este disco de su buen hacer, conocimiento del género y enorme experiencia tras largos años de incontables conciertos. Esta grabación es pues un testimonio del blues cantado en castellano y un regalo para todos sus seguidores. MUY BUENO. It is quite common among groups which perform a similar style that rivalry or jealousy appear. This is not the case of the two outstanding Spanish duos which. over the years, have sung blues in Spanish, Txus Blues & Jose Bluefingers in Barcelona and Fede Aguado & Osi Martinez in Madrid, this last one unfortunately split off recently. Both duos have collaborated and performed together countless times, always giving joy and bringing out a smile to all people who listen to them. Fruit of their friendship was this recording that, for delight of their many followers, is a collection of some of their most popular songs. The album was recorded live on a show they two duos played together, with the four musicians on stage, alternating songs, complementing one another and giving joy to their faithful fans. Txus Blues on harmonica and voice, José Bluefingers on guitar, Fede Aguado on guitar and voice and Osi Martinez on harmonica let us see their good work, their blues knowledge and huge experience reached after many years of career and thousands of shows. This album becomes a good example of blues sung in Spanish and a gift for all their followers. VERY GOOD.

Txus Blues & José Bluefingers “Saludos A La Concurrencia!” Bluefingers 2017.
Txus Blues y Jose Bluefingers vuelven de nuevo a la carga con un álbum que incluye quince nuevos temas. Adaptaciones de viejos blues y algunas canciones bien conocidas por un amplio sector de público pero que ellos ‘bluesean’ a su manera y les adaptan unas letras ocurrentes y divertidas que hacen las delicias de sus muchos seguidores, llegando a convertirse en canciones emblemáticas para los aficionados al género, que las conocen y las cantan al unísono con ellos. Aunque Txus y Jose son inmediatamente asociados a fiesta y diversión, tras esa primera capa festiva se esconden dos excelentes músicos con un vasto conocimiento del blues. Jose es un experimentado guitarrista y Txus domina los secretos de la armónica, además de tener una mente prodigiosa para hacer que cada una de sus canciones tenga una letra original y llena de humor. Temas como “Saludos A La Concurrencia”, “Camarero, Camarero”, “Honky Tonk Blues” (dedicada al bar Honky Tonk de Barcelona en el que suelen actuar con frecuencia), “Beicon Blues”, “Hay Un Amigo En Mi”, “Mis Novias”, “Mimame Mucho”, se suceden una tras otra hasta llegar a la quincena. El disco finaliza con “Canción De Relleno” cuyo titulo ya lo dice todo. Si quieres reír de nuevo y pasártelo bien, no dudes en conseguir una copia cuando los tengas a mano.  MUY BUENO. Txus Blues and José Bluefingers come back with an album that includes fifteen new songs. Old blues versions combine with some well known songs by general audiences that, in their hands, get a ‘bluesy’ air, performed in their own way and adapting clever, funny witty lyrics that immediately delight their many followers. Their songs become emblematic for blues fans, who know them by heart and sing them all at once with the two musicians. Although Txus and Jose are immediately connected with a joyful party time, below this first funny envelope, you will discover two excellent musicians with really huge blues knowledge. Jose is an experienced guitar player and Txus controls all harmonica secrets, but he also has a prodigious imagination to give to each song the most original really funny lyrics. Songs like “Saludos A La Concurrencia”, “Camarero, Camarero”, “Honky Tonk Blues” (an homage to Honky Tonk Blues Bar in Barcelona where they regularly play), “Beicon Blues”, “Hay Un Amigo En Mi”, “Mis Novias”, “Mimame Mucho”, will brighten your spirit along the fifteen songs included in the cd. The album ends with "Canción De Relleno” whose title says everything. If you wish to have fun and laugh, do not hesitate, go to their shows and get a cd copy. VERY GOOD.

Tinsley Ellis “Winning Hand”. Alligator / Discmedi 2017.
Desde su debut con la compañía discográfica Alligator hace ya treinta años, el guitarrista, compositor y cantante Tinsley Ellis se ha convertido en un verdadero icono de la guitarra, admirado por un inmenso número de aficionados a los guitarristas de blues, gracias al rugoso poderío de su sonido y de su particular fraseo. Ahora regresa una vez mas al primer plano de la escena con un potente trabajo repleto de riffs melódicos e intensos solos llenos de colorido y cálido sonido que satisfará a toda su legión de seguidores que ya estaban expectantes por escuchar su nuevo álbum. El disco ha sido grabado en Nashville, Tennessee, producido por él mismo en colaboración con el teclista Kevin McKendree y nos presenta un total de diez estupendos temas en los que la guitarra adquiere un lugar preeminente. Los temas están interpretados con algunas de las más preciadas guitarras de su colección particular, como la 1959 Fender Stratocaster, la 1967 Gibson ES 345, la 1973 Gibson Les Paul DeLuxe o la 1996 Fender Telecaster. En este trabajo acompañan a Tinsley Ellis, Kevin McKendree al órgano, piano y saxo barítono en un tema, Steve Mackey al bajo y Lynn Williams a la batería y percusión. Un disco compacto, recio y trepidante que encierra todo el sabor y el alma de este excepcional músico llamado Tinsley Ellis. MUY BUENO. Since his debut with Alligator records thirty years ago, guitar player, singer and composer Tinsley Ellis has become a valuable guitar icon. He is deeply admired by a huge number of blues guitar fans, thanks to his rough power sound as well as his particular guitar phrasing. Now he comes back to scene frontline with a powerful work, full of melodic riffs, intense solos and a colourful warm sound that will satisfy his legion of followers who were eager to listen to a new recording. The album was recorded in Nashville, Tennessee, produced by Ellis in collaboration with keyboardist Kevin McKendree and gathers ten amazing songs, where the guitar takes a prominent place. Tinsley plays with some of the most precious guitars of his guitar collection, like the 1959 Fender Stratocaster, the 1967 Gibson ES 345, the 1973 Gibson Les Paul DeLuxe or the 1996 Fender Telecaster. For the recording Tinsley Ellis has been surrounded by Kevin McKendree on organ, piano and baritone sax in a cut, Steve Mackey on bass and Lynn Williams on drums and percussion. This is a compact robust fast-paced album that lets us savour all the flavour and the passionate feeling of this exceptional musician called Tinsley Ellis. GREAT.

Curtis Salgado & Alan Hager “Rough Cut”. Alligator / Discmedi 2017.
El cantante y armonicista Curtis Salgado es bien conocido tanto por los amantes del blues y del soul. Ahora podemos descubrir una nueva faceta suya, más intimista, apacible y entrañable, en una colección de canciones que  desprenden un sabor y un olor a blues añejo y a la vez contemporáneo. Junto al guitarrista de su banda desde el 2015 Alan Hager han grabado este espléndido, tranquilo y balsámico álbum con trece excelentes blues interpretados de forma casi completamente acústica, donde Salgado a la voz armónica y piano en un tema y Alan Hager a las guitarras y voz en una canción, van desgranando todo su arte con auténtica precisión, ataque y soltura. En el disco también colaboran en algunos cortes Larhonda Steele a la voz, Jim Pugh al piano, Keith Brush al contrabajo, Russ Kleiner, Jimmi Bott y Brian Foxworth como baterías y Carlton Jackson a la percusión. Lo dicho, trece maravillosos temas, algunos de los propios Salgado y Hager, más deliciosos covers de Muddy Waters, Son House, Sonny Boy Williamson, Big Bill Broonzy o Reverendo Robert Wilkins. Este es precisamente el álbum que Salgado y Hager siempre habían deseado grabar y en el que ambos muestran toda la alegría, la pasión y el buen hacer de unos músicos en los que el blues corre por sus venas. Según palabras del propio Curtis Salgado: “este tipo de música es la que más me emociona” y, amigo, si no lo crees, compruébalo por ti mismo. BUENISIMO. Singer and harmonica player Curtis Salgado is well known both for blues and soul lovers. With this new album we will be able to discover his more intimate, calm and lovely facet, in a collection of songs that bring a tasteful flavour and a smell of old time but contemporary blues as well. Together with his band guitar player since year 2015, Alan Hager, both musicians have recorded this splendid, cool and balsamic album with thirteen excellent blues, performed practically completely acoustic, where Salgado on vocals, harmonica and piano in one song and Alan Hager on guitars and vocals on a song too, display all their skills and talent, with an acute attack and self confidence. You will also find in some cuts Larhonda Steele on vocals, Jim Pugh on piano, Keith Brush on double bass, Russ Kleiner, Jimmi Bott and Brian Foxworth on drums and Carlton Jackson on percussion. Thirteen wonderful songs, some of them Salgado’s and Hager’s own compositions, as well as delicious covers coming from Muddy Waters, Son House, Sonny Boy Williamson, Big Bill Broonzy or Reverend Robert Wilkins. This is the album Salgado and Hager always wished to release, to share the joy, passion and commitment of those musicians who get the blues running through their veins. In Curtis Salgado’s own words: "This is the kind of music that really moves me" and, fellows, if you do not believe it, check it out for yourselves. GREAT.

Miss Freddye “Lady Of The Blues”. Self Production / Lori Graboyes 2017.
Desde el año 2002 la cantante de color Miss Freddye lleva paseando su poderosa voz por Pensilvania, Virginia y Ohio. Además de su banda eléctrica, Miss Freddye’s Blues Band, tiene también una formación de blues acústico llamada Miss Freddye’s Homecookin’ Band. En 2009 Miss Freddye representó a la Sociedad de Blues de West Virginia en el International Blues Challenge. A partir de entonces su fama ha ido creciendo de forma gradual y ahora culmina con la publicación de este disco grabado en los prestigiosos estudios Greaseland bajo la supervisión y dirección de Kid Andersen y un nutrido grupo de músicos de estudio de indudable calidad. Todo ello se percibe de forma irrefutable en este disco donde Miss Freddye combina con milimétrica precisión y buen gusto una colección de once canciones que se mueven entre el blues, el jazz y el rhythm and blues y cuyo desarrollo corre a cargo de Miss Freddye a la voz y John ‘Blues’ Boyd también a la voz en algún tema, Kid Andersen a la guitarra y voces, Jim Pugh a los teclados, Eric Spaulding al saxo tenor y barítono, John Halbleib a la trompeta, Brandon G. Bentz “Dr. B”, Aki Kumar, John Németh y Andy Santana a las armónicas, Endre Tarczy al bajo, June Core a la batería y Lisa Andersen y Robby Yamilov a los coros. Con este plantel de músicos y la poderosa voz de Miss Freddye imponiendo su poderío a lo largo del álbum, el resultado no puede ser otro que un producto impecable. MUY BUENO. Since year 2002 black singer Miss Freddye has carried her powerful voice along Pennsylvania, Virginia and Ohio. Besides her electric band, Miss Freddye Blues Band, she also leads an acoustic blues band named Miss Freddye's Homecookin' Band. In 2009 Miss Freddye represented West Virginia Blues Society at the International Blues Challenge. Since then on, her fame has gradually grown up and now reaches the peak with the release of this album, recorded et the prestigious Greaseland studios under the clever supervision and direction of reputed Kid Andersen, together with a bunch of professional studio musicians of undeniable quality. All this can be absolutely noticed in the whole album, where Miss Freddye accurately and tastefully combines a collection of eleven songs that move among blues, jazz and rhythm and blues, developed under the clever skills of Miss Freddye on vocals and John “Blues” Boyd on vocals in a few cuts, Kid Andersen on guitar and vocals, Jim Pugh on keyboards, Eric Spaulding on tenor and baritone sax, John Halbleib on trumpet, Brandon G. Bentz "Dr. B", Aki Kumar, John Nemeth and Andy Santana on harmonica, Endre Tarczy on bass, June Core in drums and Lisa Andersen and Robby Yamilov to backing vocals. With this amazing group of musicians and the powerful voice of Miss Freddy getting her way with an incredible feeling, the result cannot be other than a faultless recording. GREAT.

Billy Thompson “BT”. Self Production 2017.
Billy Thompson es un cantante, compositor y guitarrista difícil de clasificar musica
lmente. En sus canciones, todas ellas originales, combina la guitarra slide con una voz apasionada y rugosa, adquiriendo un matiz sobrio, sólido y profundo en cada una de las canciones que aborda, todo ello gracias a una amalgama de estilos e influencias que van desde el blues, al rock, el funk, la música de New Orleans o el swamp pop o incluso el soul mas atrevido. A lo largo de su carrera Billy ha tocado junto a Little Milton, Albert King, Earl King o Art Neville entre muchos otros. También en sus más de veinte años en la carretera Thompson ha sido invitado a tocar junto a artistas como The Doobie Brothers, Bill Payne, John Mooney o Ron Holloway por mencionar solo a unos pocos. Su nuevo disco, el octavo de su carrera discográfica, nos presenta doce temas de su propia autoría, en los que refleja su estupenda labor como compositor e intérprete de excelente gusto y en el que va desgranando con sensibilidad y buen criterio una colección de canciones de bella factura, brillantemente expuestas y bien ornamentadas. Músico competente y eficaz, este nuevo álbum es probablemente uno de sus mejores trabajos hasta la fecha. MUY BUENO. Billy Thompson is an American singer, songwriter and guitar player, difficult to classify musically speaking. In his songs, all them originals, he combines the slide guitar with a rough passionate voice, getting quite restrained but at the same time solid and deep nuances in every song he performs. You will find a combination of styles and influences ranging from blues to rock, funk, New Orleans music, swamp pop or even the most daring soul. Along his career Billy has played with Little Milton, Albert King, Earl King or Art Neville among many others. Also in his more than twenty years on the road, Thompson has collaborated as guest musician with artists like The Doobie Brothers, Bill Payne, John Mooney or Ron Holloway to mention just a few. His new album, the eighth one in his career as recording artist, includes twelve own songs, that reflect his interesting and tasteful work as composer, He develops with sensitivity and cleverness a collection of fine decorated songs displayed in a bright way. Able and effective musician, this new album is probably one of his best ones up to date. VERY GOOD.

Steve Sainas “Simple As This”. Self Production / Sarah French 2017.
Después de casi veinte años de liderar la banda Mud Dog, el cantante, guitarrista y ‘story teller’ canadiense Steve Sainas inicia ahora su carrera en solitario para presentar sus propias canciones que van mas allá de las fronteras del blues. Como un novedoso artista de la ‘roots music’ contemporánea, Sainas se ha hecho popular en los clubs de la zona de Vancouver, gracias a sus historias llenas de humor, su apasionada entrega vocal y la forma de imponer continuamente el ritmo con su guitarra, con la que consigue transmitir la energía suficiente para atrapar a toda la audiencia. El álbum se grabó en octubre de 2017 e incluye diez canciones originales que reflejan la condición humana en estos tiempos duros y difíciles que la humanidad está atravesando. Su filosofía es un canto a la unidad y al deseo de que la sociedad llegue a unirse un día no muy lejano para superar las actitudes destructivas. Todo ello Sainas lo transmite con una mezcla musical que va desde la balada folk a la música americana o el country rock. Junto a la sugestiva voz y el dinamismo de la guitarra acústica de Sainas se encuentran el bajista Chad Matthews y el batería Kelly Stodola. Juntos han creado un disco con una atmósfera intimista y cautivadora que nos conduce a un viaje introspectivo amable y sosegado. BUENO. Almost twenty years leading the band Mud Dog, Canadian singer, guitar player and story teller Steve Sainas starts a solo career to present his own songs that go beyond the blues borders. As a new artist of contemporary roots music, Sainas has already become popular in most clubs of Vancouver area, thanks to his humoristic lyrics, his passionate singing and the way to deliver a good dose of rhythm with his guitar, he always manages to communicate energy enough to catch the audience. The album was recorded in October 2017 and includes ten original songs that reflect the human condition in these hard difficult times people are living now. His philosophy is a hymn to unity and the hope our society can soon work together to overcome destructive attitudes. This message is displayed with a mixture of music that goes from folk ballads to Americana music or country rock. Together with Saina’s suggestive voice and the dynamism of his acoustic guitar, you will find bass player Chad Matthews and drummer Kelly Stodola. Together they have round up an album with an intimate captivating atmosphere that drives listener to a introspective, delicious and peaceful journey. GOOD. 

Emily Burgess “Are We In Love?”, Self Production / Sarah French 2017.
La cantante y guitarrista Emily Burgess emerge con fuerza en el panorama de la música rock canadiense. Pese a su juventud Emily ya ha puesto su guitarra al servicio de artistas como Jimmie Vaughan, Kevin Breit, Garrett Mason, Suzie Vinnick o Sam Weber entre otros. Con admiración y respeto por los sonidos del pasado, Burgess se abre a nuevos y cálidos caminos, sonidos y experiencias musicales, todo ello a la búsqueda de un estilo actual y repertorio propio que consiga hacerla diferente para sobresalir por méritos propios en el marco y el negocio de la música indie. Es por esto que este su primer álbum en solitario podría definirse como una experimentación y una amalgama de sonidos interpretados con rigor y elegancia sin dejar de lado el intimismo mas sutil que se refleja en cada una de las diez canciones que componen este disco, escritas todas ellas por la propia Emily Burgess en colaboración con Ryan Weber. En el disco Emily está acompañada por su actual banda The Baddest Band In The Land que incluye a los hermanos Weber, junto a Ryan “Rico· Browne y Marcus Browne. BUENO. Singer and guitar player Emily Burgess appears with force in Canadian indie rock scene. Despite her youth, Emily has already shared her guitar playing with such great artists like Jimmie Vaughan, Kevin Breit, Garrett Mason, Suzie Vinnick or Sam Weber among others. With admiration and huge respect for the sounds of the past, Burgess opens her mind to new warm colours, sounds and musical experiences, looking for a most actual style in an own repertoire which makes her become a different artist to excel by own merits in indie music business. This is the reason why her first solo album could be defined as an experimental amalgam of sounds performed with a rigorous elegance without leaving aside the most subtle intimacy, which can be felt in all the ten songs that round up the album, all them written by Emily Burgess in collaboration with Ryan Weber. In the recording Emily is backed by her actual band The Baddest Band In The Land with Weber brothers together with Ryan "Rich" Browne and Marcus Browne. GOOD.

Lex Grey And The Urban Pioneers “Usual Suspects”. Pioneer Productions / Frank Roszak 2018.
La atractiva Lex Grey pertenece a esa generación de músicos que, aunque manifiestan estar profundamente influenciados por el blues, de hecho su música va más allá y se adentra por caminos de lo que sería la música indie, el rock de carretera e incluso el sonido garaje. Lex cita a Ma Rainey como una de sus mayores influencias pero su voz ha sido también comparada con las de Janis Joplin, Joe Cocker, Ella Fitzgerald, Shirley Bassey o incluso la de Robert Plant por su variedad de texturas, matices, registros y tintes varios. Acompañada por los Urban Pioneers y un puñado de invitados Lex Grey nos presenta un álbum con nueve canciones que nos introducen en su personal camino y forma de concebir la música, dirigiendo al oyente hacia un mundo lleno de dramatismo, algo de humor y un descarnado abandono de si misma, que hace que el público se sienta completamente involucrado ante la propuesta musical que esta mujer expone con total entrega y pasión. La salvaje y expresiva agresividad de Lex Grey And The Urban Pioneers emergen en un repertorio de múltiples facetas donde, tanto el blues como el rock adquieren sin ningún género de dudas un lugar preeminente. MUY BUENO. The attractive singer Lex Gray belongs to a generation of musicians who, although they say they are deeply influenced by blues, their music goes beyond blues and explore the winding roads of rock, what can be defined as indie music and even garage sound. Lex mentions Ma Rainey as one of his major influences but her voice has also been compared to those of Janis Joplin, Joe Cocker, Ella Fitzgerald, Shirley Bassey or even Robert Plant, for the variety of textures, nuances, tones and colours. Backed by The Urban Pioneers and a handful of guests, Lex Gray brings us a nine song album that introduce us to her personal world and the way she conceives music, directing the listener to an universe full of drama, some humour and a rowdy self abandon, which makes the audience feel fully involved in Lex’ musical proposal she delivers with total commitment and passion. Lex Gray And The Urban Pioneers wild expressive and aggressive performance fully appears along a repertoire of multiple facets, where undoubtedly both blues as rock get a prominent place, VERY GOOD.

Robbert Fossen Band “Get Off On It!”. Self Production 2017.
Robbert Fossen  es un apasionado del blues y muy especialmente del de Chicago. A finales de los años ochenta empezó su andadura como cantante y pronto se inició con la armónica, la guitarra y el bajo. Durante unos años realizó innumerables conciertos y actuaciones por su país natal Holanda y en el año 2012 fue escogido junto a Lothar Wijnvoord por la Dutch Blues Foundation para representar a su país en el International Blues Challenge 2013, evento que organiza anualmente la Blues Foundation de Memphis. A lo largo de su carrera ha trabajado con músicos como Tail Dragger, Magic Slim, John Primer, Chick Rodgers, Nick Holt o Willie Kent. Robert Fossen ha sabido desarrollar un estilo propio completamente imbuido por el blues de Chicago mas clásico y ortodoxo, pasándolo por su propio tamiz y confiriéndole un nuevo y personal tratamiento que lo convierte en un blues de bella y actual factura para las nuevas audiencias del siglo XXI. Un disco al cual es imposible resistirse y que debe ser escuchado y disfrutado en todos sus aspectos y mínimos detalles. Además de Robbert Fossen a la voz, guitarra y armónica, el resto de la banda la forman Lothar Wijnvoord a la guitarra, Pascal Lanslots al Hammond B3, Ivan Schilder al piano, Rhodes y wurlitzer, Jan Markus al bajo y Eduard Nijenhuis a la batería, además de una sección de vientos compuesta por saxo tenor, trombón y trompeta y tres voces femeninas de soporte. MUY BUENO. Robbert Fossen is a passionate blues lover and especially of Chicago blues style. At the end of the 80’s he began his career as a singer and soon he also started to play harmonica, guitar and bass. For a few years he worked and did countless shows all over his country, The Netherlands and, in year 2012, he and Lothar Wijnvoord were chosen as a duo by The Dutch Blues Foundation to represent their country at the International Blues Challenge 2013 that every year organizes The Blues Foundation in Memphis Along his career he has worked with musicians like Tail Dragger, Magic Slim, John First, Chick Rodgers, Nick Holt or Willie Kent among others. Robert Fossen has developed a personal own style, completely infused by the most classic and orthodox Chicago blues, filtering it through the sieve of his own personality to give it a new original delivery that makes it become an attractive beautiful blues music, perfect for the new twenty-first century audiences. This is an irresistible recording to be listened and enjoyed in all its aspects and details. Besides Robbert Fossen on vocals, guitar and harmonica, the rest of the band musicians are Lothar Wijnvoord on guitar, Pascal Lanslots on Hammond B3, Ivan Schilder on piano, Rhodes and Wurlitzer, Jan Markus on bass and Eduard Nijenhuis to drums, plus a horn section including tenor sax, trombone and trumpet and three female bacing voices. GREAT.

Greg Sover “Jubilee”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Después del éxito con su debut álbum titulado “Songs Of A Renegade” y publicado en 2016, ahora en 2018 Greg Sover presenta su segundo trabajo “Jubilee”, con el que sobrepasa la música que se incluía en el primero, gracias a una nueva concepción musical mucho mas ecléctica y abierta a nuevas corrientes, tendencias y sobre todo aspectos musicales, lo que redunda en su afán de abrirse paso a otros públicos más amplios y heterogéneos. Ello se debe en parte al amplio abanico de posibilidades y sonidos que Greg despliega, gracias al virtuosismo que muestra a las guitarras, tanto en las acústicas como con las eléctricas, sin obviar la Resonator de la que saca un buen partido. Además Sover dispone ahora de una mejor voz, mucho más modulada y asequible. No cabe duda de que el concurso del resto de los miembros que han participado en la grabación del álbum como Allen James guitarra, Garry Lee  bajo, Wally Smith teclados y Tom Walling batería, además de algunos músicos invitados ayudan a enriquecer el repertorio seleccionado. Aunque el disco solamente incluye siete temas, estos son suficientes para poder apreciar todo el sabor y la calidad que se encierra en este “Jubilee”. MUY BUENO. After the success of his debut album entitled "Songs Of A Renegade" published in 2016, now in 2018 Greg Sover comes with his second work "Jubilee", which exceeds the music that was included in the first one, thanks to a new more eclectic musical conception open to new fields, trends and especially musical aspects, which will probably help him to find his way to open himself to a more heterogeneous audiences. This is partly due to the wide range of possibilities and sounds Greg displays, thanks to his virtuoso guitar playing, both on acoustic and electric guitars, without forgetting Resonator one he is an expert too. Besides Sover has now got a better and more modulated voice. Undoubtedly the contribution of the rest of the band musicians who have participated in the recording like Allen James guitar, Garry Lee bass, Wally Smith keyboards and Tom Walling drums, plus a few guest musicians, give an extra value to the selected repertoire. Although the album only includes seven songs, they are enough to discover and appreciate all the quality and flavour framed in "Jubilee". VERY GOOD.

Johnny Fink And The Intrusions “JFI”. Self Production / Frank Roszak 2018.
Finalistas en el 2017 del International Blues Challenge en Memphis, Johnny Fink And The Intrusions han conseguido imprimir una huella imborrable entre los aficionados, dejando de ser aquella banda conocida por algunos privilegiados de la escena del blues del medio oeste americano, para convertirse ya en un grupo de blues muy apreciado por un público más amplio que se entrega en cuerpo y alma a un estilo musical que cautiva y embelesa a propios y extraños por la pasión, el feeling y las ganas de agradar de las que hacen gala y todo ello a pesar de interpretar una música que a primera vista puede parecer simple, llana y sin demasiados fuegos de artificio en su desarrollo y exposición pero que consigue atrapar al oyente. Blues simple pero bien expuesto que se digiere sin necesidad de bicarbonato y que deja en el oyente un buen sabor de boca. El grupo está formado por Johnny Fink a la guitarra, voz y armónica, Doug Moore a la batería y Matt Newman al bajo, más la colaboración en dos temas de Jimmy Rogers a los teclados. MUY BUENO. Finalists in 2017 at the International Blues Challenge in Memphis, Johnny Fink And The Intrusions have managed to print an indelible mark among music lovers, leaving aside the times they were a band only known by a privilege bunch of Midwest biues scene fans to become an appreciated blues band among a wider audience who plunge body and soul to a musical style that passionately captivates them by their amazing feeling and their wish to please most followers. Although their music may seem quite simple, easy and without too many fireworks in its development and exposure, the real thing is what you get will immediately catch you. Natural, well exposed and developed blues, easy to assimilate that always lets an extreme good taste in your mouth. The group includes Johnny Fink on guitar, vocals and harmonica, Doug Moore on drums and Matt Newman on bass. You will also find Jimmy Rogers on keyboards in two songs. VERY GOOD.

Mick Kolassa & Friends “Double Standards”. Swing Suit / Frank Roszak 2018.
Mick Kolassa es conocido como director de los programas de la Blues Foundation dedicados a recaudar fondos para ayudar a las jóvenes generaciones de futuros músicos de blues cuya situación económica no les permite realizar estudios musicales. Además Kolassa es un excelente cantante y guitarrista de blues. Ahora Mick publica este disco que incluye trece espléndidos standards en dueto con algunos de sus amigos mas cercanos, todos ellos grandes conocedores del género como son Sugar Ray Rayford, Heather Crosse, Victor Wainwright, Annika Chambers, Tas Cru, Tullie Brae, Eric Huges, Erica Brown, Patti Parks, David Dunavent, Gracie Curran y Jeff Jensen. El álbum finaliza con el tema “Ain’t Nobody’s Business”, tema en el que participan todos los cantantes que acabamos de mencionar. Todas las ganancias que genere esta grabación irán destinadas a los Hart Fund And Generation Blues Programs de la Blues Foundation. Además de los estupendos vocalistas mencionados se encuentran unos músicos fantásticos que ponen sus instrumentos al servicio de las cualidades vocales de todos ellos para ofrecerles una impresionante cobertura musical y hacer de este álbum un producto de gran calidad, variado, fácil de escuchar y que va directamente al corazón y al alma del oyente. MUY BUENO. Mick Kolassa is well known as director of Blues Foundation programs, devoted to raise funds to help young generations of future blues musicians whose economic situation does not allow them to study or get musical opportunities. But Kolassa is also an excellent singer and guitar player Now Mick publishes an album with thirteen splendid standards in duet with some of his closest friends and great masters of genre, such as Sugar Ray Rayford, Heather Crosse, Victor Wainwright, Annika Chambers, Tas Cru, Tullie Brae, Eric Hughes, Erica Brown, Patti Parks, David Dunavent, Gracie Curran and Jeff Jensen. The album ends with the song "Ain't Nobody's Business", with all mentioned singers performing together. All of the economical benefits of this recording will be given to Blues Foundation Hart Fund And Generation Blues Programs. Besides Kolassa and the just mentioned singers, you will also find a fantastic bunch of musicians who put their instruments and knowledge to the service of the vocal qualities of all singers, to offer an impressive musical coverage and round up a great quality, varied, easy to listen album, that directly goes to all listeners hearts and souls. GREAT.

The Rex Granite Band Featuring Sarah Benck “Spirit / Matter / Truth / Lies”. Self Production / Frank Roszak 2017.
Representando a Nebraska en el pasado International Blues Challenge del año 2018, The Rex Granite Band han sido una verdadera sorpresa y un extraordinario descubrimiento para los amantes del blues. La banda tiene descaro y mucha confianza, además de poseer un sonido muy equilibrado. A lo largo de los diez temas que se recogen en el disco, The Rex Granite Band presentan su poderoso, exclusivo y lujoso blues de carretera con nueve temas propios mas la versión de Percy Mayfield, “Please Send Me Someone To Love”. La poderosa voz de Sarah Benck lidera con arte y maestría a una serie de músicos que, bajo su batuta, se emplean a fondo y resaltan unas canciones muy bien escritas y llevadas a cabo con efectividad y acierto. Además de Sarah Benck a la voz y la guitarra, el resto de músicos que conforman The Rex Granite Band son el propio Rex Granite a la guitarra, James Carrig al bajo y Anton Divis a la batería, a los que se añaden varios músicos invitados y una sección de metales francamente brillantes y de gran solidez en algunos temas. Un disco que, sin pretensiones añadidas, ofrece sin embargo una visión y un sonido cálido y bien ensamblado. MUY BUENO. Representing Nebraska at 2018 International Blues Challenge, The Rex Granite Band have been a real surprise and an incredible discovery for blues lovers. The band shows a good dose of audacity and self confidence, in addition of a very balanced sound. Along the ten album songs, The Rex Granite Band display their powerful, exclusive and luxurious roadhouse blues with nine own compositions and a version of Percy Mayfield’s, "Please Send Me Someone To Love". The powerful voice of Sarah Benck leads on an expertise tasteful way a group of musicians who, under her leadership, give the best of themselves on a clever effective way to highlight really well written and good displayed songs. Besides Sarah Benck on vocals and guitar, the rest of the musicians who form The Rex Granite Band are Rex Granite on guitar, James Carrig on bass and Anton Divis on drums, plus several guest musicians and a brilliant powerful horn section in some tracks. This is an unpretentious recording but, at the same time, with a warm, clever and totally teamed sound. GREAT.

Guy Verlinde & The Mighty Gators “X (Ten)”. R & S Music 2018.
Guy Verlinde lleva ya veinte años de carrera musical, diez de ellos al frente de su propia banda que lidera de manera robusta y entusiasta. Para celebrar estos diez años, Guy Verlinde & The Mighty Gators han publicado este disco lleno de sorpresas musicales, capturando toda la magia del tiempo transcurrido y lo hacen a lo largo de diez canciones que reflejan toda la evolución del grupo con el paso del tiempo y que, como ellos mismos dicen, son diez años condensados en diez canciones. Algunas de los temas que se incluyen en el disco pertenecen a su repertorio en directo pero que sin embargo nunca habían sido grabadas en estudio hasta el momento, otras en cambio no habían visto la luz hasta ahora. Después de su participación en el European Blues Challenge en el año 2012 en Berlín, Guy Verlinde y su banda se han convertido en una de las formaciones punteras del blues más actual de los Países Bajos, gracias a su energética puesta en escena que atrae al público como la miel a las moscas, gracias al enorme carisma que desprenden en el escenario y su espectacular calidad musical, tanto en las composiciones propias, así como en las acertadas versiones que saben escoger para su repertorio. MUY BUENO. Guy Verlinde celebrates his twenty years of musical career, ten of them with his own band he leads in a firm enthusiastic way. To celebrate these ten years together, Guy Verlinde & The Mighty Gators have published this album full of musical surprises, that captures in ten songs all the magic of these years together to faithfully reflect the band evolution as the years have gone passing by and, as they say, ten years captured in ten songs. Some album cuts belong to their live repertoire that had never been recorded in studio so far and the rest have never been released till now. After participating at 2012 European Blues Challenge in Berlin, Guy Verlinde and his band have become one of the most outstanding Netherlands actual blues scene bands, thanks to their energetic stage presence that attracts different audiences like honey to flies, for to the impressive charisma they display on stage and their amazing musical quality, both in Guy’s own compositions and in the successful versions they cleverly choose to be included in their appealing repertoire. GREAT.

MARZO 2018 / MARCH 2018

Bluesmafia i Es Saligardos “Ni Poc, Ni Molt, Ni Mica”. Blau / Discmedi 2017.
Después de varios años tocando en directo en infinidad de hoteles, bares, garitos y locales de Ibiza y Formentera, además del resto de las Islas Baleares, la banda Bluesmafia i Es Saligardos han decidido compartir algunas composiciones en esta grabación para, de este modo, dar a conocer su trabajo en el resto de España. El álbum contiene once temas propios cantados en ibicenco, además de contar con la incorporación al grupo de una nueva voz femenina, Montse Llaràs, ex-cantante del grupo de rock catalán Bars. En estos años se han consolidado como un combo de ocho músicos cuya principal idea es hacer disfrutar al público con un repertorio basado en el swing, el jive, el jump blues, el boogie, el jazz o incluso el rock and roll. Eso si, todo ello a la manera de esas orquestas de baile catalanas que a menudo amenizan muchas fiestas mayores, con influencias de La Trinca, Guillermina Motta o Nuria Feliu, influencias que se aprecian con nitidez en la impronta sonora que esta orquesta deja a su paso y que no es otra que construir un repertorio en el que predomina el sentido del humor y la diversión para un tipo de audiencia muy heterogénea. Todos los integrantes poseen una profesionalidad y una amplia experiencia musical, por lo que la calidad de esta orquesta está totalmente garantizada, suenan realmente empastados y sus arreglos son vistosos, efectivos y de muy buen gusto. MUY BUENO. After several years of playing live at countless Ibiza and Formentera hotels, bars, clubs and venues, as well as in the rest of Baleares islands, the band Bluesmafia i Es Saligardos have decided to publish this album. to share some of their material and, in this way, introduce his work to the rest of Spanish audience. The album gathers eleven own compositions sung in Ibiza language, and also presents the group new female voice, Montse Llaràs, former lead singer of Catalan rock band Bars. Along the years they have consolidated themselves as an eight musician combo which main goal is to please audiences with a repertoire based on swing, jive, jump blues, boogie, jazz or even rock and roll. All songs are developed following the path of those dancing orchestras which often liven up most of Catalan villages fairs or annual celebrations, with influences coming from La Trinca, Guillermina Motta or Nuria Feliu, influences that will be immediately noticed in the band sound and the special stamp they give to their performing, which main goal is to build up a funny repertoire where the sense of humour prevails to give pleasure and joy to a wide range of listeners. All band members are professional musicians and have gathered a wide musical experience, so quality is fully guaranteed. They sound totally teamed and the arrangements are really tasteful, effective and colourful. VERY GOOD.

Casey Hensley “Live”. VizzTone 2017.
La escena del blues de California no cesa de ofrecer nuevas sorpresas a los buenos aficionados. En esta ocasión nos presenta a una joven promesa de veinticinco años llamada Casey Hensley. Con solo cinco años Casey subió por primera vez a un escenario y a los nueve pisó por vez primera a unos estudios de grabación. Su infancia y su juventud transcurrieron escuchando a artistas como Etta James, Big Mama Thornton, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald, Janis Joplin, Otis Redding, Ray Charles, Allman Brothers, Led Zeppelin o The Temptations entre muchos otros, que le descubrieron el camino a seguir. Casey supo sacar algo de cada uno de ellos para añadir a su ruda, explosiva, apasionada y expresiva voz. El álbum contiene once temas de los que tres son composiciones propias. Además de Casey Hensley a la voz, es un placer poder escuchar también los sonidos de la guitarra de Laura Chávez, junto a Johnny Viau al saxo, Marcos C. al bajo y Evan Caleb Yearsley a la batería. Una excelente grabación donde se dan la mano el jump blues con algo de rockin’ blues balsámico pero siempre bien cocinado. Si necesitas una buena descarga de adrenalina para ponerte a punto, sentirte bien y empezar tu trabajo con energías renovadas, no dejes de escuchar este álbum. MUY BUENO. California blues scene never ends to surprise good fans, offering them new and amazing surprises. This time, it introduces us a promising new woman, only aged twenty-five and called Casey Hensley. She was on stage for the first time when she was only five years old and at nine she went to a recording studio. During her childhood and teenager years she discovered and was caught by artists like Etta James, Big Mama Thornton, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald, Janis Joplin, Otis Redding, Ray Charles, The Allman Brothers, Led Zeppelin or The Temptations among many others, that showed her the way. Casey cleverly added something of each one to her raw, explosive, passionate and expressive voice. Three own compositions and eight electrifying versions round up an album where, besides Casey Hensley on vocals, it becomes a real pleasure to find Laura Chavez’s superb guitar playing, as well as Johnny Viau on sax, Mark C. on bass and Evan Caleb Yearsley on drums. This is a great recording where jump blues and some balsamic rockin' blues come together in a savoury well cooked dish. If you need a good dose of adrenaline to feel good and be ready to begin you work with a renewed energy,this is your cd. Do not miss it!!. GREAT.

Erin Harpe & The Delta Swingers “Big Road”. Juley Juju / VizzTone 2017.
La cantante y guitarrista Erin Harpe junto a su banda The Delta Swingers presenta su segundo álbum con una propuesta que, si bien no pretende ser innovadora, si es variada en cuanto a la concepción y el producto final. En el repertorio que nos propone se mezclan con habilidad estilos como el Piedmont blues, el blues acústico del Delta, el boogie blues eléctrico, junto a algo de funk y de soul. Desde la publicación en 2014 de su primer disco “Love Whip Blues”, Erin no ha parado de girar por todos los rincones de los Estados Unidos. Toda la experiencia que ha ido acumulando a los largo de estos tres intensos años queda reflejada en este segundo trabajo, en el que se incluyen diez canciones, cuatro de ellas originales y el resto versiones de Mississippi Fred McDowell, Tommy Johnson, Mississippi John Hurt, Slim Harpo o Randy Newman, que Erin sabe llevar a su terreno gracias a unos arreglos muy personales. También se muestra como una más que convincente cantante, dotada de una voz firme y bien aposentada con un timbre vocal rico y lleno de matices. Como guitarrista se muestra eficaz e intuitiva, con un fraseo preciso y de limpia sonoridad, desenvolviéndose con soltura, tanto con las técnicas del fingerpickin’ o el slide, hasta con los pedales como el wah-wah. Además de Erin Harpe a la voz y las guitarras, se encuentran también Jim Countryman al bajo y ukelele, Matt “Charles” Prozialeck a la armónica eléctrica y acústica, Kendall Divoll a la batería y Michael Casavant al órgano en un par de cortes y al acordeón en otro tema.  Excelente y muy recomendable álbum. VERY GOOD. Singer and guitar player Erin Harpe and her band The Delta Swingers present their second album that does not intend to be innovative, but extremely varied in design and final production terms. The repertoire skilfully mixes different styles like Piedmont blues, acoustic Delta blues or electric boogie blues, together with some drops of funk and soul. Since the release in 2014 of her first album "Love Whip Blues", she has not stopped to tour all around USA. All the experience she has gathered during these three intense years can be found in this second tem songs recording, with four own compositions and six versions coming from Mississippi Fred McDowell, Tommy Johnson, Mississippi John Hurt, Slim Harpo or Randy Newman, she plays giving them her own personality, thanks to some original arrangements. She also appears as a more than convincing singer, with a firm well settled voice and a rich full of nuances tone. She is also an effective intuitive guitar player, with a clean precise phrasing, feeling comfortable in both fingerpickin' and slide techniques or even with wah-wah and other pedals. Besides Erin Harpe on vocals and guitars, you will also find Jim Countryman on bass and ukulele, Matt "Charles" Prozialeck on electric and acoustic harmonicas, Kendall Divoll on drums and Michael Casavant on organ in a couple of tracks and accordion in one song too. In short words, this is an excellent highly recommendable album. GREAT.

Dave Keyes “The Healing”. Self Production 2017.
Hoy día constituye una agradable sorpresa encontrarse con un pianista y cantante de la categoría de Dave Keyes, que no se ancla en blues más antiguo, sino que ofrece una visión cosmopolita del mismo. Keyes realiza un repertorio actual y extremadamente vigente para el oyente de este nuevo siglo. Para ello Keyes se ha rodeado de un abanico de músicos invitados de alto nivel con los que suele tocar a menudo como son Popa Chubby, Rob Paparozzi, Vaneese Thomas, Arthur Neilson (Shemekia Copeland) y Alexis P. Suter. La banda que participa en estas grabaciones se completa con Frank Pagano y Steve Rushton a las baterías, David J. Keyes al bajo y un coro de treinta voces llamados los Brooklyn Interdenominational  Choir que colaboran en una canción. El álbum contiene nueve canciones escritas por el propio Dave, más dos covers, uno de Sister Rosetta Tharpe y otro de Robert Johnson. Los temas se mueven en un variado muestrario sonoro en el que se encuentran desde shuffles hasta hipnóticos boogies, rhythm and blues de calidad, rockin’ piano blues, gospel, ritmos a lo Bo Diddley o blues contemporáneo, todo ello pasado por el personal tamiz de un pianista y cantante que sabe como empatizar musicalmente con el oyente que quedará gratamente impresionado con su música arrolladora. MUY BUENO. It is a pleasant surprise to find nowadays such an amazing piano player and singer like Dave Keyes, who is not anchored in old time blues but instead he gives us a cosmopolitan vision of the genre. Keyes performs an extremely effective and actual repertoire, especially devoted to new century listeners. To do so, Keyes has surrounded himself with a bunch of high-level guest musicians he usually plays with, like Popa Chubby, Rob Paparozzi, Vaneese Thomas, Arthur Neilson (Shemekia Copeland) and Alexis P. Suter. The rest of musicians who play in these recordings are Frank Pagano and Steve Rushton on drums, David J. Keyes on bass and a 30 voices choir named The Brooklyn Interdenominational Choir who collaborate in one song. The album includes nine Dave’s own songs plus two covers, one coming from Sister Rosetta Tharpe and another one by Robert Johnson. All songs move along a varied range of rhythms and sounds, from shuffles to hypnotic boogies, high quality rhythm and blues, rockin' piano blues, gospel, Bo Diddley’s beats or the most contemporary blues, all them with the personal stamp of a singer and piano player who really knows to musically empathize with all listeners who will be pleasantly surprised and impressed by his music. GREAT.  

T-Bear & The Dukes “Time Is A Healer”. Self Production 2017.
Después de cuatro años desde la publicación de su anterior trabajo titulado “Ice Machine”, muchos de sus seguidores estaban esperando el nuevo disco de T-Bear & The Dukes, una banda proveniente de Suecia que tiene una legión de seguidores en todos los países escandinavos. Esta nueva grabación contiene diez temas originales con la particularidad de que el primero y el último son instrumentales y ambos tienen un marcado aire español, estando el primero “Taranto” dedicado a Quentin Tarantino. En los ocho temas restantes domina la áspera voz y la tonificante guitarra de su líder Torbjörn Solberg. El resto de los miembros que forman la banda está compuesto por Emil Solberg Wachenfeldt al Hammond, Fredrik Kaudern al bajo y Henrik Berg a la batería. Esta es una típica formación del norte de Europa, que sabe mezclar con habilidad el rock actual con el blues británico de los años setenta. Todos los componentes de la banda suenan muy empastados y consiguen plasmar un sonido personal, muy expresivo, fuerte, vigoroso y dotado de una extremada madurez, lo que sin duda les convierte en un grupo sólido y solvente. MUY BUENO. After four years since the publication of his previous work entitled "Ice Machine", many people were waiting for a new album by T-Bear & The Dukes, a Swedish band which have a legion of followers in all Scandinavian countries. This new recording includes ten original songs and, as a matter of interest, point out the opening and the last tracks are instrumentals and both have an undeniable Spanish flavour with the first one "Taranto" dedicated to Quentin Tarantino. The rough voice and the vigorous guitar playing of band leader Torbjörn Solberg prevail in the other eight songs. The rest of band members are Emil Solberg Wachenfeldt on Hammond, Fredrik Kaudern on bass and Henrik Berg on drums. The group perfectly represents these northern European bands, which knows how to mix actual rock with the 70’s British blues. All band members sound teamed enough to reach a personal, expressive, straightforward sound, displayed with an extreme maturity, which undoubtedly makes them become a totally reliable group. GREAT.

Fernando Neris “Full Frontal Blues”. Self Production 2017.
Fernando Neris, también conocido por los buenos aficionados como De Ferre, es un excelente guitarrista que domina a la perfección estilos como el Piedmont blues, el country blues o el blues del Delta, además de ser un experto en las técnicas del fingerpickin’, el slide o la guitarra Resonator.  Ahora nos presenta su último trabajo, un nuevo disco acústico donde su voz contribuye a construir un estilo y un sonido personal y en algunas ocasiones lleno de crudeza que ayuda a resaltar la melancólica tristeza de esos blues arcaicos de finales de los años veinte del siglo pasado pero que siempre desprenden un encanto y una magia muy especiales. Mejor guitarrista que cantante, es loable el esfuerzo de este estupendo intérprete por comunicar el sentimiento y la intima poesía que se percibe en todas sus letras, a través de esos ritmos suaves pero a la vez hipnóticos que se encuentran en los catorce temas del disco, seis de ellos compuestos por el propio Fernando y el resto versiones de Skip James, Robert Johnson o Blind Lemon Jefferson. En definitiva, un disco para escuchar tranquilamente y dejarse transportar a los paraísos sonoros que Neris sabe comunicar y compartir con total convencimiento, honestidad y pasión. MUY BUENO. Fernando Neris, also known by good blues fans as De Ferre, is an excellent guitar player who mastery performs styles like Piedmont blues, country blues or Delta blues. He is also an expert in fingerpickin', slide or Resonator guitar techniques. Now he brings us his last work, an acoustic new recording where his voice contributes to build up a personal style and a distinctive sound, sometimes full of rawness, that helps to highlight the wistful sadness of those old blues that were played in the late 20’s of last century, but that also communicate an special charm and magic. Better guitar player than singer, it is praiseworthy the hard work of this amazing player to give us all the feeling and intimate poetry that can be noticed in all song lyrics, with these soft but, at the same time, hypnotics rhythms that can be found in the fourteen album tracks, six of them Fernando Neris’ own compositions and the rest versions coming from Skip James, Robert Johnson or Blind Lemon Jefferson. In short words, an album that deserves a calm listen that will help you to be driven to the music paradises Neris tastefully communicates and shares with full conviction, honesty and passion. VERY GOOD.

Chris Daniels And The Kings With Freddi Gowdy “Blues With Horns Vol.1”. Moon Voyage / Blind Raccoon 2017.
Chris Daniels And The Kings se inspiran en las bandas clásicas de blues y rhythm and blues de los años cincuenta, sesenta y setenta que incluían una poderosa sección de vientos. Después de treinta y tres años de carrera y de haber visitado Europa en más de veinte ocasiones, ahora la banda, liderada por el cantante y guitarrista Chris Daniels, publica su álbum número quince junto al impresionante vocalista Freddi Gowdy, una grabación que de nuevo se convierte en un tributo a las secciones de metal. El álbum incluye tres composiciones originales y siete covers que en manos del grupo cobran una nueva dimensión y un aire mucho más actual, ya que atesoran mucho groove, soul, rock y funk. Entre los covers figuran temas de Sam Cooke, Johnny “Guitar” Watson, Elvin Bishop o Buddy Miles. Aparte de los impecables arreglos de viento destacar también las empastadas armonías vocales que harán las delicias del oyente por su espectacular calidad. Además de una música brillante, efectiva y colorista, el diseño del envoltorio y la portada es francamente espectacular y completamente diferente del de los cd’s convencionales y ha sido realizado por el reputado Greg Carr. En las notas interiores el grupo quiere también expresar su agradecimiento s un buen puñado de músicos de blues que llevaron vientos en sus bandas, orquestas y grabaciones, que admiraron desde su niñez y por los que siempre sintieron un profundo respeto como son Mamie Smith, Albert King, Al Kooper, Bobby ‘Blue’ Bland, Johnny Taylor o Koko Taylor… MUY BUENO. Chris Daniels And The Kings get inspiration in those 50’s, 60’s and 70’s blues and rhythm and blues bands which included a powerful horn section on them. After thirty-three years of career and touring Europe more than twenty times, now the band, led by singer and guitar player Chris Daniels, publishes their album number fifteen featuring the impressive singer Freddi Gowdy, a recording that, once again, becomes a tribute to horn sections. You will find three original compositions and seven covers that, on the group hands, get a new dimension and a really actual display, as they gather much groove, soul, rock and funk. Among the covers there are songs coming from Sam Cooke, Johnny "Guitar" Watson, Elvin Bishop or Buddy Miles. Besides the faultless horn arrangements, also highlight the really teamed vocal harmonies that will delight listeners for their impressive quality. Apart of a brilliant, effective colourful music, the cd packaging and cover design is simply spectacular and completely different from the conventional cd's and it is signed by reputed artist Greg Carr. In the album notes the group wants to express their deep respect and recognition to a handful of good blues musicians who included horn sections in their bands, orchestras and recordings, they have deeply admired since childhood such as Mamie Smith, Albert King, Al Kooper, Bobby “Blue” Bland, Johnny Taylor or Koko Taylor… GREAT

Lara & The Bluz Dawgz “Out Here In The Blue”. Lock Alley Music / Blind Raccoon 2017.
Lara And The Bluz Dawgz presentan su tercer trabajo que contiene once temas, todos ellos muy festivos y naturales, compuestos por el matrimonio formado por Lara y Gregg Germony. Lara ha interpretado todo tipo de estilos como jazz, rock o country, pero su corazón ha sido siempre noble y fiel al blues, género que ama con locura y pasión. Grabó dos álbumes en solitario antes de unirse a la banda de su marido, The Bluz Dawgz. Por su parte Gregg comenzó su andadura como bajista en la ciudad de Buffalo, New York, girando por los Estados Unidos, Europa y Asia con The Horning Brothers, además de tocar el bajo en algunos grupos de gospel. El resto de la banda está formada por Al Rowe guitarra, Dan Nadasdi teclados, Reggie Murray saxo y Carlos Ruiz batería. Asimismo intervienen en algunos cortes un selecto trio de vientos formado por Stuart Naylor trompeta, Chuck Lyons trombón y Eric Walker saxo barítono. Los arreglos han sido concebidos por el saxofonista del grupo Reggie Murray y el resultado de las intervenciones de la sección de vientos es francamente remarcable. La coincidencia de gustos musicales de todos los integrantes del combo da como resultado un disco donde la emoción del blues queda reflejada en todos los temas del mismo. MUY BUENO. Lara And The Bluz Dawgz present their third work that gathers eleven cool and natural songs, all them written by husband and wige Gregg and Lara Germony. Lara has sung different music styles like jazz, rock or country, but her heart has always been noble and faithful to the blues she loves with a crazy passion. She recorded two solo albums before joining her husband’s band, The Bluz Dawgz. On the other hand, bass player Gregg Germony started his music career in Buffalo, New York, and he toured around USA, Europe and Asia with The Horning Brothers, besides playing bass in various gospel choirs. The other band musicians are Al Rowe on guitar, Dan Nadasdi on keyboards, Reggie Murray on sax and Carlos Ruiz on drums. You will also find in some cuts a select horn trio with Stuart Naylor on trumpet, Chuck Lyons on trombone and Eric Walker on baritone sax. Horn arrangements come from the band sax player Reggie Murray and the final result is remarkable. The similar musical tastes of all the musicians involved in the recording have been perfectly captured on an album where you will feel the blues. VERY GOOD.

Al Corte’ “Mojo”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
Desde muy pequeño Al Corte’ empezó a cantar en el coro de la iglesia local. Su padre era cantante de ‘honky tonk’, su tío Mike cantaba en un ‘night club’ y su tío Raymond se dedicaba profesionalmente a cantar ópera. Fue este último quien se dio cuenta de sus posibilidades vocales, por lo que le hizo estudiar en una escuela de canto y ópera bajo su supervisión. Allí aprendió a modular y sacar el máximo partido a su voz, aunque su interés estaba en el blues, el rock and roll y el rhythm and blues. Siendo todavía un adolescente empezó a cantar en un grupo de doo-woop y en los años sesenta fue cantante de rock ‘n’ roll. Después estuvo en diversas bandas forjándose en todos los estilos de la música negra, desde soul hasta gospel o roots music. También estuvo involucrado en carreras de motos, tuvo diversos empleos y estudió fotografía y horticultura. Después de retirarse como cantante para formar su propia productora, Al Corte’ ha vuelto de nuevo a la escena musical. En este segundo trabajo desde su regreso, Al Corte’ pone una vez mas toda la carne en el asador para demostrar que es un vocalista de raza, generoso y pasional, con un espectacular dominio vocal y conocimiento del tono, el tempo y el groove. Su registro vocal no tiene secretos ni fronteras y en todo momento demuestra ser un auténtico maestro, un cantante efectivo y efectista que modula y ataca el repertorio de forma directa y sin ambages, siempre dispuesto a dominar los registros más osados para en todo momento ofrecer al oyente la dulzura, la fuerza, el feeling o el carácter que cada tema requiere. Acompañado por un nutrido grupo de músicos, Al se rodea en de The Royal Singers, The Royal Horns, The Royal Strings y The Tennessee Choir. Una preciosa joya a tener muy en cuenta para completar una colección de buena música. BUENÏSIMO. When he was only a child Al Corte' started singing at the local church choir. His father was a honky-tonk singer, his uncle Mike was a night club singer and his uncle Raymond was a professional opera singer. It was uncle Raymond who discovered Al’s natural talent, so he directed him to study in a singing and opera school under his own supervision. There he learned to vocalize, modulate and get the best qualities of his voice, but his interest was not In opera but in blues, rock and roll and rhythm and blues. During his teens years he started to sing in a doo-woop band and in the 60’s he became a rock 'n' roll singer. He sang in several bands that forged his voice in different musical styles from soul to gospel or roots music. He was also involved in motorcycle racing, he also worked in a variety of jobs and learned photography and horticulture. He retired from singing to create his own production company, but fortunately Al Corte' has recently come back to the music scene. In this second work since his comeback, Al Corte' again does his very best to show he is a first class passionate and generous singer, with an spectacular vocal mastery as well as an impressive tone, tempo and groove knowledge. His voice register has no secrets or limits which proves he is a real master, an effective and dramatic singer who approaches the repertoire with an straight determination, always ready to overcome the most daring challenges to give listeners all the sweetness but at the same time the real strength, feeling and character each song requires. Backed by a large group of musicians, ha has also surrounded himself by The Royal Singers, The Royal Horns, The Royal Strings and The Tennessee Choir. This is a precious jewel to be taken into account to be added to a distinguished music collection. GREAT.

Kings & Associates “Tales Of A Rich Girl”. Big Wing / Blind Raccoon 2017.
Kings & Associates es una banda proveniente de Australia.
Sus comienzos fueron sencillos y humildes hasta el momento en que en 2014 ganaron los Adelaide Roots & Blues Association Awards. Desde entonces la banda ha tocado en prácticamente todos los festivales de blues de Australia y, durante ese mismo año 2014, grabaron su primer álbum, realizado a caballo entre Australia y Nashville. Después de unos años de intenso trabajo ahora nos presentan su segundo disco. Diez temas propios grabados enteramente en un estudio de Los Angeles, California bajo la supervisión del productor Jim Scott y el ingeniero de sonido Kevin Dean que han dado un soberbio tratamiento a todas y cada una de las canciones que integran este disco. Durante su estancia en los Estados Unidos, aprovecharon para tocar en la famosísima calle Beale Street de Memphis, quedando también semifinalistas en el International Blues Challenge. Asimismo la banda está muy implicada en la lucha contra la esclavitud que todavía existe en algunos países y no cejan en su empeño de concienciar a la gente sobre este problema. Musicalmente el grupo tiene un sonido personal y muy trabajado consiguiendo unos bellos arreglos en un repertorio que oscila entre el blues, el rock, la música americana, el soul y el gospel. El resultado final es un álbum que destila calidad y buenas formas en todas y cada una de sus canciones. MUY BUENO. Kings & Associates is a band coming from Australia. They started their career on a modest humble way until year 2014 when they won the Adelaide Roots & Blues Association Awards. Since then on the band has played in practically all Australian blues festival. Also in 2014 they published their first album, recorded and produced between Australia and Nashville. After some years of intense work, now they present their second cd. Ten songs recorded in a reputed Los Angeles studio, under the supervision of producer Jim Scott and sound engineer Kevin Dean who have done a superb work. While they were in United States they played at the famous Beale Street in Memphis and were also semi-finalists at the International Blues Challenge. Apart from music, the band is very much involved in the fight against slavery that is still present in some countries and they do not stop trying to make people aware of this terrible problem. Musically speaking, the group has got a personal thorough sound, with some beautiful arrangements along a repertoire that ranges from blues to rock, Americana, soul or gospel. The result is an album that brings an undeniable good taste and quality in each and every one of the songs included. GREAT.

Totablues & Poyo Moya “Blues And More…”. Self Production 2017.
Argentina ha sido siempre cuna de grandes músicos y bandas de blues que desgraciadamente en muchas ocasiones no han traspasado sus fronteras ni obtenido el reconocimiento que merecen. Es una suerte poder contar en nuestra ciudad con un plantel de buenos bluesmen argentinos. Dos de ellos son el armonicista y cantante Tota y el pianista Cristian “Poyo” Moya. Enamorados ambos del blues, nos presentan ahora un álbum en el que despliegan todo su conocimiento del género en un viaje que recrea los lugares y artistas más emblemáticos del auténtico blues. Desde New Orleans hasta Chicago pasando por Mississippi, Memphis o Saint Louis, o desde Otis Spann hasta Ray Charles, Johnnie Johnson, Jimmy Reed o John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson, entre otros, estos dos excelentes músicos suenan totalmente conjuntados a la vez que muestran su depurada técnica, en un álbum con doce temas, algunos de ellos composiciones propias junto a versiones de algunos de los músicos que acabamos de mencionar. Al igual que en su día hicieran Sugar Ray Norcia y Anthony Geraci grabando un álbum para piano y armónica, este disco se convierte en un pequeño tesoro para los verdaderos amantes del blues. Además de Tota a la armónica, voz y guitarra en dos temas y Cristian “Poyo” Moya al piano y a la voz en una canción, también han colaborado Eduardo Introcaso al saxo, Martin J. Merino a la guitarra eléctrica y Chino Swingslide a la guitarra Resophonic, en un tema cada uno. Con Tota y Cristian el feeling del blues está asegurado. ¡Palabra de Zúmel!. MUY BUENO. Argentina has always been the birthplace of great blues musicians and bands which, unfortunately, have not often cross borders and get the recognition they deserve. Fortunately we are lucky to have in our city a good bunch of these good Argentinian bluesmen. Two of them are harmonica player and singer Tota and piano player Cristian "Poyo" Moya. Both deeply love blues and now they present an album where they show all their undeniable knowledge, on a blues tour that drives us to the most emblematic places and artists of genuine blues. From New Orleans to Chicago, travelling around Mississippi, Memphis or St. Louis and from Otis Spann to Ray Charles, Johnnie Johnson, Jimmy Reed or Big Boy Crudup among others, these two excellent musicians sound totally teamed and, at the same time, show their fine technique in a twelve songs album, some of them own compositions together with versions by some of the just mentioned musicians. As did Sugar Ray Norcia and Anthony Geraci some time ago, recording an album only with piano and harmonica, this recording becomes a small treasure for all true blues lovers. Besides Tota on harmonica, vocals and guitar in two cuts and Cristian "Poyo" Moya on piano and vocals in one song, there have also collaborated Eduardo Introcaso on sax, Martin J. Merino on electric guitar and Chino Swingslide on Resophonic guitar, each in one song. With Tota and Cristian, the real blues feeling is guaranteed. Word of Zumel!. VERY GOOD.

Davide Pannozzo “Unconditionallove” Self Production / Frank Roszak 2017.  
Este es el segundo álbum del cantante y guitarrista italiano Davide Pannozzo. El músico ha contado con el valioso trabajo de los reputados productores Steve Jordan y Will Lee, ambos flamantes ganadores de un Grammy. Davide empezó tocando en su Italia natal y, después de grabar su primer disco, siguió trabajando en nuevas composiciones. Un día decidió enviar su nuevo material al productor Steve Jordan a quien no conocía de nada. Este quedó gratamente sorprendido por la calidad del artista, sopesando sus potenciales posibilidades, por lo que le ofreció trabajar juntos en este nuevo proyecto. Davide Pannozzo se trasladó inmediatamente a Nueva York y desde allí ha iniciado una nueva carrera en la que se nos revela como un guitarrista sofisticado, un poderoso cantante y un versátil compositor, capaz de ofrecer al oyente una variada y sutil gama de canciones de calidad con un estilo muy personal en el que se descubren toques de Jeff Beck, David Gilmour, Eric Clapton o Jimi Hendrix. El álbum contiene diez canciones originales y dos versiones de los temas “Wha Wah” de George Harrison y “Stratus” de Billy Cobham. Además del propio Pannozzo a las guitarras y voz, también se encuentran Will Lee al bajo y voces, Steve Jordan y Shawn Pelton a la batería y Ricky Peterson y Oli Rockberger al Hammond y teclados. MUY BUENO. Here comes the second album by singer and guitar player Davide Pannozzo. This time he has counted with the valuable work of reputed producers Steve Jordan and Will Lee, both Grammy winners. Davide began playing in his native Italy and, after recording his first album, he followed on working in new compositions. One day, he decided to send his new material to producer Steve Jordan, he didn’t know at all. Steve was pleasantly surprised by the artist quality, he saw his potential so he offered him to work together in this new project. Davide Pannozzo moved to New York and from there he has started a new career where he reveals himself as a sophisticated guitar player, a powerful singer and a versatile composer, able to give listeners a varied and subtle range of high quality songs, performed with a very personal style where you will discover a touch of Jeff Beck, David Gilmour, Eric Clapton and Jimi Hendrix. The album includes ten original songs and two versions, "Wha Wah" coming from George Harrison and "Stratus" by Billy Cobham. Besides Davide Pannozzo on guitars and vocals, you will also find Will Lee on bass and vocals, Steve Jordan and Shawn Pelton on drums and Ricky Peterson and Oli Rockberger on Hammond and keyboards. VERY GOOD.

The Blues Freaks “I’ll Take The Blame”. Big Beard 2017.
El panorama del blues español está en plena ebullición con la aparición de nuevos e interesantes grupos que aportan diversidad y vida a este estilo. Desde Toledo nos llegan The Blues Freaks, una banda formada en enero de 2017, que irrumpen con fuerza en el mercado con este disco en el que incluyen nueve temas que se mueven por los sonidos clásicos y añejos del blues del Delta de los años treinta y cuarenta del pasado siglo, que es la música que les apasiona y por la cual sienten gran devoción. La banda está formada por el estadounidense John Duer al bajo y voz y los toledanos Budy García a la guitarra, slide y voz y José Luis Sepúlveda “Sepul” a la batería. Para esta grabación han contado con la colaboración de excelentes músicos nacionales como Amable Rodríguez a la guitarra, Julián Maeso al Hammond, Sergi Fece al piano, Antonio Lorente al pedal steel o Paco Cerezo al bajo. A pesar de ser un grupo de reciente formación, es encomiable el trabajo que ahora nos presentan, donde mezclan con gusto el blues, el country, y los sonidos campestres, interpretado con conocimiento, honestidad, entusiasmo no exento de indudable calidad. Un álbum de fácil escucha que nos traslada a esos paisajes del sur de los Estados Unidos y que presagia un excelente futuro para esta formación de la que esperamos seguir recibiendo buenas noticias. MUY BUENO. Spanish blues scene is boiling with the arrival of new interesting bands which bring diversity and a new life to the style. From Toledo come The Blues Freaks, a group formed in January 2017, which break into the market with this recording that includes nine songs that move along the classic last century 30’s and 40’s Delta blues sounds, that is the music they passionately love and respectfully worship The band is formed by American musician John Duer on bass and vocals and Toledo coming Budy Garcia on guitar, slide and vocals and José Luis Sepulveda "Sepul" on drums. To round up the album they have counted with the collaboration of excellent musicians like Amable Rodríguez on guitar, Julián Maeso on Hammond, Sergi Fece on piano, Antonio Lorente on the pedal steel or Paco Cerezo on bass. Despite they are a really new group, it is praiseworthy the work they now present, where they tastefully mix blues, country and other countryside sounds, performed with honesty, enthusiasm, knowledge and a good dose of quality. An easy to listen album which will drive you to the southern United States landscapes, and announces a great future for a band we expect to receive more good news soon. VERY GOOD.

Peter Parcek “Everybody Wants To Go To Heaven”. Lightnin’ Records / Mark Pucci 2017.
Después de siete años de silencio discográfico, el cantante y guitarrista Peter Parcek ha publicado recientemente su último trabajo que está recibiendo una muy buena acogida. El álbum contiene diez temas de los que seis son composiciones propias, de ellas tres instrumentales, y el resto covers de Peter Green, Blind Lemon Jefferson, Don Nix y Jennie Mae Clayton. En la grabación han participado alrededor de quince músicos de alto nivel cualitativo, lo que confiere empaque a todo el disco, además de un sonido francamente excelente. La carrera musical de Parcek se inició durante los años sesenta en Londres donde pudo empaparse de la presencia y de la música de gente como The Rolling Stones, Pink Floyd, Eric Clapton, Jeff Beck o Fleetwood Mac entre otros y, de este modo, todas esas músicas pueden percibirse en las composiciones que Peter Parcek va desgranado en este disco. A lo largo de los años Peter ha desarrollado un estilo ecléctico y personal fruto de aquellas primeras influencias con las que actualmente convive su música, pero además pueden también encontrarse sonidos del Delta, la roots music, el folk, el country, el rockabilly, el surf, el jazz e incluso música gipsy. MUY BUENO. After seven years of recording silence, singer and guitar player Peter Parcek has recently published his latest work which has been very well received. The album gathers ten cuts, six own compositions that include three instrumentals and the rest are covers coming from Peter Green, Blind Lemon Jefferson, Don Nix and Jennie Mae Clayton. Around fifteen high quality musicians have participated on the recording, which gives consistency and an excellent sound to the whole work. Parcek’s musical career started in London during the 60’s, where he was able to fill himself with the presence and music of people like The Rolling Stones, Pink Floyd, Eric Clapton, Jeff Beck or Fleetwood Mac among others, so all that music can be noticed in the compositions Peter Parcek has selected for this album. Over the years Peter has developed an eclectic and personal style, fruit of those early influences that are still present in his music, which also live together with Delta sounds, roots music, folk, country, rockabilly, surf, jazz even gipsy music. VERY GOOD.

The Wildcat O’Halloran Band “Hot Pulldown”. Dove Nest 2017.
Si hay un músico que no esconde nada y que se muestra fiel a sus principios musicales, ya sean de vanguardia, underground, blues tradicional, o simplemente rock and roll de los cincuenta, sin duda ese es el cantante y enérgico guitarrista Wildcat O’Halloran que, junto a su banda, revolucionan el gallinero con su alegre, divertida y festiva música apta para todos los públicos. Además Wildcat es un músico con un enorme sentido del humor entre cómico, irónico, o sarcástico, que se refleja en las siete canciones compuestas por él mismo junto a cuatro versiones muy personales de Jimmy Reed, Lightnin’ Hopkins, Ralph McDonald/William Salter y James Cotton que completan los once temas que contiene este álbum. En esta ocasión Wildcat O’Halloran y sus músicos se han concentrado únicamente en el blues clásico, dejando de lado otras influencias que pueden estar presentes en su repertorio habitual. De esta forma nos ofrecen un disco con genuino sabor tradicional. Es aquí donde todos ellos nos muestran su cara mas amable para que el oyente deguste con satisfacción este nuevo plato servido con pulcritud y esmero. BUENO. If there is a musician who does not hide anything and is always faithful to his musical convictions, whether they are cutting-edge music, underground, traditional blues or just 50’s rock and roll, undoubtedly he is the energetic singer and guitar player Wildcat O'Halloran who, together with his band, turn everything upside down with their joyful, funny and festive music ready to convince all audiences. Wildcat has also an incredible sense of humour that moves among joy, irony or sarcasm, which can immediately be noticed in the seven own songs that complete the album together with four very personal versions coming from Jimmy Reed, Lightnin' Hopkins, Ralph McDonald/William Salter and James Cotton. This time Wildcat O'Halloran and his musicians have totally focused on classic blues, leaving aside other influences that may be present in their usual repertoire. In this way, they bring us an album with the most genuine traditional flavour. This gives them the opportunity to show listeners their most friendly face, ready to make them taste and delight with this new dish served with an exquisite care. GOOD.

Johnny Nicholas & Friends “Too Many Bad Habits”. Self Production / Mark Pucci Media (2 CD’s) 2017.
En 1977 la compañía Blind Pig Records publicó el álbum “Too Many Bad Habits”. En él se encontraban el cantante y guitarrista, Johnny Nicholas junto a los legendarios Big Walter Horton a la armónica y voz, Johnny Shines a la guitarra y voz, Boogie Woogie Red al piano y voz, además de otros músicos de la formación de ‘western swing’ liderada por Ray Benson, Asleep At The Wheel añadiendo mandolina, violín, saxo y otros instrumentos acústicos. Cuarenta años más tarde esta verdadera joya del blues ha sido reeditada con el sonido completamente remasterizado para disfrute y deleite de todos los aficionados al blues más tradicional del south side de Chicago. Por si esto no fuera poco, se incluye un segundo cd con canciones pertenecientes a aquellas sesiones de grabación que fueron desechadas en su momento por lo que nunca llegaron a ver la luz, lo que constituye un auténtico valor añadido y un documento único. Para quienes no estén demasiado familiarizados con John Nicholas, simplemente decir que fue uno de aquellos pioneros blancos que empezaron a tocar blues junto a los más genuinos bluesmen de color, ayudando de este modo a popularizar el estilo entre los jóvenes blancos de su generación. Este doble cd constituye una verdadera joya que merece un lugar destacado en cualquier colección discográfica. IMPRESCINDIBLE. In 1977 Blind Pig Records released the album "Too Many Bad Habits" by singer and guitar players Johnny Nicholas playing together with legendaries Big Walter Horton on harmonica and vocals, Johnny Shines on guitar and vocals, Boogie Woogie Red on piano and vocals besides other musicians belonging to the western swing band led by Ray Benson, Asleep At The Wheel, who added mandolin, violin, sax and other acoustic instruments to the recording. Forty years later this blues treasure has been completely remastered and reissued to delight and please most traditional south-side Chicago blues lovers. And if this was not enough, it also includes a second CD with songs belonging to those recording sessions that were not released and never came to see the light, which provide an added value to this unique document. For those who are not familiar with John Nicholas, let me say he was one of those white musicians pioneers who began to play blues side by side with the most genuine black bluesmen, helping to make this style popular among young white people of his generation. Undoubtedly this double cd becomes a real jewel that deserves an outstanding place in any record collection. ESSENTIAL.

Leif De Leeuw Band “Until Better Times”. Self Production 2017.
Leif De Leeuw es un joven guitarrista holandés que ha irrumpido con inusitada fuerza en el panorama europeo del rock-blues más crudo y descarnado. A pesar de su juventud ha ganado ya varios premios como mejor guitarrista de rock-blues y también como mejor banda revelación. Leif practica un estilo contemporáneo y atrevido donde mezcla el funk, el soul y el rock sinfónico con el rock-blues y lo hace con mucha osadía y autoridad. Este disco incluye once composiciones propias de la banda en las que combinan con habilidad y destreza rock de los años setenta en la línea de Allman Brothers Band, Led Zeppelin, Blackberry Smoke o Henrik Freischlader. La banda imprime fuerza y fogosidad a sus interpretaciones con ponderada eficacia aromas subterráneos muy garajeros no exentos de interés para muchos de los oyentes. Además de Leif De Leuw a la guitarra y pedal steel, el resto del grupo lo forman Britt Jansen a la voz y guitarra, Boris Oud al bajo y contrabajo y Tim Koning a la batería y percusión. En el álbum han colaborado también Willem ‘t Hart al Hammond y teclados y Jasper Ras a la percusión. Un disco interesante por determinados conceptos que puede llegar a cautivar al oyente si está dispuesto a dejarse arrastrar por su música. MUY BUENO. Leif De Leeuw is a young guitarist who has appeared with an unusual strength in European gritty and raw rock-blues scene. Despite his youth he has already won several awards as best rock-blues guitar and best new band. Leif performs a contemporary daring style where he mixes funk, soul or symphonic rock with rock-blues and he does with great audacity and authority. The album includes eleven original band compositions that skilfully combine 70’s rock in the path of Allman Brothers Band, Led Zeppelin, Blackberry Smoke or Henrik Freischlader. The group gives strength and warm enthusiasm to their music, adding some underground and garage flavours with a weighted average that could be of interest to a good number of listeners. Besides Leif De Leuw on guitar and pedal steel, the rest band musicians are Britt Jansen on vocals and guitar, Boris Oud on bass and double bass and Tim Koning on drums and percussion. There have also collaborated in the album Willem 't Hart on Hammond and keyboards and Jasper Ras on percussion. This is an interesting recording by some concepts that would captivate listeners if they let themselves be carried by their music. VERY GOOD.

Kathi McDonald “Defused”. Marin Records 2016.
Este doble cd se convierte en un homenaje a la cantante Kathi McDonald (1948-2012). Kathi grabó y estuvo actuando con artistas de la talla de Leon Russell, Long John Baldry, Ike And Tina Turner, Rolling Stones, Delany & Bonnie o Freddie King entre muchos otros. Gran admiradora de Janis Joplin, a la muerte de esta Kathi tomó el mando de la banda de Janis, Big Brother And The Holding Company, grabando con ellos dos irrepetibles LP’s que se han convertido ya en legendarios y que son dos joyas muy buscadas por los buenos coleccionistas de rock. De Janis Joplin Kathi aprendió su desgarrada y alcohólica forma de cantar, su intensidad, la actitud, la puesta en escena, los giros vocales, el trémolo, la sensualidad y el feeling. Todo esto junto a la combinación del blues y el rock que Kathi aborda con su voz magistral de forma totalmente espontánea, la convierten en una artista brillante. Este doble disco incluye veinticinco temas de los últimos años de la vida de Kathi McDonald, en los que también colaboraron algunos miembros de los Big Brother And The Holding Company junto a otros destacados músicos. Ambos discos se convierten en una verdadera joya y pieza indispensable para conocer y descubrir a una artista que, a pesar de su innegable calidad, no llegó a conseguir todo el reconocimiento ni la fama que merecía, por ello recomiendo encarecidamente conseguir una copia del mismo para disfrutar y contagiarse de la encendida pasión que esta mujer ponía en cada una de sus intervenciones. BUENISIMO. This double cd becomes a tribute to singer Kathi McDonald (1948-2012). Kathi recorded and played with such great artists like Leon Russell, Long John Baldry, Ike And Tina Turner, Rolling Stones, Delany & Bonnie or Freddie King among many others. She deeply admired Janis Joplin so, when Joplin passed away, Kathi led Janis’ band, Big Brother And The Holding Company, recording two incredible LP's which are now legendary, two jewels that have become two cult recordings for rock collectors. From Janis Joplin Kathi learned her raw alcoholic way of singing, her intensity, her attitude, her stage presence, her vocal turns, tremolo, sensuality and feeling. All these qualities, together with a good mixture of blues and rock, is what Kathi gives us, showing her masterful spontaneous voice and the bright of a real star. This double album includes twenty-five songs belonging to the last years of her life, where you will also find some members of the Big Brother And The Holding Company, as well as other prominent musicians. Both cds are a real gem and an essential tool to discover and love an artist who, in spite of her undeniable quality, did not get all the recognition and fame she deserved, so I highly recommend to get a copy to enjoy and be infused with the terrific passion Kathi McDonald always put in every song. GREAT.

Mama SpanX “State Of Groove”. Ideal Scene Music / Frank Roszak 2017.
Durante bastantes años la cantante Nikki Armstrong trabajó junto al legendario guitarrista de soul y jazz Melvin Sparks. Desgraciadamente Melvin falleció en 2011 y es ahora cuando Nikki ha decidido reunir un buen elenco de músicos de rhythm and blues, funk, soul y blues para formar su banda Mama SpanX cuyo nombre se convierte en un tributo al desaparecido artista y, de paso, firmar este álbum que comentamos. Este es el primer trabajo discográfico de esta banda e incluye ocho temas originales de la propia Nikki co-escritos con algunos colaboradores y una versión de “Alligator Boogaloo” del saxofonista de jazz Lou Donaldson. Todas las canciones se deslizan con buen gusto y mejor criterio por los caminos por los que transitan estilos como el funk, el jazz, el soul y el rhythm and blues con buenas combinaciones entre estos géneros, junto a matices y arreglos llenos de colorido y buenas dosis de energía contenida. La cálida, sensual y poderosa voz de Nikki Armstrong brilla con luz propia, mostrando un alto poderío sin fisuras, estando perfectamente respaldada por unos excelentes músicos como son Steve Johnson a las guitarras, Harland Spector al Hammond B-3, órgano, piano y moog, Steve Sadd al saxo tenor y soprano, Julie Sax al saxo alto y barítono, Russ Mullen a la trompeta y trombón, David Abercrombie al bajo de seis cuerdas y “Uncle” Ben Beckley a la batería, percusión y dirección musical. MUY BUENO. For many years singer Nikki Armstrong worked with legendary soul and jazz guitar player Melvin Sparks. Unfortunately Melvin died in 2011 and it is now when Nikki has decided to gather some good rhythm and blues, funk, soul and blues musicians to form her own band, Mama SpanX, whose name becomes a tribute to her lost friend and, of course, sign this recording. This is the band debut album and includes eight original tracks co-written by Nikki and several collaborators, plus a version of "Alligator Boogaloo" coming from jazz sax player Lou Donaldson. All the songs cleverly move with an extreme good taste along funk, jazz, soul and rhythm and blues roads, on a good combination of these musical styles, together with colourful arrangements full of beautiful nuances and a good dose of restrained energy. The warm, sensual and powerful voice of Nikki Armstrong shines at a very high level, showing a straight compact strength, perfectly backed by her excellent musicians, Steve Johnson on guitars, Harland Spector on Hammond B-3, organ, piano and moog, Steve Sadd on tenor and soprano sax, Julie Sax on alto and baritone sax, Russ Mullen on  trumpet and trombone, David Abercrombie on six-string bass and "Uncle" Ben Beckley on drums, percussion and musical direction. GREAT.

Samantha Fish “Belle Of The West”. Ruf 2017.
Desde que en el año 2009 Samantha Fish iniciara su carrera discográfica con el disco “Live Bait”, todos los álbumes que le han seguido han sido de una riqueza musical inusitadas, mostrando las diferentes facetas y la variada paleta de colores que posee esta artista, todas ellas profusamente ancladas en los blues pero con los efectos colaterales que le proporcionan los ricos y distintos matices que hacen de ella una artista muy especial. Impresionante cantante, guitarrista y compositora, Samantha Fish nos presenta el que probablemente sea uno de los mejores cd’s en su carrera profesional, un álbum lleno de maravillosas secuencias de sensibilidad y soberbia riqueza armónica, que emana folk, blues, baladas y vivencias magistralmente expuestas e interpretadas, acompañada de unos músicos sobrios y elegantes que saben como conquistar el corazón del aficionado a la música genuinamente americana como es el caso que nos ocupa. El disco ha sido grabado en los estudios Zebra situados en un idílico paraje de las colinas del norte de Mississippi. Para su realización ha contado con la colaboración de músicos de la zona como Luther Dickinson o Lightnin’ Malcolm. Todo el ambiente de la música de esa zona campestre del Mississippi se refleja en este disco que nos permite descubrir en toda su dimensión una nueva faceta de esta estupenda artista. MUY BUENO. Since the moment Samantha Fish started his recording career in year 2009 with the album "Live Bait", all the recordings that have followed this first one have gathered an unusual musical richness, showing the different facets and varied colour palette of an artist who is deeply anchored in blues but with some side effects that add beautiful nuances and make her to be a very special artist. Impressive singer, guitar player and songwriter, Samantha Fish comes with a new album which  is probably one of the best ones in her professional career, a cd full of wonderful steps, gifted with an amazing sensitivity and a superb harmonic wealth, ranging from folk to blues, ballads or many other musical experiences that are masterfully displayed. She is backed by a bunch of restrained elegant musicians who know how to conquer the heart of the most genuine American music fans. The album was recorded at Zebra studios, in a beautiful countryside corner in the middle of northern Mississippi hills. There Samantha counted with the valuable collaboration of good local musicians like Luther Dickinson or Lightnin' Malcolm among others. The atmosphere of Mississippi hill county music can be found in the whole album and allows us to discover in its whole a new facet of this great artist. GREAT.

Jane Lee Hooker “Spiritus”. Ruf 2017.
En los años más recientes Nueva York se ha convertido en una de las ciudades emblemáticas de lo que se ha venido a denominar la escena del punk-blues. Una de las bandas punteras de este movimiento musical es sin duda el formado por cinco mujeres que llevan por nombre Jane Lee Hooker. El grupo lo forman Dana “Danger” Athens a la voz, Tracy “High Top” y Tina “T-Bone” Gorin a las guitarras, Hail Mary Z al bajo y Melissa “Cool Whip” Huston a la batería. Este es su segundo álbum grabado en estudio bajo la supervisión del ingeniero y productor Matt Chiaravalle y en él todas ellas han querido mostrarse tal y como son en el escenario, es decir, crudas, espontáneas, con una energía desbordante y sin afectaciones. Es por este motivo por el que en el estudio de grabación han huido de los habituales estereotipos como los diversos efectos de grabación, los overdubs, los pedales, incluso las tomas alternativas y todo ello para poder de este modo capturar de una manera simple y tangible, sin misterios ni accesorios, toda la emoción y la fogosidad que comunican en el escenario. Este es un disco para escuchar de principio a fin, deleitándose y descubriendo toda la fuerza y la intensidad que las Jane Lee Hooker son capaces de transmitir. MUY BUENO. In most recent years New York has become one of the charismatic cities of what has started to be called the punk-blues scene. Undoubtedly one of the leading bands of this particular movement is this five women one which are known with the name of Jane Lee Hooker. The group is formed by Dana "Danger" Athens on vocals, Tracy "High Top" and Tina "T-Bone" Gorin on guitars, Hail Mary Z on bass and Melissa "Cool Whip" Huston on drums. This is their second studio album and has been recorded under the clever supervision of reputed engineer and producer Matt Chiaravalle. The main goal they wanted to get was to appear to all listeners as they usually are on stage, that is to say, raw, spontaneous and with a boundless unaffected energy. This is the reason why they have avoided all usual studio devices like the variety of recording effects, overdubs, pedals and even the alternate takes to, in this way, simply capture the essential power, the total excitement and the whole enthusiasm they communicate on stage. This is an album to be heard from the beginning to the end, to discover end savour all the strength and intensity Jane Lee Hooker are able to deliver. VERY GOOD.

Luther Allison “A Legend Never Dies”. Ruf LP Box Set / CD Box Set 2017.
Para recordar el veinte aniversario del fallecimiento del gran cantante y guitarrista de blues de Chicago Luther Allison, la compañía alemana Ruf Records comandada y dirigida por Tom Ruf ha querido rendirle homenaje editando una fantástica caja que contiene siete LP’s o vinilos y cuatro DVD’s. No contentos con ello, también han editado los cuatro DVD’s en formato CD. Estas cajas contienen además lo que hoy en día los americanos llaman una ‘Coffee Table Book’ de ochenta páginas que contiene toda su biografía con profusos comentarios e ilustraciones. La tirada es limitada puesto que solamente se han editado 1.500 cajas. En estos DVD’s se pueden visualizar actuaciones del año 1997 (Live In Paradise y Zoo Bar), de 1991 (en un concierto en Alemania donde Luther toca junto a su hijo Bernard) o de 1987 (en un concierto desde Berlín Este). Otra de las joyas que se incluyen es su tremenda actuación en los premios W.C. Handy de 1996 (actualmente denominados Blues Music Awards y Keeping The Blues Alive), concedidos por la Blues Foundation de Memphis. Tanto si eres uno de los muchos fans de Luther Allison como si simplemente te gusta el blues, no puedes perderte este cofre, ya sea en Cd’s o LP’s, porque constituye una auténtico tesoro y un valioso regalo para la vista y los oídos. IMPRESCINDIBLE. To remember and commemorate the 20th anniversary of the death of great singer and Chicago blues guitar player Luther Allison, German label Ruf Records led by Tom Ruf, has decided to pay him a tribute by publishing a fantastic box with seven vinyl LP's or and four DVD's. And if this was not enough, they have also published the four DVD's in CD format. These boxes also include a 80 pages coffee table book with his extensive biography, profuse comments and illustrations. The edition is limited with only 1.500 boxes published. In these DVD's you will find a variety of performances, like the ones coming from 1997 (Live In Paradise and Zoo Bar), other one from a Germany show where Luther played together with his son Bernard, or one from 1987 recorded at an East Berlin gig. Another jewel you will find is his terrific show at W.C. Handy Awards (now called Blues Music Awards and Keeping the Blues Alive) in 1996, organized by the Blues Foundation in Memphis. If you are one Luther Allison’s deep fans or if you just like the blues, you must not miss this box, either in CD or LP format, because it is a real treasure and a valuable present for your eyes and ears. ESSENTIAL.

Johnny Max Band “Roadhouse Soul”. Pour Soul 2017.
Sin duda alguna Johnny Max Band es una formación perfecta para animar fiestas y reuniones. Su blues de corte comercial, su presencia escénica y su amplio sentido del humor han hecho que sus seis discos anteriores hayan sido un éxito de crítica y público. Toda la alegría que desprenden en sus actuaciones en directo saben también  trasladarla a sus discos, como es sucede en el caso de este nuevo trabajo que comentamos. Los diez temas originales que componen la grabación tienen todos los elementos e ingredientes para satisfacer a un amplio sector del público aficionado: un estilo vocal directo y contundente, unos músicos que suenan divinamente empastados y un swing arrollador que transmite al oyente unas tremendas ganas de bailar y de soltarse el pelo. Liderados por Johnny Max a la voz, el grupo se completa con Kevin Vienneau a las guitarras, mandolina y coros, Rob Gusevs a los teclados, Russ Boswell al bajo, Jim Casson a la batería y Quesha Wint coros. Si parece exagerado todo lo escrito en estas líneas sobre Johnny Max Band, entonces mi recomendación es conseguir una copia del mismo para comprobarlo de primera mano. MUY BUENO. Johnny Max Band is surely the perfect group to enliven parties and other celebrations. His pretty commercial blues, their stage presence and sense of humour have led their six previous albums to get a remarkable success among audiences and specialized media. They manage to communicate all the joyful atmosphere of their live shows in their recordings, as happens in this new work. The ten original songs that round up this new album gather all the elements and ingredients to satisfy a wide range of listeners, which are nothing than a direct vocal style, a group of musicians totally teamed and a rolling swing that communicates people feel like dancing and go wild. Led by Johnny Max on vocals, the rest of band musicians are Kevin Vienneau on guitars, mandolin and vocals, Rob Gusevs on keyboards, Russ Boswell on bass, Jim Casson on drums and Quesha Wint on backing vocals. If you think everything written on these lines about Johnny Max Band is pure exaggeration, my advice is to get a cd copy and check it first hand. VERY GOOD.

Tia “Lil’ Bird”. Self Production 2017.
Tia Couttebel es una cantante y guitarrista francesa de blues sumamente original dotada de una marcada personalidad. Mujer de espíritu libre, Tia disfruta sobremanera reinventando y llevando el blues a su propio terreno con habilidad y mucha elegancia, inspirándose sobre todo en diversas corrientes que la llevan a rincones tan alejados como el continente africano, o a los primitivos ritmos afrocubanos. Su último viaje al norte del Mississippi junto a Cedrick Burnside, Cameron Kimbrough y Sharde Thomas le hizo descubrir la riqueza del blues de aquella zona, dando como fruto un álbum fresco, jugoso y completamente innovador por los diferentes matices, armonías y colores que se van fusionando tema tras tema a lo largo de un total de diez canciones transportan al oyente a esos paisajes fantasmagóricos del sur profundo de los Estados Unidos, a la oscuridad de los bayous, aunque también nos hacen viajar al increíble ambiente festivo de la Louisiana en un completo repertorio lleno de magia y seducción. Todo ello gracias al buen hacer de Tia Couttebel a la voz y guitarra, Manu Borghi a los teclados, Laurent Cokelaere al bajo, Francis Arnaud a la batería, Marc Clomeau a la percusión, clavecin y coros y Ibou Sow a la flauta. MUY BUENO. Tia Couttebel is a blues French singer and guitar player gifted with a huge originality and a remarkable personality. She is a free minded woman so what she likes most is to reinvent the blues, carrying these old music to her own field, and she does it with a natural elegance and skill, getting inspiration in the various ways that drive her to hidden corners like the native Africa or to the primitive afro-cuban rhythms. Her last journey to the north of the Mississippi together with Cedrick Burnside, Cameron Kimbrough and Sharde Thomas made her discover the richness of the blues in that particular area and has given as a result this cool, juicy and completely innovative album, where you will feel the different shades, harmonies and colours that can be found in the ten album songs. A beautiful trip to the phantasmagorical landscapes of Mississippi deep south or the darkness of bayous, but also to Louisiana incredible joyful atmosphere, in a well chosen repertoire full of magic and seduction, thanks to the good work of Couttebel Aunt on vocals and guitar, Manu Borghi on keyboards, Laurent Cokelaere on bass, Francis Arnaud on drums, Marc Clomeau on percussion, clavinet and backing vocals and Ibou Sow on flute. GREAT.

The Jimmy Zee Band “What You See Is What You Get”. Self Production / Sarah French 2017.
Sin duda la voz del cantante Jimmy Zee se ha convertido en el rasgo más característico de este artista. Muchos de los que la han escuchado la han definido como una mezcla entre Joe Cocker, Tom Waits y Robbie Robertson y ciertamente es fácil darse cuenta que estas tres voces están presentes en las cualidades vocales de Jimmy Zee. Pero además voz es áspera, cruda, profunda y adecuada para desgranar un repertorio tanto de blues como de soul, americana, rock sureño, y rhythm and blues. Hasta el momento ha publicado seis álbumes todos ellos nutridos y repletos de canciones propias que han recibido excelentes y suculentas críticas tanto en Estados Unidos como también en Europa. Diez canciones componen este trabajo recientemente aparecido en el mercado, en las que la formación básica está compuesta por Jimmy Zee a la voz y en algunos temas colabora también la vocalista Nadine States, Rob MacDonald y Tim Porter están a las guitarras, Darryl Havers a los teclados, Harpdog Brown a la armónica, Steve Hilliam al saxo, Miles Hill al bajo, Joel Fountain a la batería, además de haber contado con algunos músicos invitados que acaban de redondear éste álbum. MUY BUENO. It certainly is the particular voice of singer Jimmy Zee what most defines the personality of this musician. Many people who have listened to it say it is a mixture of Joe Cocker, Tom Waits and Robbie Robertson and it is really easy to realize these three amazing voices can be found among Jimmy Zee’s vocal qualities. But his voice is also rough, raw, deep and appropriate for a repertoire based on blues, soul, Americana, southern rock and rhythm and blues. He has published six albums till now, all them fed and full with his own songs, which have received juicy and excellent reviews both in United States and Europe. Ten songs fill this recently published recording, where the basic band is formed by Jimmy Zee in vocals together with singer Nadine States who also collaborates in some songs, Rob MacDonald and Tim Porter on guitars, Darryl Havers on keyboards, Harpdog Brown on harmonica, Steve Hilliam on sax, Miles Hill on bass and Joel Fountain on drums, plus some guest musicians who help to round up an interesting album. VERY GOOD.

Heather Newman “Burn Me Alive”. Vizztone 2017.
Heather Newman empezó su carrera musical siendo todavía una niña en Omaha, Nebraska. Después de unos años se trasladó a Kansas City, Missouri, uniéndose a la banda de Nick Schnebelen, tocando el bajo, escuchando, aprendiendo, grabando con ellos y, lo mas importante, cantando sus propios temas y preparándose poco a poco para convertirse en intérprete solista. A principios del año 2017 formó su propia banda junto a Keith Ladd a la guitarra, Ryan Flemmer a los teclados y Cole Dillingham a la batería. Con ellos respaldando su liderazgo, Heather comunica y transmite un show lleno de energía y contundencia, en una comunión directa con la audiencia que se entrega a su música con pasión desbordante. A finales de ese mismo año 2017 la banda ha grabado este su primer álbum en el que han contado con la colaboración de Mick Schnebelen y Michael Lefever. A lo largo de las doce canciones originales que componen el disco, Heather nos cuenta, en formato de poderoso y enérgico rock-blues de carretera, algunas de sus experiencias en el mundo de la música, como por ejemplo sus largos viajes para ir a tocar, sus intensos conciertos en pequeños clubs, su duro trabajo en el mundo de la música, además de otros sentimientos como la soledad, el amor y todo lo que el blues significa para ella. MUY BUENO. Heather Newman began her musical career in Omaha, Nebraska, when she still was a small girl. Some years later she moved to Kansas City, Missouri, joining Nick Schnebelen’s band, where she played bass, listened, learned, recorded with them and, the most important thing, she sang her own songs and gradually got experience to become a solo artist. At the beginning of year 2017 she formed her own band with Keith Ladd on guitar, Ryan Flemmer in keyboards and Cole Mccarthy on drums. With these musicians supporting her leadership, Heather gives a show full of energy and strength, in an amazing communication with the audience that are caught by her music with an overflowing passion. At the end of the same year 2017 the band recorded their first album, with the special collaboration of Mick Schnebelen and Michael Lefever. Along the twelve original songs that make up the album, Heather tells us, in the form of powerful energetic roadhouse rock-blues, some of the experiences she has lived as a musician, like her long trips to play a gig, her intense shows in small clubs, her hard work in music, besides other feelings like loneliness, love and all what the blues means to her. VERY GOOD.

Little G Weevil “Something Poppin’“. VizzTone 2017.
En pocos años el cantante y guitarrista Little G Weevil se ha consolidado como uno de los jóvenes valores al alza en el campo del blues. Weevil ha sido también galardonado en diversas ocasiones y ha conseguido hacerse con un público fiel y respetuoso que le siguen en sus conciertos y compran sus discos. Con este nuevo trabajo Weevil y su banda dan un paso agigantado en la búsqueda de un sonido y un camino particular para acabar así de consagrarse como unos genuinos exponentes del sonido más actual de la vanguardia del blues. Muchas de las canciones de este nuevo álbum se inspiran en los blues afroamericanos de los años setenta, pero también en el soul, el rhythm and blues, el funk, el rock, el hip-hop y también en el rap. Es de esta forma como nuestro hombre y sus músicos consiguen abarcar un sonido nuevo y atractivo, con un punto comercial. Son ocho canciones propias más dos versiones las que dan forma a un disco creativo y bien ornamentado, en el que Little G Weevil plasma con fuerza y atractivo todo el poder de un blues pensado y dirigido hacia una nueva generación de consumidores entre los que cada vez están mas en alza. MUY BUENO. In recent years singer and guitar player Little G Weevil has become one of the emerging young blues talents. Also Weevil has been awarded several times and has managed to get a faithful audience who respectfully follow his live shows and buy his recordings. With this new album Weevil and his band take a giant step ahead looking for a distinctive sound and a particular style which finally makes them gain fame and be one of the most genuine representatives of the actual vanguard blues sound. Many of the songs on this new album find inspiration on 70’s Afroamerican blues, but also in soul, rhythm and blues, funk, rock and even hip-hop and rap. This is how our man and his musicians get a new attractive and, sometimes, a commercial sound too. Eight songs plus two versions round up a creative tastefully ornamented cd, where Little G Weevil feels free to display on an attractive strong way all the power of his blues, specially devoted to a new generation of fans who are daily increasing and appreciating his music. VERY GOOD.

Ronny Aagren & His Blues Gumbo “Close To You”. Hunter 2017.
Igual que el gumbo de la Louisiana tiene numerosos y sabrosos condimentos e ingredientes, Ronny Aagren & His Blues Gumbo cocinan y se esmeran en presentar unos platos compuestos por sus personales guisos, llenos de los más placenteros sabores, olores y colores, a base de Mississippi Delta blues, New Orleans rhythm and blues, Texas blues y ese punto de rock and roll tan atractivo con el que elaboran sus canciones. Pero lo más curioso del caso es que estos cocineros tan bien ensamblados y creativos provienen de Noruega, formando el grupo en el año 2016. De todos modos su líder, el cantante y guitarrista Ronny Aagren, es un músico con experiencia que inició su carrera hacia finales de la década de los años ochenta y que desde siempre ha admirado con veneración y respeto a artistas como Robert Johnson, Blind Willie Johnson, B.B. King, Howlin’ Wolf, The Fabulous Thunderbirds o Ry Cooder entre muchos otros. La banda está formada por Ronny Aagren guitarra, voz y composición, Alexander Andrè Johnson al piano, órgano y coros, Roar Paulsberg al bajo y coros y Ole-Christian Rydland a la batería y coros. Al igual que cocinar un buen gumbo es tarea harto difícil, la experiencia y el talento de este grupo les hace presentar un plato cinco estrellas. BUENISIMO. As happens with Louisiana gumbo, that needs many tasty ingredients and species, Ronny Aagren & His Blues Gumbo cook and do their best to present some dishes cooked with their personal stew and the most pleasant flavours, smells and colours, based on Mississippi Delta blues, New Orleans rhythm and blues, Texas blues and some drops of attractive rock and roll that round up all songs. But the most curious thing is these teamed creative cookers come from Norway and formed the band in year 2016. Anyway, band leader, singer and guitar player Ronny Aagren is an experienced musician who started his career at end of the 80’s. During all these years he has always venerated and admired artists like Robert Johnson, Blind Willie Johnson, B.B. King, Howlin' Wolf, The Fabulous Thunderbirds or Ry Cooder among many others. The band is formed by Ronny Aagren on guitar, vocals and song composition, Alexander Andrè Johnson on piano, organ, and backing vocals, Roar Paulsberg on bass and backing vocals and Ole-Christian Rydland on drums and backing vocals. As cooking a really good gumbo is a difficult task, the experience and talent of all band musicians make them able to make us savour a five stars dish. GREAT.

FreeWorld “What It Is”. Swirldisc / Blind Raccoon 2017.
Para celebrar sus treinta años en activo, la banda FreeWorld  publica ahora un excelente trabajo grabado en los famosos Ardent Studios de Memphis. FreeWorld es un grupo imprescindible y toda una atracción en el mundo del espectáculo de Memphis, lo que les ha dado la oportunidad de compartir escenario con artistas de la talla de Levon Helm, Billy Preston, Dereck Trucks, Hot Tuna, Los Lobos, Dr. John, James Cotton, Jimmie Vaughan, Susan Tedeschi y muchos otros de gran nivel y envergadura. La edad de los ocho músicos que actualmente forman este grupo oscila entre los veinte años de su miembro mas joven, hasta los ochenta y siete años del legendario saxofonista Dr. Herman Green (Miles Davis, John Coltrane, B.B. King, Lionel Hampton, Bob Weir…) Las once canciones del álbum reflejan una interesante mezcla de sus muchas, variadas y variopintas influencias que van desde Booker T. & The M.G.’s hasta John Coltrane, Frank Zappa, Grateful Dead, Steely Dan o The Meters. En el disco se recogen todas estas y algunas más lo que le da una gran variedad de colores y texturas. A pesar de ello el álbum tiene un punto de partida y un hilo conductor que se desarrolla sin ningún tipo de descoordinación y con una calidad musical que sorprende muy gratamente. MUY BUENO. To celebrate their 30 anniversary, FreeWorld publishes now an excellent album recorded in the famous Ardent Studios in Memphis. FreeWorld is an essential attractive group of the entertaining Memphis scene, which have given them the opportunity of sharing stage with such high quality artists like Levon Helm, Billy Preston, Dereck Trucks, Hot Tuna, Los Lobos, Dr. John, James Cotton, Jimmie Vaughan, Susan Tedeschi and many more great ones. The age of current eight band members ranges from 20 years of his youngest member to eighty-seven years of legendary sax player Dr. Herman Green (Miles Davis, John Coltrane, B.B. King, Lionel Hampton, Bob Weir…) The eleven songs included in the album reflect an interesting mixture of their many, varied and diverse influences ranging from Booker T. & the M.G.'s to John Coltrane, Frank Zappa, Grateful Dead, Steely Dan or The Meters. All these and some more can be found in the recording, which gives as a result an amazing variety of colours and textures. Nevertheless, the album has a departure point and a thread that runs with a perfect coordination and an outstanding musical quality that will pleasantly surprise most listeners. GREAT.

Ilya Portnov “Strong Brew”. Self Production / Blind Raccoon 2017.
El virtuoso armonicista ruso Ilya Portnov nos presenta su primer disco con el que se estrena cara al público. Es un trabajo ecléctico, variado y totalmente instrumental. En el disco encontramos diversos estilos y fuentes musicales que han jugado un papel importante en su vida. No es extraño que habiendo vivido y estudiado en Estados Unidos, tanto el jazz como el blues estén presentes en su obra, pero también encontramos el forro y el choro brasileños, además del folklore centroeuropeo y el de su tierra natal Rusia, algo que tampoco suele faltar en su música. El disco se grabó en los estudios Greaseland del conocido guitarrista y productor Kid Andersen, situados en San José, California. Además de Ilya Portnov a las armónicas cromática y diatónica, también se encuentran en el álbum el propio Kid Andersen a la guitarra y el bajo, junto a Chris Burns al piano y teclados y June Core a la batería y percusión y, como invitados, están en alguna canción Ben Andrews al violín, Rob Vye a la guitarra y percusión y Robby Yamilov al bajo. Un disco recomendable para los amantes de la armónica, un instrumento que Ilya toca con endemoniada habilidad e increíble técnica. Un disco especialmente recomendado para todos aquellos que busquen calidad y variedad de estilos y formatos. MUY BUENO. Russian virtuoso harmonica player Ilya Portnov brings us his debut album that introduces him to general audiences. It is an eclectic, varied and completely instrumental recording. The album gathers a variety of sources and musical styles which have had an important role in his life. It is not surprising that living and studying for quite a long time in United States, jazz and blues are present in his music, but we also find Brazilian forro and choro and, of course, elements of central Europe folk and his native Russia music. The album was recorded in well-known guitar player and producer Kid Andersen Greaseland studios, in San Jose, California. Besides Ilya Portnov on diatonic and chromatic harmonicas, you will also find just mentioned Kid Andersen on guitar and bass, Chris Burns on piano and keyboards and June Core on drums and percussion, as well as guest musicians Ben Andrews on  violin, Rob Vye on guitar and percussion and Robby Yamilov on bass in a few songs. This is a highly recommendable album for harmonica lovers, an instrument Ilya plays with a terrific ability and an incredible technique. A very special cd for those people who mainly look for quality in a variety of styles and formats. GREAT
 

Imprescindible/Essential; Muy Bueno/Great; Bueno/Very Good; Correcto/Good; Flojo, Sin Interes /Bad, Uninteresting

Solo recibirán reseñas en esta página los cd's o DVD's exclusivamente de blues que sean enviados con su portada y contraportada original, si llegasen sin alguna de estas dos partes no se les escribirá ninguna critica. Tampoco se harán reseñas de los discos o DVD's que no hayan sido publicados formalmente, es decir, que no se puedan encontrar a la venta en las tiendas de discos o en las mas importantes de internet (cdbaby, amazon, cduniverse, bluebeat, etc) y, por supuesto, tampoco recibirán critica las copias de cds, demos, promotional copies.... Gracias
Cds or DVD¡s that will receive review on this site are exclusively blues ones. Also reviews will only be done to complete cds or DVD's, that is to say, records that have been sent to us with original cover and  tray card, if they arrive without them, there will not be reviewed. Also reviews will be only done to cds or DVD's that have been published, that is to say, that can be found on record stores, shops, or at the most important Internet ones (cdbaby, amazon, cduniverse, bluebeat...). Reviews will not be done to copies of the original ones, demos, promotional copies... Thank you

Please, send your BLUES CDs or BLUES DVDs (NOT DEMOS, COPIES, SINGLES AND EP'S) for air-play and review. There will only receive air-play and review blues cds that have been published. So please, do not send demos, singles, copies of original cds or other musical styles that are not blues.
For air play and review send two copies (one for airplay and another for review) of each cd with COVER AND TRAYCARD + PROMO BIO MATERIAL OR PRESS KIT to:


Vicente P. Zumel
Radio PICA - La Hora del Blues
Apartado de Correos 12.085
08080 Barcelona - Spain

Pagina Principal/Home
El Programa de Radio/The Blues Radio Show - La Programación/Playlist - Novedades Cds/Cds Received - Criticas Discos Antiguas/Old Cds Reviews - Reconocimientos/Show Aknowledgements - Links de Interés/Logo Links - Posters Blueseros/Blues Posters

Quien es Zúmel/Who is Zumel - Las Fotos/Blues Gallery - La "Harmonica Zúmel Blues Band"/The late "Harmonica Zúmel Blues Band" - La Sociedad de Blues de Barcelona S.B.B/Barcelona Blues Society SBB

Agenda de Conciertos/Blues Gigs Calendar - Las Noticias Nacionales/Spanish Blues News - Los Artículos Nacionales/Spanish Blues Articles - Colaboraciones/Contributions - El Diccionario de Blues - El Video del Mes - Monthly Recommended Video - Nuestras Entrevistas/National Interviews

Las Noticias Internacionales/International Blues News - Los Articulos Internacionales /International Blues Articles - Las Entrevistas desde USA/The USA Interviews
E-mail/Feedback